A l’instar des Young Gods, The Ex est un autre groupe culte. La légende prétend que leur formation se serait réalisée dans un squat d’Amsterdam. Trente années que la formation batave roule sa bosse sur la scène alternative. Et des groupes comme Sonic Youth, Fugazi ou Sloy les citent en référence.
Et c’est d’ailleurs directement à ces deux dernières formations que je pense, à l’écoute du titre d’ouverture, « Maybe I was the pilot ». Mais très vite mon enthousiasme va s’essouffler. Pourtant, l’opus est produit par Steve Albini ; mais ses 9 titres manquent de subtilité. Et pas seulement parce que le nouveau chanteur Arnold de Boer (NDR : de boer se traduit par ‘le paysan’ en néerlandais, ca ne s’invente pas) ne possède pas le charisme de Sok, membre fondateur, qu’il a remplacé. Il y a bien quelques touches jazzyfiantes ou encore garage qui assouplissent, circonstanciellement, le tranchant des six cordes. Ou encore une compo plus insolite et tempérée, intitulée « Eoyelo », un morceau évoquant la beauté des femmes Gurage, un groupe ethnique de l’Ehiopie, pays dont est passionné le nouveau leader de The Ex. Mais dans l’ensemble, cet opus m’a laissé sur ma faim. Cependant, vu l’aura dont dispose le combo (NDR : son engagement sociopolitique, son concept de distribution DIY et ses prestations ‘live’ fabuleuses), on leur pardonnera ce faux pas. En attendant une prochaine sortie, qui ne devrait tarder, la discographie du groupe se révélant plutôt prolifique…
La France regorge de talents à découvrir. Malheureusement, une poignée de privilégiés continuent de s’accaparer les médias, la TV surtout.
Heureusement, les labels indépendants continuent de faire de la résistance. A l’instar du ‘Folklore de la Zone Mondiale’. Lancée par les Bérurier Noir, cette écurie à notamment sorti de l’ombre des formations comme Ethnopaire, Guarapita ou encore Lucrate Milk. Familha Artús, c’est leur dernière révélation. Son album « Drac » (dragon en Gascon) constitue un véritable produit du terroir. Il sent bon le savant mélange de cultures, la chaleur du pays basque ainsi que la découverte de contrées inexplorées jusqu’alors.
Attention cependant, à moins d’avoir une oreille avertie, cet elpee nécessite plusieurs écoutes avant d’être apprécié à sa juste valeur. Les compos oscillent allègrement du tribal (« Jo vos i voi diser ua cançon ») au futuriste (« Monem »), en passant par le folk, l’ethno, l’urban, l’électro le prog rock et même le métal (« Demens la vila de bordeu »), sans pour autant négliger le groove.
Mais au beau milieu de ce voyage surprenant et agréable, figure un titre étincelant, un véritable joyau à l’état pur, à écouter en boucle : « Capiteni salias ». Une petite merveille. Un véritable chant de bataille de plus de 10 minutes. Et si un clip vidéo devait être consacré à ce titre, il faudrait carrément lui réserver un court-métrage. Et encore, il pourrait servir de BO à lui tout seul !
« Cantem en allegressa » prend le mélomane en otage, le séquestre en terre inconnue, et l’endoctrine afin qu’il rejoigne la cause du collectif. Réellement captivant, cet opus donne envie de découvrir le groupe en live. Leurs prestations accordées sur les planches ont d’ailleurs défrayé la chronique au sein de l’Hexagone (NDR : notamment lors de leur set accordé aux Vieilles Charrues), mais également en Italie et en Espagne. Espérons qu’ils feront bientôt un crochet par la Belgique. Un appel du pied est lancé aux organisateurs.
Si vous jetez un coup d’œil sur son profil MySpace, vous y trouverez Cécile Hercule répertoriée comme artiste pratiquant de la ‘musique classique japonaise’… Ah bon ! Ben oui, pourquoi pas ?
Touche-à-tout dans le milieu artistique, cette jeune Lyonnaise débute par une école de cirque, apprend la guitare en compagnie de son père, qui lui communique le goût de la pop (NDR : des Beatles, en particulier) et de la chanson française. Elle suit des cours de théâtre, écrit même une pièce, s’achète une guitare lors d’un voyage à Madagascar, compose cinq maquettes dans la foulée et accorde son premier concert dès 2005. Ouf !
Repérée et vite adoptée par Michaël Furnon (Mickey 3D), elle le suit durant sa tournée de 2009 pour assurer des premières parties empreintes de fraîcheur, mais également pour participer à ses concerts.
Grâce à ce coup d’accélérateur, sa carrière prend enfin son envol et c’est en fin de printemps 2010 qu’elle propose son premier opus, « La tête à l’envers ».
Dix titres et un clip nous sont proposés par l’ex-cracheuse de feu et jongleuse. Visiblement, les arts de la rue l’ont marquée. Ses ritournelles font immanquablement penser à un spectacle ambulant. Légères mais parfois lourdes de sens, ses chansonnettes s’écoutent, un petit sourire en coin. La force de ses morceaux réside dans ces textes d’une grande poésie bien soutenus par des mélodies aux sonorités résolument pop.
Mélange d’humour, d’amour, de gravité et de légèreté, ce disque original, qui ne dure pourtant que 31 minutes, devrait plaire facilement à tout amateur de chanson française.
Ben oui, j’avais mentionné cet elpee dans mon Top 20 de l’année 2010. Un choix qui a certainement dû s’imposer à tout cadre de la SNCB…
A ce jour la formation insulaire (NDR : de Leeds, très exactement) a publié une poignée de singles, deux Eps et deux elpees. Le premier, « Elegies to lessons learnt » avait donné d’ailleurs donné lieu à une suite sous la forme d’un Dvd réalisé par Ashley Dean (NDR : voir notre chronique à ce sujet).
Première constatation ILiKETRAiNS a changé son patronyme en I Like Trains. Plus facile à écrire quand même. Guy Bannister est toujours bien présent. Et surtout sa voix de baryton. De quoi continuer à communiquer une ambiance caverneuse aux titres. Et à surfer sur la vague du succès des Editors, Interpol, The National, Get Well Soon et consorts. Pourtant, après avoir bien écouté cet opus, il faut reconnaître que le combo commence à se libérer progressivement du stéréotype et surtout à briser une certaine uniformité qui prévalait tout au long du premier long playing. Les poussées de riffs noisy se révèlent davantage atmosphériques. Des chœurs sortent de l’ombre. Bref, si le climat n’est pas nécessairement optimiste, il est néanmoins moins ténébreux et introspectif que sur le premier essai. De quoi se libérer d’une filiation revivaliste post-punk voire d’un héritage ‘joydivisonesque’, auxquels de nombreuses formations contemporaines sont toujours prisonniers. D’ailleurs certaines compos pourraient servir de BO de film. Cependant, le combo a eu le bon goût de ne pas gommer toutes les caractéristiques essentielles de son expression sonore. La voix, bien sûr. Sans trop en faire, quand même. La ligne de basse très 80’s. Et surtout le sens mélodique classieux et évanescent.
Chez un artiste ou un groupe, le second essai est souvent périlleux. En publiant ce « He who saw the deep », I Like Trains vient donc de réussir parfaitement cette épreuve. Tout en empruntant une nouvelle direction. Et c’est tout à leur honneur…
Liz Janes possède certainement beaucoup de talent. Pas pour rien qu’elle apporte régulièrement son concours au grand Sufjan Stevens. Ils militent, d’ailleurs, tous les deux sur le même label, Asthmatic Kitty. « Say Goodbye » constitue son quatrième elpee.
« I Don’t Believe » ouvre l’elpee. Un compo qui baigne au sein d’un climat r&b particulièrement chaleureux. Puis, c’est le vide. De quoi endormir un hyperkinétique. Son folk teinté de jazz voire de blues est même tout bonnement soporifique. Pourtant les arrangements sont parfaits, l’instrumentation irréprochable, la voix superbe et les lyrics tiennent la route. Mais je défie quiconque de vibrer à l’écoute des comptines de Miss Janes. Sur la toile, je n’ai pas rencontré le moindre article détracteur. Cependant, après avoir écouté le quatrième morceau, intitulé, « Anchor », j’ai arrêté les frais. Serais-je passé à côté du message de cette native de l’Indiana ? Possible. Une chose est sûre, l’indolence des compos est absolument désespérante. J’ai cherché vainement un grain de folie. Je n’ai même pas trouvé une mélodie à laquelle s’accrocher. Non mais imaginez : mes parents n’ont jamais supporté que l’on puisse partager un repas en écoutant de la musique. Pourtant, dans ces conditions, l’écoute de cet opus de Liz Janes ne les a pas dérangés. C’est dire…
Suite à l’excellent, quoique très bref Ep, paru fin novembre 2010 (voir par ailleurs la critique du 14-12-2010), Mélissmell nous revient pour un premier album complet, découpé en 12 titres et intitulé « Ecoute s’il pleut ».
Subjugué, il y a quelques semaines, par ce talent naissant, le charme de la Strasbourgeoise d’adoption opère à nouveau et me laisse sur le c... Les trois morceaux annonciateurs n’étaient en fait que l’arbre qui cachait la forêt. La jeune femme a plus d’une corde à son arc. Et elle vise juste la diablesse ; ses flèches font mouche !
Lorsqu’elle s’engage dans la voie rock, elle écrase la pédale de gaz à l’aide de textes réalistes qui bastonnent dur sur une rythmique dévastatrice. Pour enfoncer le bouchon encore plus loin, elle martyrise (si j’ose dire) son organe vocal à la perfection, le poussant dans ses derniers retranchements, aux portes de la rupture. Une voix qui sert admirablement des compos telles que « Aux armes », « Je me souviens », « Sobre la muerte », « Les enfants de la crise », « Le silence de l’agneau », « Sens ma fatigue » que ne renieraient certainement pas Noir Désir ou Eiffel.
Mais Mélissmell va au-delà de ces comparaisons. Le reste de l’album est, musicalement parlant, complètement à l’opposé des revendications un peu brutes de l’Ardéchoise de naissance. C’est là que l’artiste ose nous dévoiler une face cachée de sa personnalité. Une face qui laisse la place à la sensibilité, la légèreté et la douceur acoustique. Une autre où Mélanie (de son véritable prénom) met son cœur à nu, où elle laisse enfin s’exprimer d’autres sentiments tels l’amour (« Viens », « Ecoute s’il pleut », « L’éveil »), la joie ou le rêve (« Plutôt rêver »). Elle en arrive même à faire (sou)rire lorsqu’elle joue avec les mots sur « Le mouton »…
Un album fluide et rempli de sens, mais également révélateur du parcours de Mélanie Coulet : engagé, lucide, romantique, tendre et violent à la fois.
A (re)découvrir ! Sans doute une des révélations de la scène française de ce début d’année.
‘Moke from Asterdam’, comme ils se présentent, est un groupe néerlandais peu notoire en Europe continentale, qui connaît pourtant un énorme succès aux Pays-Bas et jouit d’une certaine notoriété chez les mélomanes avertis anglais et allemands. Lors de l’enregistrement de leur premier album, « Shorland », en 2007, ils ont rencontré Paul Weller chez leur producteur commun, Joeri Saal, qui leur a d’emblée proposé d’assurer la première partie de sa tournée européenne. Leur carrière était donc lancée à Londres avant même que leur premier disque ne soit dans les bacs. Les médias prennent ensuite le relais pour leur fournir une couverture qui les transforme en businessmen malgré eux : suite à des plateaux télé remarqués, leurs singles ont servi de soundtrack à la ligue des champions de l’UEFA sur la télé néerlandaise en 2007. Ils apparaissent également dans une publicité pour Toyota, et pour la bière Grolsch. Enfin, dans cette ivresse commerciale, Karl Lagerfeld a lui-même revisité leur look ébène chic et épuré en leur consacrant une entière collection. Leur popularité nationale s’en voit donc solidement assise.
Mais cette glorieuse envolée n’a pas été sans amener quelque pression dans les expectatives pour l’album suivant : la formation a cependant décidé d’éviter le réchauffé et de modifier les balances, en insistant sur le synthé et les cordes, même si les deux guitares principales sont toujours bien présentes. S’ils définissent leur musique par ‘de l’indie pop à orientation brit’, ils ajoutent désormais ‘qui peut [et doit] remplir les stades…’ Leur montée fulgurante est proportionnelle à l’augmentation de la taille des salles où ils ont joué ; ils ont constaté que leur musique sonnait mieux face à 1000 personnes que dans un petit bar et c’est donc leur grandiloquence qui a influencé la production de leur second opus. Pas étouffés par la modestie, ils avaient de grandes attentes… et c’est mission accomplie : le spectre sonore de « The Long and Dangerous Sea » est élargi à l’aide d’un orchestre, ce qui lui a permis de dépasser le disque d’or, tout comme son précédent elpee.
Ce disque véhicule l’esprit de nos groupes flamands, en plus… commercial (« Window of Hope »). La voix de Felix Maginn est une pâle copie de Starsailor (« The Long and Dangerous Sea », « Love My Life ») aux paroles moins explicites. Le synthé est grésillant (« Window of Hope », « Ghost »), redevient piano (« Nobody’s Listening ») ou est supplanté par un saxophone (« Black and Blue »). Moke réinscrit Amsterdam sur la carte du pop rock grâce à leur esprit de ‘grandeur’ interpolienne ; espérons que leurs concerts ne soient pas aussi stériles que ceux de leurs modèles…
Les Fleet Foxes sont enfin de retour avec leur très attendu second album. Il s’intitule « Helplessness Blues » et sera disponible dès le 30 avril en Belgique. Une tournée suivra la sortie du disque. Aucune date belge n’est encore au programme mais nul doute qu’on les croisera lors de l’un ou l’autre festival. Les plus impatients pourront se rendre le 30 mai au Bataclan, à Paris.
La plage-titre de l’album est disponible gratuitement au téléchargement ici!
Les détails du 3e album de Metronomy ont enfin filtrés. "The English Riviera" verra le jour le 11 avril. Il est précédé du single "She Wants", déjà disponible au téléchargement. La formation viendra par ailleurs défendre ce nouveau disque sur la scène du VK* le 6 mai.
Tracklist:
The English Riviera
We Broke Free
Everything Goes My Way
The Look
She Wants
Trouble
The Bay
Loving Arm
Corinne
Some Written
Love Underlined
Depuis 2004, l’esprit d’Arthur Russell ne cesse d’alimenter l’inspiration de nombreux adeptes des sonorités expérimentales et du milieu disco underground. Après avoir publié l’excellent documentaire « Wild Combination », réalisé par Matt Wolf, la biographie essentielle de Tim Lawrence (« Hold On To Your Dream ») ou encore les rééditions de l’énorme discographie de Russell signées Souljazz Records, Audika et Sleeping Bag Records, c’est Strut qui vient s’ajouter à la liste en signant le remarquable Arthur’s Landing, un collectif de 6 musiciens emmené par Steven Hall. Caractéristique particulière chez ce team, les six membres on tous collaboré avec Russell durant sa courte vie (il est décédé en 1992 des suites du SIDA). On retrouve entre autre Ernie Brooks des Modern Lovers, Peter Zummo ou encore Joyce Bowden, l’irrésistible voix sur le tube disco « Tell You (Today) » signé Loose Joints. Véritable influence pour ses paires contemporaines (DFA, Hercules and Love Affair, etc.), Russell méritait bien encore un hommage. Et qui de mieux pour y parvenir, que ses anciens collègues ! Richement orchestré par Brooks à la basse, Hall à la guitare, Zummo au trombone sans négliger les percussions de Mustafa Ahmed, « Arthur’s Landing » comprend des nouvelles versions des compositions de Russell. Quelques unes connues et d’autres jamais entendues auparavant. Le tout produit par le légendaire Zummo.
On épinglera donc les versions sublimes de « Love Dancing » issu du classique de Loose Joints, « Is It All Over My Face ? » ou encore la transformation du magnifique « In The Light Of The Miracle » intitulé « Miracle 2 » où on reconnait distinctement la voix et le clavier de Elodie Lauten, co-compositrice du track. A cette plaque, s’ajoute des inédits dont l’exceptionnel ébauche de « I’ll Be Fencing » sur lequel Ernie Brooks pose sa voix.
« Arthur’s Landing » est encore une preuve de la notoriété post mortem grandissante d’Arthur Russel. Un joli moment d’extase pour les oreilles. Et comme presque toujours, c’est signé Strut. Merci !
J’avoue qu’après avoir écouté cet album, j’ai éprouvé les pires difficultés à définir le style musical de ce Forest Swords. Une chose est sûre : il est étrange. Conservons-donc le résultat de cette périlleuse analyse pour la fin de l’article !
Forest Swords c’est le projet solo de Matthew Barnes. Un producteur anglais quasiment inconnu au bataillon. « Dagger Paths » constitue son premier elpee. Un disque dont l’expression sonore ressemble à un puzzle sonore atmosphérique. Atmosphérique, mais aussi sombre, puissant et menaçant. Les morceaux sont partagés entre riffs de guitares, samples, voix tribales, réverbération ou encore beats singuliers, à l’instar du titre qui ouvre l’elpee, le spectaculaire « Miarches ». Barnes reconnaît avoir été influencé par le hip-hop et le R&B. Désolé, mais hormis quelques beats, je n’en ai pas relevé d’autres traces sur ce disque. Il y aurait même un sample d’Aaliyah. Faut vraiment bien chercher, alors. Découpé en huit fragments, « Dagger Paths » pourrait cependant sonoriser les scènes les plus abscondes du cinéma de Lynch ; ultime référence en matière d’ambiance onirique et glauque. « Forest Swords » serpente entre les paysages mentaux d’une jungle inhospitalière et claustrophobe. Le plus bel exemple ? « Holylake Mysst », une compo de sept minutes dont le parcours parsemé de percussions, de basses dub caverneuses et de distorsions malveillantes s’élève jusqu’aux ténèbres… Charmant ! Et le reste de l’œuvre est de la même trempe. Bref, on ne rigole pas beaucoup à l’écoute de cette messe noire célébrée par le maître de cérémonie. Et franchement, si c’est du hip-hop, c’est alors Missy Elliott remixé par SunnO)))) !
Si cet album constitue une belle découverte, pour votre serviteur, elle n’est pas à mettre entre toutes les oreilles du mélomane lambda. D’abord je vous déconseille vivement son écoute si vous êtes de mauvaise humeur, à moins que vous ne vouliez ruminer votre vengeance. Ah oui, j’allais oublier ? Le style musical ! Quelque part entre la house, la techno tribale et le drone. Difficile à imaginer ? Mais après avoir procédé à plusieurs auditions, vous me comprendrez mieux. « Dagger Paths » ? Cauchemars assurés.
Après plus de 4 années d’absence, les Strokes publieront un nouvel album le 21 mars prochain. Intitulé « Angles », il sera précédé, dès ce mois de février, par la sortie du single « Under Cover of Darkness ».
Track listing:
1. Machu Picchu
2. Under Cover of Darkness
3. Two Kinds of Happiness
4. You’re So Right
5. Taken For A Fool
6. Games
7. Call Me Back
8. Gratisfaction
9. Metabolism
10. Life Is Simple In The Moonlight
La nouvelle prodige de la scène pop américaine, Alex Winston, est sur le point de publier son 1er mini LP. Produit par The Knocks et Charlie Hugall (Florence and the Machine), “Sister Wife » paraîtra ce 14 février. Très attendu, ce disque est déjà encensé par les magazines The Sunday Times et Nylon.
http://www.myspace.com/alexwinston
Les musiciens de Wilco ainsi que leur manager ont créé dBpm Records, leur propre label, afin de publier les prochains albums du groupe américain, mais également ceux de formations qu’ils souhaitent soutenir, dans le futur. Et c’est ANTI-Records qui se chargera de la distribution.
Cat’s Eyes est un duo réunissant Rachel Zeffira, une soprano canadienne multi-instrumentiste et Faris Badwan, le chanteur de la formation psychédélique insulaire The Horrors. Le tandem proposerait une pop particulièrement influencée les productions 60’s chères à Phil Spector et Joe Meek. Leur premier Ep, « Broken glass » sera publié ce février. Et un album est annoncé pour le 25 avril.
Tracklisting
1. Cat’s Eyes
2. Best Person I Know
3. Sunshine Girls
4. Love You Anyway
Un enregistrement ‘live’ du morceau « I Knew It Was Over », accordé au Vatican ( !), est en téléchargement gratuit sur le site du groupe. Les cardinaux ont, paraît-il, adoré !
Cat's Eyes sera de passage à l'AB le 19 mai.
Smooth Lee est une formation de ska-punk qui s’est inspirée de l’impasse politique belge, pour composer une chanson intitulée « The Great Divide ». En fait, le groupe s’est souvenu de Jacques Brel, qui déjà au cours des 70’s, dénonçait l’absurdité des querelles communautaires en Belgique. Ce titre est à écouvrir sur le net…
http://www.youtube.com/watch?v=BgBlVj10ZWc
Et tant qu’on y est une interview accordée par le Grand Jacques… de son vivant, bien sûr...
http://www.youtube.com/watch?v=dCTUvW6Slys&feature=related
Clark revient avec « #1 », une série de mixes déjà disponible en téléchargement.
http://facebook.com/throttleclark
Le DJ sera également derrière ses platines, le 25 mars, au Steelgate à Bruxelles.
Seefeel offre en téléchargement gratuit « Dead Guitars », un titre issu de son prochain album, dont la sortie est prévue pour ce 31 janvier.
Ce nouvel album, le premier depuis 14 ans, prélude une tournée européenne qui passera par l’AB Club de Bruxelles, ce 25 mars.
Domino annonce la sortie du premier album Anna Calvi, un disque particulièrement attendu, hanté par fantômes de Nina Simone et la Callas. Vous aurez, en outre, l’opportunité, d’aller découvrir ce qui risque de devenir la révélation 2011. Où ? Sur les planches de la Rotonde du Botanique de Bruxelles, ce 9 février.
Tracklist
1 – Rider To The Sea
2 – No More Words
3 – Desire
4 – Suzanne and I
5 – First We Kiss
6 – The Devil
7 – Blackout
8 – I’ll Be Your Man
9 – Morning Light
10 – Love Won’t Be Leaving
Le live de “Love Won’t Be Leaving” est à découvrir sur YouTube.
http://www.youtube.com/watch?v=SxDmCTV0YrY
L’électro du producteur anglais Bibio est en passe de marquer de nouveaux points. Et pour cause, il publiera son quatrième album « Mind Bokeh » ce 4 avril, un disque qui fait donc suite à l’acclamé « Ambivalence Avenue ». Il agira du premier elpee pour Warp.
Tracklisting:
1. Excuses
2. Pretentious
3. Anything New
4. Wake Up!
5. Light Seep
6. Take Off Your Shirt
7. Artists' Valley
8. K is for Kelson
9. Mind Bokeh
10. More Excuses
11. Feminine Eye
12. Saint Christopher
The Wombats seraient-ils devenus le meilleur groupe pop/rock anglais de sa génération ? Ils tirent, en tout cas, une fierté toute personnelle de leur prochain opus, qu’ils ont d’ailleurs intitulé "The Wombats Proudly Presents... This Modern Glitch". Produit par Eric Valentine (Queens of the Stone Age) et Jacknife Lee (U2, REM), il sortira le 12 avril prochain. Lerus son énorme et leur savoir-faire pop non-négligeable devrait faire la différence.
Le nouveau clip "Jump into the Fog" est dispoinble sur YouTube ainsi que celui de « Tokyo (Vampires & Wolves) ».
Le premier opus de The Head and the Heart tombera dans les bacs ce 8 avril. Une formation américaine (issue de Seattle très exactement) qui pratique une musique folk fortement inspirée par Neil Young. L’elpee a bénéficié du concours de Shawn Simmons à la production.
A découvrir le 3 avril à l’AB à Bruxelles.
http://www.theheadandtheheart.com
“Do It Again” sera le dernier extrait mis à la disposition des internautes avant la sortie du très attendu prochain album éponyme des Américains d’Holy Ghost! Leur mélange de hip-hop, post-punk, disco et funk fait la part belle aux beats cools et aux synthés. N’ayez crainte, DFA se trompe rarement…
http://www.myspace.com/holyghostnyc
http://www.holyghostnyc.com
http://www.dfarecords.com
Green l.f.ant Music Company fête, cette année, ses 10 ans d’existence. Chaque mois, le label ira rechercher le clip d’un artiste avec lequel il a travaillé durant ces dix dernières années.
Le premier « Inner Peace », était signé Triggerfinger !
http://www.facebook.com/greenlfantmusiccompany
Triggerfinger a sorti son premier album chez Green l.f.ant en 2004.
Pour fêter ses 6 années d’existence, le label français indépendant Roy Music vous offre une compilation MP3 de ses artistes (Vismets, Mademoiselle K, Hangar,…). Elle est disponible sur son nouveau site Internet.
Bjørn Torske est un producteur spécialisé dans la house. De nationalité norvégienne, il a, entre autres, apporté son concours à Röyksopp, en compagnie duquel, il partage la même ville d’origine : Tromsø. « Kokning » constitue son 4ème album studio. Mais Torske est un Scandinave au sang chaud. Et pour cause, il mêle ses créations house à la musique ‘baléarique’ tout en leur administrant quelques touches de disco. Son style, baptisé ‘Skrangle-house’, fait d’ailleurs des ravages dans les night-clubs d’Oslo. Son expression sonore ne se limite pas seulement à l’électronique, car il communique une âme à ses compos ; ce qui les distingue de la plupart des productions désincarnées du genre. Torske privilégie l’enregistrement d’instruments basiques, opération qu’il réalise chez lui, au sein des différentes pièces de sa maison, afin d’en capturer des acoustiques distinctes. Puis il remixe le tout sur des pistes spécifiques. Si bien que sa musique en devient unique en son genre, même si parfois elle se révèle un peu trop répétitive, surtout quand elle emprunte un profil davantage krautrock.
Plage cool, « Gullfjellet » est le fruit d’une rencontre subtile entre cordes de guitare sèche, synthés vaporeux et beats discrets. Tout au long de « Slitte Sko », le DJ lorgne manifestement vers l’univers d’Arthur Russel. Melting pot original et éclectique, « Kokning » reflète un état d’esprit bien scandinave. Et pour cause ce terme norvégien signifie ‘faire bouillir des patates, aller pêcher, puis cuisiner le poisson et les patates’. A l’instar de ses compagnons de label, Lindstrøm ou Kim Hiorthøy, Torske navigue sur des mêmes flots paradoxaux, à la fois austères, glaciaux et allègres…
Franz Shinobi, Casse Brique, Taïfun, El Dinah,… Vous connaissez ? Alors vous avez déjà entendu parler du collectif Honest House. Créé en 2005, à Liège, par une bande d’amis, Honest House s’est peu à peu développé. A l’origine, la boîte privilégiait les artistes locaux. Depuis, elle s’est intéressée à Bruxelles (Casse Brique) et à la Flandre (Traffico). Et il faut reconnaître que la notoriété de son écurie est due à l’investissement de ses ‘boss’. A travers l’organisation de concerts et du défunt festival Honest House (NDR : un projet abandonné, faute d’affluence). Outre sa propension à couver ses poulains, Honest House offre également l’opportunité à ses artistes, de se produire en première partie de formations plus huppées, invités à se produire en Belgique, comme Redneck Manifesto, Milgram ou Enablers,…
L’anniversaire de la demi-décennie d’existence constitue une bonne occasion pour publier une compile. Sur « Archipelagos », chaque groupe interprète deux titres inédits ou qui devraient paraître prochainement. Casse Brique et Frank Shinobi, en particulier. Le collectif propage tout au long de ce recueil, son amour de la musique et de la fête, et nous procure en même temps une bonne dose de plaisir. Un grand merci pour leur investissement et bonne continuation !
‘Bien sûr que cet album est génial, sinon, je ne l’aurais pas fait’. Ces propos attribués à Waldemar Sorychta (NDR : responsable de quelques pièces d’orfèvrerie du début des années 90 et notamment de certains des meilleurs albums de Tiamat, Samaël, The Gathering, Moonspell et Sentenced) sont mentionnés sur la bio du combo allemand The Very End. Ils en disent long sur l’admiration que le producteur/musicien polonais porte à son nouveau poulain. (NDR : ou alors sur son égo démesuré).
Nous sommes cependant un peu plus mitigé quant à l’avenir radieux prédit au quintet germanique par quelques célèbres admirateurs. Car, outre Sorychta, chacun semble y aller de son petit commentaire : ‘Chansons géniales, excellents musiciens’ balance Dan Swanö (Edge of Sanity), ‘le meilleur groupe métal à venir d’Allemagne depuis longtemps’ dit Nick Barker (Lock Up, Ex-Cradle Of Filth, Ex-Dimmu Borgir). ‘Génial, je suis impressionné’, renchérit Tom Angelripper (Sodom). Ouais. Bof ! Ne vous méprenez pas. The Very End est un excellent groupe et « Mercy & Misery », son second opus est un bon album. Cependant, devant de tels éloges, nous étions peut-être en droit de nous attendre à quelque chose d’un peu plus original que ce mélange –bien exécuté, mais pas vraiment inédit– de trash moderne, de mélodeath et de métal classique.
Car il faut bien l’avouer : ce cocktail de chant hurlé hardcore, de growls mélodeath et de chant clair mélodique a cessé d’être original depuis que des centaines de groupes métalcore s’en sont emparé. Le son des guitares et de la section rythmique est absolument massif. Accordons-ce mérite au grand Waldemar. Le Polonais n’a rien perdu de son sens de la production béton.
Si, à titre personnel, nous avons apprécié les soli de guitares ‘très eighties’ signés par René Bogdanski et Volker Rummel, nous n’avons pas été subjugués par les performances vocales de Björn Goosses sur la cover d’« Immigrant Song » de Led Zeppelin. Ses ‘yeah hi yeah’ sont forcément beaucoup moins impressionnants que les ‘ah hi haaaaaa’ de l’inégalable Robert Plant’. Au rayon ‘reprises’, signalons aussi celle du « Maniac » de Michael Sambello (B.O. du film Flashdance), sympathique, mais pas vraiment originale non plus, puisque les Grecs de Firewind et les Français de Carnival In Coal avaient déjà tenté l’expérience avant eux.
Malgré des qualités indéniables, « Mercy & Misery » ne nous a pas vraiment convaincus. La prochaine fois, peut-être.
L’ex-leader auteur/compositeur et chanteur de Téléphone nous revient pour son 7ème album solo. Elle est loin l’époque où lors des fins concerts mémorables du band, Jean-Louis Aubert avait besoin d’une tente à oxygène pour reprendre ses esprits. Ben oui, plus de 25 ans déjà sont passés…
Le temps aidant, la fougue et la folie (contagieuse) ont fait place à une grande maturité, une certaine douceur, voire une tendresse volontairement partagée avec ceux qui comme lui ont réussi à évoluer, passant avec plaisir de l’adolescence (et ses excès) à l’âge adulte (et sa sagesse…)
Depuis 1989, Aubert voyage seul au volant de son ‘vaisseau musical’. Seul mais toujours très bien entouré : ‘C’est quand tu es en solo que tu es le plus entouré. Tu as une pléiade de musiciens autour de toi. Forcément tu es plus ouvert aux autres... Il y a eu des moments au sein de Téléphone où je me sentais plus seul’
Sept albums jalonnent sa carrière solo et chacune de ses œuvres aura marqué son époque, « Plâtre et ciment » (1987), « Bleu Blanc Vert » (1989), « H » (1992), « Stockholm » (1997), « Comme un accord » (2001), « Idéal Standard » (2005) et enfin « Roc Eclair » (2010).
Que dire de ce nouvel opus ? Il y a deux façons de voir les choses.
Soit on se dit qu’il a vraiment vieilli le Jean-Louis et que sa pêche légendaire se fait de plus en plus discrète, que ce disque manque de punch, de rythme, d'électricité, manque de rock… Et on repart déçu, nostalgique, les oreilles fanées…
Ou alors on se dit que le bougre évolue vraiment, plongeant volontairement dans la simplicité, la fraîcheur de l’acoustique et le dénuement des mélodies reposantes, le tout enrobant des textes de qualité qui parlent de la vie vraie et juste. Vie qu’il contemple et qu’il célèbre au travers de textes très personnels, parfois (souvent) influencés par mort de quelques proches, Guillaume Depardieu, Fred Chichin, Olivier Caudron, son ami d’enfance et plus encore par la disparition de son père.
Sur les douze titres qu’il nous délivre, Jean-Louis Aubert signe toutes les paroles, toutes les musiques et assure les guitares, piano, harmonica, basse, batterie et même tambourins faisant sans aucun doute de ce septième album, le plus personnel et le plus intimiste.
Basta le ‘Tchack boum’, le rock carré des eighties et place à la sensibilité, à la douceur, à la pureté mélodique. A 55 balais, on a l’impression que l’ex-chanteur de Téléphone a besoin de faire le point, de prendre du recul par rapport à ses 40 (premières) années de carrière et peut-être même, qui sait, de prendre un nouveau départ.
« Roc’éclair » nous offre une proximité encore jamais expérimentée depuis le début de la carrière de Jean-Louis Aubert. Entre rock, folk et sonorités reggae, on ‘embarque’ dès les premières notes dans ce vaisseau riche et multiple, généreux mais tellement personnel.
Tant pis pour ceux qui ont décroché. Moi, j’ai pris ma place, j’ai acheté mon ticket et je suis monté à bord sans trop me poser de questions. Et vous que faites-vous ? Un pas en arrière ou un en avant ?
Moitié des Tellers depuis ses débuts, en 2006, Charles Blistin a décidé de quitter le navire, lorsque son groupe a enfin surfé sur la vague du succès. Fort de deux albums très remarqués, le combo belge commence à engranger les mérites et récompenses de la critique qui lui sont dues. C’est pile poil à ce moment que Charles lâche ses potes pour prendre un peu de recul et s’engager sur des chemins de traverse.
Fatigué par les tournées interminables destinées à promouvoir les sorties des deux Cds et freiné par une pop rock qu’il estime en bout de course, il décide d’aller se balader du côté de la chanson française à coloration folk.
Le résultat a au moins le mérite d’exister. Délaissant les textes un peu ‘gnan-gnan’ des chansons interprétées en anglo-saxon, Blistin se lance, à l’inverse, dans des compos où l’écriture de textes a plus d’importance que le support musical. D’autant plus qu’ils sont exprimés dans la langue de Molière. Mais hélas, justement, c’est ce support qui fait un peu défaut. Au sein d’un elpee éponyme qui se décline en huit titres, un seul parvient à marquer les esprits : « Le ciel bleu ». Il devrait rencontrer son petit succès radiophonique. Bien soutenu par un jeu de cordes irréprochable, Charles parvient à faire illusion sur ce seul morceau qui rappelle, de (très) loin, un Manu Chao lorsqu’il devient ‘doux poète’…
Les sept autres plages donnent l’impression que l’ex-Tellers n’en est qu’à un stade d’ébauche de sa nouvelle carrière. L’enregistrement est (volontairement ?) de qualité brouillonne. Le ton est mièvre et on a la sensation que la déprime est la couleur principale qui tapisse l’âme de Charles. La pochette noire et blanche et plus encore son graphisme renforcent cette triste impression.
A 24 ans tout juste, Blistin fait preuve de courage et d’originalité et rien que pour cette raison, son initiative mérite d’être soulignée.
Mais… c’est pas gagné d’avance !!!
Marc Wetzels a de drôles d’idées. Pour financer son premier album, l’ex leader de COEM a mis en vente sur eBay 100 compositions, à raison d’une par jour, en vue de récolter au moins 100€ par chanson. Ses amis et quelques inconnus ont joué le jeu, mais bien qu’il ne soit parvenu à rassembler la somme totale espérée, le singer-songwriter a tout de même pu s’atteler à l’enregistrement de sa première œuvre sous le nom de boyShouting. Son action ne sera pas tombée dans l’oreille d’un sourd puisque ce n’est rien de moins que le label Pias qui lui proposera de distribuer « boyShouting & The Shareholders of His Thoughts ».
Pour son premier voyage en solitaire, boyShouting propose douze morceaux bricolo-pop-rock plutôt inoffensifs. Wetzels se fait avant tout plaisir. Il teste ses guitares, ses distos et ses loops sans débordement d’idées originales ou d’enthousiasme. Pendant ce temps, son public se tourne les pouces en jetant de temps à autre un œil vers l’horloge. En bout de parcours, seuls trois ou quatre morceaux tiennent la route (« All That You Need », « Mustravelelectric », « Slowly Wake Up », « Shareholder Of Love »). Si « boyShouting & The Shareholders of His Thoughts » est à l’image des textes que le musicien a vendus sur eBay, il ne devrait pas s’étonner si certains enchérisseurs en demande le remboursement intégral.
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