Porté par ses deux papas, les frangins Sebastian et Joseph Keefe, la ‘famille de l’année’ a décroché un petit morceau du soleil californien pour l’étaler en plein cœur de leur discographie. « Our Songbook » est le premier labeur de Family Of the Year à atteindre l’Europe qui, devant tant de positivisme et de bonne humeur, ne devrait pas avoir de mal à l’accueillir les bras ouverts. « Our Songbook », plus spécifiquement destiné au marché français et au Benelux, est en fait la synthèse de « Songbook », le premier album de la troupe, et des quelques Eps qui l’ont précédé. Ce qui explique l’hétérogénéité de la plaque. La fratrie cavale, sans transition, d’hymnes folks pastoraux (« Let’s Go Down », « Intervention (Staple Jean) », « Feel Good Track Of The Rosemead ») à des tubes quasi electro-pop (« Castoff », « Treehouse », l’irrésistible single « Psyche Or Like Scope ») ou des ballades classiques mais efficaces (« No Good At Nothing », « Summer Girl », « Hero »).

« Our Songbook » révèle un large spectre de ce que les six membres de cette sympathique famille à l’esprit hippie sont capables de délivrer. S’il ne s’agissait pas d’une compile, on devrait sans doute souligner le léger manque de cohérence dans le ton de l’ensemble. Reste donc à voir quelle direction Family Of The Year empruntera au sein de leurs prochaines publications. Car le mélange folk et electro-pop sans demi-mesure, tel que la formation l’aborde dans ce « Our Songbook », ne peut pas être gagnant à tous les coups. Mais pour le moment, on s’en contentera bien !

Family Of the Year sera sur les planches du Botanique le 12 février.

La pochette au design typé ‘psyché seventies’. L’allusion au label ‘Elektrohasch’ dans l’intitulé. Avouez que vous n’avez pas cliqué sur le lien de cette chronique par hasard ! Vous êtes accro au stoner et même un peu ‘accro’ au rock psychédélique. Vous avez probablement senti qu’il y avait ici quelque chose à vous mettre dans l’oreille. Et bien, on peut dire que vous avez du flair. Sungrazer deale du lourd, du fumé, du psychédélique, de l’hallucinogène. Et du bon, en plus !

Ce trio néerlandais, formé au début de l’année 2009, démontre à sa manière qu’une bonne idée, même vieille de quarante ans, est toujours une bonne idée. Et le rock psychédélique, caractérisé par ses constructions rythmiques hypnotiques, ses longues improvisations tortueuses, ses guitares distordues et ses mélodies planantes, c’était vraiment une bonne idée. Une idée tellement bonne qu’elle avait déjà été reprise dans les années 90 par des formations telles que Monster Magnet ou Kyuss. Ces derniers, en apportant un petit côté plus ‘costaud’ au rock psychédélique, avaient jeté les bases du Stoner Rock.

Sungrazer, à son tour, reprend le flambeau. Il emprunte au psychédélisme et au stoner tout ce qui peut lui permet de nous faire atteindre le nirvana du rock. Mais les influences ne sont pas tout. Il faut encore savoir les utiliser de manière adéquate. Pas de problème chez Sungrazer. Les trois musiciens connaissent le sujet et sont en complète osmose. Ils semblent même se fondre au sein d’une entité unique lorsqu’il s’agit de distiller de longues jams planantes. La basse de Sander Haagmans, distordue au maximum de ses capacités, érige un mur sonore sur lequel viennent se greffer les élucubrations hallucinées de la guitare et des pédales d’effets de Rutger Smeets. Hans Mulders lui, insuffle aux compositions le rythme hypnotique de ses percussions. Sur l’instrumental « Intermezzo », le saxophone de Conny Schneider (NDR : qui accompagne parfois le groupe sur scène) opère une apparition aussi lumineuse qu’envoûtante.

Quarante minutes, c’est finalement un peu court pour pouvoir s’imprégner pleinement de l’ambiance hallucinogène de ce premier opus éponyme. D’après son site internet, Sungrazer serait déjà occupé à préparer une seconde rondelle fumante. Nous l’attendons impatiemment.

Envoyer ses pucelles bouter l’Anglais hors de France, ce n’est plus trop à la mode. Et surtout, c’est un peu anti-européen. La ville d’Orléans a donc dû se résigner à trouver d’autres occupations à ses jeunes concitoyens. Et, si l’on ne peut plus désormais guerroyer avec l’Anglois, on peut toujours essayer de le battre sur des terrains où il excelle : le Punk et le Hardcore. On le sait déjà, les keupons orléanais de Burning Heads s’y emploient depuis 1988. Ils ont même créé leur propre label (NDR : Opposite Prod.) afin de recruter d’autres guerriers iroquois (ou pas) pour mener à bien leur croisade. 

En 1995, les Gravity Slaves, quatre énervés originaires, eux aussi, de la région d’Orléans  répondent à l’appel. Le punk n’est plus désormais une spécialité outre-Manche, ni même outre-Atlantique. Le keupon, c’est français Monsieur ! En quinze ans d’existence, les Gravity Slaves multiplient les attaques. Quelques démos en forme de pétard mouillé permettent quand même au combo d’affiner sa technique. En 2000, le premier pain de plastique s’appelle « Choice ». La déflagration s’entend sur plus de 150 dates de concerts. Rien de tel que l’expérience du combat. C’est sur le front que le groupe prend de la bouteille : « Come Down », sa bombe ‘emo’ explose en 2004. Elle est suivie d’un missile punk rock appelé « Dust » en 2006. Celui-ci détruit tout sur son passage. Depuis, plus de nouvelles. Le groupe était il perdu ? Disparu au combat ? Prisonnier derrière les lignes ennemies ? Que nenni ! Il préparait tout simplement sa bombe atomique.

« The Vertigo Chronicles » est le disque qui va bouter le sourire hors de la face de certains prétentieux punks anglais et américains. Et oui les mecs, il y a moyen de faire du punk sans pour autant pomper la recette éculée que nous resservent depuis des lustres tous les Green Day, Good Charlotte et autres Blink 182. Cette fois-ci, Messieurs les Anglais, ce sont des bouffeurs de grenouilles qui tirent les premiers. Armés de quatorze ogives stockées dans les soutes de son ‘Vertigo Chronicles’, Gravity Slaves ne craint personne.

Au diable l’association contre nature entre la pop et le punk ! Il n’y a pas ici de refrains accrocheurs pour adolescentes pré-pubères en mal de rock’n’roll. Parfois à la limite du hardcore sur « Mosey », « Rocky TV Show » ou « Homeless » par exemple, le punk des Gravity Slaves fricote souvent avec le rock alternatif (« Toxic », « Vertigo »). Le riff de  « Bloodywood », quant à lui, aurait pu sortir de la guitare de Tom Morello à la grande époque de Rage Against The Machine. Tout en restant punk dans l’âme, Gravity Slaves varie les styles et les ambiances. Une seule chose semble être constante : le son, énorme de la basse de Dude.

Jeanne d’Arc is Not Dead !

Un bon conseil : n’achetez pas ce Dvd si vous n’êtes pas prêts à prendre votre pied ! Imaginez l’inimaginable : revoir Ronnie James Dio sur scène !

Le jeudi 20 juillet 2009, Heaven & Hell prenait d’assaut la scène principale de Wacken Open Air. Personne ne se doutait à l’époque que cette apparition du quartet infernal au célèbre festival allemand serait la dernière performance filmée du plus grand chanteur métal de tous les temps.

Il est probablement inutile de vous rappeler (NDR : mais je le fais quand même, par plaisir) qu’Heaven & Hell était la réincarnation de l’un des line-up classiques de Black Sabbath. Celui qui, en 1981, avait mis en boite le classique « Mob Rules » (NDR : Contrairement à ce que l’on pourrait croire, étant donné le patronyme du groupe, ce line-up n’était pas à l’origine de l’album « Heaven & Hell » de 1980 puisque Bill Ward, le batteur historique de Sabbath y militait encore).

Heaven & Hell réunissait donc Tony Iommi à la guitare, Terry ‘Geezer’ Butler à la basse, Vinny Appice à la batterie et Ronald James Padavona alias Ronnie James Dio au chant. Ce line-up, qui s’était séparé en 1982, peu après la sortie du mythique « Live Evil », s’était brièvement reformé dix ans plus tard pour enregistrer l’excellent « Dehumanizer ». Cet album, mésestimé à l’époque de sa sortie, avait été suivi d’une tournée promotionnelle. Cette dernière était passée par chez nous, dans un Forest National à peine rempli (NDR : souvenir humide…) Peu après, la mythique association s’était de nouveau séparée en mauvais termes, suite à un désaccord concernant un concert en première partie d’Ozzy Osbourne.

Vient alors l’ère ‘Heaven & Hell’. Tony, Ronnie, Terry et Vinny se réunissent une nouvelle fois en 2006 à la demande du label Rhino qui projette la sortie d’une compilation intitulée « Black Sabbath – The Dio Years ». Le label désire proposer au public quelques inédits pour rendre l’objet intéressant. A la surprise générale, l’enregistrement est réalisé sans la moindre difficulté. Beaucoup d’eau a passé sous les ponts en quatorze années. Les vieilles rancœurs sont remisées au placard et l’enthousiasme est au rendez-vous. Le quatuor décide de remonter sur scène. Mais plus sous le nom de Black Sabbath. Le titre ‘Heaven And Hell’ fait l’unanimité. C’est lui qui est choisi comme nouveau patronyme. Le quatuor fait un retour triomphant aux USA. Sa performance au Radio City Hall de New York est filmée. Elle fera l’objet d’un Dvd et d’un Cd live. Le groupe ne s’est jamais senti aussi uni. Peu à peu, l’envie de concocter un nouvel album fait son chemin. L’enregistrement de « The Devil You Know » démarre en 2008. L’album sort en avril 2009. Les réactions du public et de la presse dépassent toutes les espérances du groupe qui s’empresse de partir en tournée promotionnelle. Celle-ci passe chez nous, au Graspop et bien sur en l’Allemagne, au Wacken Open Air. Quelques mois plus tard à peine, on diagnostique un cancer de l’estomac à Ronnie.

Ronald James Padavona, est né le 10 juillet 1942 à Portsmouth dans le New Hampshire (États-Unis). Il s’est éteint le dimanche 16 mai 2010 à l’âge de 67 ans. Ronnie James Dio, lui, ne mourra jamais.

Nous sommes donc le jeudi 20 juillet 2009 et Heaven & Hell prend d’assaut la scène principale du Wacken. Deux Américains (Ronnie et Vinny) et deux Anglais (Tony et Terry) réunis pour défendre leur nouvel album. La foule immense, composée uniquement de métalleux, (c’est le Wacken, ne l’oublions pas) est entièrement dévouée à leur cause. Elle rugit comme un seul homme dès les premières notes de « E5150 » et crie sa joie quand Tony Iommi pose les premiers accords de « Mob Rules ». Qui, plus que l’inventeur du riff métallique, aurait plus sa place que lui au Wacken ? Dio, peut-être, le plus grand chanteur métal de la terre et l’inventeur du célèbre signe des ‘cornes’ du diable qui, aujourd’hui encore réunit bien des fans de métal ? Le public du Wacken est conscient d’avoir la chance de voir en chair et en os, deux véritables dieux vivants du métal. Heaven & Hell égrène ses classiques. Dio est impérial sur « Children Of The Sea ». A 67 ans, il n’a rien perdu de sa voix ni de son incroyable présence. Heaven & Hell choisit aussi de donner une seconde chance à « Dehumanizer » en interprétant deux de ses titres « I » et « Time Machine ». Le nouvel elpee, lui aussi, est bien représenté. Trois plages en sont extraites : « Bible Black », « Fear » et « Follow The Tears » et il faut avouer qu’elles passent admirablement le cap de la scène. « Falling Off The Edge Of The World » reste l’un des morceaux favoris de votre serviteur. La version proposée ici est carrément sublime. Même chose d’ailleurs pour ce « Die Young » introduit par un solo superbe de Tony Iommi et ce véritable incontournable du métal qu’est « Heaven & Hell ». Après avoir fait patienter le Wacken quelques minutes, Dio tout sourire introduit, en rappel un « Country Girl » écourté enchaîné à un « Neon Knights » des familles. Sublime conclusion d’un concert sublime.

En bonus du Dvd, un journaliste donne la parole à chacun des quatre musiciens qui viennent s’expliquer, sans langue de bois, sur la carrière du groupe et sur les raisons de ses différentes ruptures. En final, Iommi, Appice et Butler, visiblement émus, rendent un dernier hommage à leur ami et compagnon de scène disparu.

Horns Up Mr Dio. We Miss You !

Depuis la publication de « The Shepperd’s Dog » et l’Ep « In The Reins », disque pour lequel il avait reçu une collaboration particulièrement fructueuse de Calexixo, Sam Beam a décidé de mettre un peu de rythme dans sa solution sonore ; jusqu’alors à forte concentration acoustique. Le barbu américain a donc quitté Sub Pop et signé récemment chez 4AD (en Europe). Et il nous propose donc son nouvel elpee, « Kiss Each Other Clean », une œuvre cohérente et encore plus lumineuse, concoctée sous la houlette du producteur Brian Deck.

Habile conteur, le natif de Caroline du Sud narre encore et toujours des histoires d’amour, de rêves perdus ou pose des réflexions sur la religion, d’une voix au timbre d’une douceur infinie. Sur cet opus, les influences sont puisées manifestement chez Fleetwood Mac (les harmonies vocales) et la soul (les classiques de la Motown). Ce qui lui permet de délivrer de véritables perles de folk à tendance soul. Et je pense tout particulièrement à « Half Moon » ou « Godless Brother in Love ». L’ombre de Stevie Wonder voire d’Elton John plane même sur « Monkeys Uptown » et « Glad Man Singing ». En enrichissant « Big Burned Hand » et « Me and Lazarus » d’une section de cuivres, l’artiste parvient à apporter une autre dimension à sa musique. Qui se révèle alors bien plus légère. Faut dire que le concours des musiciens de Califone et du Chicago Underground Duo n’y est probablement pas étranger. Cet opus constitue la première bonne surprise pour 2011. Et seconde bonne nouvelle, il se produira en concert, le 16 février, à l’Ancienne Belgique de Bruxelles !

Louvaniste pur jus et fils de forains, Alain Louie ne pouvait que s’engager dans la voie du spectacle. A son tour, il devient dès 2004 une attraction mais musicale, pas foraine. Quoique…

Cette année-là, flanqué de son band, il remporte la demi-finale du Rock Rally organisé par le magazine ‘Humo’ et se fait remarquer par un titre qui restera culte dans l’histoire du groupe, « Anni Versaire », repris et réarrangé sur ce « Vieil Indien ».

En 2007, Alain et ses comparses, Mathias Moors (basse), Philippe Bruffaerts (guitare), Bruno Fevery (guitare, piano), Daan Van den Bergh (percussions), Stoy Stoffelen (batterie) sortent leur premier album « L’amour sans Pédales ».

Soutenu par ses « Talons Gitans, il préfère la langue de Molière à celle de Vondel pour exprimer toute sa verve. Force est de constater que de temps à autre, il semble à la recherche de ses mots et que ses choix ne sont peut-être pas les plus judicieux ; car il franchit parfois (volontairement ?) les portes de la vulgarité…

A tort ou à raison, on le compare à Arno (qu’il invite à une dégustation dans « Escargots »). Il est vrai que d’entendre un néerlandophone chanter en français pousse indéniablement à la comparaison. Cependant, grâce à ses créations ‘punky/gitan-chanson rock aux vibrations reggae’, Alain Louie a développé un style qui lui est propre.

Outre sa nouvelle version d’« Anni Versaire », l’elpee recèle « Cinéma », une chanson composée par Renaud Ghilbert (Absynthe Minded), une reprise du « Ma Lou Lou » de Marc Aryan et 4 titres interprétés en dialecte de Louvain dont « Raa Aar » (‘Œuf cru’, tout un programme !) Bref, Alain Louie ne laisse pas indifférent.

En ces temps politiquement perturbés, pourquoi ne pas jeter une oreille à cet album inclassable mais amusant et surtout bien balancé, qui nous ferait croire parfois que Dick Annegarn chante du Bashung.

A découvrir, juste pour le fun !