Il ne faut pas se fier aux apparences. Malgré un nom aux consonances hindouistes et un artwork exotique plutôt réussi, My Sleeping Karma est bel et bien un groupe européen. Originaire de la ville bavaroise d’Aschaffenbourg, le quatuor redéfinit, d’une manière moderne et relativement originale, les clichés inhérents à la musique psychédélique. Entièrement instrumental, le nouvel opus mystérieusement intitulé « Tri », révèle une musique à la croisée des chemins entre le post-rock, le stoner et le space rock psychédélique.
Une guitare, une basse, une batterie et un ‘soundboard’ vous emmènent dans un voyage musical, spirituel et initiatique qui, si vous n’y êtes pas prédisposé, peut parfois se révéler un peu ennuyeux. Les compositions, instrumentales et répétitives, dépourvues de démonstrations techniques comme celles que l’on peut retrouver dans le rock progressif ou dans le métal néo-classique perdent parfois de leur intérêt sur la longueur.
Les inconditionnels de combos ‘stoner/post rock instrumental’ tels que Karma To Burn ou Pelican trouveront sans aucun doute leur bonheur à l’écoute de cette musique privilégiant les ambiances et les paysages sonores. Les autres n’y verront qu’une suite de riffs et d’arpèges, qui, dépourvue de chant et de soli, laissent parfois une légère impression de travail inachevé.
L’écoute de « Tri » peut toutefois se révéler être une expérience agréable pour celles et ceux qui, le troisième œil bien ouvert, ont envie de planer vers Shangri-La, au son des guitares électriques.
En 2010, le style progressif de Pain Of Salvation n’a plus grand-chose de métallique. Croyez-le si vous le voulez, mais j’ai presque envie de dire que c’est tant mieux. Jusqu’ici, j’avais toujours eu un peu de mal à comprendre l’engouement de la presse pour le combo de Daniel Gildenlöw. En 1997, suite à la lecture d’élogieuses chroniques, je m’étais rué sur « Entropia » qui, après de nombreuses écoutes, ne m’avait guère impressionné. L’album « Be », acheté sept ans plus tard m’avait lui aussi laissé sur ma faim. Depuis, j’avais carrément perdu de vue leur parcours…
Pourquoi, dans ces conditions, suis-je totalement scotché à « Road Salt One », le nouvel opus du combo suédois ? Pain Of Salvation aurait-il tellement changé en treize ans ? Ou, plus simplement, suis-je finalement assez subtil pour piger leur démarche ? Un peu des deux à vrai dire. Il est exact qu’au fil de l’âge, ma perception de la musique évolue. Et puis, il faut avouer que le rock progressif, largement influencé par le son des seventies de ce « Road Salt One », est tout à fait jubilatoire.
Exit les arrangements compliqués et les compositions à tiroirs, pour « Road Salt One », Pain Of Salvation va à l’essentiel. Et se montre aussi à l’aise en agrégeant rock à la Queen et Bowie période « Space Oddity » (« No Way ») que dans l’univers du blues (« She Likes To Hide », « Tell me you don’t know »). Cet elpee nous réserve également de superbes ballades mélancoliques (« Sisters », « Where it Hurts », « Road Salt »), mais aussi des titres tout à fait inclassables (« Sleeping Under The Stars », « Curiosity »). Une chose est sûre, nous sommes replongés directement dans l’ambiance enfumée des seventies. Libéré de son carcan métal progressif, Gildenlöw est devenu un électron libre. Il donne ici le meilleur de lui-même. Essayer « Road Salt One », c’est se condamner à l’adopter. Vous être prévenus.
Pour les collectionneurs, une édition limitée leur est réservée. En version digipack, elle sera enrichie d’un titre supplémentaire et deux versions étendues de chansons figurant sur la version classique. Comme son nom l’indique, « Road Salt One » n’est que la première partie d’un double album. Vivement « Road Salt Two » !
Quasi 17 ans que le couple –marié, puis divorcé– sévit sur la scène alternative de Portland. Quasi réunit ( ?!?!) Sam Coomes (guitare, batterie) et Janet Weiss. Et la paire peut se targuer d’avoir collaboré à des tas de projets impliquant de grosses pointures de la scène indie américaine. Dont Elliot Smith, Bright Eyes ou encore Pink Moutain.
Vu les problèmes financiers rencontrés par Touch & Go (NDR : le label avait décrété qu’il n’allait plus publier de nouveaux albums, mais se concentrer sur son back catalogue ; depuis, il s’est ravisé, déclarant même qu’il allait reprendre ses activités normales, après restructuration), Quasi a décidé d’émigrer chez Kill Rock Stars. En outre, le line up s’est enrichi d’un troisième membre : Joanna Bolme ; bassiste, elle milite également chez Stevens Malkmus & The Licks.
Bonne nouvelle, « American Gong » privilégie le rock percutant ; parfois même dans l’esprit de Pavement. Et franchement, j’apprécie. Bien crade, la guitare domine le sujet, délaissant des claviers, un peu trop présents à mon goût, sur les disques précédents. Coomes s’autorise même quelques délires bruitistes. A l’instar de l’excellent « Bye Bye Blackbirds », plage au cours de laquelle on se demande comment il se débrouille pour retrouver le fil conducteur du morceau. Mais si Quasi adore faire cracher les décibels, il réserve également quelques excellentes ballades à « American Gong ». Dont l’acoustique « The Jig Is Up » et « Everything & Nothing At All ». Mon coup de cœur ira néanmoins à « Black Dogs & Bubbles », plus Neil Young que nature. A contrario, leur version du classique ‘cajun’ « Laissez les bon Temps Rouler » est plus que dispensable. Il y a encore bien l’une ou l’autre compo un peu moins réussie, mais en général, ce disque flaire bon le rock alternatif, excitant et jouissif de la seconde moitié des 90’s. Que du bonheur !
Fraîchement débarqué d’Ecosse, le duo Silver Columns a décidé d’apporter sa pierre à l’édifice du synthé-pop. A l’instar de Hot Chip, Johnny Lunch (ex-membre de The Pictish Trail) et Adam Ilhan aiment les claviers et comme leurs homologues, ils ont été propulsés par le label briton Moshi Moshi. Il y a quelque mois, le tandem avait commis un single, « Brown Beaten », une compo disco pop à l’allure’ bronskibeatienne’, révélatrice de leur potentiel.
« Yes And Dance » constitue donc leur premier essai. Les titres libèrent une belle dose de BPM susceptibles de faire remuer les foules. De quoi permettre aux corps d’atteindre un état d’élasticité surprenant. Les influences sont riches. Des plages comme « To Wake You » ou encore « Warm Welcome » lorgnent vers Hot Chip, époque « The Warning ». A cause de la texture semblable des beats ou encore des sonorités fluides du Wurlitzer. Second single, « Yes, And Dance » adresse un clin d’œil à Giorgio Moroder. La présence de synthés kitsch et d’un vocodeur intersidéral (NDR : il revient au goût du jour) corroborent ce point de vue.
Abordé intelligemment, le revivalisme 80’s de Silver Columns est agréable à écouter. Mais il a également un tout autre objectif ; car là où, cet été, il y a de la sueur et du dancefloor, il y aura certainement un duo écossais prêt à en découdre ! Alors oui ! On danse !
Pour les frangins Stone, le moment de vérité est arrivé. Papa et maman doivent être fiers. Cinq ans plus tôt, les deux oisillons australiens tentaient de faire leurs nids, chacun de leur côté. Après avoir décidé de se soutenir l’un l’autre en faisant équipe, Angus et Julia Stone se sont envolés vers la Grande-Bretagne. Ils y ont alors rencontré Francis Healy (Travis) qui, tombé sous le charme de leurs premiers gazouillis (NDR : consignés sous la forme d’un Ep intitulé « Chocolates & Cigarettes »), décide de les prendre sous son aile. Un échange de bons procédés suivra avant la naissance en 2007 de « A Book Like This », le premier LP des Stone. Trois ans plus tard, Angus et Julia publient « Down The Way ». Un disque livré à l’Europe sans détour, contrairement aux travaux précédents.
« Down The Way » renferme treize jolies ballades folk instinctives et pastorales. Exit les mélodies acoustiques de « A Book Like This ». La fratrie sort le grand jeu et se paye des arrangements beaucoup plus pros tout en adoptant des tonalités résolument plus folk-rock. Seule la formule de partage équitable du micro demeure immuable. Une formule assez standard qui fonctionne ici à merveille, tant les vocalises d’Angus et Julia se complètent naturellement. Ce qui n’empêche pas les morceaux interprétés de concert, par les deux frangins, de se révéler, malgré tout, un peu plus relevés que les autres. « Down The Way » évoque une rencontre entre Emiliana Torrini et un jeune Neil Young, sous un soleil printanier douceâtre. Le disque rêvé pour emballer cet été.
A découvrir en live aux Ardentes.
The Tallest Man On Earth ? Sous un tel patronyme, Jens Kristian Mattson était au moins assuré d’attirer l’attention des lecteurs du Guinness Book plutôt que celle des mélomanes. Et pourtant, non, il ne s’agit pas du plus grand homme sur terre, mais d’un songwriter suédois particulièrement doué. « The Wild Hunt constitue son 3ème album. Il fait suite à un elpee éponyme publié en 2007 et « Shallow Grave », en 2008 ; deux disques qui lui ont permis de tourner en compagnie de Bon Iver.
La musique folk du géant scandinave pourrait être taxée de revivaliste, tant elle est sous haute influence dylanesque. D’abord à cause du timbre nasillard de Jens. Et puis de son expression sonore essentiellement acoustique. Impossible d’ailleurs de ne pas penser au grand Zim, à l’écoute de « The Wild Hunt » ou encore Thousand Ways ».
Alors, The Greatest Bob Dylan Vocal Sosie ?
Manifestement la référence a de quoi plomber le débat. Et pourtant, le Scandinave parvient à tirer son épingle du jeu. L’émotion est palpable tout au long des 10 titres de « The Wild Hunt ». Elle est même très présente sur « Trouble Will Be Gone », caractérisé par ses arpèges cristallins, sur le très ambitieux « King of Spain » ainsi que le bouleversant « Love Is All ». Un morceau urgent et beau à pleurer à la fois. Bref si cet artiste n’apporte rien de bien neuf, il faut reconnaître qu’il possède un réel talent pour tisser des comptines folk. Qui lorgnent même parfois vers l’univers d’un Devandra Banhart, à ses débuts. L’elpee s’achève par « Kids On The Run », une ballade parcourue de superbes accords de piano. Digne du Boss!
Finalement, The Most Gifted Songwriter in Sweden…
« Alt er Tabt » constitue le quatrième opus de ce collectif danois ; et manifestement, il s’agit de leur album le plus complexe concocté à ce jour. Complexe, mais également minimaliste. Le départ de leur claviériste et principal compositeur de la musique, Thorbjørn Krogshede, y est sans doute pour quelque chose. Souvenez-vous, c’était lui qui nappait la plupart des titres, de ses interventions atmosphériques. Second changement, la voix d’Henriette Sennevaldt ne cherche plus à monter dans les tonalités aigües, dans l’esprit de Björk. Son timbre est beaucoup plus éthéré, un peu comme si elle chuchotait, après (pendant ?) un orgasme. Mais le plus difficile procède de ces structures constamment imprévisibles, que seule la ligne de basse parvient à canaliser. Une basse très présente (heureusement !), aussi viscérale que celle de Peter Principle (Tuxedo Moon). Un Tuxedo Moon dont le spectre revient régulièrement tout au long de l’elpee. Outre la basse, à cause des interventions fiévreuses, lyriques du violon et (ou) du violoncelle. Et puis de ces références qui oscillent de Stockhausen (les accès symphoniques contemporains) à Magma (le côté prog ténébreux) en passant par Terry Riley (l’électro organique), Robert Wyatt (le climat intimiste et les chœurs diaphanes) et Efterklang (l’électro-world). Tout n’est pas perdu, mais on ne voit pas trop comment Under Byen va se débrouiller pour écouler ses œuvres sur le marché du disque. Perso, je suis très ouvert à ce type de musique expérimentale, mais je doute fort que le mélomane lambda partage mon point de vue…
Vous souvenez-vous du parfum « Double Je », sorti par la marque Eau Jeune, il y a une dizaine d’années ? Un parfum peu cher, dont le concept résidait dans la composition chimique des deux éléments non miscibles. Une partie grasse et violette flottait à la surface tandis que l’autre fragrance, blanchâtre, demeurait au-dessous. Il fallait secouer le flacon avant de s’asperger. La publicité poétisait : ‘jamais celle que l’on croit’. En fait, le parfum laissait un film huileux sur la peau, et puait la cocotte.
Le rapport avec Christophe Willem ? L’une des ses chanson s’intitule « Double Je ». On le trouve également en grande surface (dans les rayons et dans les haut-parleurs). Le tout est a peu près du même goût, écœurant, médiocre et artificiel.
Sur le site du label et celui de l’‘artiste’, vainqueur de la nouvelle star en 2006, on peut lire que Christophe Willem est populaire : ‘Un premier disque de diamant, une Victoire de la musique, quatre Bataclan, trois Olympia, huit Cigale, un Zénith de Paris, et 130 000 spectateurs sur la tournée qui ont contracté la fièvre scénique de ce fauve libéré de sa cage cathodique.’ Son style y est qualifié de ‘bandant’. Et bien si le public francophone est excité par des purs produits de consommation tels que Christophe Willem, à mi-chemin entre une Mylène Farmer cheap et une Zazie discount, nous n’avons plus qu’à pleurer. Son premier single devait d’ailleurs s’appeler « Elu produit de l’année », et le choix est judicieux, car sa musique est le comble du commercial. De la musique de supermarché qui fait merveille au rayon charcuterie.
Un duo français qui chante en anglais ? Encore un ? Et pourtant on aurait tort de ranger Nili Hadida et Benjamin Cotto aux côtés de Cocoon ou encore de The Do, comme la plupart des journalistes ont tendance à le faire pour ces faibles raisons… Non, Lilly Wood and the Prick peuvent gentiment déclarer qu’ils apportent un grain innovant, plus mainstream que leurs compatriotes. Ce qui risque donc de les inscrire dans de plus hautes sphères. Du moins, s’ils continuent comme ils ont commencé…
Formé en 2006 et lancé en 2008 sur une compile Folk & Proud, le groupe sort en 2009 son premier Ep, dont le titre prête à sourire, « Lilly Who and the What? », uniquement disponible en version numérique. Après une notoriété myspacienne et une reprise remarquée du titre « L.E.S Artists » de Santigold, Nili et Benjamin enregistrent chez leur producteur Pierre Guimard, qui les accompagne également sur scène, et connaissent une tournée incognito relativement couronnée de succès : les copains lancent le ton dans la salle, et le public suit.
Le duo a préparé le lancement de son premier elpee, « Invincible Friends » sorti le 31 mai dernier, en publiant le single « Down the Drain », la plage la plus accrocheuse du disque, qui connaîtra certainement son heure de gloire méritée dans les soirées (parisiennes) indie électro ces prochains mois. « My Best » offre les mêmes gimmicks aussi bien affûtés pour une scène électro pop. Si le guitariste raconte avoir grandi dans le blues et le rock classique, ses références n’influent cependant sur l’album qu’en surface, en plus propre, plus léché, plus décent… C’est plutôt dans la voix féminine que l’on retrouvera les accents rauques bluesy. Les paroles de la chanteuse relatent leur quotidien, les soucis d’une population urbaine (« No no (Kids) ») et, dans cette nonchalance générationnelle, on pense à Adrienne Pauly (qui chanterait plus aigu), aux pleurnichements de Soko lors des ballades (« Cover my Face », « Prayer in c »), pour rester dans l’Hexagone. Cat Power alors ? Définitivement, moins pour les quelques accords au piano que pour cette langueur latente, mais manquant légèrement de coffre.
Cet album aux lyrics sans prétention et teintés d’ironie passe ainsi des riffs new wave aux sessions acoustiques agrémentées de flûte, en passant par quelques vagues folk. Si les Français insistent sur le côté ‘indé’ de leur dernière production, leurs deux gueules d’ange qui s’affichent sur un packaging off –et online– réussi démontrent une visibilité soignée et pas désagréable. Ce groupe photographique est cependant à découvrir, en enregistrement dans un premier temps car leur programme n’inclut malheureusement pas la Belgique pour les mois à venir…
Le monde du métal a rencontré bien des difficultés à se reconstruire après avoir encaissé le séisme grunge et, dans la foulée le raz-de-marée alternatif. Nombreux sont les héros des eighties qui n’ont pas survécu à la catastrophe. Cependant, le métal est indestructible. Vingt années après le déluge, certaines branches de son arbre généalogique, supposées disparues à jamais, recommencent à bourgeonner. C’est le cas du Thrash Métal qui, depuis longtemps, ne proposait plus rien de vraiment excitant à se mettre sous la dent. Heureusement, le genre métallique, jadis initié par Metallica, Anthrax, Slayer, Megadeth, Exodus, Testament, Overkill et bien d’autres, commence à renaître de ses cendres sous l’impulsion de nouveaux combos fortement attachés à la tradition du riff puissant, lourd et agressif.
Nous avions déjà évoqué le génial Warpath, fer de lance du revival thrash britannique. Le mouvement s’étend désormais à l’Europe continentale. L’Espagne, elle aussi, s’est découvert un champion. En l’occurrence Angelus Apatrida. Formé en l’an 2000 dans la ville d’Albacete, le combo hispanique s’est donné pour mission de ramener à la vie le thrash originel de la Bay Area. Vélocité, brutalité, puissance, dextérité et respect des canons inhérents au métal traditionnel ; tout ce que nous aimions dans la scène thrash est réuni sur « Clockwork ». Après deux essais autoproduits (« Evil Unlished » - 2006 et « Give ‘Em War » - 2007), leur troisième opus sort sur la machine de guerre ‘Century Media’.
Les vocaux de Guillermo Izquierdo évoquent tour à tour ceux de Dave Mustaine (Megadeth), Chuck Billy (Testament) et John Connelly (Nuclear Assault). A l’instar des géants du genre, la musique combine agression et mélodie.
Fan de la violence des premiers albums de Metallica, de Megadeth, d’Annihilator et d’Anthrax, lève-toi ! L’heure d’exhumer vestes à patches, cartouchières et ceintures cloutées est enfin arrivée ! Le dieu Thrash est de retour, Angelus Apatrida est son prophète !
Il ne fait aucun doute, à l’écoute de l’album « A Fighter’s Lullabies », que si les six membres d’Auld Corn Brigade avaient eu le choix, ils auraient préféré être irlandais qu’allemands. Leur punk/folk-rock festif serait effectivement beaucoup plus à sa place dans un pub enfumé des bas-fonds de Dublin que lors d’une fête Oberbayern munichoise.
Formé en 2006 dans la ville allemande de Norhausen, Auld Corn Brigade voue un culte démesuré à la culture irlandaise et à l’histoire tragique de l’Ile Émeraude. Pour son premier opus, le sextet dépoussière, à la manière punk, une série de chants traditionnels irlandais (« I’ll Tell Me Ma », « Muirsheen Durkin ») et de chansons issues du répertoire de folk-rocker rebelles tels que Paddy McGuigan (« Irish Soldier Laddie », « The Boys Of The Old Brigade » ou Seamus Duffy (« Sean South From Garryowen »).
Sur « A Fighter’s Lullabies », chants guerriers et chansons à boire se côtoient au son décapant des guitares punk rock et du violon folk traditionnel.
Ceux d’entre vous qui, en février, avaient apprécié l’album « Until We Die » du combo tchèque Pipe and Pints et, le mois dernier, avaient craqué sur le génial « Live On Lansdowne » des Dropkick Murphys, vont de nouveau devoir délier les cordons de leur bourse.
Ce n’est peut-être pas voulu, mais Been Obscene s’évertue à brouiller les pistes. Un nom taillé sur mesure pour un groupe brutal de death métal et une pochette qui pourrait illustrer l’album de n’importe quel combo viking/folk métal ; on est à cent lieues de s’imaginer être en présence d’un combo de stoner/psychédélique. C’est pourtant bien le cas.
Il faudra d’ailleurs un jour que nous pensions à lui demander de s’expliquer sur le choix de ce patronyme. Car, voyez-vous, il n’y a vraiment rien d’obscène sur ce disque. Du stoner, hyper mélodique, gentil et propre sur lui. Rien qui soit assez ordurier ou avilissant pour justifier ce nom, en tout cas.
Si, comme nous l’avons écrit plus haut, Been Obscene brouille les pistes, il est aussi très avare d’informations quant à son histoire. Pas de bio jointe au Cd promotionnel et un livret, certes joli, mais réduit au minimum. Le site du label Electrohash, lui-même, qui consacre pourtant une rubrique à chacun de ses groupes, est totalement muet à son sujet. Idem pour la page MySpace du groupe, où la seule information intéressante fournie nous vient de leur origine. Been Obscene est un groupe autrichien, établi dans la ville de Salzbourg. Il faudra donc se contenter de la musique. Et là, pas de problème. Si vous aimez les guitares lourdes, les riffs rock mid-tempo, et les ambiances psychédéliques, « The Magic Table Dance » est taillé sur mesure pour vos oreilles. Le groupe est aussi à l’aise sur les titres entièrement instrumentaux que les plages chantées. Les vocaux mélodiques de Thomas Nachtigal s’écartent de la norme ; ce qui est plutôt un plus. Le son est moderne et puissant. Been Obscene n’a manifestement pas cherché à recréer le son des seventies comme c’est souvent le cas en stoner.
Sans révolutionner le genre, l’écoute de « The Magic Table Dance » procure énormément de plaisir. A découvrir !
Après avoir pris mon pied à l’écoute du premier album de Born Ruffians (« Red, Yellow & Blue »), paru en 2007, et savouré quelques Eps de toute bonne facture, j’attendais leur nouvel opus impatiemment. Fondé en 2004, dans la petite bourgade de Midlands (Ontario), ce trio (NDR : le chanteur/guitariste Luke LaLonde, le bassiste Mitch Derosier et le drummer Steven Hamelin) canadien est responsable d’une musique, ma foi, fort originale. A cause, bien sûr, du timbre nasillard et aventureux du leader. Et puis de cette rythmique épileptique et minimale, si caractéristique. Des titres remarquables, inspirés à la fois par les Pixies et les Talking Heads, comme « This Sentence Will Ruin/Save Your Life » ou « Hummingbird » en sont les plus belles illustrations.
« Say It » ne pouvait donc que confirmer. Avouons-le d’emblée, la première écoute de cet elpee m’a quelque peu déçu. Même si ce sentiment de dépit a été rapidement tempéré par la mise en forme de Rusty Santos (Animal Collective, Owen Pallett), qui est parvenu à préserver l’identité de leur musique. Et en particulier cette faculté naturelle à concilier concision et aridité. Pourtant si « Say It » semble plus cohérent, il est également moins immédiat. Et malgré les épatantes interventions vocales de Luke LaLonde, certaines compos finissent quand même par susciter l’ennui. Faut croire que depuis la sortie de « Red, Yellow & Blue », le combo souffre d’une carence d’inspiration. Maintenant, ne soyons pas trop intégristes, car dans leur style, Born Ruffians reste encore largement au-dessus de la mêlée. Et dynamisés par une rythmique fulgurante, des accès de basse vivifiants ainsi que des percus souples, les remuants « Higher & Higher », « Retard Canard » ou « Sole Brother » en sont la parfaite démonstration….
« Eat Raw Meat = Blood Drool » constitue le troisième extrait de « In This Light And On This Evening », recueil des Editors, publié en octobre dernier. Le plaidoyer libertaire des Anglais s’accompagne sur ce maxi-single de deux titres originaux ainsi que de 3 versions inédites du morceau maître. A l’image de « Eat Raw Meat = Blood Drool », les deux nouveautés (« Alone » et « Thousands Of Lovers ») n’apportent pas grand-chose à la discographie du quatuor, qui avait jusqu’ici enchaîné les singles imparables aux riffs entêtants. Le seul véritable intérêt de ce single consiste en deux remixes du titre-maître. L’un par Tom Barman et CJ Bolland, alias Magnus, l’autre par Steppin Brothers. Tous deux taillés pour les grand-messes electro. Mais une chose est certaine. Ce n’est pas ce « Eat Raw Meat = Blood Drool » qui fera redécoller les ventes de « In This Light And On This Evening ».
Le 8 mai dernier, Faithless réinvestissait l’Ancienne Belgique, les lieux de leur premier crime en Belgique. Soit onze ans après l’avoir commis. La formation qui, à l’instar d’un U2 ou d’un Prodigy, a affolé les sismographes bruxellois il y a quelques années, venait y présenter leur cinquième LP, très judicieusement intitulé « The Dance ». Et le public belge ne s’y est pas trompé. Non content d’avoir dévalisé le ticketshop de l’AB en moins de dix minutes, les citoyens du plat pays ont d’ores et déjà consacré ce disque qui, dès sa sortie, a raflé la ‘pole position’ des charts belges. Vous avez dit ‘fédérateur’ ? C’est le moindre que l’on puisse dire, tant la symbiose du public de Faithless est impressionnante.
Jusqu’à présent, la force discographique de Faithless procédait essentiellement de leurs singles, tous plus imparables les uns que les autres. Les albums, eux, étaient un peu moins facile à digérer dans leur ensemble. A l’exception de « Reverence », l’excellente première œuvre du trio. En 2006, « To All New Arrivals » atterrissait dans les bacs et dévoilait la facette plus mellow, plus en retenue de la formation. Ce qui n’était pas une grande réussite en soi. Quatre ans plus tard, le maître des manettes et homme de l’ombre Rollo, la magicienne du synthé Sister Bliss et le prophète Maxi Jazz ont choisi la route de l’indépendance en quittant les bureaux de Sony pour ceux de Pias. Une décision apparemment providentielle, puisqu’ils engendrent aujourd’hui ce qui est probablement leur meilleur ouvrage. « The Dance » est un rouleau compresseur, parcouru d’hymnes taillés sur-mesure pour les stades. Les tubes ultra-efficaces « Not Going Home », « Tweak Your Nipple », « Sun To Me » et « Feelin Good » ne feront qu’asseoir, une fois de plus, la réputation de Faithless en tant que machine de guerre scénique. La galette compte la participation au micro de la fidèle Dido ainsi que celle de Mia Maestro, Dougy Mandagi (The Temper Trap) et Jonny ‘Itch’ Fox (The King Blues). En quatorze ans de carrière, « The Dance » marque le véritable premier sans faute de Faithless.
Encore une fois, on va me regarder de travers après avoir lu la critique de cet album. Le deuxième de Foals. Qui est excellent, rassurez-vous. Simplement, parce que votre serviteur n’y a pas rencontré les mêmes courants référentiels (NDR : un grand mot, je l’avoue). Pas très contemporains, il faut le reconnaître, à contrario de tout ce que j’ai pu lire dans la presse spécialisée.
Pour enregistrer cet opus, le quintet s’est isolé en Suède. Du côté de Göteborg. Au beau milieu d’une zone industrielle. Et les musicos ont bossé comme des malades. En essayant de s’écarter au maximum du math rock de leurs débuts. Pour embrasser des influences très eighties. Celles de Talking Heads, tout d’abord. Que l’on retrouve en filigrane, tout au long de l’elpee. Et en particulier l’œuvre majeure « Remain in light ». Un disque qui a influencé les courants postpunk, world et new wave. Et le titre d’entrée « Blue blood » ainsi que l’hypnotique « After glow » en sont probablement les plus belles illustrations. Lorsque le tempo ralentit, et emprunte un profil funkysant, c’est plutôt à INXS (NDR : le contagieux « Miami »), à Spandau Ballet (NDR : époque « Chant no.1 ») et même à XTC (NDR : les percus menaçantes et ce remarquable travail sur les voix opéré tout au long d’« Alabaster »), que je pense. Quant à « 2 trees », il nous plonge au sein d’un climat atmosphérique, mélancolique, réalisant une fusion parfaite entre le feeling de Durutti Column (NDR : surtout pour la trame électro) et l’intensité électrique de Kitchens of Distinction. « Black Gold » lorgne même vers le reggae et le dub du Clash (NDR : et de « Sandinista! », of course !), tout en s’autorisant des digressions électriques à la Skids. Et en finale, « What remains » est même hanté par le spectre de Peter Gabriel. A cause de cette sensibilité world. De ces chœurs en boucle, aussi ; même si la dimension électronique évoque davantage Efterklang. L’occasion d’en revenir à des références plus contemporaines. Comme sur « Spanish Sahara », dont les montées euphorisantes, cette sensibilité romantique et cette tension progressive auraient pu naître d’une rencontre hypothétique entre Snow Patrol, Grandaddy et Sophia. Ou encore le single « This Orient ». Dont l’intro math rock puise aux sources du combo, alors que les envolées de six cordes empruntent manifestement à Bloc Party. Et pourtant, les élans de gratte sont moins fréquents. La voix de Yannis Philippakis moins agressive. Et les compos paradoxalement plus élaborées et plus fluides.
Bref, un chouette album, même s’il est le fruit d’un cocktail d’influences aussi riches qu’énigmatiques. Quoique… D’ailleurs, pas sûr que si les membres de Foals lisent cette chronique, ils vont être très heureux d’avoir ainsi vu leur musique décortiquée…
La musique africaine, Vampire Weekend et Yeasayer la puisent chez leur référence majeure : Talkings Heads. Fool’s Gold, eux, préfèrent se servir directement à la source ! Les rythmes, les lyrics, les voix, l’ambiance et même la longueur des compos : tout un descriptif réminiscent du continent noir. Eponyme, le premier elpee de cette formation californienne constitue probablement l’aboutissement d’un concept débroussaillé par les deux combos susvisés. Pourtant, alors qu’on imagine les compos interprétées dans une langue proche du swali, elles sont en fait interprétées en hébreu… Pas parce qu’il existe une importante communauté juive en Ethiopie ; mais parce les co-leaders des Fool’s Gold, Lewis Pesacov et Luke Top, sont d’origine juive.
Et ce cocktail aussi étonnant qu’exotique, les deux comparses parviennent encore à le mâtiner de krautrock ! Effet de mode institué à Los Angeles ? Peut-être ! Mais une chose est sûre, les plages de cet opus sont excellentes. Au sein du collectif de la cité des Anges, figurent un membre des Foreign Born (Matt Popieluch), l’ex-batteur de We Are Scientists (Michael Tapper), une rock-star argentine (Erica Garcia) et un artiste plasticien brésilien (Salvador Placencia). Une joyeuse bande qui n’hésite pas à utiliser des tas d’instruments insolites : Gungon (tambour à peau), Gankogui (cloches), Kashishi (sonnailles en coquilles de noix) ou encore tambourin Mizhar. Parmi les huit chansons festives de ce long playing, on épinglera un blues saharien (« The World is All There »), du folk éthiopien (« Nadine), une immersion dans l’univers indien (« Ha Dvash ») et même un hymne contagieux (« Surprise Hotel »), qui aurait pu naître d’un séjour des Pixies en Afrique. Un tour du monde salvateur et convainquant, opéré en période de sinistre débat sur l’identité nationale ou sur le port du voile… Multiculturel, fun et sans prétention. Et on se met même à rêver de se prélasser voire de danser sur le rythme de leurs compos, lors d’une journée festivalière ensoleillée. Ma carte ‘World Music’ de l’année !
Rappeur atypique, Paul ‘Sage’ Francis domine la scène du hip hop alternatif depuis la sortie de « A Healthy Distrust », son meilleur album paru à ce jour. Faut dire que le flow du natif de Providence est certainement l’un des plus impressionnants, actuellement. Pas pour rien que le gaillard a gagné de nombreuses ‘batlles’ avant d’entamer son parcours professionnel. Mais si Sage est parvenu à se forger une telle notoriété, c’est parce qu’il refuse d’adhérer aux stéréotypes du hip hop américain. Pas question de tourner des vidéos en compagnie de gros calibres, de grosses voitures ou de femmes-objets. Il n’est pas non plus du genre à se faire produire par Timbaland. Il préfère retravailler une compos du roi de la country, Johnny Cash, ou à collaborer en compagnie de Will Oldham, comme sur l’excellent opus « Sea Lion ».
Pour concocter son quatrième long playing, l’Américain a décidé de s’investir davantage. Tout simplement en invitant des pointures respectées de la scène indie. Aux manettes, tout d’abord. Elles ont été confiées à Brian Deck (Modest Mouse, Iron and Wine). En fait, le concept de « Li(f)e » impliquait une collaboration d’artistes n’ayant jamais bossé dans l’univers du hip hop. Francis explique : ‘I didn’t want them to write music they thought they should for hip hop’. Ainsi, lors du titre qui ouvre l’elpee, « Little Houdini », l’instrumentation a été déléguée à l’ex-Grandaddy, Jason Lytle. Il y entretient un climat western ‘enniomorriconesque’, sur lequel le rappeur vient poser son flow, tout en jouant à merveille sur l’intensité. Yann Tiersen signe « The Best of Times ». Excusez du peu ! Calexico apporte sa collaboration au superbe « Slow Man ». Et parmi la liste des collaborateurs figurent encore Chris Walla de Death Cab For Cutie, le défunt Mark Linkous de Sparklehorse ou encore DeVotchka. Bref, une œuvre qui réunit des compos de toute bonne facture, mais sans grande homogénéité. La succession de guests explique évidemment cette situation. Chaque artiste cherchant à marquer sa participation de son empreinte. N’empêche « Li(f)e » démontre une nouvelle fois que Sage Francis est un rappeur alternatif. Et qu’il n’en a rien à cirer des frontières préétablies. Après avoir avoué sa flamme pour la country et le folk, il a voulu rendre un hommage à l’indie rock, en conviant une belle brochette d’ambassadeurs du style. Le dossier de presse précise que cet album s’adresse aux fans de Danger Doom, Atmosphere, Calexico ainsi qu’à ceux de Bright Eyes. Difficile de faire plus éclectique.
La scène rock anversoise semble se porter à merveille. Après avoir savouré l’excellent premier album éponyme de The City, c’est au tour de The Heartaches de faire pogoter la Belgique. Moins ancré dans le hard rock que celui de ses concitoyens de The City, le glaviot rock’n’roll déjanté des Heartaches mélange le meilleur du punk originel new-yorkais à celui des bas-fonds de Londres. Au diable les mélodies pop avilissantes de Green Day, Blink 182 et des autres poseurs du genre. Place à la puissance brute du punk originel.
Ces Anversois vénèrent les Clash, Ramones, UK Subs, Buzzcocks, Damned et Rancid ; et on le ressent dans leur musique authentique et sans fioritures. Un objectif que le punk rock aurait toujours dû respecter : celui d’une musique de la rue, sauvage et rebelle.
Née Betty Haskins, Betty LaVette aura bientôt 65 piges. Et pourtant, elle n’est pas prête de prendre sa retraite. Faut dire que la voix de cette chanteuse de soul tient toujours la route. Et à mon humble avis, elle ne déposera ses armes vocales, qu’après avoir rendu son dernier souffle. D’ailleurs, on en a la certitude après avoir écouté cet elpee, consacré à des reprises les plus émouvantes les unes que les autres. Faut dire qu’en un demi-siècle de carrière (NDR : elle l’a entamée dès 16 ans, à Detroit, dans le Michigan industriel) Betty s’est imposée comme une vocaliste de référence. Depuis son hit initial, « My Man – He’s a Lovin’ Man », elle en a fait du chemin. Des expériences qui lui ont permis, entre autres, d’accompagner Barbara Lynn et Otis Redding ! Elle avait opéré un come-back réussi, en 2005, lors de la sortie d’« I’ve Got My Own Hell to Raise », et confirmé ses excellentes dispositions en publiant « The Scene of the Crime », deux ans plus tard, une œuvre pour laquelle elle avait reçu le concours des Drive-By Truckers, et pas seulement à la production.
Ce nouvel elpee est consacré à des covers de classiques bien britanniques. Qu’ils soient pop, rock, soul ou r&b. La diva y interprète des compos de Pink Floyd (« Wish You Were Here »), Paul McCartney (« Maybe I’m Amazed »), Stones (« Salt on the Earth ») et même d’Elton John (« Don’t Let the Sun Go Down »), en y communiquant une passion et une intensité rares. Et pourtant, le challenge était pourtant plus que risqué ! Suivant la légende, Pete Townshend aurait fondu en larmes, à l’écoute de la cover du « Love, Reign O’er Me », un morceau figurant en bonus track. Toutes les plages de ce long playing ont subi une véritable cure de jouvence. Et Bettye LaVette, une des plus belles voix de la soul et du r&b en est la responsable…
A l’écoute de l’excellent remix du « Bye Bye Bayou » d’Alan Vega, opéré par LCD Soundsystem, on pouvait sérieusement commencer à envisager une suite au magique « Sound Of Silver », paru en 2007. Au cours des 3 dernières années, James Murphy s’est montré plutôt discret, alors que son label DFA n’a jamais été aussi productif. La crise économique ne semble d’ailleurs pas avoir touché l’écurie. Murphy et ses comparses viennent donc enfin de remettre le couvert en publiant « This Is Happening », un elpee qui surprend par sa maturité, d’une part ; mais d’autre part, pourrait constituer un des points d’orgue de l’année 2010.
Et pourtant, cet opus pourrait être le tout dernier opus du combo newyorkais. Murphy l’a d’ailleurs déclaré récemment au NME. Aussi il en a profité pour faire péter les bouchons de champagne en se jouant les soirées blanches d’Eddy Barclay, à sa manière. En premier lieu, l’enregistrement. Il s’est déroulé à ‘The Mansion’, célèbre villa du producteur Rick Rubin (Johnny Cash, Beastie Boys, etc.) qui a vu notamment l’enregistrement de « Blood Sugar Sex Magik » des Red Hot Chili Peppers ou encore cette même bâtisse qui apparaît durant la seconde saison de « Californication ». Et enfin, c’est entouré de tous ses proches que Murphy s’est pris pour le producteur superstar. Une sorte de gourou qui avait exigé de ses disciples de se vêtir de blanc, pour rendre l’ambiance plus fun. Néanmoins, il faut reconnaître que son choix était judicieux, car –et il l’a reconnu– louer un studio ça douille et puis, c’était une belle opportunité de se rapprocher de L.A. Et pour cause, il ne faut pas oublier qu’il est également le responsable de bande originale de « Greenberg », le nouveau long métrage de Noah Baumbach. Dans cette superbe villa, James a installé son studio. En n’oubliant pas d’y accrocher une énorme bannière étoilée. Et c’est dans cette pièce, sous quelques boules à facettes, que LCD Soundsystem a pondu les neuf titres de cette nouvelle galette. De véritables perles aux sonorités très ‘classe’ ! Faut dire que dans l’univers de l’électro, James est bien le roi du monde ! Néanmoins, l’aspect mélodique est beaucoup plus palpable ; et puis James Murphy ose enfin chanter, et à la manière d’un crooner. C’est d’ailleurs un des aspects les plus surprenants de « This Is Happening ». Tout comme la durée des plages, dont sept ne descendent pas en-dessous des 6 minutes.
« Dance Yrself Clean » ouvre le bal. En douceur. Avant que ne s’abatte une tempête de sonorités cristallines, balisée par une rythmique susceptible de vous décoller les pieds du sol. Rock déjanté, « Drunk Girls » rend un bel hommage au Velvet Underground, et en particulier à son « White Light/White Heat » (NDR : merci Enzo). Emouvant, « All I Want » illustre les capacités vocales hors-norme de James. Le long playing regorge, bien sûr de hits potentiels. En particulier « You Wanted A Hit », un morceau pour lequel il a reçu le concours d’Al Doyle (Hot Chip). Il mérite un big up ! Mais à mes yeux et à mes oreilles, la palme revient à « Home ». Cette superbe compo, très riche également, lorgne manifestement vers Talking Heads. De quoi déjà rêver de vacances.
Après avoir concocté trois excellents albums et accompli trois tours du monde. LCD tire sa révérence. Murphy aura marqué (chamboulé), de son empreinte (de la cave au grenier) la scène électro. A l’aube de ses 40 ans, il a sans doute envie de se consacrer à d’autres projets.
“The Defamation of Strickland Banks », c’est le titre du dernier album de la nouvelle sensation anglaise, dont la sortie est prévue pour le 18 juin ! Plan B a décidé de nous plonger dans un univers cinématique réminiscent des années 60, à travers ce concept album racontant la chute de Strickland Banks, alter-ego chanteur soul de Ben Drew. Au menu du deuxième album de Plan B : un mélange de soul ‘motownesque’, de hip hop et de rock. Et la production a été confiée à Paul Epworth (Bloc Party, Florence & The Machine, Friendly Fires, etc.)
http://www.myspace.com/time4planb
Tracklisting:
1. Love Goes Down
2. Writing’s On The Wall
3. Stay Too Long
4. She Said
5. Welcome To Hell
6. Hard Times
7. The Recluse
8. Traded In My Cigarettes
9. Prayin’
10. Darkest Place
11. Free
12. I Know A Song
13. What You Gonna Do
Le premier Ep de Junip, le groupe drivé par José Gonzales, sera bientôt dans les bacs. Intitulé « Rope and Summit », il est déjà disponible digitalement depuis le 25 mai, sur le site officiel de la formation suédoise. Et « Fields », leur premier elpee devrait également paraître ce 13 septembre. La tournée européenne de Junip, programmée pour cet été, passera par le festival Boomtown de Gand. Le combo s’y produira ce 23 juillet.
http://www.junip.net
http://www.myspace.com/junip
Artiste déchiré, controversé, Benjamin Biolay aime provoquer et s’écorcher publiquement. Ses célèbres coups de gueule dans le monde artistique francophone et son autosuffisance affichée lui ont d’ailleurs coûté une petite mort médiatique. Petite mort dont il a utilisé soigneusement les stigmates pour signer l’un des meilleurs albums de chanson française de cette décennie. Parmi ces fleurs du mal, a fini par éclore « La Superbe », essence magistrale d’un auteur-compositeur-interprète de génie aux dérapages capricieux qui le condamnent à marcher dans l’ombre d’un Gainsbourg. Ce dernier ouvrage lui a valu la reconnaissance méritée de ses pairs : il remporte trois victoires de la musique dont celle du meilleur album et de l’artiste interprète de l’année.
Adoré ou détesté, le dandy lyonnais s’érige dès lors comme l’un des artistes les plus prolixes et les plus doués de sa génération. Bref, une icône masculine adulée par les femmes –détestée par leur mari– qui nous offre ce soir la quintessence de son cinquième album sur les planches de l’AB de Bruxelles. Ville chère à ses yeux où il a écrit (NDR : Biolay évoque le célèbre café-concert l’Archiduc), composé et enregistré (ICP) la majorité des sillons lumineux de son dernier opus.
20h30. Sur un fond de décor noir, simple et intimiste, le dandy ténébreux investit les lieux et introduit « Même si tu pars », sur un ton serein et assagi. Un nouveau visage Biolay, plus calme, moins torturé, s’affiche d’emblée pour nous livrer un set qui gagne en valeur au fur et à mesure que la setlist avance. L’artiste se livre progressivement au public, communie crescendo d’anecdotes, d’humeurs de vie… et parvient finalement à tisser un lien doux et amical avec le public. L’atmosphère prend corps et donne de l’assurance aux compos. La voix grave et hésitante se rassure au fil des morceaux et finit par vaincre une timidité profonde. Puis, elle s’impose doucement comme si elle acquiesçait progressivement à l’autorisation tacite de s’inviter parmi nous. Sur « Night Shop », Benjamin Biolay se libère et se métamorphose furtivement en un délicieux raconteur d’histoires. Ensuite, les titres déboulent…
Armée de cinq musiciens (harpe, batterie, guitares, basse, claviers), la performance scénique peine cependant à trouver la grandiloquence du studio. Les arrangements et les compositions ‘live’ trahissent les finitions fines de l’album et ne parviennent que trop rarement à utiliser les aspérités de la scène pour donner vie aux textes. Victime d’un album presque parfait, le concert sue et se chagrine davantage de nostalgie sur les morceaux de « Trash Yéyé ». Ainsi, « Bien Avant », « Dans La Merco Benz » et « Qu’est-ce que ça peut faire », moins instrumentalisés, redonnent un supplément d’âme à l’AB.
C’est d’ailleurs lorsque la ‘spleen machine’ se retrouve seule au piano, légèrement habillée d’une harpe délicate et de quelques percussions discrètes (« Nuit Blanche »), que les mélodies sombres et déchirantes retrouvent pleinement leur âme originelle.
« La Superbe » et « Qu’est-ce que ça peut faire » attendront encore une heure avant de crouler sous les innombrables brassées d’applaudissements d’un public absolument fan et conquis. Enfin, le concert se referme sur le plus intimiste « A l’Origine ». Trois rappels viendront clôturer cette soirée aux paroles hautement émotives : le plus léger « Padam », le mélancolique « Les Cerfs-Volants » et l’authentique « Brandt Rhapsodie », sur lequel l’audacieuse harpiste palliera l’absence vocale de Jeanne Cherhal.
Pas de gifle musicale étourdissante ce soir à l’AB. Plutôt les confessions intimes d’un homme fragile et sincère qui nous propose un nouveau profil touchant d’humanité et d’ironie amère…
(Voir aussi notre section photos)
Phénomène issu de l’émission radio crochet ‘La nouvelle star’, Christophe Willem avait donné rendez-vous à ses fans mercredi soir, à Bruxelles. Quelques heures avant de m’y rendre, l’envie n’y était pas. Faut dire qu’en règle générale, ce genre de variété franchouillarde ne m’inspire pas beaucoup. Mais bon, j’avais sollicité et reçu une invitation ; j’étais donc tenu de répondre présent. Normal ! Allez, courage, quand faut y aller, faut y aller…
Pour ne pas changer les bonnes habitudes, lors d’un concert prévu à Forest, j’ai droit à ma dose de bouchons dès la sortie de l’autoroute et un mal de chien pour dénicher une place de stationnement. Mais tout vient à point à qui sait attendre et au guichet m’est remise une place de choix, face à la scène, juste derrière la table de mixage. Et un bon point, un ! Je m’installe et constate rapidement que le public n’est pas tout à fait celui auquel je m’attendais. Là où je croyais ne rencontrer que des jeunes (et moins jeunes) femmes, force est de constater que Christophe Willem attire, tout comme Tintin, les jeunes de 7 à 77 ans, tant de sexe masculin que féminin. Manifestement non, Christophe Willem n’est pas que le héros des ménagères de moins de 50 balais, loin de là…
Il est vingt heures pétantes lorsque Sky, petit bout de femme, seule au monde, nous apparaît, isolée face à 6 000 personnes, ne disposant comme seule arme, qu’une guitare acoustique. Mais visiblement, cette situation ne l’effraie pas. Courageusement, elle entame sa première chanson et révèle au public une facilité de voix assez déconcertante ainsi qu’un jeu de cordes très au point et non moins efficace. Se baladant tant en français qu’en anglais, la belle nous met en forme durant la petite demi-heure que lui a accordée son ‘patron’… (NDR : elle est également invitée à former un duo dans le spectacle de l’ex-nouvelle star, dont elle n’était que choriste lors de la tournée précédente). Et cela marche. Très bien même. Oscillant entre Zazie et Sheryl Crow, les titres qu’elle nous propose sont tout à fait de nature à mettre l’assemblée en appétit. La demi-heure est donc vite avalée et digérée.
Il ne faut pas plus d’une vingtaine de minutes pour que l’idole, que toute la salle attend, fasse son apparition. Et quelle apparition ! Après un générique (sur un écran super géant) digne d’un film à gros budget, Christophe Willem opère une entrée remarquée et remarquable. Suspendu à un câble par la main gauche et le micro dans l’autre, il descend tel un artiste de cirque, au milieu de l’arène, tout en entamant son premier titre « Berlin », repris directement par 6 000 chœurs plus qu’enthousiastes. Et c’est un euphémisme ! Tout au long des deux heures de spectacle, ce sera une constante. La foule chantera et dansera. Et déjà à ce moment-là, bien que ne connaissant quasi rien de son répertoire, le doute m’habite. Je me demande où je suis tombé. Plutôt habitué à l’odeur d’un joint pourri, j’ai pour une fois dans le nez des parfums plus chics les uns que les autres ! Ça change…
Sur scène, ils sont sept outre la vedette : trois choristes, dont deux superbes créatures, un trio basse-guitare-batterie et une claviériste rompue à tous les exercices dont ceux des effets sonores spéciaux. Et bien sûr, Sky qui viendra interpréter quelques duos dont une fabuleuse reprise de « Why » d’Eurythmics. C’est la soirée du strass et des paillettes, le retour des années disco, un spectacle son et lumières fabuleux, un clip vidéo gigantesque de deux heures.
Ce grand déglingué sans allure nous en met plein la vue et les oreilles. Il nous bluffe complètement en usant de sa voix d’une justesse remarquable et jouant à la fois au chauffeur de salle, au comédien, à l’humoriste, au danseur. Il va même jusqu’à descendre au milieu de la fosse pour entraîner sur le podium Micheline (non non, j’sais pas qui c’est) en compagnie de laquelle il interprètera le titre suivant tout en esquissant un pas de danse. Et là je me dis : ‘Très fort le bougre’. Et je me surprends à battre la mesure, à sourire, rire même. Ben oui, je m’amuse, beaucoup même. La bonne humeur est contagieuse !
Après « Trash », morceau électro-pop surpuissant, Christophe honore ses comparses en les mettant en évidence chacun à leur tour. Visiblement authentique, sympa et relativement rare… D’une simplicité et d’un naturel assez convivial, il arrive à mettre Bruxelles dans sa poche (ben oui, moi aussi) ! Cinq bonnes minutes seront nécessaires à la reprise du ‘concert’. Le public acclamant son idole durant de longs moments au son du célèbre refrain de « Seven nation army » dont il avoue ne pas connaître les paroles, sans quoi…
Le calme revenu, il choisit d’entamer « Why » en duo avec Sky. Sur fond bleu azur, ce titre renaît de ses cendres et confirme tout le talent d’interprète de ce grand bigleux hors du commun. La belle ne le quitte plus pour la fin du show et voit son statut de choriste passer à celui de complice…
On épinglera aussi tout l’humour dont une certaine dose d’autodérision qui caractérise le personnage. Projetant d’immenses photos de lui-même en arrière-plan, il n’a visiblement pas choisi les clichés les plus avantageux et n’en a cure. Cela marche et fait à nouveau (sou)rire les plus pincés, s’il y en avait… Le ‘Coffie Tour’ arrive déjà à sa fin, plus d’une trente, seize titres passés à la vitesse de la lumière. Et pour une fois, le son était à la hauteur, les ingénieurs ont fait du bon boulot dans cette salle à l’acoustique minable.
Les lumières s’éteignent sur le final de « Heartbox ». Mais des milliers de mouchoirs blancs s’agitent et réclament le retour de la star. Et sans manière, sans chichi, sans faire patienter de longues minutes ses fans, il revient. Seul au piano pour interpréter « Si je tombais », superbe ballade qui dénote un peu dans le répertoire de ce showman complètement déjanté. Et une fois de plus ça marche. Il peut tout se permettre, rien à dire il est doué le mec ! Avant de tirer sa révérence, il se demande s’il n’a pas oublié un titre. Et celui que tous attendaient, le seul que je connaissais réellement, « Double jeu » terminera la soirée de la même manière qu’elle avait commencée. Sur les chapeaux de roues.
Ben franchement, moi je lui tire le mien à ce gars. Il m’a blousé. De la première à la dernière minute. Il m’a invité à une grosse fête où tout le monde s’amuse, tout le monde rigole. Où la bonne humeur est ou devient obligatoire. Il ne nous laisse pas le choix. Ce mec-là, c’est un remède contre tout ce qui va mal ou pas bien. C’est un mélange de ‘Prosac’ et de gélules survitaminées.
Et puis basta avec le reste. Faites comme moi. Partez avec des pieds de plomb et revenez en chantant, heureux…
(Organisation Live Nation)
L’écurie Vampisoul nous propose un voyage à travers l’âge d’or colombien du label Discos Fuentes. Maître des rythmiques endiablées durant les 60’s et 70’s, Antonio Fuentes Estrada est la première personne à avoir lancé un label en Colombie. Créé en 1934, à Carthagène, Disco Fuentes est surtout notoire pour ses disques mélangeant savamment sonorités afro telles que la cumbia, le fandango ou encore le porro. Souvent comparée à la Motown, pour sa démarche unique en son genre, l’écurie colombienne vient de refaire surface par la grâce de Vampisoul, dont le travail de fouilles dans les archives des musiques du monde devient de plus en plus impressionnant
Le premier volume de « The Afrosound Of Colombia » est double. En outre, il est enrichi d’un superbe booklet incluant notes, photographies rares et biographie d’artistes. Un bel objet collector, comme toute réédition de qualité qui se respecte.
Impeccablement remasterisée, l’œuvre est découpée en 43 titres. Des compos caractérisées par leur richesse musicale. Ici la musique vient du cœur. Elle est dansante, ensoleillée, mais avant tout le fruit d’un mélange de rythmes latino et de percussions frénétiques. Et les inconditionnels du R’n’B à deux cents peuvent d’ores et déjà passer leur chemin ! Au bout du compte, on se rend compte que la Colombie ne se limite pas à la coke et Pablo Escobar ! A cet égard, il faut remercier Monsieur Fuentes, pour son incroyable feeling ! En signant des groupes ou artistes comme Wgandia Kenya, Afrosound ou encore Michi Sarmiento, le label Disco Fuentes va rencontrer un énorme succès, et surtout faire vibrer toute la République du Nord-Ouest de l’Amérique du Sud. En outre, le concept Fuentes est indissociable de Fruko, l’enfant terrible du label qui apportait sans aucun doute un plus au sein de l’écurie ! Véritable génie déchaîné, on doit à Fruko des titres aussi excitants que « Flores Silvestres », « El Ausente » ou encore l’excellent « Tihuanaco », caractérisé par ses bongos et congas jubilatoires ! Hautement recommandable à toutes celles et tous ceux en recherche perpétuelle de nouvelles sensations !
Paru il y a presque deux ans, cet opus est le résultat d’un travail solo de Vinc, mieux (?) connu comme guitariste au sein de la formation suisse Ever Since. Alors, la question à deux balles : Ever Since, cékiça ???
Voilà, voilà. Ever Since est un groupe de ‘melodic dark metal’ (ben oui ça existe) helvétique, connu seulement par les spécialistes du genre ou par les autochtones du pays du gruyère et de Fendant (vin blanc du coin). On soulignera tout de même que ce combo compte plus de dix ans d’existence et trois albums à son actif.
Après avoir collaboré une décennie aux réalisations des hardeurs helvétiques, Vinc se la joue perso depuis 2008.
Elpee entièrement écrit, joué et interprété par cet amateur de néo métal, ce ‘Project’ se veut avant tout autobiographique. En une petite dizaine de titres, Vinc nous raconte les déboires de sa vie sentimentale sous forme d’un voyage sombre, torturé et mélancolique. Autant dire tout de suite que « My Story » ne transpire ni de bonne humeur ni d’hilarité… Vinc a donc concocté neuf morceaux inspirés d’une espèce de métal mélodieux (ça existe ce truc ?)
A vouloir mélanger les genres –guitares acoustiques, violons, violoncelles d’un côté et artillerie lourde de l’autre– on a l’impression que notre artiste s’emmêle les pinceaux, hésitant même entre la musique de film (voulait-il imiter le génial Mike Oldfield, responsable de la B.O. de « L’exorciste ») et l’opéra rock tragique ‘bon marché’. Hélas, le résultat est loin, très loin, d’atteindre un niveau intéressant.
En un mot comme en cent cet album est ‘trop’. Trop lourd, trop sirupeux (violon, violoncelle), trop doux ou trop hard. Bref, il est totalement indigeste ; car Vinc a voulu enfiler des gants de velours à de grosses pattes velues. Ça le fait pas du tout. On dirait plutôt une grosse soupe préparée à l’aide de tout ce qu’il avait sous la main. Et cette mixture sonore devient du grand n’importe quoi. Des styles qui s’opposent et qui ne s’harmonisent pas du tout. Un peu comme si le grand ogre gourmand devenait gardien d’enfants dans une crèche de mioches. Bonjour les dégâts…
Bref, un ‘Project’ qui aurait mieux fait de rester à l’état de ‘projet’, tout simplement !
Méconnus en Europe, les frères Avett comptent déjà 6 elpees à son actif. Leur premier remonte à 2 000 et s’intitulait « I and Love and You ». Les frangins (Scott au banjo et Seth à la guitare) sont de véritables stars au sein de leur Caroline du Nord natale ; et jouissent d’une notoriété certaine aux States. Le duo de jeunes cowboys se charge également des parties vocales. Ils sont épaulés par le bassiste Bob Crawford. Leur folk basique évoque les montagnes rocailleuses des Catskills. Le vénérable San Fransisco Chronicle leur a consacré un article, en décrivant leur musique comme véhiculant la tristesse de Townes Van Zandt, empruntant la concision pop et légère de Buddy Holly et libérant l’énergie brute des Ramones. Comparaisons flatteuses et exagérées ? Pas tant que ça... et Rick Rubin n’a d’ailleurs pas hésité à les signer sur son propre label, dès 2008. Le gourou barbu est d’ailleurs responsable de la mis en forme de leur dernier essai en date.
Une production assurée par Rick Rubin, un classement au Billboard et une signature chez Sony Music : serions-nous en présence d’authentiques disciples de la country mainstream, descendant des Appalaches ? Peut-être chez un puriste né en Arkansas sous le drapeau sudiste ; mais pas le moins du monde pour de modestes oreilles européennes.
Baignant tour à tour au sein de climats profonds ou légers, les perles se succèdent tout au long de cet elpee. Depuis « I and Love and You » à « January Wedding » (NDR : soutenue par de superbes accords de piano, très présents tout au long de ce disque, cette compo est dédié à Audrey Hepburn), en passant par « Kick Drum Heart », un morceau qui aurait fait le bonheur du Creedence et « Ten Thousand Words », un véritable classique digne des années 70. Et certaines plages auraient pu figurer au répertoire de My Morning Jacket, en plus roots et passionné ! Wilco n’est pas loin. Ce qui devrait vous donner une petite idée du style pratiqué par The Avett Brothers.
Cet album a atteint la 16ème place des charts américains… au grand désespoir des nombreux fans du groupe. L’Europe les découvre alors que le combo vient d’atteindre sa pleine maturité. Une bonne raison pour ne pas passer à côté de ce long playing…
Oli Brown n’a pas encore vingt ans ; et pourtant, ce très jeune chanteur/guitariste anglais a été signé par Thomas Ruf, il y a déjà deux ans. Ce qui lui a permis d’enregistrer son premier elpee, "Open road". Mais pour concocter ce nouvel opus, Ruf a fait appel au mythique Mike Vernon à la mise en forme.
Au cours des sixties, Vernon a énormément apporté au blues. Il constitue même une des pierres angulaires du succès remporté par le british blues, à l’époque. Il a ainsi signé des tas de futures légendes ; et en particulier Eric Clapton ainsi que Peter Green. Vernon s’était retiré de la scène musicale depuis une dizaine d'années ; mais en écoutant Brown, il n’a pu résister à reprendre du service. Il ne faut pas oublier, non plus, que lorsque les gratteurs anglais, populaires au cours des sixties, se révélèrent au public, ils étaient eux aussi fort jeunes. Bref, le courant est fort bien passé entre le gamin Oli et le vieux renard, Mike. Oli est entré en studio en compagnie de ses musiciens : le bassiste Gary Rackham, le drummer Jamie Little ainsi que Dave Lennox, un claviériste jouissant d’une grosse réputation outre-Manche.
Brown attaque "Evil soul". Effréné, le tempo est imprimé sur celui du chemin de fer. Sa six cordes occupe la quasi-intégralité de l’espace sonore. Son timbre vocal est encore juvénile, mais bien posé. "Makes me wonder" s’inspire manifestement du regretté Stevie Ray Vaughan, mais sans la puissance et le groove du Texan. Brown et Vernon cosignent deux morceaux. Tout d’abord "Keeping my options open", une plage caractérisée par sa rythmique répétitive, dansante. Puis "Speechless", une ballade savoureuse, mélodieuse, au cours de laquelle Vernon et son jeune élève reprennent le refrain de concert ; une chanson qui permet à Oli de signer une excellente sortie sur les cordes. Soutenue par l’orgue de Lennox, la cover du célèbre "Fever" ne manque pas de dynamisme. Brown chante "Not a word to say", en y injectant tout son feeling, toute sa passion. Une plage indolente de toute bonne facture. Dans le même registre, "I can make your day" permet à Vernon de mettre son talent en exergue. "Real good time" et "Take a look back" sont des morceaux sculptés dans le funk. Vernon appuie le chant, alors que les cordes s'évadent constamment. La reprise du "No dignity" de Bill Withers lorgne vers la soul. Bien ficelée, elle illustre le boulot accompli par le producteur tout en soulignant le brio de l’artiste. "Love's gone cold" constitue le slow blues de circonstance. Très ‘british’, chargé d’intensité dramatique, il est caractérisé par le recours à la formule questions/réponses entre le chant et les cordes. Une formule reconduite sur "On top of the world", un titre funky qui achève cet excellent opus…
Quand quatre mecs aussi doués et célèbres que Joe Satriani, Chad Smith (Red Hot Chili Peppers), Sammy Hagar (Montrose, Van Halen) et Michael Anthony (Van Halen) décident de réunir leurs efforts pour composer onze titres, il faut en payer le prix. Et donc rentabiliser au maximum le projet. On publie une première fois les onze titres sur un album officiel. Six mois plus tard, on les ressort en digipack édition limitée enrichis d’un Dvd de clips vidéo. Et finalement, on les refourgue une troisième fois sur un Dvd live. En ces temps difficiles pour l’industrie discographique, parvenir à vendre trois fois les mêmes compositions en moins d’un an, c’est un exploit remarquable. Surtout que le public (votre serviteur en premier) n’a pas vraiment envie de se plaindre puisque le Dvd « Get Your Buzz On Live », tout comme l’album « Chickenfoot » et sa déclinaison ‘limitée’, est une véritable tuerie.
Bien plus que des musiciens célèbres, Satriani, Smith, Hagar et Anthony sont de véritables bêtes de scène. A la fois virtuoses, clowns et showmen accomplis, les Chickenfoot sont ‘le’ supergroupe par excellence. Insérer « Get Your Buzz On Live » dans un lecteur Dvd, c’est se payer une incroyable partie de plaisir. Hormis les deux reprises du rappel (« Bad Motor Scooter » de Montrose et « My Generation » des Who), Chickenfoot nous ressert une nouvelle fois les onze titres de l’album studio ; mais les musiciens ont le bon goût de les triturer ‘à l’ancienne’ ; c’est-à-dire en les tirant en longueur à grands coups d’improvisations jouissives. Comment d’ailleurs ne pas rester scotché devant les soli de l’immense Joe Satriani ? L’un des meilleurs guitaristes du monde. Aucun doute à ce sujet. Pourtant, il faut bien le quitter des yeux pour pouvoir apprécier les grimaces du déjanté Chad Smith ou pour profiter de l’incroyable complicité qui lie Sammy Hagar à Michael Anthony. Le groupe est soudé et l’ambiance festive communicative. Bref, « Get Your Buzz On Live » est La leçon de rock’n’roll ultime.
Comme tout Dvd qui se respecte, il est enrichi de bonus. Passons sur la galerie photos (inutile, comme toutes les galeries photos). Mais ne ratons surtout pas le documentaire. Celui-ci est constitué d’une succession de séquences hilarantes où l’on peut voir, entre autres, Chad Smith se promener en rue, le micro à la main, demandant aux passants s’ils connaissent Chickenfoot. On peut aussi y découvrir Sammy Hagar interviewant Bob Weir, le guitariste des Greatful Dead, Joe Satriani interviewé par le guitariste de Spinal Tap et un entretien très amusant entre Michael Anthony et le DJ américain Adam Carolla.
Si vous avez aimé Chickenfoot en studio, vous adorerez la version live !
« Disiz The End » annonçait laconiquement son dernier album, paru en 2009. Sérégine M’Baye tentait de mettre à mort son personnage de Disiz La Peste, catapulté sur le devant de la scène, grâce à son tube « J’pète les plombs » (200 000 albums et 500 000 singles vendus!), un pseudo inspiré du film de Joel Schumacher sorti en 2000, « Chute Libre », mettant en scène Michael Douglas. Le rappeur d’Evry (NDR : c’est en banlieue parisienne) souhaitait explorer de nouveaux horizons sonores et surtout s’éloigner du milieu hermétique du hip-hop hexagonal. Pari risqué lorsqu’on connaît ses antécédents hip-rock (Silmaris, Pleymo, Crazy Town et consorts…) Des voyages accomplis à New-York et en Mauritanie lui ont permis d’élargir ses influences musicales. Si Disiz conserve son flow et ses lyrics bien particuliers, les ambiances, elles, partent dans tous les sens. Tout n’est pas parfait mais certains passages sont irrésistibles.
Après une intro explicite intitulée « Mutations », dont les sonorités africaines sont inspirées du manga Akira, il embraie par le single imparable « Dans le ventre du crocodile ». Caractérisée par sa rythmique technique et festive inspirée du LCD Soundsystem, cette ode à l’enfance est soulignée de textes percutants. « Rien comme les autres » est un véritable morceau rock sur lequel Disiz… chante ! Sa voix est très limite. Et il avoue cette carence, ajoutant avoir d’ailleurs pris des cours. « Yeah Yeah Yeah » et « Jolie Planète » sont moins réussis. A cause de leurs riffs punk/métal un peu gras et trop basiques. Ce qui n’empêche pas l’humour au second degré des lyrics de faire des ravages. « Trans-Mauritania » est interprété en peul (la langue des touaregs). Un chouette morceau dont les références oscillent entre Talking Heads, XTC et Foals. Mais les meilleures compos sont également les plus mélancoliques et balisées par le piano. En particulier « Paradoxe » et « Je t’aime mais je te quitte » (clin d’œil au slogan de la France de Sarkozy). « Dans le ventre du crocodile » est un album inégal mais fort intéressant. Et ma foi, son challenge d’entrer dans l’univers du rock par la grande porte est pratiquement réussi…
Revers de la médaille, Disiz a probablement perdu tout crédit auprès des fans de hip-hop old school. Mais en démontrant qu’il existe une vie après le rap, l’artiste est parvenu à se réinventer un nouveau personnage, unique en son genre, libre de s’exprimer comme il le souhaite, et très susceptible de conquérir un public bien plus large.
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