Texan d’adoption mais natif de Memphis, Micah P. Hinson s’est entouré d’un quatuor à cordes pour concocter son nouvel opus, en l’occurrence The Pioneer Saboteurs. Un disque dont le climat âpre, grave et angoissant communique des sentiments à la fois bouleversants et dérangeants. Micah y explore des thèmes extrêmement réalistes comme la mort ou les relations amoureuses. En fait, il dépeint la situation sociale de son pays, comme un citoyen décrirait : ‘I tried to make sense of everything that’s happening over there… the death of the American dream on the coat-tails of the modern US of America. A citizen cannot be unaffected by the things that are happening around him. If he does not, he’s not citizen’. Faut dire que l’artiste a vécu lui-même une dégradation sociale ; donc, il sait de quoi il parle. Et pour cause, il a transité par toutes les étapes du parfait reclus : drogue, prison, alcool et déceptions amoureuses… Alors qu’il n’avait pas encore 30 ans.

Consacré à des reprises, « All Dressed Up And Smelling Of Strangers », son dernier elpee, ne date que de quelques mois. Et son génie est intact ! L’opus s’ouvre par un titre instrumental de forme plutôt classique. Une compo au cours de laquelle Micah et ses Pioneer Saboteurs révèlent immédiatement que les cordes vont occuper une place de choix tout au long de l’opus. « Take Off That Dress For me » est parcouru par la voix très caractéristique du songwriter, un timbre réminiscent à la fois de Johny Cash et Nick Cave. De quoi nous rappeler pourquoi, on avait eu le coup de foudre pour le personnage, en 2003. Lors de cette œuvre, Micah P. Hinson alterne morceaux orchestrés, minimalistes et expérimentaux. Des chansons empreintes d’émotion et de sincérité. Au sein du tracklisting, j’épinglerai quand même un « The Striking Before The Storm », hanté par les esprits des Indiens défunts, ou encore le bouleversant « Seven Horses Seen or Through The Hours, Still Comes Another ».

Micah P.Hinson démontre tout au long de cet elpee, qu’il est un des songwriters les plus doués et les plus fidèles de sa génération. Et son évolution devrait combler tous les mélomanes.  

Peu d’artistes sont capables d’adapter des œuvres aussi obscures que celles de Brecht et Kurt Weill. Peter Wilson, alias Duke Special, s’y est frotté ; et ma foi, a fort bien réussi son challenge. D’autant plus qu’il se traduit par la sortie d’un triple cd baptisé ‘The stage, A book & The silver screen’. Un box luxueux incluant deux elpees et un Ep. Peter est un personnage fort sympathique, loquace. Et n’élude aucune question. Dès la première, il se lance même dans une sorte de monologue pour bien expliquer ce qui l’a poussé à se lancer dans cette aventure…  

Le premier disque s’intitule ‘Mother Courage and her children’. C’est aussi le plus théâtral, dramatique et ambitieux. Il s’agit de la bande-son d’une des neuf pièces de Berthold Brecht. Signée Paul Dessa, elle a été revue et corrigée par Wilson, en 2009, après une nouvelle traduction opérée par Tony Kushner. 100 000 personnes ont assisté à la représentation de ce spectacle au Théâtre National irlandais. Et l’an prochain, elle sera jouée à Broadway. « Non seulement on m’a demandé d’écrire la musique, mais on m’a taillé un rôle sur mesure : celui d’un hybride entre un cheval et un cavalier grec. J’ai joué cette pièce, l’automne dernier. Une expérience qui a duré 4 mois… » Oui mais lorsque Brecht a écrit ces vaudevilles, c’était pour stigmatiser la montée du fascisme et du nazisme. « Mon job était de mettre en musique, des lyrics existants. Il fallait que je sois en parfaite adéquation avec les paroles. De nombreuses compos parlent de personnages qui ont vécu avant la guerre, alors qu’ils étaient encore purs, intègres. Les textes sont empreints de nostalgie. Par exemple sur ‘Yvette’, on y parle d’une femme qui sortait en compagnie d’un militaire. Il la battait. Elle l’a quitté. Et a voulu se suicider. Puis s’est tournée vers la prostitution, pour pouvoir protéger, élever ses enfants. C’est la guerre, mais il existe également un conflit entre les individus, à l’échelle sociale, humaine. Une tension entre l’égoïsme et l’amour, le don de soi. C’est cette étude conflictuelle, qui est la plus intéressante… »    

‘Huckleberry Finn’ est un Ep partagé en cinq titres, un disque plus léger consacré à des chansons inachevées de Kurt Weill. Le compositeur allemand s’était inspiré du chef-d'œuvre de Mark Twain, pour les écrire, mais elles n’avaient jamais été traduites en musique, ni enregistrées. « J’ai travaillé sur ce projet pendant un an et demi, en plusieurs étapes. Je suis tombé sous le charme de ‘Catfish song’, qu’il avait composée. C’est ainsi que j’ai découvert son œuvre. Et cette comédie inachevée. J’y ai ajouté des cuivres et du piano. Les morceaux ont été enregistrés à la maison. Les paroles, à Belfast. Et les cordes à New York… » Des chansons enjouées, insouciantes, susceptibles de nous replonger dans le rêve américain… Peter précise : « Oui, c’est quelque chose de beau et d’innocent à la fois. Quand j’ai écrit ‘Mother Courage’, je baignais dans l’univers musical de Kurt Weill. ‘Huckleberry Finn’ était une sorte de récréation. Weill était capable d’écrire des mélodies simples, malgré les aspects dramatiques de la pièce. Ces compos coulent de source. C’est le plus candide des trois enregistrements… » Et le plus amusant. La mélodie d’‘Apple Jack’ aurait pu servir de B.O. à un dessin animé de Walt Disney. Dans le ‘Livre de la Jungle’, certainement. « Elle est facile à chanter. Mais elle raconte d’une manière imagée, l’addiction à l’alcoolisme du père d’Huckelberry, et la difficulté d’en sortir… Kurt écrivait cette autre comédie musicale, quand il est mort. Je suis allé visiter le studio d’enregistrement où il travaillait. C’est devenu un musée. Il y a encore sa chaise. Des lettres. Des compos en friche. Quelque part, c’est un hommage à ce mythe ; et en même temps cette expérience m’effraie. Je porte une forme de responsabilité dans cette aventure… »

Mais le plus fort et le plus cohérent des concepts est manifestement ‘The Silent World of Hector Mann’. Mann était un obscur acteur de cinéma muet mis en scène par le romancier Paul Auster, dans son livre ‘The book of Illusions’. Wilson a composé la première chanson, inspirée par le titre du film ‘Mister Nobody’. Puis, il a eu l’idée de transmettre le bouquin à onze amis musiciens, pour les inviter à écrire une chanson sur un des autres titres de films, au sein duquel figurait Mann. Leur précisant que ces compos étaient destinées à être interprétées par trois stars de la musique rock. Ce processus a très bien fonctionné, puisqu’elles sont rentrées en un laps de temps assez court. Trois jours, suivant les déclarations de Peter. Et finalement, chacune d’entre-elles est marquée par la plume de chaque collaborateur.

Parmi les artistes qui ont coopéré à ce dernier projet, figurent Neil Hannon, le leader de The Divine Comedy et le Londonien, Ed Harcourt. En ce qui concerne le premier, on devine que c’est parce qu’il partage les mêmes sensibilités musicales. Pour les compositeurs allemands du XXème siècle comme Kurt Weill. Mais aussi Scott Walker, Burt Bacharach, le music-hall et le cabaret. Chez le second, on imagine, qu’il doit apprécier sa vision du romantisme. Peter s’explique : « J’ai effectué une tournée en compagnie de Neil, en 2006. Qui est passée par la France, l’Angleterre et la Belgique. J’admire cet artiste depuis longtemps. Il vit à l’extérieur des courants et des modes ; et c’est ce que j’aime chez lui. C’est d’ailleurs ce que j’apprécie toujours chez les artistes. Il est intemporel comme Jacques Brel ou Scott Walker. Je pense que nous partageons les mêmes influences. Et le goût de cette musique d’une autre époque. Mais l’essentiel, c’est qu’il fait ce qu’il a envie et aime. Qu’il reste lui-même. Tous les compositeurs qui ont participé à l’écriture de ‘The Silent World of Hector Mann’, je les ai choisis, parce que je savais qu’ils étaient capables de composer à l’ancienne et comprenaient ce que j’attendais d’eux. Comme Ed Harcourt, qui a écrit ‘Jumpin’ Jack’… » Certaines plages de cet elpee épousent même la forme dansante de l’époque : tango, valse ou charleston. Un feeling qui reflète parfaitement les années 20. Peter admet : « C’est un peu comme si ces artisans peignaient un tableau de l’époque. Mais le plus passionnant, c’est que chaque chanson recèle l’ADN de son compositeur… J’ai demandé à Bob Weston de tout mettre en forme, afin que l’ensemble sonne comme du Duke Special. Car le but, c’était que le mélomane ait l’illusion d’écouter du Peter Wilson… »

Les sessions d’enregistrement de ‘The Silent World of Hector Mann’ se sont déroulées sous la houlette de Steve Albini. Etonnant pour ce type de projet, quand on sait que le producteur fait pratiquement tout en une seule prise. Peter clarifie : « C’est vrai qu’il est plus notoire dans l’univers du rock. Au service de groupes ou d’artistes qui privilégient la guitare. Comme chez Shellac. Finalement, on pensait que le choix n’était pas si insensé, car c’est avant tout un remarquable ingénieur du son. Il n’est pas vraiment producteur. Nous étions trois. Un joueur de banjo et de mellotron. Et moi. Puis on a loué les services d’une section rythmique à Chicago. On a tout exécuté. N’ont été overdubbées que les paroles. Le reste était en ‘live’. C’est la meilleure méthode d’enregistrement, car elle te force à bien jouer. Et ces compos ont été mise en boîte rapidement. Les sessions étaient très intensives. Mais j’ai apprécié cette manière de travailler… »

A premier abord, on pourrait penser que ce concept est un véritable suicide commercial. Pas tant que ça. En fait, Peter s’est tourné vers ‘Pledge music’ pour le financer. Oui, mais ‘quekcèqça’ ? « Traditionnellement, un groupe ou un artiste signe chez un label. Il dispose d’un budget pour l’enregistrement. La maison de disques doit payer les salaires et prendre sa marge bénéficiaire. ‘Pledge Music’ est un nouveau système pour recueillir des fonds. Les gens achètent les œuvres avant qu’elles ne sortent. J’ai réussi à récolter entre 42 et 43 000£ (+ ou - 40 000€), lors de cette prévente. J’ai aussi écrit des poèmes pour les souscripteurs. Certains d’entre eux m’ont demandé de leur consacrer des covers. Et je me suis fait rétribuer pour ce boulot. Tout un arsenal de moyens pour lever des fonds. L’industrie du disque est en pleine tourmente et chacun essaie de trouver des idées et des solutions. Il y a tellement de gens qui écoutent de la musique gratuitement. Comment voulez-vous gagner votre vie ? »

En 2006, j’avais eu le plaisir d’assister à un concert de Duke Special. A l’Aéronef de Lille, très exactement. Un chouette concert, amusant même, qui m’avait également permis de découvrir un fantastique percussionniste (NDR : il n’hésite pas à se servir de toute une batterie de cuisine, comme instruments de musique) répondant au nom Chip Bailey Wilson. Sera-t-il de la prochaine tournée ? « Il s’agira d’un autre spectacle impliquant d’autres partenaires. Je bosse en compagnie d’une dizaine de musiciens différents. Donc il ne participera pas à cette nouvelle tournée… Et on va d’abord se concentrer sur ‘The silent world of Hector Man’. Puis ‘Mother courage’. On va y ajouter des éléments visuels, des interviews qu’on projettera lors des intermèdes, etc. »

Dernière question qui s’écarte complètement du sujet, mais qui méritait d’être posée, qu’est ce que Wilson aime chez les Dresden Dolls ? Et la réponse reflète parfaitement l’état d’esprit de notre interlocuteur. « En fait, j’étais en tournée, quand j’ai découvert ce groupe. J’aime beaucoup le concept cabaret de leur spectacle. Leurs déguisements, leur maquillage, le chapeau melon de Brian… sans oublier le talent de pianiste, de compositrice et de chanteuse d’Amanda. Mais j’apprécie aussi leur manière indépendante de gérer leur carrière. Tant d’un point de vue artistique que financier. A l’écart du circuit conventionnel des labels » (NDR : on y revient…)

Merci à Vincent Devos

En 2007, Michael Tapper, le drummer de la formation new-yorkaise décide de quitter le navire pour rejoindre la magnifique aventure californienne des Fool’s Gold. Keith Murray et Christopher Cain décident de continuer l’aventure sous la forme d’un duo, n’engageant des collaborateurs (NDR : comme Max Hart), que pour accomplir leurs tournées ou bosser en studio. Il leur aura fallu deux ans avant de dénicher l’oiseau rare. En l’occurrence Andy Burrows, fraichement débarqué de ses obligations, au sein de Razorlight. Et manifestement sa présence apporte un plus à la musique du combo. Leur quatrième elpee, sobrement intitulé « Barbara », en est la parfaite illustration. Il est même digne de l’excellent « With love and squalor », publié en 2005.

Mais qui est cette demoiselle que l’on imagine très jolie ? Je ne connais pas la réponse ; mais une chose est sûre, elle devrait être ravie du contenu de cette nouvelle livraison qui lui est dédiée. Un disque qui regorge de hits.

Lorsqu’on évoque We Are Scientists, on pense immédiatement à The Rapture et Franz Ferdinand. Ils appartiennent au même courant musical. Leur pop/rock survitaminé, contagieux, aux inflexions post punk, est bourré de fun et d’énergie. Il n’a d’autre réelle ambition que de communiquer de bonnes vibrations. Une formule gagnante pour le trio new-yorkais qu’il décline en 30 bonnes minutes. Et les formules, We are Scientists les connaissent sur le bout des doigts. Elles sont un peu trop mainstream ? Qu’importe, c’est à la fois la force et la faiblesse de leur musique. Pas la peine de s’attarder. Le plaisir est fugace. Comme une nuit passée dans les bras de « Barbara » ?

Programmé lors des festivals de cet été, We Are Scientists, se produira notamment au Pukkelpop, ce 19 août…

Deux ans plus tôt, j’avais eu le loisir d’assister au set de cette formation française, sous les voûtes caverneuses du Witloof Bar, au Botanique. La prestation de Year Of No Light était d’une puissance inouïe. Instrumentale, essentiellement métallique, son expression sonore était d’une telle violence et d’une telle intensité, que les spectateurs, présents pour l’occasion, ont dû souffrir d’acouphènes, les heures, voire les jours qui ont suivi. Face à un tel déluge de décibels, les boules-Quiès étaient donc de rigueur.

Quelques années plus tard, la lumière n’est toujours pas au rendez-vous. L’artwork annonce immédiatement le climat : « Ausserwelt » sera sombre, lourd et ténébreux. Et puis, le combo a signé chez un label de référence du style : Conspiracy (Red Sparowes, Thrones, …) Puisant toujours son inspiration chez Isis, Neurosis ou encore Cult Of Luna, le groupe bordelais nous propose, sur ce nouvel opus, 4 titres d’une dizaine de minutes, chacun. Des compos essentiellement atmosphériques. Distordues, les nappes d’électricité baignent presque constamment dans la reverb. Il est même parfois difficile de reconnaître les différentes lignes de guitares. Quant à la puissance, elle émane ici des drums. Des drums musclés mais métronomiques. Malheureusement, à contrario de leurs références majeures, le groupe néglige les variations et les crescendos, afin de privilégier une intensité permanente, au détriment de la mélodie, vous vous en doutez. Et deux à trois écoutes sont nécessaires avant de retrouver un semblant de structure au sein de ce bordel sonore. Bref, pour adhérer à « Ausserwelt », un peu trop monocorde à mon goût, il faut vraiment être un inconditionnel du style. Mais avant d’atteindre le statut de ses maîtres, il faudra remettre son métier sur son ouvrage. Et cent fois plutôt qu’une… 

Mac Arnold est un vétéran. Et pour cause, au sein de son premier groupe, un certain James Brown était préposé au piano. Dès le début de sa carrière, Mac a joué et enregistré en compagnie de Muddy Waters et John Lee Hooker. Il a également côtoyé Otis Redding et BB King, sur les planches. Excusez du peu ! Mac était bassiste. Ses grattes, il les fabriquait lui-même. En se servant de bidons d'essence ou d'huile. Il s'était retiré du show business depuis belle lurette. Et vivait en Caroline du Sud. Comme fermier. Pourtant, le virus du blues ne l'avait pas abandonné. Il y a quelques années, il a décidé de reprendre la route. Il a recruté un backing band composé de musiciens blancs : le Plate Full O' blues. L’équipe a commis un premier elpee en 2005 : "Nothing to prove". Puis un deuxième en 2008 : l'excellent "Backbone & Gristle". Et enfin ce "Country man", l’an dernier. Max chante, joue de la basse et parfois de la guitare à bidon. Il est soutenu par le six-cordiste Austin Brashier, le pianiste Max Hightower, le bassiste Dan Keylon et le batteur Mike Whitt.

"I ain't sugar coatin" ouvre l’opus. Un morceau de funky blues empreint de douceur, au cours duquel sa voix intense, sensiblement ravagée, bouleverse, face au piano électrique. Le timbre éraillé de l’artiste est un fameux atout pour leur musique. Elle véhicule énormément d’émotion. Parfois même elle se limite à un murmure… Comme sur "Farmer", une ballade au cours de laquelle il fait l’éloge de ses années consacrées à  la terre. Le rythme s'accélère. Un cheval au galop cherche à rattraper "This ol' tractor". Max est passé à l'harmonica. Mac sur son bidon à cordes, dont il extrait des sonorités métalliques. Lors du titre maître, notre leader ne peut s’empêcher d’épancher tout son bonheur, pendant que Max Hightower tire son épingle du jeu à l’harmo. Son chant est à nouveau très émouvant sur "True to you". Austin manifeste une certaine réserve, voire une réserve certaine, aux cordes, sur cette plage. "Too much" est un rock'n'roll de toute bonne facture. Offensif, pétillant et puissant à la fois, ce morceau bénéficie du concours de Bob Margolin (NDR : c’est également lui qui s’est chargé de la mise en forme de cet elpee ; et il faut reconnaître qu’il a accompli de l’excellent boulot), un personnage qui avait fait les beaux jours du Muddy Waters Band. Avant de céder le relais à Mr Brashier. Enlevé, "If walls could talk" évoque la cover du "It's all over now" des Stones. Une compo qui déménage et au cours de laquelle le PFOB prend son pied. Max se charge de la guitare rythmique sur "Holdin' on to lettin' go", une ballade qui tranche dans l’ensemble. A cause des cordes d’Austin, dont les tonalités évoquent le Mark Knopfler de Dire Straits. Des cordes qu’il cède à Margolin lors du Chicago shuflle "Scarecrow", un morceau percutant, enflammé par le souffle puissant d’un harmonica. Puis les refile à Mac, sur le fort remuant "Cackalacky twang". L’émotion étreint la voix de Mr Arnold lors du "Screramin' and cryin" de Muddy Waters. Bob Margolin lui accorde une solide réplique vocale, tout en se consacrant au bottleneck. "Mule for a Chevrolet" épouse un format plus hard, alors que la finale ("Swing me back home") est instrumentale. Un titre au cours duquel le boss a empoigné la basse, alors que Brashier nous réserve sa meilleure intervention aux cordes.

Mac compte de nombreux amis. Il vient d'organiser son 4^{ème ‘}Mac Arnold Cornbread and Collard greens Blues Festival’. Il est parvenu à réunit à la même affiche Bob Margolin, Kim Wilson, Willie ‘Big Eyes’ Smith et bien entendu le Plate Full O'Blues.

Un label aussi puissant qu’Edel Music (Deep Purple, Chickenfoot, Foreigner, Europe, Gamma Ray, Stratovarius) ne se risque généralement pas à signer d’illustres inconnus. Si d’aventure il s’y hasarde, c’est probablement qu’il est persuadé de rentrer dans ses frais. Le contrat international qui lie désormais Breed 77 à la ‘major’ allemande en dit long quant à la qualité de son quatrième opus.

Bien que quasiment inconnu dans nos contrées, le gang londonien (originaire de Gibraltar) jouit déjà d’une certaine réputation dans les pays anglo-saxons. Elu ‘Meilleur groupe non signé’ par les lecteurs du célèbre magazine musical Kerrang dès 1998, Breed 77 a foulé les mêmes planches que Metallica, Black Sabbath, Megadeth et les Melvins. Il a même distillé son ‘Flamenco Metal’ unique sur des scènes aussi prestigieuses que celles du Download, Rock Am Ring et Wacken Open Air.

Gibraltar est un territoire britannique d’outre-mer. Situé au sud de l’Espagne, en bordure du détroit de Gibraltar qui relie la Méditerranée à l’Océan Atlantique. Ses côtes ne sont éloignées que d’une quinzaine de kilomètres seulement de celles du Maroc. Cette situation géographique particulière engendre un brassage culturel surprenant et pittoresque qui se répercute dans la musique du quintet anglo-hispanique.

Subtil métissage d’influences méditerranéennes (guitares flamenco, mélodies et percussions orientales) et de métal contemporain (NDR : on pense parfois à System Of A Down), la palette musicale présentée sur « Insects » génère un véritable vent de fraicheur dans un genre qui a parfois tendance à se répéter. Le génie de Breed 77 est d’avoir été capable d’intégrer ses influences ethniques de manière équilibrée afin de ne pas sonner comme un groupe folk métal.

Produit par Wil Maya (The Answer, Adrian Smith) et mixé par Ryan Smith (Sterling Sound Studio, NY), le son clair et puissant de ce nouvel opus rend parfaitement justice au raffinement des arrangements.

En bonus, une reprise sulfureuse du « Zombie » des Cranberries finit par nous convaincre de l’immense potentiel affiché par ce groupe à part. Indispensable !

Ne pas confondre Turner Cody et CODY. Le premier cité est un compositeur new-yorkais. Le second une formation danoise. Issue de Copenhague, très exactement. Elle a choisi son patronyme en fonction des influences de son leader. A l’origine, elle avait opté pour Loveless, en pensant à l’album culte de My Bloody Valentine. Finalement le membre fondateur (NDR : c’est aussi le chanteur/guitariste), Kaspar Kaae, a tranché pour CODY, car il est également un fan de Mogwai. Et en particulier de leur album « Come On Die Young » (NDR : d’où, suivant les initiales, CODY).

Sobrement intitulé « Songs », ce premier elpee fait suite à un premier Ep, paru il y a un an. Depuis, le line up s’est enrichi et compte aujourd’hui sept membres. Le collectif s’est forgé une belle expérience au fil de ses nombreuses tournées. Qui sont passées par la Belgique, l’Allemagne et la Suisse. Et puis surtout par le prestigieux festival Roskilde (NDR : c’est au Danemark !), au cours duquel le combo s’est fendu d’une prestation très remarquée.

Les Danois pratiquent une musique folk très soignée, paisible, limpide, mélodieuse et esthétique, une musique soulignée, tour à tour, d’instruments aussi diversifiés que cuivres, percussions et claviers, et parcourue par la superbe voix de Kaspar Kaae. De cet opus, découpé en deux parties, à la manière d’un vinyle, j’épinglerai l’excellent « Remember When » ainsi que l’intense « A Crime ». Deux morceaux qui figurent sur le premier volet. Quant au second, il trempe dans un véritable océan de quiétude… Un très chouette album à conseiller aux mélomanes en perpétuelle recherche du Zen…