Drippin' Honey est une formation issue de la nouvelle génération néerlandaise. Un combo qui appartient à l'intéressante écurie Cool Buzz. " Love the curse " constitue leur troisième album. Il fait suite à "Drip drip" en 98, "Senorita sprechen sie love" en 99 et le CD single "My words my eyes" en 2000. Drippin' Honey est drivé par le chanteur/guitariste et surtout l'unique compositeur Sander Kooiman. Il est entouré de l'harmoniciste Kim Snelten, du drummer Joost Tazelaar, du bassiste Lut Luttik et de deux nouvelles figures, Vincent Valstar aux claviers et Petra Appelman à la guitare et aux chœurs. A ses débuts, la formation était souvent comparée aux Paladins, aux Red Devils et même à J.J Cale. Fruit d'un cocktail subtil de soul, de blues et surtout de pop, le nouvel opus se révèle beaucoup plus personnel et intense, car il s'agit bien ici de chansons placées dans un écrin contemporain. Sander possède une voix bien douce, modulée, faite sans aucun doute pour aborder un tel répertoire.
En ouverture, "Like a brother" s'avère délicieusement pop. Une chanson rehaussée par la présence de chœurs féminins, de trompettes et de l'orgue Wurlitzer ; même si un solo de Snelten vient nous rappeler les origines du groupe. La plage titulaire repose sur un riff découpé au rasoir La section rythmique impose sa volonté. Le tempo est lent, délicatement funky. Les sons envahissent le décor de cette œuvre attachante. La paire Tazelaar-Luttik est très soudée. Elle préside aux différents climats proposés et libère un maximum de groove tout au long de "Damage done", un fragment au cours duquel Kim Snelten intervient par un solo d'harmo frémissant. "In the money" est une nouvelle perle pop. La voix de Sander est bien claire. Elle me fait penser à Mc Cartney. Mais à ses meilleurs moments ; c'est à dire à ses débuts. Autre ballade douce, "Crossing T's" se retrouve soudainement dans la tourmente, à cause d'une intervention décapante de Kooiman aux cordes. Sander a enfin décidé de faire parler son manche. Il produit un son dérangeant et sourd pour imprimer le riff de "This 'n' that". Et c'est très bien ainsi ! L'album est constamment alimenté par des thèmes très atmosphériques, des thèmes traversés de courtes et concises interventions de l'harmonica et d'éclairs plus discutables de la trompette dispensés par l'invité, Matthijs Willemsen. La grande majorité des compositions est abordée sur un rythme lent, langoureux, dépouillé à l'extrême ; mais il laisse libre cours à de nombreuses colorations instrumentales. Il est incontestable que cet opus forme un tout très homogène, tellement personnel et très contemporain dans la démarche. La richesse instrumentale est capable de monter en puissance. A l'instar de la finale du "Baby you were right". En fin d'album, "In the red" débride Drippin' Honey, le temps de cracher quelques flammes. Un curieux album qui mérite plusieurs écoutes pour être apprécié à sa juste valeur ; mais qui ne devrait pas nécessairement se retrouver dans le bac des plaques blues de votre disquaire.
Un drôle de coco, ce Vikter Duplaix. Enfant de la soul (il est né à Philadelphie), soucieux de ses racines (l'Afrique n'est pas loin), producteur et DJ à ses heures (pour Erykah Badu, Musiq,…), Vikter pourrait s'appeler Prince qu'on n'y trouverait (presque) rien à redire. Il suffit d'écouter les trois premiers morceaux de son premier album, un mélange explosif de rythmes africains, de synthés, de soul et de house, pour rapidement comprendre la filiation : en quelques minutes, Vikter a réussi le mix parfait dont rêve sans doute Prince depuis une bonne décennie… Heureusement, Vikter Duplaix n'est pas un Prince n°2, même s'il aime aussi les romances sucrées et les histoires salées (ô sexe, ô désespoir). Plus en phase avec son époque (le Philly Sound après le bug de l'an 2000, bref de la soul pleine de BPMs, à cheval entre tradition black seventies et modernisme électronique), Vikter Duplaix ose tout, sans rougir : que ce soit le sirupeux " Looking For Love " (toujours mieux que l'essentiel de la production r'n'b actuelle) ou le world " Tropical Girl ", il enjambe les latitudes de la soul, de la pop, du rap et de la house avec des bottes de sept lieues. Conclusion : s'il est parfois difficile de le suivre dans ses pérégrinations à travers la musique noire, le voyage en vaut assurément la peine.
Baxter Dury est le fils de feu Ian Dury, responsable du chef d'œuvre new wave " New boots and panties ", commis à la fin des 70's, et surtout de l'hymne au rock'n roll, " Sex & drugs & rock'n roll ". Pour enregistrer " Len Parrot's memorial lift ", Baxter s'est entouré de toute une flopée d'invités de marque. Et notamment de membres de Pulp, de Portishead, quelques Blockheads et surtout de la vocaliste Johanna Hussey, dont le timbre limpide se conjugue à la perfection avec le falsetto de Baxter. Hormis le plus allègre " Lucifer's grain " et " Gingham smalls 2 ", dont la forme déstructurée semble héritée de son père, les 7 autres chansons baignent au sein d'une atmosphère rêveuse, brumeuse, bohémienne, envoûtante, légèrement psychédélique, dominée par des claviers atmosphériques, des chœurs angéliques, des arrangements de cordes délicats et un piano à la fois spectral et sonore ; des chansons qui rappellent tour à tour Mercury Rev et Gorky's Zygotic Mynci, lorsqu'elles ne tirent pas leur chapeau à Syd Barrett ou au Velvet Underground ; des chansons dont les lyrics traitent avec beaucoup de compassion des tribulations vécues par des cas sociaux qui peuplent l'Albion. En commettant un album de cette trempe, cet artiste insulaire vient peut-être de frapper à la porte de l'ordre des excentriques, auquel émarge encore aujourd'hui Robyn Hitchcock et Nikki Sudden, ainsi que depuis plus de trente ans Kevin Ayers et Peter Hammill…
Daan n'a jamais caché son admiration pour les synthés pop eighties de Human League ainsi que les mélodies guimauves de Culture Club et de Duran Duran, groupes de garçons coiffeurs pour midinettes du Top 50 ; mais qui ouvrirent pourtant les portes du succès à l'électro balbutiante. Voilà donc le message de ce " Bridge Burner " : flirter avec les beats les moins avouables (" Sons Of Grey ", hommage à Visage ?, " Sunchild " et ses nappes FM en ouverture), rendre hommage aux grands faiseurs de tubes des années 80, sans pour autant tomber dans la parodie ou le mauvais goût. Car c'est là la force de cet album : réussir l'alliage parfait entre influences électro-pop d'il y a 20 ans et rock ancré dans le présent… Et du rock belge, pour couronner le tout. Daan, chanteur-guitariste chez Dead Man Ray et fan de Duran Duran, cela donne donc " Bridge Burner " en solo, un sacré disque : " Love " sonne comme du Prince passé à la moulinette anversoise, " Angels " présente un Daan reconverti en rappeur du samedi soir, " Swedish Designer Drugs " fait péter le disco dans le salon (tube de l'année), et " Appetite ", comptine rock décalée, met fin en beauté à tout ce beau bordel…. Qu'on déroule (enfin) le tapis rouge pour Daan, car ce " Bridge Burner " mérite tous les honneurs.
Daisybox fait partie de ces groupes qui se doivent de supporter les comparaisons, tant leur musique copie celle de certains de leurs aînés : ici, Placebo, Smashing Pumpkins et Indochine. " Canary Bay " aurait d'ailleurs été repris par ce groupe de campus il y a quelques années (quand ils s'appelaient encore Daisy), de quoi facilement alimenter les choux gras des mauvaises langues (" On n'a pas besoin d'un Indochine bis " / " C'est déjà le topo avec Sirkis ", etc.). Pourtant, en écoutant bien ces mélodies faciles mais accrocheuses, ces paroles niaises mais touchantes, on se prend rapidement d'affection pour ce groupe parisien d'ados attardés qui auraient trop écouté " 1979 " (" Pause ", " Ultra Non "), " Without You I'm Nothing " (" Etanche ", " 45 Minutes "), Pixies (" Pile Ou Face ") et, donc, Indochine (" La Lune ", hommage maladroit à un certain hit récent du groupe à Sirkis ?). A deux (voire trois) voix, les Daisybox ont pour eux des chansons fraîches et légères, des bonnes bouilles de rockers juvéniles, un parrain à la réputation redorée ces derniers mois (Sirkis, donc), un son de toute bonne tenue (Daniel Presley à la production), bref un album qui devrait contenter tous les amateurs de pop-rock français gentil et lisse comme un bon vieux " Bob Morane ". C'est déjà ça.
Le backing group de Currant a pris du galon depuis que son patronyme a été collé à celui de Nick Curran. Pourtant le line up du groupe a été chamboulé. Si Matthew Przygocki continue d'assumer la basse acoustique, Jim Trimmier et T.D ‘Murph’ Motycka les saxophones, le combo s'est choisi un nouveau batteur en la personne de Philip Law, et un pianiste qui répond au nom de T Jarrod Bonta.
Nick possède la voix d'un rocker des fifties. L'ouverture très rock'n'roll en est une belle démonstration. Très rapide, "I'm glad, glad" bénéficie d'interventions de saxes et de guitare. Il aborde le R&B dans l'esprit des forties, chez "Nitelife boogie". Un fragment écrit par Joe Liggins, qui libère un maximum de swing et de jive. Les musiciens prennent leur pied pour répondre en chœur aux vocaux de Nick. Le band est très à l'aise au sein de cet univers sonore. Pas pour rien qu'il se poursuit par "Let the daddy hold you". La section rythmique porte bien l'ensemble et les saxophones sont à la fête. "I want to love somebody" revient au blues traditionnel. Remarquablement ficelé, il permet au cordes de s'évader dans un style jump ; un style très apprécié par les adeptes de Junior Watson, Hollywood Fats ou encore Kid Ramos... La reprise de "Low down dirty shame" de T-Bone Walker est en tous points remarquables. La guitare est fluide, les saxes et le piano bien mis en place, et le chant manifestement adapté à ce style. Un grand moment ! Le travail de Curran sur les cordes est ici impressionnant. Il a parfaitement assimilé la technique des maîtres que furent T-Bone Walker et Charlie Christian. Etonnant ! La puissance de voix éclabousse tout sur "Close to midnight", un fragment proche du Chicago Westside. Curran s'acquitte d'un grand exercice de style instrumental sur "Space guitar" de Johnny Watson. Il y fait preuve de maîtrise et dextérité! Drivé par le piano de T Jarrod, le boogie shuffle "She's fifteen" est le théâtre d'une grande prestation sur les cordes. Ce savoir-faire se reproduit de nouveau sur "Jukebox Mama". Moment de douceur, "You know my love" de Willie Dixon, laisse un peu souffler le rythme. Une version enlevée avec brio. Aussi excellent que recommandable, cet elpee s'achève dans le rock'n'roll cuivré de "Don't jive me baby". A plus d'un titre, Nick Curran me fait penser à notre Marc T. Faut dire que les multiples facettes de leurs talents respectifs sont très semblables…
Pour sûr qu'elle communique, cette Sandrine Collard : entre deux beats façon Telex (Dan Lacksman à la production), cette nouvelle muse électro-pop à la française (genre Miss Kittin vs Françoise Hardy) nous parle de tout ce qui lui tient à cœur, des gsm (" Le gsm ") aux grimaces (" Les grimaces ") en passant par ses histoires de cœur (" Les femmes ", " Je doute ", " Fuis-moi "). Sorte de popote électronique pour femme de ménage de l'an 2000, " Je communique " s'écoute comme un journal intime lu à voix haute, sur un ton monocorde et des nappes eighties passe-partout. " Si j'avais pu imaginer qu'un jour mes leçons de solfège me serviraient à proclamer le fond de mes pensées ", clame Collard sur " Les femmes "… Comme quoi, le solfège, ça sert aussi pour sonner branché, entre une reprise de Christophe (" Les marionnettes ") et l'intrumental " Aïe ", rigolo. " Comme à pile ou face, il faut du style pour pouvoir faire un coup sensass " (" Le coup sensass ", irrésistible) : Sandrine Collard, malgré son " bla-bla " qui parfois s'" essouffle " (voir " Mes discussions "), réussit donc plus ou moins son coup, devenant ainsi une prétendante sérieuse au titre de " Vive La Fête d'entre Sambre et Meuse ".
Bien que né en 1986 et disparu en 1993, Concrete Blonde a toujours été associé au mouvement " Paisley Underground ", institué quatre années plus tôt par le Dream Syndicate de Steve Wynn. Un " Paisley underground " inspiré à la fois par le psyché/garage de la west coast de la fin des sixties et du début des seventies (NDR : pensez à Jefferson Airplane et à Quicksilver Messenger Service), le gothisme et la culture mexicaine. Paru en 1994, leur précédent opus s'intitulait même " Mexican Moon ". L'an dernier, le trio a donc décidé de se reformer. Sous son line up initial. C'est à dire le guitariste Jim Mankey, le drummer Harry Rushakoff et la chanteuse/bassiste Johnette Napolitano. Le temps de tourner quelque mois, et la formation est entrée en studio pour enregistrer ce " Group therapy ". Sur lequel elle rend tout d'abord un hommage à Roxy Music. Il ne faut pas oublier que Paul Thompson, le batteur original, a également transité par Concrete Blonde. Et puis quelque part, en se réunissant, Roxy Music a donné l'envie au trio de se reformer. " Group therapy " n'est pas un album qui s'assimile facilement. D'ailleurs, plusieurs écoutes sont nécessaires avant de s'en imprégner. Mais lorsqu'on s'est laissé envahir par les mélodies douces-amères, elles ne vous lâchent plus l'esprit. Imprimées sur un mid tempo, elles permettent à Johnette d'épancher, de son timbre vocal savoureux, voluptueux, légèrement rocailleux, un lyrisme élégiaque, ténébreux, à travers des textes très personnels, à défaut d'être véritablement autobiographiques. Mais Concrete Blonde ne serait pas Concrete Blonde, s'il n'y avait ces flambées d'électricité blanche. Elle n'est pas omniprésente, mais lorsqu'elle se consume avec ferveur, elle vous remue littéralement les tripes. L'album se paie même une incursion dans le reggae blanc (" Tonight "), la new wave (" Violent "), le soul/jazz réminiscent de Sade (" Inside/outside ") et s'en réserve inévitablement une dans le folklore espagnol, lorsqu'elle chante " Your llorona ", dans la langue de Cervantès. Johnette échange même sa basse contre la six cordes de Jim, sur le très émouvant " Take me home ". Un bien bel album !
Depuis plus de dix ans, Consolidated milite en faveur d'un monde meilleur, bombardant notre société conservatrice de ses riffs poisseux et de ses samples guerriers. Finalement davantage connu pour son activisme que pour sa musique, le groupe d'Adam Sherburne finit par n'être plus qu'une tribune politique ; le tocsin de l'anarchie l'emportant sur le son et les mélodies. Capitalisme, égocentrisme, consensualisme, Consolidated part en croisade contre les ‘ismes’ les plus dévastateurs, en reléguant le rock au second plan alors qu'il est l'une des plus fabuleuses machines de combat. Car ici, point de rock salvateur ni de refrains accrocheurs : Sherburne préfère coller bout à bout samples de discours politiques, slogans et interférences radiophoniques, qu'empoigner sa guitare et rentrer dans le lard. La plupart des morceaux sont des copier-coller à la manière du cut up de Burroughs, mais sans le génie de l'écrivain ; et quand la musique se détache, c'est pour flirter du côté du progressif le plus minable. Si les Melvins rappaient sur des discussions de comptoir à Genève ou Seattle, ça donnerait ça : autant réécouter un bon Public Enemy en lisant le " No Logo " de Naomi Klein.
Trois guitaristes sévissent au sein de cette formation insulaire (Reading), dont le line up est composé de six musiciens. Une formation qui mêle une foultitude de styles qui oscillent de l'alternatif à l'électronique en passant par la pop ; mais sur un mode tantôt noisy, tantôt psychédélique. Lorsque l'expression élève le tempo, c'est à Spriritualized Electric Mainline et à Loop qu'on se met à penser. Un tempo hypnotique, parfois binaire, 'hawkwindien', y régit alors les envolées soniques, cosmiques, parfois érigées en véritable mur d'intensité électrique. Lorsque les chansons se font plus pop, elles épousent avantage le profil des débuts d'Oasis. Le timbre du chanteur campant même un hybride entre celui de Liam Gallagher (mais sans les miaulements) et de Roddy Woomble (Idlewild). Il s'agit bien sûr de la tendance générale de l'opus. Intermède électronique " 555-4823 " sonde le drum'n bass dans l'esprit des expérimentations de La Monte Young. Répétitif, oppressif, " Been training dogs ", frôle l'univers du Led Zeppelin. En alternant les rythmes, le plus sombre, plus mélancolique, plus complexe, " Murder song " opte pour une construction prog, bénéficiant même du concours d'un violon aux envolées lyriques. Un violon qu'on retrouve sur le frémissant et énigmatique " Let's kill music ". Enfin, superbe ballade électrique " The lake " lorgne purement et simplement du côté de JJ72. Excellent !
Cet album est né de la rencontre entre une comédienne belge, qui ne s'attendait pas à devenir chanteuse, et le collaborateur de Miossec, Guillaume Jouan. Il nous plonge dans une ambiance mélancolique et soignée, pas trop éloignée d'Hooverphonic ; même si le chant lorgne plutôt du côté de Zazie. Rien à voir avec la tension des albums de Miossec, donc. La critique a accueilli cet opus avec enthousiasme. Je suis plus mitigé. Peut-être parce que Karin Clercq offre un univers très féminin (le désir, le corps, l'attirance, le regard des autres…) qui n'est fatalement pas le mien. Elle défend son choix : si les mentalités ont fortement évolué, ‘ bizarement, peu de femmes osent dire leurs envies ; parler de ce qui fait vibrer leur corps et leurs sentiments dans leurs chansons’. Il faut admettre que Karin Clercq y parvient avec talent, notamment pour décrire l'enfance violée (" Etranger ") ou le parcours de celle à qui l'on promettait le paradis et qui se retrouve sur le trottoir (" La chanson d'Anna "). L'explication à ma réticence confuse à l'égard de cet album, je la trouve dans la dernière phrase de la chanson " Manqué ". Karin Clercq y raconte l'attente lascive d'un amant qui arrive très tard, trop tard. " Nos désirs et nos corps ne vont pas fusionner/Je suis hyper à cheval sur la ponctualité ", chante-t-elle. C'est là l'unique trace d'humour et d'ironie sur 13 chansons. J'en aurais voulu un peu plus, mais peut-être est-ce un trait masculin…
Révélé par John Peel en 1999, Clinic s'est fait connaître à travers la bande sonore d'une pub levi's. Intitulée " The second line ", cette composition figurait sur leur premier opus. Les Liverpuldiens aux masques chirurgicaux nous reviennent avec un deuxième album. Un disque aux ambiances inquiétantes, crépusculaires, aux effets particuliers et aux sonorités dérangées dont les influences majeures semblent partagées entre Suicide, Wall Of Voodoo, Morphine, les Monks, Can et Split Enz. A la limite, ce groupe aurait pu naître à une époque où le punk n'était déjà plus le punk ; mais la new wave, pas encore la new wave. Sur le titre maître on a cependant droit à un fragment de glam rogné par un moog ; et chez " Pet eunuch ", à du rock'n roll garage que Richard Hell aurait pu produire s'il avait eu l'idée de torturer une cover de Jerry Lee Lewis. Reptilien, glacé, envoûtant, minimaliste, austère même, le reste de l'opus ressemble à une concoction habilement maladroite de mélodies élaborées et de styles capricieux. Une forme de psychédélique anémique aux pulsations sinistres, à l'humour sombre, mais aux climats tellement envoûtants qu'il est très difficile de ne pas y succomber. Et si la présence de gémissements, de souffles, de claquements de portes ou autres bruitages insolites, entretiennent cette atmosphère, les sonorités lointaines du mélodica quasi omniprésent et cette voix tour à tour intrigante, spectrale, nasillarde ou encore falsetto (Thom Yorke ?) d'Ade Blackburn y contribuent largement. Etrange et fascinant à la fois !
Du line up initial de cette formation bruxelloise, il ne demeure plus que le guitariste Gilles Dewint et surtout la compositrice/chanteuse/pianiste/guitariste Cloé Defossez. Des remaniements successifs qui n'ont cependant eu aucune incidence sur le style musical pratiqué. La structure classique de la chanson continue d'enrober le format pop, une pop qui peut se teinter de jazz, de folk, de rock ou encore de lo fi. Et puis il y a toujours la superbe voix de Cloé, capable d'osciller du plus intimiste au plus violent, en passant par le douloureux, à l'instar d'une Kristin Hersh ou d'une Tori Amos. Habillé d'une superbe pochette, " Tales from my skyscraper " constitue leur premier album. Un disque découpé en 13 fragments sur lequel on retrouve une composition qui figurait déjà sur le premier maxi (" Those square of light ") et deux sur le second (" Fast fast " et " No matter "). Hormis ces trois fragments, le légèrement psychédélique " Who are you ", le très beau et fluide " Letter " ainsi que l'ondoyant, parfois tempétueux, " A jealous girl ", le reste de l'opus épouse, nonobstant certains accents syncopés, un profil très souvent minimaliste… Tiens, tiens : " A jealous girl " : cette dernière chanson serait-elle une réponse au " Jealous guy " de Lennon ? La question mérite d'être posée, car sur " A wrong century ", Cloé s'est mis en tête de siffloter, pas comme John ou Bryan Ferry, mais avec un feeling certain. Bref, en adoptant ce profil minimaliste Clover's Cloé me fait penser à une ballerine qui danse sur la pointe des pieds : les accès subtils du violon grinçant, les accords du piano sonore, les drums feutrés, le style vocal mi chuchoté/mi chanté de Cloé ; tout concourt à nous plonger au sein d'un univers empreint de mélancolie et d'intimisme. Un univers qui ne permet pas à l'instrumentation de se libérer. Ce qui est un peu dommage au vu du potentiel de ce groupe. N'empêche, dans le style ce " Tales from my skyscraper " est plutôt bien réussi…
Col. Parker a la couleur des Black Crowes, le parfum des Black Crowes, mais ils ne seront jamais les Black Crowes! Comme le band des frères Robinson, Col Parker a été biberonné aux Rolling Stones et à l'Humble Pie. Les musiciens ont même adopté les mêmes tenues vestimentaires, la même attitude baba cool, fument les mêmes cigarettes et boivent le même bourbon. Bref, cette formation serait tombée directement aux oubliettes si elle ne comptait en son sein un certain Gilby Clarke. Si, si, souvenez-vous, il officiait jadis dans un groupe obscur qui ne fait plus parler de lui depuis dix ans, si ce n'est pour annoncer un quarante-troisième changement de line up et l'éventualité de la sortie d'un nouvel album pour le printemps 2008. Et oui, Gilby était bel et bien, dans une lointaine époque, le complice d'un certain Axl Rose, dictateur de son état et très secondairement chanteur dans un groupe de rock n' roll qui répondait au doux nom de Gun's n' Roses. Mais tout cela nous éloigne de Col. Parker. Ils ont la couleur des Black Crowes, le parfum des Black Crowes, mais ils ne seront jamais les Black Crowes...
En attendant la sortie de son deuxième opus prévu pour fin août, Coldplay se signale déjà par son nouveau single. Une superbe chanson empreinte de délicatesse et de mélancolie que vous avez certainement déjà eu l'occasion d'entendre ou d'écouter sur l'une ou l'autre station radiophonique, à moins que vous n'ayez eu le loisir de visionner le clip vidéo qui lui est consacré. Deux morceaux figurent également sur ce disque. Tout d'abord " Bloom blaum ", une composition sculptée dans le minimalisme acoustique. Mais surtout " One I love ", un titre dont les guitares bringuebalantes rappellent ni plus ni moins la période la plus brillante du défunt et mythique House Of Love... Bien vite l'album !
Quatre années après avoir sorti " Black Black ", les Hawaïens de Chokebore nous reviennent avec un cinquième elpee. Un disque enregistré à LA, sous la houlette de Francis Miranda. Pas de single fédérateur cependant, sur cet opus. Ni " Ciao LA ", dont la mélodie contagieuse est à la fois tordue et limpide, ni le lennonesque " Ultra-lite " ne possèdent ce pouvoir. Pas que la plaque soit de mauvaise facture. Que du contraire ! En fait toute l'œuvre trempe dans le même climat. Pas qu'elle ait été abordée sous la forme d'un concept album, mais parce que les textes inquiétants et captivants reflètent le mal être de Troy Bruno Balthazar. Des poésies désespérées et intimistes qu'il chante d'un timbre lancinant, fluet, et qui collent parfaitement à la musique ténébreuse, parfois presque funèbre, de Chokebore. Les arrangements très travaillés et la guitare acoustique beaucoup plus présente parviennent cependant à alléger les mélodies entêtantes et nonchalantes ; des mélodies paradoxalement écorchées par les cordes de guitare incisives, inquiétantes, dissonantes. Et si l'ensemble travaille davantage sur le son et les ambiances, il recèle encore un titre à l'énergie acide (" Little dream "), un autre enseveli sous les décibels noisy (" Be forceful ") et un dernier tout aussi noisy, mais sinueux (" Person you choose "). A conseiller vivement aux aficionados de Swell !
Lors de sa fondation, en 1980, cette formation avait été qualifiée de réponse antipodale aux Chameleons. A cause de la sonorité des guitares jumelées. Légèrement réverbérantes, épiques, félines et délicates elles balisaient des mélodies aux couleurs pastels, des mélodies empreintes de mélancolie presque cold wave. Si les Chameleons ont malheureusement disparu de la circulation, The Church est toujours dans le coup. Pourtant, cette formation australienne a failli splitter à plusieurs reprises. Une rupture qui aurait pu être précipitée par la dispersion des quatre musiciens aux quatre coins de globe. Mais ces séparations provisoires ont permis à la plupart des membres de combo de commettre l'un ou l'autre opus solo. Et ainsi de se ressourcer. Ce qui explique sans doute pourquoi, The Church compte aujourd'hui la bagatelle de 15 albums à son actif. Et puis surtout est responsable d'un superbe single commis en 1994, un classique qui est associé à leur identité : " Under the milky way ". Pas de single potentiel sur " After everything ", mais 10 compositions élégantes, aux mélodies glacées, nées d'une combinaison rafraîchissante, mais intemporelle, de classicisme et de spontanéité. Pas de surprises majeures non plus. Cette œuvre s'inscrivant parfaitement dans l'esprit de leurs précédents elpees. D'ailleurs, sur certains fragments, The Church nous rappelle qu'il a également été contaminé par le psychédélisme atmosphérique, cosmique, du Floyd. Bref, un album fort agréable à écouter, mais sans véritables moments forts, ni moments particulièrement faibles…
Rarement jazz et électro auront fait si bon ménage : " Every Day " en mode ‘repeat’ dans le lecteur, c'est comme assister, béat, aux noces impétueuses entre Miles Davis et Red Snapper, John Barry et le Philly Sound. Et quand le rappeur anglais Roots Manuva pose son flow tranquille sur l'un de ces paysages sonores, cela donne un " All Things To All Men " d'anthologie. Splendide !
Si notre plat pays peut se targuer d'avoir une identité rock bien à lui, l'électro, elle, n'a pas encore enfanté d'albums maison vraiment convaincants : Agent 5.1, Pink Satellite, Fabrice Lig, voire Hooverphonic, ces quelques perles (rares) ont été jetées aux pourceaux sans tambours ni trompettes. Hormis Telex, Les Liaisons Dangereuses et Front 242, la Belgian Touch n'a donc jamais fait vendre. Cinerex pourrait bien changer cette donne : avec son mélange de beats suaves, de voix câlines et de mélodies chavirées, le groupe à Kelvin Smits n'éprouve aucune difficulté à rivaliser avec les grands du trip-hop et même du r'n'b. " CX " sonne ainsi comme du Ursula Rucker produit par les Neptunes (" Buy This "), du Zero 7 remixé par les Soulquarians (" Busted "). Avec " Shine " et " Twists & Starts ", le collectif (Alissa Kueker au chant, une Américaine) devrait même se tailler une petite place dans nos charts préférés, entre Jill Scott et les productions G-Tone. Finis Praga Khan et sa techno de kermesse : " CX " sur toutes les stéréos du pays, c'est toute l'électro belge qui sortirait de son ghetto (NDR : ou si vous préférez de sa médiocrité). Maintenant, que ce rêve devienne réalité…
Dans les années 80, Clan of Xymox était sans conteste un des chefs de file de la vague gothique estampillée Sisters of Mercy. En 2002, l'imagerie du combo est intacte, sa foi aussi, et un certain public (NDR : celui de l'EuroRock festival notamment) lui est resté fidèle. Mais est-il encore capable aujourd'hui de rivaliser avec les grosses machines que sont Theatre of Tragedy, 69 Eyes ou Moonspell ? Quelle importance répondront les vrais fans ! Car si Xymox n'est certes plus à la pointe de ce qui se fait de nos jours en matière de rock ténébreux, ce "Notes from the Underground" est loin d'être un mauvais album. Cette plaque devrait même hanter les soirées des Catacombes, et séduire les gothics girls qui écument les rues les plus sombres, une fois le soleil couché. Xymox garde son côté foncièrement séducteur, même si son manque d'imagination ne lui permet plus d'atteindre le rang des incontournables.
Considéré comme le ‘Godfather of the Austin Blues’ (NDR : autrement dit le parrain du blues de la capitale texane), Wesley Curley Clark est né en 1939. A Austin, vous vous en doutez. Au cours de sa carrière, il a rencontré beaucoup de beau monde. Et notamment T.B Bell et Joe Tex. Il a également croisé la route de tous les artistes connus du blues texan contemporain : les deux célèbres frères Stevie Ray et Jimmie Vaughan ; ainsi que les chanteuses Lou Ann Barton, Angela Strehli et Marcia Ball. Au début des 70s, il a sévi chez Southern Feeling, en compagnie de Strehli et de Dennis Freeman ; puis chez Triple Threat Revue, au sein duquel il a côtoyé Stevie Ray et Miss Barton. A ce jour, son W.C Clark Blues Revue est responsable de l'autoproduit "Something for everybody" (1986) et de 3 elpees pour Black Top : "Heart of gold" en 94, "Texas soul" en 96 et "Lover's plea" en 98. Des œuvres qu'il a commises pratiquement sous le même line up ; c'est à dire le guitariste Derek O'Brien, les claviéristes Riley Osborne et Nick Connolly, ainsi que la section rythmique de Double Trouble, Tommy Shannon et Chris Layton. Sans oublier le célèbre Texas Horn, Mr Kaz Kazanoff ; par ailleurs producteur de cette toute nouvelle plaque.
WC vient, en effet, d'être signé par le plus célèbre label blues de Chicago, Alligator. Le disque porte judicieusement son nom, car d'un bout à l'autre, il est saturé de soul. L'artiste possède une voix remarquable, très versée dans un style qui répond au nom de Memphis blues, mais avec cette touche inimitable de guitare qui n'appartient qu'au Texas blues.
L'album s'ouvre par "Snatching it back". Une composition écrite par Clarence Carter, au cours de laquelle la voix communique immédiatement cette chaleur innée. L'enchaînement blues s'opère dès "Midnight hour blues". Pat Boyack est à la guitare rythmique pour interpréter cette excellente et nerveuse reprise de Clarence Gatemouth Brown ; mais c'est W.C qui dirige sans partage la manœuvre aux cordes. En l'écoutant, il ne fait plus aucun doute qu'un certain Jimmie Vaughan a dû beaucoup écouter le parrain d'Austin. L'homme est aussi à l'aise dans l'exercice de la ballade soul blues. A l'instar d' "I've been searching" et de "Got to find a lover". Sur "Don't mess up a good thing", on reconnaît de suite la présence de sa copine, Marcia Ball. Elle est venue pour y chanter et jouer du piano. Et y démontrer tout le talent qu'on lui reconnaît! Plus soul, et même très Memphis Stax, l'adaptation du "How long is a heartache supposed to last?" aurait fait pâlir Mr Otis Redding lui-même. "Let it rain" consomme du soul blues de première division. Les Texas Horns de Kaz Kazanoff participent à la fête et la guitare n'en finit plus de s'extérioriser. La reprise du bien connu "Get out of my life, woman" d'Allen Toussaint est un autre grand moment. Une plage funky, style New Orleans, fort cuivrée, au cours de laquelle Riley Osborne se réserve l'orgue. Et ne passons pas sous silence les titres plus rythmés, tels que "Got me where you want me" du répertoire de Bobby Bland, ainsi qu'"I'm gonna disappear". Un tout bon album!
Ce chanteur/guitariste anglais a déjà bien roulé sa bosse sur les routes du blues. Il a même participé au fameux British Blues Boom. A la fin des sixties. Donc en fin de parcours. Flanqué alors de son groupe londonien Killin' Floor. Une formation qui a eu le bonheur d'accompagner Howlin' Wolf, Otis Spann et Freddie King, sur scène.
Depuis une vingtaine d'années, Mick est épaulé par son propre backing band. En compagnie duquel il a commis "Looking for trouble", en 1983. Chez Appaloosa. Puis, "Rock me" et "All these blues", toujours sur le même label. Ensuite "West Coast Connection". Aux USA, chez Brambus. Un opus qui bénéficiait du concours de Curtis Salgado. Enfin "Steel and fire", "Tell the truth", "No compromise", "Happy home" (un duo échangé avec le claviériste Lou Martin), et "New Mountain". Pour Burnside, le célèbre label basé à Portland, dans l'Oregon. Sans oublier "Roll again" et la compile "Premium rockin' blues" pour l'écurie allemande Taxim. Ouf !
" Official bootleg " constitue sa onzième plaque. Mais sa première enregistrée 'live' ! "Live in Luxemburg" éclot au cœur d'un instrumental. Extrait de son dernier album studio, "Bromley City limits" évolue sur fond d'orgue, une formule que Mick a toujours beaucoup appréciée. Sa guitare est remarquablement mise en valeur. Influencé par le grand Freddie King, il a toujours favorisé l'exercice instrumental. Clarke est épaulé par Dave Lennox aux claviers, Chris Sharley à la batterie et Eddie Masters à la basse. Il chante d'une voix engagée, mais sans registre particulier, "Looking for trouble", la plage titulaire de son 1er album. Sa guitare se permet quelques premières envolées remarquées. Mick aime par dessus tout le Chicago blues classique. Celui de l'écurie Chess. C'est indubitable ! Pas étonnant que le "That's allright" de Jimmy Rogers figure toujours à son répertoire. Mick chante d'une manière assez enragée, un rien criarde. Il laisse le champ libre à Lennox, son pianiste ; mais c'est sa guitare qui se taille la part du lion. Le medley "London town"/"Cool night air" est imprimé sur un rythme soutenu. Mick peut y développer son jeu à la slide. Issu de la plume de Muddy Waters, "You gonna miss me" est un excellent blues lent. Signé Willie Dixon, "You need love" est ici emporté par le rythme d'un boogie rapide et puissant. Il figurait sur le tout 1er album de Killing Floor, en 1969. Ce fameux morceau, Led Zeppelin allait le métamorphoser en "Whola lotta love", quelques années plus tard… Le concert de Mick Clarke s'achève par l'adaptation du "Don't you lie to me" de Chuck Berry. Un titre rock'n'roll qui baigne dans la sueur du travail accompli, pour notre plus grand plaisir. Continue Mick! Ce disque a été enregistré le 29 juin 2002, lors du dernier 'Big Blues Festival'. Un événement qui s'est déroulé sur les bords de la Moselle, à Luxembourg. Il est uniquement disponible via le site internet de Mick. J'insiste encore une fois pour vous signaler que cet " Official bootleg " est son tout premier album live!
Après une tournée de plus de deux ans, 120 concerts dans le monde entier, un succès foudroyant, Manu Chao pose la guitare et ses valises, le temps de souffler et de se régénérer. En guise d'épilogue à cette fabuleuse aventure, qui l'aura vu mettre le feu à Werchter et à Forest National l'année dernière, cet album live constitue une bombe festive sans retardement, un festival de couleurs musicales et de rythmes bariolés (reggae, ska, pop, rock, punk). Rarement CD live n'aura si bien retranscrit la magie d'un concert, surtout quand l'artiste s'appelle Manu Chao. Car qui connaît l'ex-Mano Negra par la seule écoute de ses deux albums solo sera sans doute surpris dès ce " Radio Bemba Sound System " enclenché sur la platine du salon. En 29 titres, 70 minutes Manu Chao et son groupe furibard (le Radio Bemba) foutent le souk comme personne. Et sans temps morts. Les morceaux s'enchaînent à vive allure, ça pète, ça transpire, ça donne la trique. Un véritable feu d'artifice de bonne humeur, de déconnade, de joie… Samba ! Faites le test : insérez le CD dans votre lecteur, et laissez-vous aller. Le soleil entre dans vos tympans, le cœur se réchauffe, les jambes se permettent de joyeux pédalos : fiesta ! ! ! La Mano dans le rétroviseur (" Mala Vida ", King Kong Five ") et l'horizon, radieux, droit devant, Manu Chao et ses potes en délire (ces trompettes, ces percus, cette ambiance !) rappellent au garde-à-vous l'été dans nos maisons. Me gustas tu, amigos !
‘Composed, produced and conducted by Cam’… Cher Cam… Dès la pochette, on comprend ce que t'as voulu dire : t'en a marre d'être considéré comme l'éternel second couteau de la scène electro française, pas vrai ? T'as bien raison, mon vieux, faut prendre les choses en main… On peut dire que tu fais partie des grands maintenant, les Saint-Germain et les autres. Même que t'as enlevé la particule " Dj " : c'est vrai que ça faisait un peu ringard. Bien joué. Et puis la lounge, ça cartonne à mort ces temps-ci, alors pourquoi ne pas en profiter? T'as eu bien raison : tout le monde aurait fait la même chose, de toute façon… Bravo, mon petit, tu vas en vendre des camions entiers, de ce " Soulshine ". C'est bien parti pour faire un tabac dans les bars à tapas et les compiles de chez Oxfam ! A c'qu'on dit, même Bruno de Cafe Del Mar le passe en boucle, c'est dire ! Mais où sont passés tes samples de Coltrane ? Pourtant ça en jetait un max… Enfin bon, il y a des guest stars comme Guru et Anggun, alors pourquoi se plaindre ? Evites quand même de mettre des chaussettes blanches et des mocassins tout pourris comme Ludovic Navarre, parce que ça, franchement, c'est pas top classe. De toute façon, t'es " protected by god ", comme tu dis, alors bon… En tout cas bravo : c'est vraiment du bon boulot. Amitiés.
Producteur-compositeur de plusieurs albums d'abstract-hip hop dans la lignée de son compatriote Doctor L, Laurent Daumali alias DJ Cam laisse ici tomber la particule pour se repositionner au sein de l'electro française. But avoué : remplacer les scratches par les cuivres, la tchatche par la soul, bref louvoyer du côté du nu-jazz, au pire du côté de la lounge. Bien entouré par d'excellents musiciens et par quelques pointures de la musique black (Guru et DJ Premier de Gangstarr, Larry Blackmon de Cameo,…), Cam se la joue donc Saint-Germain, puisque c'est ça, aujourd'hui, qui fait rentrer la tune. Du groovy " Summer In Paris " en ouverture à ce " Bounce " aux teintes rappées, Cam se pose comme le nouvel étalon du groove à la mode, celui qui fait swinguer le Tout-Paris et les buddha-boîtes de nuit. Là où Cam distille ses refrains langoureux, les filles se pâment : un disque parfait pour les lendemains de fête et les plans drague. Le fric, c'est chic.
Depuis longtemps, Camel nous a habitués à sa présence discrète. Inlassablement, le groupe nous délivre ses œuvres aimables et délicieuses, hors du tapage médiatique dont profitèrent, par exemple, ses contemporains Yes et Genesis. Le présent opus, 'A Nod and a Wink ', s'inscrit dans la continuité. Hommage à Peter Bardens, vieux complice récemment disparu, ce CD célèbre aussi les 30 ans (!) de carrière de Camel, et ce de très belle façon. Non seulement on retrouve cette musique volontiers romantique et émotionnelle des œuvres précédentes (auxquelles le CD réserve de-ci de-là de jolis clins d'œil); non seulement qualité et inspiration sont partout présentes ; mais plusieurs moments purement magiques, de ceux qui font les très bons albums, permettent de ranger 'A Nod and a Wink ' parmi les meilleures réalisations du groupe à ce jour. La guitare de Latimer est plus que jamais omniprésente. Et c'est tant mieux, car le gaillard semble en pleine forme, maniant au mieux le sens de la retenue et ce toucher unique qui font de lui un des meilleurs guitaristes actuellement en activité. Les claviers ont eux aussi leurs moments de grâce. Bref : ce CD est un pur délice ! Pour ceux qui ne connaissent pas Camel, voilà l'opportunité idéale de réparer cette hérésie … Mention spéciale à 'For Today' , le superbe final, qui vaut probablement à lui seul l'acquisition de la chose.
Oubliez le garage punk 1978-1982 revival, l'elektroklash, l'antifolk et l'avant-hop : pour être branché musique en 2002, il faut écouter de la country. Oui, mes chers amis ! Finis les guitares prétentieuses et les beats eighties : un bon Johnny Cash, et ça repart ! Après les albums de Mary Timony, Mary Gauthier, Lambchop, Bobby Bare Jr et bien d'autres, la country de papa est en passe de redevenir à la mode, et Nashville la nouvelle Mecque des wannabe rock'n'roll. Car, finalement, plus rock que Cash tu meurs… Même que Shania Twain, elle est franchement mignonne ! En tout cas plus que Karen O (Yeah Yeah Yeahs) et Meg White (White Stripes) réunies… Ouaip, la country, la vraie, ça paie Cash en 2002, et Neko Case l'a bien compris. Après deux albums passés inaperçus parce que pas sortis au moment opportun (et un excellent album des New Pornographers), voilà que la belle cow-girl ramène ses bottes sur le devant de la scène indie avec ce " Blacklisted " qui sent bon le " Paris, Texas " de Ry Cooder et les romances poussiéreuses de Patsy Cline. Indie, donc, parce que la belle yankee est accompagnée de Calexico et d'Howe Gelb (Giant Sand), dont la musique, pourtant bien accrochée au plancher des vaches, est aimée des fans de rock alternatif. Trop cool, c'est certain, surtout quand la Neko de ce Velvet des Grandes Plaines reprend " Runnin' Out Of Fools " d'Aretha Franklin… Pour beaucoup, " Blacklisted " sonnera quand même comme un vieux best of de Vaya Con Dios. Quant aux autres, ils se délecteront avec contentement de cette country majestueuse qui n'est pas sans rappeler Mazzy Star, mais avec plus de couilles.
Pendant l'enregistrement de cet album (le quatrième volet de la série " American Recordings "), Johnny Cash a bien failli y passer, et ça s'entend : rarement l'écoute d'un disque nous aura tant donné la chair de poule. Que ce soit en reprenant Nine Inch Nails (" Hurt ", d'une beauté sépulcrale à couper le souffle) ou Depeche Mode, Cash prouve qu'il en a encore dans la culotte.
Les Strokes seraient-ils au rock ce que Scream était aux slasher movies ? Explications : lorsque Wes Craven réalisa sa bluette d'horreur pour ados attardés et fans de série B, il ne s'imaginait sans doute pas devenir le nouvel ambassadeur d'une vague de films abominables où de pauvres bimbos se faisaient trucider par des tarés masqués au gros complexe d'Œdipe. Pourtant, à l'origine, son film était sympathique, mélangeant l'horreur et la mise en abîme d'une façon hilarante et bien foutue. C'est la même chose pour les Strokes : en revenant aux racines du rock'n'roll avec leur look CBGB, leurs chansons revêches de trois minutes et leur attitude digne d'une star des seventies, les jeunes New-Yorkais nous rappelaient au bon souvenir des Stooges et de Television. Résultat : un album terrible, une vraie claque, et un bon gros "Fuck" viril aux électroniciens justement en panne d'inspiration. Sauf que ces jeunes branchés de la Grosse Pomme ont engendré à leur suite toute une myriade de groupes soi-disant rock'n'roll, nous faisant aussitôt regretter notre enthousiasme pour ce garage punk revival. Servi à toutes les sauces, ce rock-là deviendrait presque aussi tannant que la lounge, tant on en bouffe depuis des mois : "Back to the roots", clamaient plus d'un journaliste lors de la sortie de "Is This It ?", aussi excités que des vieux ados ayant redécouvert leurs vieux disques d'enfance oubliés dans le grenier. Eh bien non, y en a marre de ces Shins, Yeah Yeah Yeahs, Vines, The Plan, Gluecifer, Von Bondies, McLusky, The Catheters et j'en passe (il en naît un par jour, comme des parasites). Le rock est vivant ? D'accord. Mais qu'on en finisse avec ces groupes marketés qui se dégonflent comme des baudruches après trois écoutes de leurs disques.
Très difficile de dire du bien de cet ep. Et ce n'est pas l'album attendu chez RCA qui devrait arranger les choses, vu la direction musicale empruntée par le quatuor. Aujourd'hui, toutes les tentatives d'effacement de la férocité, de l'originalité et de l'intérêt qui hantaient Cave In à ses débuts, deviennent très très compliquées. D'un hardcore fougueux, passer à une daube radiophonique, il n'y a qu'un pas de géant que la formation a franchi allégrement ; presque sans problèmes, sans remords, en se justifiant même de manière plus qu'approximative. Ce qui peut, rétrospectivement, paraître à la limite insultant. Car en obliquant vers un adoucissement général de toute la tension sous-jacente inhérente à leur musique, c'est toute la crédibilité, tout l'espoir mis alors dans le groupe qui s'évapore définitivement. Crédibilité déjà entamée d'ailleurs à la sortie de " Jupiter ", précédent opus. En piochant ça et là des interviews sur le net, le projet musical ultime du band serait d'offrir aux kids un substitut au " garbage " ambient (Limp Bizkit, P.O.D….). Raté, il risque plutôt de se retrouver à leurs côtés.
Après avoir milité en faveur du hardcore aussi sauvage qu'impitoyable, implication célébrée par les albums "Beyond hypothermia" et "Until your heart stops", ce quatuor yankee a décidé de changer d'orientation sonore. L'album " Jupiter " en était le premier témoignage Ce nouvel EP (six titres) en est la plus parfaite confirmation. Ah oui, bien sûr l'électricité conjuguée par les guitares d'Adam Mc Grath et de Stephen Brodsky est toujours aussi vivifiante, luxuriante ; le drumming de John-Robert Conners aussi remarquable et la basse de Caleb Scofield ténébreuse, orageuse. Mais le feeling mélodique est beaucoup plus pop, plus contagieux. Et le falsetto de Stephen accentue encore le climat d'une musique qui se veut beaucoup plus atmosphérique, sorte de psyché céleste, sonique, rappelant même parfois le Smashing Pumpkins de " Mellon Collie & the infinite sadness " (" Dark driving "), voire le prog rock du King Crimson circa " Starless & bible black ", sur le titre maître. Une sensation accentuée par les arrangements de cordes somptueux, mais également par les inflexions de la voix qui épousent les accords de la six cordes, comme le faisait si bien John Wetton. Le disque recèle également une cover : " The callus " de Giants Chair ; un groupe mythique américain aujourd'hui disparu. Une composition âpre, envoûtante, que Cave In avait déjà interprétée 'live'. Si ce morceau de plastique risque inévitablement décevoir les fans de la première heure, il va incontestablement attirer une nouvelle frange d'aficionados…
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