Pour enregistrer son cinquième album, Boo Radleys est retourné dans les studios de Rockfield, au Pays de Galles, là où il avait commis son précédent et remarquable " Wake up ". Et comme on ne change pas une équipe qui gagne, la formation a de nouveau fait appel à son fidèle ingénieur du son, Andy Wilkinson pour le coproduire. Mais pour mettre tous les atouts dans son jeu, le quartette a décidé de se rendre à Boston pour confier le mixing à Sean Slade et à Paul Q Kolderie. Pas des illustres inconnus, puisqu'ils mentionnent sur leur carte de visite des groupes tels que Radiohead, Dinosaur Jr ou Lemonheads. " C'mon kids " se révèle cependant plus puissant que son prédécesseur. Plus féroce. A cause des riffs de guitares qui crépitent d'électricité distordue, sulfureuse. Plus sophistiqué également. A cause des arrangements impeccables, terriblement efficaces (samplings, bandes passées à l'envers). Plus contemporain enfin. A cause des expérimentations menées dans le dub, le punk, le folk, la hip hop et l'ambient. Mais un disque dont les mélodies demeurent fondamentalement pop. Contagieuses. Et toujours enrichies par les superbes harmonies vocales échangées entre Martin Carr et Sice...
Curieux quand même que le leader du défunt et mythique Sound se rappelle à notre bon souvenir au moment où Echo & The Bunnymen a choisi de se reformer. C'est vrai que les deux groupes ont marqué de leur empreinte la new wave du début des eighties, dans un style finalement fort proche. Mais si Ian McCulloch a pu limiter les dégâts aussi bien en solitaire qu'au sein Electrafixion, on ne peut en dire autant de Borland, puisqu'il a connu, après la séparation du Sound, une lente et inexorable descente aux enfers. Totalement ruiné, il n'a dû on salut qu'à une poignée de véritables amis, et puis aussi à son talent de producteur. Enfin, on est heureux de le retrouver en si bonne forme, avec un disque qui tient bien la route. Pas encore la perfection, mais recelant plusieurs compositions dignes de son prestigieux passé. Telles que " Stray bullets ", " City speed ", " Kissing in the dark ", " I'm your freedom ", " Redemption knees " et le hit potentiel, sorti depuis en single " Over the under ". Des chansons romantiques, majestueuses, teintées de doux désespoir par la voix d'Adrian, capable de passer des profondeurs glaciales aux envolées les plus touchantes... Une bonne surprise!
Pour enregistrer son album solo, l'ex-chanteur, guitariste et compositeur du défunt Low Pop Suicide a reçu le concours de la violoniste de Geraldine Fibbers, Jessy Greene. Un album minimaliste, mais d'une intensité extrême. Ni drums, ni arrangements, ni samples. Juste une guitare sèche, un violon et deux voix. Backing vocal pour Geraldine. Sauf sur " Protection " où elle dévoile son timbre éthéré, spectral. Lead chez Rick, mais plaintif et torturé. Il s'accompagne d'une six cordes acoustique pour fouetter, lacérer, déchiqueter des mélodies sombres, mais tellement vibrantes, des mélodies traversées par les coups d'archet tantôt envoûtants, tantôt grinçants de sa collaboratrice. Les huit chansons de ce " Numb " sont tellement chargées d'émotion qu'on ne peut s'empêcher de penser à Grant McLennan, Robert Forster, David McComb et même à Ed Kuepper. Tout particulièrement sur " Suicide Ego ". Seul " It's easy " se révèle beaucoup plus allègre, plus folk punk, dans l'esprit des Levellers. Dans le domaine du minimalisme, ce " Numb " est un petit chef d'œuvre...
Alors que pendant près de vingt ans, Billy Bragg a violemment critiqué le capitalisme, et en particulier le thatchérisme et ses émules, dès la prise de pouvoir par le Labour, il a préféré prendre ses distances, pour mieux prôner la véritable doctrine socialiste. Figure emblématique de la pop politique en Angleterre, Billy continue ainsi à se cramponner à sa guitare et à une certaine idée du rock. Celle qui naquit en 1977 avec le Clash. Pour enregistrer " Bloke on bloke ", il n'a donc pas changé grand chose à la formule qui en a fait un philosophe du rock social, contestataire et engagé. Les textes vitriolés, parfois teintés de romantisme, qu'il chante d'une voix introspective, écorchée, en s'accompagnant d'une guitare électrifiée aux accords les plus dépouillés, sont cependant ici enrichis tantôt d'une boite à rythmes, d'une trompette, d'un orchestre basique, ou pour la meilleure composition, " Thachérite ", d'un violon...
Après le succès du clone Lucy, des chercheurs américains ont tenté de réitérer l'expérience. A partir d'ADN prélevée sur la ravissante et brillante Alanis Morissette. Et franchement, le résultat est affolant. Look détendu, branché, Meredith Brooks chante exactement comme Alanis, extirpant, d'une voix profonde, sensuelle, chaleureuse, tous ses sentiments refoulés au fond d'elle même. Idem pour le côté musical. Puisque les éclats de guitare pétillants, brûlants, viennent se frotter aux rythmes house, le tout organisé dans une structure classique de refrain/couplet. Le hic, c'est que, excepté le fameux single " Bitch ", l'ensemble du CD manque cruellement de mélodie, et puis surtout d'originalité. A un tel point qu'on a parfois l'impression d'entendre la même chanson tout au long de l'opus. Comme le dit si bien le proverbe, c'est quand on goûte aux produits blancs qu'on apprécie la qualité des marques déposées...
Projet exclusivement instrumental pour ce trio américain qui a eu aussi bien recours à l'instrumentation conventionnelle (guitare, basse batterie) qu'à la technologie de pointe, pour l'enregistrer. Parfois on pense à Tortoise, mais privé de claviers et de xylophone. A Faust également. A cause de ces rythmes obsessionnels, répétitifs. Mais au fil de l'album, la solution sonore vire à l'ambient. Pénétrant même le monde des ‘Frippertronics’ élaboré par Brian Eno et Robert Fripp au cours des seventies. Avec ses boucles, ses bandes passés à l'envers et ses longs gémissements d'électricité sonique. Ce " Directions in music " se termine cependant sur une note plus acoustique. Une composition interprétée à la guitare sèche. Mais subtilement réélectrifiée. Question peut-être de démontrer que le trio est composé d'excellents instrumentistes...
Si on ne tient pas compte de la compilation " The normal years ", parue en 1996, ce trio yankee compte aujourd'hui trois albums à son actif. Et tout comme les deux précédents opus, ce " Perfect from now on " nous a fait une grosse impression. Bien sûr, sa musique navigue dans l'underground. A la croisée des chemins de Dinosaur Jr, Cell, Alex Chilton et de Neil Young. Mais elle épanche une telle sensibilité mélodique que tout mélomane averti ne peut que succomber. Bien sûr, la musique est très riche, à la limite opulente, capricieuse, gorgée de cordes de guitares, tantôt atmosphériques, grésillantes, bourdonnantes, gémissantes, ou chargées de feedback. Les arrangements somptueux, nuancés, assurés tantôt par des accès de violoncelle mélancoliques ou de mellotron ouaté, lorsqu'ils ne se laissent pas fondre dans la fragilité bouleversante du vocal de Doug Martsch. En outre, ce " Perfect from now on " exsude un feeling irrésistible, une magie naturelle, que nous nous refusons d'exprimer avec des mots... Superbe!
Une chose est sûre, Byrne était bien la tête pensante (NDR: parlante?) du défunt Talking Heads. Tina Weymouth, Jerry Harrison et Chris Frantz ont eu beau sortir, fin de l'année dernière, un opus sous le patronyme des Heads, leur projet souffrait incontestablement de l'absence de leur guide spirituel. " Feelings " constitue donc le nouvel album solo de David. Bien sûr, à première écoute, on lui reprochera de s'être à nouveau focalisé sur les polyrythmes à caractère ethniques. Mais après plusieurs écoutes, on se rend compte que cet artiste est encore parvenu à innover. Evidemment, pour réaliser cet objectif, il s'est entouré de toute une panoplie de musiciens et de producteurs. Parmi lesquels on retrouve Morcheeba, Devo et même le Balanescu Quartet. Ce qui lui permet d'aborder, en toute décontraction, une multitude de styles. Même la jungle et le cajun. Avec un esprit punk bien américain qui le caractérise. Et puis, il y a ce sens de la mélodie, ce timbre de voix qui séduisent plus qu'ils ne surprennent, ce feeling irrésistible qui vous donne l'envie de fredonner et même de danser...
Ne les comparez surtout pas à Supertramp. Même si la manière de jouer du piano rappelle le doigté de Richard Davies. Pas davantage aux Nits. Même si le feeling mélancolique est omniprésent. Ou à Supergrass. Puisque, hormis une basse, avouons-le, triturée par des tas d'effets de pédales, Ben Folds Five n'a jamais recours à la guitare. A Joe Jackson? Pas assez d'orchestrations. Et puis les concessions aux jazz sont beaucoup trop vagues. Alors quoi? Comparez-les, tout simplement à Ben Folds Five. Un groupe yankee, issu de Chapell Hill, très exactement, dont le " Whatever and ever Amen " constitue le deuxième elpee. Si l'instrumentation repose essentiellement sur le piano (NDR: évidemment!), la basse (NDR: on venait de le dire) et la batterie, le groupe ne néglige pas pour autant les arrangements et les harmonies vocales. Que nous pourrions qualifier d'irréprochables. Tout un ensemble de choses à la fois simples et riches, qui donnent naissance à douze chansons tout bonnement remarquables...
Encore une formation qui vient littéralement de se faire descendre en flammes par la presse insulaire. Et pas seulement parce qu'elle ne véhicule aucune image, aucune attitude. En fait, jusqu'à présent la new-wave de la new-wave s'était surtout conjuguée au féminin. Pensez à Elastica et Echobelly. Ou aux States. Weezer et Denim en sont probablement les meilleurs ambassadeurs. Mais, au lieu de retomber dans les profondeurs de l'underground, le mouvement a fait tâche d'huile. Et la censure de tenter d'enrayer l'hémorragie, de ce qui pourrait devenir une vision post ‘XTC’ de la pop, et bien sûr de la new-wave. Rien de très " Supernatural ", dès lors, que Bennet en devienne l'instigateur...
Pour enregistrer son quatrième opus, cette Bostonienne, qui vit en Grande Bretagne depuis 1973, a bénéficié du concours de Hugh Jones à la production. Mais également de la participation de musiciens insulaires particulièrement huppés. En outre, Laurence O'Keefe, bassiste/percussionniste chez Levitation, Jon Brookes, drummer des Charlatans, le frère d'Heidi, Christopher, préposé pour la circonstance à la guitare, et surtout la violoniste des Raincoats, Jon Brookes. Qui apporte une sensibilité celtique, passionnelle aux compositions de cet album. Des compositions dont la fragilité empreinte de mélancolie, de poésie et d'élégance lyrique servent à merveille la pureté somptueuse du timbre vocal d'Heidi... A recommander aux inconditionnels de folk rock new age!
Depuis le temps que la presse insulaire nous parle en long et en large de ce trio écossais (Glasgow), dont les musiciens se sont affublés de pseudonymes pas possible - Manda Rin, John Disco et Sci Fi Steven - et nous vante les qualités de ses singles ainsi que de ses maxis, il fallait bien un jour, qu'il passe par l'épreuve d'un premier album. Et le résultat est concluant. Un disque résolument pop, mais avec une multitude de nuances. Qui oscillent du disco au hip hop en passant par le punk, le funk, le ska et la new wave. Tout un éventail de styles nés d'un pillage en bonne et du forme des B52's, d'Altered Images, de Talulah Gosh, des Buzzcocks, d'Elastica et même de Blur. Eclectisme juvénile procuré par des boîtes à rythmes frénétiques, des harmonies vocales fondantes, intuitives, fruitées, des cordes de guitare effervescentes, des claviers guillerets; sans oublier les instruments insolites, souvent miniaturisés, destinés en général aux enfants. Un chouette album que nous pourrions qualifier de néo bubblepop!
Evidemment, toutes celles et tout ceux qui s'imaginent que Blur vient d'enregistrer un nouvel album de britpop risquent une grosse désillusion. Pas que cet opus éponyme soit de mauvaise facture. Que du contraire! Mais il marque un changement radical de style dans le chef du groupe insulaire. Pas de section de cuivres, ni d'arrangements sophistiqués; et ce nonobstant le concours de Stephen Street à la production. Pas de caractéristiques excentriques typiquement britanniques ni de commentaires acerbes sur la vie sociale dans l'Albion. Mais des chansons dépressives, ténébreuses qui devraient plaire au public américain. Paradoxal, lorsqu'on sait que la dernière tournée du quatuor aux States, s'est soldée par un flop magistral. Mais pas une véritable surprise pour ceux qui connaissent le cheminement de ce groupe, dont les cinq albums sont aussi hétéroclites les uns que les autres. Evidemment, de là à penser que la bande à Damon Albarn allait piocher dans le jardin de l'Oncle Sam... Blur n'a d'ailleurs jamais été, ici, aussi proche de Pavement; notamment lorsqu'il s'aventure dans l'underground déjanté. Bien sûr, certaines compositions s'essaient au trip hop ou à la house. On a même droit à une composition du guitariste, qui assure pour la circonstance le chant (" You're great "). Et en réservant une place au hardcore, sur " Chinese Bomb ", Blur rappelle que ses chansons n'ont jamais manqué de relief ou de rythme. Pourtant, cet elpee traduit un sentiment profond de désillusion, de désenchantement, éprouvé par son leader, Damon. Blur serait-il le premier groupe à avoir pris conscience de la mort très prochaine du 20ème siècle...
Ce trio ferait partie de la seconde génération du mouvement trip hop. On ne sait pas trop ce que cette réflexion signifie. Mais une chose est sûre, Arkarna pratique une techno dans le bon sens du terme. Enfin, pas intégralement techno, puisque la formation fait aussi bien appel aux machines nées de la technologie moderne qu'à l'instrumentation conventionnelle. Au sein du line-up, on y retrouve ainsi Lalo Creme, fils du défunt 10CC Lol Creme, à la guitare, Ollie Jacobs, musicien de studio, arrangeur, et également producteur –il avait notamment apporté tout son savoir faire lors de l'enregistrement de l'album de Leftfield– synthés et chant, chant qu'il partage avec l'ex Lunarci James, James Barrett. En fait, si la musique d'Arkana évolue dans la même division que celle de Trent Reznor, notamment à cause de ce style pulsant, au groove irrésistible, elle laisse transparaître des traces de prog pop manifestes, tout en bénéficiant du soin apporté par les deux chanteurs aux harmonies vocales, souci de la perfection qui n'est pas sans nous rappeler Weezer et même les Wannadies...
Au sein du même box, on retrouve le premier CD du groupe irlandais, paru en 1996 –et pour lequel nous avions dit le plus grand bien– ainsi qu'un album ‘live’ enregistré aux studios de Sydney Triple, en Australie, lors de sa dernière tournée aux Antipodes. Un enregistrement en public qui était, à l'origine, uniquement disponible en import. Un disque sur lequel on y ressent à la fois tout le charme, mais en même temps toute la fragilité du trio. " Live at the wireless " épanche ainsi un mélange unique d'énergie et d'intimisme, mais imprimé sur un tempo un peu trop rapide. A la limite dispensé à une cadence beaucoup plus proche du punk de la fin des seventies (NDR: 1977 oblige!) que de la pop ou même du rock. Une seule exception à ce rush d'adrénaline sucrée, une composition plus romantique, plus sentimentale, " What deaner was talking about ", cover de Ween, qui n'aurait, en outre, certainement pas dépareillé le répertoire de Teenage FanClub...
Encore une formation qui macère dans la zone crépusculaire de l'underground depuis trop longtemps, et qui possède toutes les aptitudes pour enfin s'extraire de l'anonymat. Un ensemble irlandais, fondé en 1985, dont le style a surtout, jusqu'à présent, sensibilisé le public américain. Le même qui ne jure que par Idaho, Red House Painters et le regretté American Music Club. Encore que le climat qui enveloppe les chansons d'A House nous rappelle plutôt des formations australiennes, du calibre des défunts Triffids ou Go-Betweens. Des chansons mélancoliques, touchantes que ne désavouerait pas un certain Guy Chadwick (leader d'House of Love) voire même Lloyd Cole ; des chansons dont les lyrics explorent la face la plus sombre, la plus féroce, la plus tourmentée de la nature humaine, mais avec un sens de l'humour et de l'ironie aussi caustique que celui d'Edwyn Collins. Qui fut également, à une certaine époque, leur producteur... Superbe!
Mis sur pied voici bientôt 10 ans, AC Acoustics n'en est pourtant aujourd'hui qu'à son second album. Un constat étonnant pour un groupe d'une qualité incontestable. Surtout lorsqu'on sait que cette formation écossaise a inspiré Brian Molko (Placebo) et Tim Burgess (Charlatans). L'électricité est omniprésente, étincelante. La production irréprochable. Tout au long de l'opus, le style oscille continuellement entre la noisy fragile, harmonieuse, scintillante, d'un House of Love et le popcore âpre, redoutable, torturé d'un Hüsker Dü. Oscillations parfois traversées d'envolées psychédéliques tantôt provoquées par des claviers, tantôt par d'autres accords de guitare, mais plus atmosphériques. A cet instant, on frôle l'univers de notre dEUS national, mais alors flanqué d'un mur de guitares, comme l'érigeait si bien Boo Radleys, à ses débuts. Superbe!
Si cet ensemble australien n'avait eu la mauvaise idée de mettre ses activités entre parenthèses de 80 à 84, il aurait pu fêter ses 20 années d'existence, l'an prochain. Pourtant, au cours de cette longue période, il n'a enregistré que quelques singles, une poignée d'Eps et quatre albums. Quatre elpees absolument remarquables qui n'ont eu, malheureusement, qu'un succès trop confidentiel. D'ailleurs, la notoriété des Apartments n'a, à ce jour, touché qu'un public de connaisseurs et de mélomanes. Nouvel opus, " Apart ", inonde de mélancolie les coins les plus tourmentés de votre conscience. Un disque dont la fraîcheur et l'intensité émotionnelle rappelle encore et toujours l'âge d'or du ‘postcard’. Pas exactement celui d'Orange Juice ou d'Aztec Camera, comme sur les trois précédentes œuvres, mais plutôt de Paul Quinn. Parce que les guitares sont moins présentes. Laissant une plus grande place aux orchestrations opulentes, somptueuses. Ou, paradoxalement, se réfugient sous les accords minimalistes d'une trompette ou de quelques accords de piano spectral, jazzyfiant, permettant ainsi à la voix grêle, étrange, gémissante, de Peter Walsh, de mieux déchirer votre âme...
Nouveau groupe de trip hop. Dans la lignée de Massive Attack, Tricky, Portishead voire Saint Etienne. Un mélange d'électro, de techno, de soul, de hip hop et de rap. Le tout enrobé dans une nébuleuse de claviers et d'effets atmosphériques. " Londinium ", titre maître de l'opus, avait été élu single de la semaine, par le magazine musical britannique " Melody Maker ". Chose qui après écoute nous paraît tout à fait justifiée. Et puisque l'opus est de la même veine, nous vous conseillons vivement de ne pas archiver ce disque avant de l'avoir écouté...
16 Horsepower avait fait une tout grosse impression lors de ses derniers passages en Belgique. En l'occurrence au Torhout/Werchter et puis au Pukkelpop. Dans la foulée, le groupe vient d'enregistrer un nouvel album, " Low estate ". Produit par John Parrish, ce disque de country/folk/punk spectral, troublant, mais bigrement bien ficelé, recèle des influences aussi diverses que fortes. Notamment celles de Gun Club, Violent Femmes, Nick Cave et Johnny Cash. Tout un programme ! Un groupe moitié français, moitié yankee, drivé par un certain David Eugene Edwards. Fils de pasteur, responsable de lyrics qui se réfèrent constamment à la Bible, il narre des contes sordides de péché et de châtiment, des chansons qu'il interprète d'une voix craquelée, poussiéreuse, usant même parfois d'un ton épileptique...
Après avoir gravé deux elpees de psyché pop, largement influencés par les Beach Boys, Big Star et les Byrds, ce quatuor écossais vient de découvrir la technologie contemporaine. Mais pas pour la mettre systématiquement au service de la " dance ". Heureusement! Encore que certaines compositions produisent un groove fort proche du " Screamadelica " de Primal Scream. En fait, 18 Wheeler a recours aux samples, boucles et autres artifices électroniques pour enrichir son psychédélisme. S'il n'atteint d'ailleurs pas la profondeur abyssale d'un Spiritualized, c'est parce que la structure de ses chansons est toujours échafaudée sur la mélodie. Mais aussi à cause du soin tout particulier apporté aux harmonies vocales, dominées, il est vrai, par le timbre languissant de Sean Jackson...
Pour fêter le quinzième anniversaire de son existence, cette formation finlandaise a contacté une multitude de collaborateurs à travers le monde. Pas pour jouer sur cet album, mais tout simplement pour les inviter à remixer l'une ou l'autre composition de leur répertoire. Et quelle n'a pas été la surprise du groupe de recevoir une multitude d'expérimentations les plus intéressantes les unes que les autres. Pas possible, cependant de tout inclure sur un même morceau de plastique. C'est donc la mort dans l'âme que la formation a décidé de n'en retenir que quatorze, nous supposons les meilleures, pour graver " Zipcode ", se réservant quand même une petite place dans l'opération du reliftage. Parmi les heureux élus, on y retrouve cependant que du beau monde; et notamment, Arno, Peter Zaremba des Fleshtones, Martin Rev (Suicide), Jimi Tenor et encore bien d'autres. Evidemment, pour ceux qui s'attendaient à retrouver un album de psyché garage, ils en seront pour leurs frais, car ce projet ne s'adresse qu'aux inconditionnelles de la musique technologique...
2 Foot Flame, c'est encore une formation satellite de Mecca Normal, puisqu'on y retrouve Jean Smith et Peter Jefferies en sus de Michaël Morley. Un projet expérimental, puisque hormis trois titres, plus minimalistes, limités, un peu à la manière de Wim Mertens au piano et à la voix, le reste farfouille dans l'underground. Du Velvet ironiseriez-vous? Du Velvet; et ce n'est pas le fruit du hasard! A cause de ces mélopées monocordes envahies par un harmonium funèbre. Pensez un peu à Nico. D'autant plus que la voix de Jean possède des inflexions très proches de celles de feu la déesse de la lune. Mais encore et toujours le Velvet, lorsque meurtries par un feedback continu ou fouetté par un tempo tribal, hypnotique, les compositions développent un climat franchement obsessionnel...
16 Horsepower s'est produit en public, au dernier Torhout/Werchter, ainsi que lors de la dernière édition du Pukkelpop. Et dans la foulée vient d'enregistrer un nouvel album. Dans leur style, la formation est unique en son genre. Enfin, à notre connaissance. Et pas seulement à cause de leur country/folk/punk/cajun hanté par des textes qui font référence à l'Ancien Testament ; mais aussi parce qu'au sein du line up, on y trouve un Français. Jean-Yves Tolo. Un Parisien, pour être plus précis. Flûtiste de formation classique qui s'est converti à la batterie. A sévi au sein de Passion Fodder. S'est exilé aux States. Y est resté. Et y a fondé 16 Horsepower en compagnie de son ami David Eugene Edwards. Une belle aventure qui méritait quelques explications...
Tout comme pour comme le précédent album, " Low estate " comporte 13 morceaux. Intentionnel ?
Non, non. Nous ne sommes pas superstitieux ! Mais lorsque tu disposes de 17 ou 18 titres, il est parfois difficile de faire le tri. Nous en voulions douze. Il y en a treize...
Quand a-t-il été enregistré ? Où ? Avec qui ? Combien de temps êtes-vous restés en studio ?
Il a été enregistré en mars dernier. Dans un superbe studio situé au bord d'une rivière. En Louisiane francophone. Près de La Fayette, capitale du pays cajun. Nous y sommes restés 4 semaines. C'était très étrange. Je n'imaginais pas que dans cet endroit un peu paumé, tout le monde parlait français. Les enfants l'apprennent à l'école. Incroyable ! " Low estate " a été produit par John Parrish. Pas d'autres invités ! Les musiciens du groupe et John qui, en outre, joue sur toutes les chansons.
Quatre semaines, c'est un laps de temps encore raisonnable pour des musiciens réputés pour leur perfectionnisme. On a d'ailleurs pu le constater lors de votre dernier passage en Belgique, à T/W et puis au Pukkelpop, où vous accordez, ou faites accorder, vos instruments entre chaque morceau. David a même déclaré un jour, aimer la difficulté. Or, je suppose, qu'en studio, vous devez encore être plus exigeants. Ca n'a pas dû être drôle tous les jours, vos sessions d'enregistrements ?
Pour moi, c'était super. Ca ne me dérange pas. Les autres membres du groupe ont peut-être un autre point de vue. Mais David et moi avons en commun la même optique de travail. Perfectionnistes ? Nous le sommes, c'est certain. Je ne sais pas si David recherche les difficultés, mais il a constamment l'envie d'aller voir à l'envers du décor. Une conception qui peut paraître difficile, mais que David et moi-même avons définitivement adoptée. Et nous ne sommes pas prêts de l'abandonner...
Une attitude qui n'est plus tellement d'actualité?
Oui, de ce côté là, on est un peu vieux jeu. Mais on accorde autant, si pas plus d'importance, à l'émotion.
Une raison supplémentaire de préférer l'intimité d'un club à la démesure d'un festival ?
Je pense que n'importe quel groupe préfère jouer dans une salle de 1000 personnes plutôt que dans un stade. Plus la dimension d'un spectacle croît, plus tu perds le contact avec le public. Les spectateurs deviennent tout petits. La qualité sonore en prend un coup.
Pour un musicien comme Neil Young, c'est plutôt le contraire, non ?
Le phénomène se produit en fonction de la notoriété de l'artiste. Mais je pense que tu as raison. Pour un groupe comme le nôtre, un club serait plus adapté, plus intime, plus personnel. Même s'il y a des gens qui ont déclaré nous avoir beaucoup apprécié sur une grosse scène...
Est-il exact que 16 Horsepower s'identifie au symbolisme de la fin du 19ème siècle pour mieux échapper au chaos du 20ème ?
Le 19ème siècle est une époque, une période de l'histoire, qui véhicule des images que nous aimons. Nous ne l'avons jamais caché. C'est cependant plus par curiosité que pour autre chose. Nous ne sommes pas des passéistes ; nous roulons en voiture !...
Comment un Parisien a-t-il pu atterrir aux States au sein d'un groupe comme 16 Horsepower ?
C'est une longue histoire, qui a commencé à Paris. A l'époque, je jouais dans un groupe qui s'appelait Passion Fodder. Dont le chanteur était américain. Nous avons signé un contrat mondial avec une maison de disques anglaise. Nous sommes partis en tournée aux Etats-Unis. Et on y est restés (rires). C'était, il y a déjà 9 ans. Nous nous sommes installés à Los Angeles où j'ai rencontré David. Il travaillait sur des décors de cinéma. Nous avons constaté que nous avions des affinités musicales. Nous nous sommes liés d'amitié. On s'est mis alors à jouer un peu ensemble ; et de fil en aiguille, nous avons monté un groupe...
Tu vis encore à Denver ?
Non. Après être resté un peu plus de 4 ans à Los Angeles, j'ai déménagé à Denver lorsque la formation s'est formée. En fait, c'est tout le groupe qui s'y est installé. Mais en fait, là, je viens de repartir pour la Californie centrale. A deux heures de San Francisco...
Partages-tu les mêmes convictions philosophiques que David ? Parlez-vous souvent de la Bible entre vous ? Est-ce que ses convictions religieuses ne te pèsent pas trop ? A moins qu'elles ne t'interpellent ?
On en parle, évidemment. Mais ce n'est pas le principal sujet de nos conversations. Pour expliquer la situation en quelques mots, je pense que nous avons des intentions un peu similaires. On a juste une façon différente de les exprimer. Comme tu le sais, David se réfère souvent à la Bible. Ce n'est pas mon cas, même si je pense sincèrement que c'est un ouvrage fantastique. Je dispose d'autres moyens pour m'exprimer. De savoir ce qui est bien ou mal, sans devoir me référer à une idéologie bien précise. Disons que pour aller à la recherche de la vérité, j'ai pris un autre chemin. Pourtant, c'est vrai, lorsque j'ai rencontré David, j'étais assez troublé par sa ferveur religieuse. Aujourd'hui, depuis que je le connais beaucoup mieux, cela ne me préoccupe plus du tout. Parfois, j'étais même mal à l'aise. Parce que je pensais qu'il serait difficile de communiquer avec lui, si je ne partageais pas vraiment les mêmes sujets de conversation. Tu vois ce que je veux dire. En fait, les être humains sont tous tellement différents, que tu cours toujours le risque de te trouver devant un mur d'incompréhension ; mais avec David, ce n'est pas le cas. Il fait son truc. Je fais mon truc. Les autres font leur truc ; et finalement cette forme de respect mutuel permet de bien nous entendre. Nous avons des idées fort proches, mais nous les exprimons de manière différente...
Religions et sectes ont pris un essor considérable aux States, ces dernières années. Certaines sont même devenues de véritables leviers du monde politique. Et je pense ici plus précisément aux fondamentalistes et télévangélistes. D'autres présentent carrément un danger pour la société. Comment expliques-tu ce phénomène ?
C'est une question de fric. Il y a beaucoup de fric dans la religion aux Etats-Unis. Il existe des gens là-bas qui disposent de moyens financiers gigantesques pour faire passer leurs idées. Ils se servent de ces moyens. Médiatiques, le plus souvent. Et ça marche ! Malheureusement. Un peu comme le consommateur tombe dans le panneau de la pub pour choisir sa poudre à lessiver. Mais cette situation ne se produit pas seulement aux States. Elle existe également en Europe. A une moindre échelle, mais elle existe. Est-ce dangereux? Je l'ignore! Certaines sectes le sont manifestement. Mais personne n'est jamais forcé d'adhérer à ces mouvements religieux. Tu as le choix. Tu peux refuser. Mais sans doute, par faiblesse ou par besoin de trouver quelque chose qui te permette d'être reconnu par les autres, tu acceptes. A mon avis, il y a des hommes et des femmes pour qui cette situation est bénéfique. Plutôt que de se foutre en l'air ou de foutre en l'air d'autres personnes, ils parviennent ainsi à s'en sortir. Tant mieux pour eux. A partir du moment où ce phénomène élude la violence et les meurtres, c'est sans doute une bonne solution...
Tu as suivi des cours de batterie dans une école de jazz, exact ?
J'ai suivi des cours de batterie dans une école réputée pour ses formations de jazz. J'ai aussi joué un peu de jazz au sein d'un groupe. Mais, ce n'est pas mon truc. J'aime le jazz, je travaille le jazz. Mais je ne veux plus faire partie d'une formation de jazz. Je déteste son côté rigide...
Cristian Vander, ce n'est pas un symbole, pour toi, dès lors ?
Pffft... (long silence). Non, non, c'est une batteur exceptionnel, mais c'est surtout un athlète performant. Je le comparerai volontiers avec un coureur à pied qui s'aligne sur le 100 mètres plat. A mon avis, tu perds un peu de feeling, de musique, etc.
Sais-tu qu'il a remonté Magma ?
Ah non, là, j'ignorais... Ca m'est égal qu'un musicien soit un virtuose. Pourvu qu'il ne joue pas seulement pour lui même. J'ai vu des groupes composés de piètres musiciens, mais qui parvenaient à te communiquer le frisson. Par contre, j'ai aussi assisté à des prestations d'artistes à la technique irréprochable, mais dont les sets m'ont véritablement fait chier...
Y a-t-il des musiciens qui t'ont particulièrement influencés ? Jeffrey Lee Pierce ? Nick Cave ? Gordon Gano ?
Non, pas précisément. Plutôt des atmosphères créées par des groupes, pas par des musiciens. Et notamment celles qui ont prévalu chez Gun Club, Birthday Party et Violent Femmes...
Peut on affirmer que 16 Horsepower est traditionnel dans le sens le plus folk, country et cajun du terme ?
Oui et non. Dans le sens le plus pur du terme, pas puriste du terme. Nous aimons la musique traditionnelle, folk, country et cajun, mais aussi celtique, bretonne, hongroise, tsigane, etc. Mais les folkeux, je n'aime pas particulièrement...
Tu n'aimes pas les Pogues ?
Oh, si ! Mais ce ne sont pas des folkeux. Si, mais enfin, je veux dire... Tu sais aux Etats-Unis, il existe une clique de folkeux qui sont demeurés très puristes. Avec des règles très strictes. Si tu n'utilises pas telle guitare avec telles cordes et que tu ne fais pas tels accords, tu n'es pas admis au sein du cercle. Nous on ne marche pas dans cette combine. Mais on aime bien les Pogues. On a tourné avec eux. Enfin avec Shane Mc Gowan et ses Popes. C'était formidable!
Johnny Cash et Léonard Cohen t'ont quand même marqué ?
Léonard Cohen ? Certainement ! Mes frères aînés écoutaient sans cesse Cohen, et par la force des choses, moi aussi. Ce qui explique sans doute pourquoi sa musique me touche particulièrement. Comme elle touche également David. Johnny Cash ? Je l'ai découvert un peu plus tard avec les musiciens de Passion Fodder. Et puis, surtout, grâce à David. Ses textes sont si denses, intenses, imagés. Il compose de la poésie sur une musique tellement simple, mais tellement belle. Un peu comme Brel. C'est le même genre. La culture est un peu différente. Mais je les apprécie autant...
Parfois la musique de 16 Horsepower me fait penser à celle que pratiquait James à ses débuts. Une objection ?
Je ne connais pas ce groupe. Comment tu dis ? James ? Non, ça ne me dit rien du tout ! Sorry ! Mais puisque tu m'en parles, je vais m'inquiéter de l'existence de ce groupe et essayer de me procurer leurs premiers albums...
(Version originale de l'interview parue dans le n°57 - octobre 1997 - de Mofo)
Blonde Redhead est un trio new-yorkais réunissant les frères jumeaux Amadeo (guitariste/chant) et Simone (batterie/chant) Pace, ainsi que Kazu Makino (chant/guitare rythmique). Fondée en 1993, la formation a longtemps été comparée à Sonic Youth, avant d’emprunter, progressivement, un style plus personnel. Ce sont les frangins qui se sont prêtés à l’exercice de l’interview, en particulier pour nous parler de leur dernier album en date, « Fake can be just as Good », un disque épanoui et enfin affranchi.
Amadeo : Quand nous écrivons ou jouons ensemble, nous explorons énormément d’idées consciemment et inconsciemment. A nous trois, dans Blonde Redhead, nous partageons une sorte de conscience commune qui ne se développe pas seulement quand nous nous produisons, aussi quand nous sortons ensemble que ce soit chez des amis, au cinéma ou au théâtre...
Blonde Redhead appartient-t-il à une scène musicale précise ou bien vous considérez-vous plutôt comme hors de tout mouvement ?
Simone : On se considère plutôt comme des indépendants. En tout cas par rapport à la scène de New-York. Nous nous sentons bien plus proches de ce qui se passe à Chicago, point de chute de notre label Touch and Go. Et plus à Washington DC.
A : Nous entretenons une véritable relation d’amitié avec Fugazi (Guy Picciotto a notamment travaillé pour eux, lors de l’enregistrement d’un single). Il existe une sorte de communauté, on s'invite les uns les autres soit pour un repas, pour une fête ou pour simplement boire un verre. L’esprit est très différent de celui de NY, où les gens sont frileux, ont peur d'approfondir les rapports humains, comme s'ils craignaient toujours d'y perdre quelque chose.
De la Sicile A New York
La tension constamment présente dans votre musique reflète-t-elle cette difficulté de rencontrer les New-yorkais ou l'expression du choc que vous avez dû ressentir quand à 13 ans vous avez débarqué aux USA?
A : Le moins qu'on puisse dire est que New- York et la Sicile sont vraiment deux endroits différents ou vivent deux sociétés très distinctes. Au niveau des valeurs, il n'existe aucune similitude. Les Américains ne sont pas aussi chaleureux, la famille n'existe quasi plus aux USA, les parents ‘s'en foutent’ et laissent leurs enfants seuls. La chose est inimaginable en Italie.
S : Plus généralement, les Européens manifestent plus d'excitation à vivre, ils n'ont pas peur d'exprimer leurs sentiments, leurs émotions... Mais on ne peut contester l'énorme sentiment de liberté qu'on respire aux States, dès qu'on y débarque. C'est pourquoi, entre autres, que Kazu (elle nous le confirmera plus tard dans la journée), qui est arrivée aux States il y a 9 ans, s'y sent tellement bien. Elle aspirait à cette liberté après avoir souffert du sexisme japonais. Aux States, elle se sent l'égale à tous, acceptée par tous. Au Japon, la société est déjà très dure pour les femmes en général, alors pour celles qui tentent de jouer du punk rock, c'est presque invivable!
De qui est la phrase reprise dans le livret du CD : ‘I love exactly everyone the same amount’ ?
A : Elle est de Vern, le bassiste d’Unwound, qui a enregistré l'album avec nous. Il est très modeste et très honnête. Si on y réfléchit, on peut voir cette phrase comme très positive mais le contraire est vrai également, puisqu'il est impossible d'aimer exactement tout le monde de la même manière, à moins justement de simuler (‘fake’).
S : Grandir, c'est un peu ça, c'est apprendre à faire semblant, à simuler. Contrairement à ce qu'on pourrait croire, ce sont les enfants qui sont les plus honnêtes. Pour en revenir au titre « Fake can be just as Good », c’est un extrait du morceau « Bipolar », écrit par Kazu. Elle y exprime la sensation que si on aime réellement un être, on peut accepter que celui-ci puisse seulement faire semblant en retour.
A : Dans un certain sens, nous aussi sommes occupés de simuler aux Etats-Unis, car nous n’appartenons pas réellement à la société US. Nous ne sommes pas des Américains dans l'âme. C'est comme si nous commencions à jouer du jazz. Nous aimons beaucoup ce style, mais nous ne pourrions jamais que faire semblant d'en jouer. Notre musique, ce n'est pas du jazz, c'est du punk rock.
Deux titres de l'album, « Pier Paolo » et « Futurism vs Passeism » se réfèrent à deux grands noms de la culture italienne du XXème siècle.
A : Nous avons lu les livres de Marinetti (auteur du manifeste pour une littérature futuriste en 1909). Il y a de bonnes idées. En ce qui concerne Pasolini, nous avons vu presque tous ses films. C'est quelqu'un que nous respectons. Sa démarche est honnête, très réaliste aussi ; c'est un professeur pour nous.
S : Son génie réside dans la manière de concilier les extrêmes : l'amour et la haine, la beauté et la laideur, le silence et le son... Nous aussi, nous essayons de définir les extrêmes, en passant du bruit à la mélodie, de la mélodie au bruit.
(Article paru dans le n°57 du magazine Mofo d’octobre 1997)
Depuis Bel Canto, la Norvège n’avait plus mis au monde de groupe aussi intéressant. Retenez bien ce nom: Motorpsycho. Fondé au tout début des nineties, il comptait à son actif, avant l’enregistrement d’« Angels and daemons at play » une volée de singles, un mini CD et quatre albums studios. Tous passés inaperçus. Phénomène qui s’explique facilement pour une formation en avance sur son temps. Mais qu’il est difficile d’admettre au vu de l’originalité et de la qualité de sa musique. Entretien avec Snah (NDR: prononcez ‘Schann’), porte parole mais surtout guitariste de cet ensemble finalement plus européen que scandinave.
« Blissard », votre album précédent avait été enregistré dans les anciens studios d’Abba à Stockholm. Cette aventure a dû vous coûter un os?
Effectivement. Mais, nous avons pu bénéficier des infrastructures d’un studio nickel, à la pointe de la technologie moderne, meublé d’instruments historiques tel qu’un piano à queue dont Abba s’était servi pour enregistrer. On a même eu la chance de pouvoir l’utiliser. C’était une chouette expérience qui n’a duré que 15 jours, mais elle nous a coûté la peau des fesses. Pas seulement à cause du studio. Mais aussi des chambres d’hôtel que nous avons dû louer. On en garde cependant un très bon souvenir. « Angels and daemons » a été enregistré en Norvège. En sept jours. Dans un studio moins onéreux. On s’était brûlé les ailes une fois, c’était largement suffisant. Et puis nous ne souhaitions pas y séjourner trop longtemps. Parce que nous serions incapables d’y passer 2 mois. Nous deviendrions complètement fous. Il ne nous a d’ailleurs fallu que 3 semaines pour le terminer. C’est largement suffisant. Nous avons tout fait nous même. Même le mixing et la production. L’inspiration et l’énergie étaient au rendez-vous à ce moment-là. Ce qui nous a permis de conserver ce feeling ‘live’ auquel nous tenions absolument.
« Demon box » en 93 et « Angels and daemons at play » aujourd’hui. Etes-vous fascinés par les forces du bien et du mal? Par la mythologie, les divinités, la vie après la mort?
Oui, bien sûr. Nous lisons énormément de bouquins consacrés à la littérature ésotérique, aux phénomènes paranormaux. Nous sommes intéressés par ce genre de choses. Ce qui ne veut pas dire que nous jouions au tarot pour décider de notre avenir. Nous savons ce que nous devons faire et ne prenons jamais nos décisions sur un coup de tête. Néanmoins, j’estime que la mythologie, l’histoire et les fables sont très importantes pour nous. Surtout lorsqu’on vit dans un monde qui veut se couper du passé, pauvres en relations humaines, ultra matérialiste. Ce qui ne veut pas dire que nous adhérions à la sorcellerie ou que nous organisions des messes noires. On est loin de tout ça. Tout simplement, on essaie de réinventer une certaine philosophie de la vie...
Votre musique est à la fois riche et complexe. Il y a des tas et des tas d’influences. Etes-vous intéressés par l’histoire du rock’n’roll?
Absolument! Nous reconnaissons être influencés par beaucoup d’artistes issus de l’histoire du rock’n’roll. Certains plus que d’autres. Cela nous permettra peut-être de projeter une nouvelle lumière au sein de l’univers du rock et de la pop. Nous aimons les groupes issus des sixties et des seventies. Le jazz aussi. Notamment John Cotrane. Le krautrock de Can et de Faust. Et puis une multitude d’autres formations dont les noms m’échappent pour l’instant.
Telles que King Crimson et Sonic Youth?
Nous écrivons nos chansons un peu à la manière de Sonic Youth. Nous les composons à la guitare en partant d’une hauteur mélodique branchée sur un réglage spécifique. Le problème, c’est qu’en tournée, vous trimballez une bonne vingtaine de guitares. Parce que chaque chanson exige un réglage spécifique. Mais cela en vaut la peine.
Est-ce qu’on peut dire que Motorpsycho est quelque part prog pop? Nous voulons dire dans l’esprit de Spiritualized et d’Ozric Tentacles; mais dans un autre style?
Oui ! Parce que nous exprimons nos chansons à la fois de manière semblable et différente. Différente parce que nous avons chacun notre style. Semblable, parce que l’interprétation de nos compositions est à chaque fois différente. Prend l’exemple d’Ozric Tentacles qui ne programme que 50 % de ses chansons. Le reste se construit suivant un schéma totalement improvisé. Et ça marche!
Comment expliquer ce boom de la scène pop/rock scandinave?
On assiste pour l’instant à une véritable explosion de groupes en Europe et pas seulement en Scandinavie. C’est le résultat de cette nouvelle vague psychédélique. En fait, elle a été fort négligée au cours des 20 dernières années. Le punk et ses dérivés l’ont empêchée de se développer. Surtout sur le Vieux Continent, plus réceptif à une musique progressive, élaborée. Elle a dû se terrer dans l’underground en attendant son heure...
Que représente Bel Canto pour Motorpsycho ?
Nous les connaissons bien. Ils sont en train de prendre du bon temps, ils viennent de sortir un dernier album, qui soit dit en passant n’est pas fameux. Issu du Nord de la Norvège, ils ont un caractère typiquement scandinave. Ils vivent à Tromsø, un lieu très particulier. En fait, l’hiver il fait toujours nuit, et en été presque toujours clair...
Vous avez écrit la bande sonore pour un film de country & western appelé « The tussler ». Aimez-vous le cinéma italien? Et tout particulièrement le western spaghetti?
Nous aimons les films de Sergio Leone et de Clint Eastwood. Et nous avons été très heureux de pouvoir composer cette bande sonore. D’autant plus que nous apprécions beaucoup la musique country. En fait, les Américains de peau blanche sont d’origine européenne, et la country vient également d’Europe. Mélodiquement, nous nous sentons très proche de ce style de musique. Et régulièrement, il nous arrive de jouer du banjo ou de la steel guitare. C’est un défi pour nous. Nous apprenons beaucoup à travers tous ces différents styles de musique. Nous avons même réalisé un projet en compagnie d’un groupe de jazz norvégien. Nous avons beaucoup répété pour finalement nous produire ensemble lors d’un concert de jazz en Norvège. Nous sommes ouverts à tous les styles musicaux. Nous sommes capables de passer du heavy metal aussi sauvage que celui de Motörhead à la musique psychédélique.
Quelle est la genèse du nom du groupe? Y a t-il une certaine corrélation avec la psychomotricité? Et pourquoi?
Nous étions invités à Londres en 1990 pour assister à une conférence sur la psychomotricité, mais nous n’y sommes jamais allés, car nous étions bourrés. Avant de fonder le groupe, je travaillais dans un centre de réhabilitation pour les accidentés de la route. J’étais, il est vrai, déjà dans ce milieu de la psychomotricité. Mais, en réalité, nous n’avons jamais pensé à cela lorsque nous avons choisi le nom du groupe. En fait, nous trouvions que c’était un nom qui collait bien et puis on l’a choisi parce qu’on aimait l’étymologie du mot: Motor Psycho...
Merci à Vincent Devos.
(Article paru dans le n° 56 du magazine Mofo de septembre 1997)
Véritable chef-d'œuvre, " OK Computer " figure parmi les perles de l'année 97, tant la qualité musicale et l'innovation y sont optimales. Radiohead y distille, durant un peu moins d'une heure, un pop/rock saturé d'électricité vivifiante, exaltante, constamment au bord de l'explosion. Un flux électrique de la même trempe qu' " Exit music (for a film) ", extrait de la bande sonore cinématographique " Romeo & Juliet " et " Paranoid android ", Cd single qui a énormément tourné à la radio et à la télévision. Un flux électrique au sein duquel fragilité, sensibilité, mélancolie et agressivité se mêlent et se déchirent avec une passion paroxystique... Eblouissant!
Helmet incarnerait la face ‘intelligente’ du heavy-metal. Celle qui véhicule l'énergie généreuse, les riffs meurtriers, les rythmiques emballées, et qui s'est débarrassée des clichés éculés, des poncifs empoussiérés ou des poses débiles.
C'est sans doute vrai, même s’il faut également relativiser l’importance de cette réflexion. D’une part, Helmet n’a certainement pas été le seul à concevoir intelligemment le heavy-rock depuis que ce style existe. D'autre part, il a évolué, progressé et s’est adapté grâce à l'influence d'autres courants musicaux, à l'immersion dans d'autres contextes et à l'éclosion d'autres groupes. Helmet a participé au mouvement. C'est un de ses mérites ; et il doit être souligné.
Bombardier
A toutes fins utiles, précisons quand même que dans ce genre de sport, Helmet n’est pas un prototype unique. Néanmoins, il faut reconnaitre l'importance et la qualité des œuvres de ce quatuor bombardier réduit pour la circonstance à un trio : des albums comme ‘Meantime’ ou surtout l'indispensable ‘Betty’ (NDR : publié en 95, c’est un must absolu), ont démontré de maîtresse manière l'importance de la bande à Page Hamilton.
‘Aftertaste’, le disque flambant neuf ne fait que renforcer l'impression positive laissée par ces types qui –attitude clairement en relation avec le début de cet article– ne paient pas de mine, mais bien de leur personne.
‘Aftertaste’ pète des flammes. Il déborde de générosité, combinant idéalement agressivité et créativité. Le cd est bon, excellent même, d'un bout à l'autre. Il est dépourvu du moindre temps mort, de la moindre faiblesse. Expédié avec une vigueur impressionnante. Page Hamilton, le leader entérine : « Nous avons privilégié une approche plus directe encore du travail d'écriture. Pour ‘Aftertaste’, nous avons voulu plus de concision, de netteté, mais également de fermeté. En comparaison, ‘Betty’ était sans doute un tantinet plus dissipé qu’‘Aftertaste’. Lequel nous a permis de resserrer les rangs au maximum afin de recueillir le meilleur de notre musique, quitte à laisser un membre en chemin. »
Par rapport aux elpees précédents, il fallu davantage de temps pour concocter ‘Aftertaste’. La simplicité est-elle inversement proportionnelle au temps qu’il faut pour élaborer un disque ? Réaction : « Non, rien à voir. Enfin, pas vraiment. En fait, nous l’avons mixé deux fois. Le second mix s'explique parce que la première version ne nous satisfaisait pas du tout, au bout du compte. On voulait vraiment sortir du tout bon, et gommer les quelques imperfections commises sur ‘Betty’. Bon, il ne faut pas toujours chercher à comparer ce qui ne doit pas nécessairement l'être, mais nous voulions impérativement que ce nouvel essai soit plus fort. Nous sentions que le potentiel était présent, que la matière était bonne. Aucune raison, dès lors, de se faire coincer par un mix imparfait ».
Courbe De Vente
La notoriété d’Helmet est en progression constante. Cette situation a-t-elle poussé le groupe à devenir plus exigeant vis-à-vis de lui-même ? Page admet : « Sans doute d'une certaine manière. Nous ne sommes pas du genre à surveiller sans cesse la courbe de nos ventes –faut pas rigoler– mais il faut être honnête, et oser avouer que quand tes disques se vendent de mieux en mieux, tu as envie de tout faire pour que cette progression continue! Cette situation démontre que de plus en plus de gens écoutent ta musique et l'apprécient. Mais pour y arriver, nous n'avons pas accepté de compromission fondamentale, attention! Notre volonté de faire mieux constitue juste un élément de motivation supplémentaire qui nous pousse à être très rigoureux. ‘Aftertaste’ en a bénéficié, même si je pense que l'album était bon dès le départ... »
Dave Sardy, le furieux guitariste de Barkmarket a produit l'album. Les membres d’Helmet n’ont jamais caché être des fans de Barkmarket. Mais est-ce l’unique raison pour laquelle ils l’ont choisi ? Hamilton se défend : « Pas la seule, non. C'était un paramètre déterminant, c’est clair, mais il y a aussi le reste et notamment le fait que nous nous sentons sur la même longueur d'ondes. Nous savons qui nous sommes et ce que nous voulons faire... Et là, nous étions sûrs que bosser en compagnie de Dave ne poserait aucun problème, dans la mesure où il nous respecterait certainement pour ce que nous sommes. Ce qui est très important à la base. Nous étions à la recherche d'un son, pas d'une identité... Je pense que Helmet est un groupe immédiatement reconnaissable, c'est la preuve qu'il a une identité très forte. La priorité était donc d'optimiser notre son. »
Mais qu’est ce qui pousse Page à composer ? « A la fois tout et rien. Il me vient des trucs en tête... En fait, je prends beaucoup de plaisir à écrire des chansons ! Surtout quand je les trouve bonnes... Ce qui me motive à en créer d'autres. Mais il peut arriver que je me sente galvanisé, parfois, par la qualité de chansons écrites par quelqu'un d’autre. Il se produit alors une émulation. Ainsi, après avoir écouté de bonnes chansons écrites par un autre, je me suis déjà senti pousser des ailes dans le dos pour faire aussi bien ! »
Article paru dans le n°53 du magazine Mofo de mai 97
Coiffée d’un chapeau de fourrure, la fille est jolie. Elle est troublante et sulfureuse, la chanteuse d'Elysian Fields. Les musiciens du groupe new-yorkais ne se sont pas rencontrés aux Champs-élysées mais à la célèbre Knitting Factory, un club où l'avant-garde côtoie le jazz, l'expérimental et le rock. C'est aussi un peu ce que « Bleed your cedar » laisse transparaître, un remarquable premier album, sensuel et libertin, sorte de réponse coquine à la mollesse psychédélique de Mazzy Star. Interview en deux parties : la première en compagnie de la lascive Jennifer Charles, chanteuse et figure de proue ; la seconde avec Oren Bloedow, guitariste et figure de l'ombre....
On vous dit influencée par le jazz, c'est vrai ?
Jennifer : J'aime beaucoup Archie Shepp, John Coltrane, Charlie Mingus, Miles Davis, Charlie Parker... J'ai en quelque sorte grandi avec eux. Mes parents avaient beaucoup vinyles de jazz. Mon frère était animateur d'une émission du style à la radio. J'ai été baignée dans cette atmosphère. J'ai écouté les disques qui étaient à ma portée dans les collections familiales.
Vu ce background très jazz, comment expliques-tu qu'Elysian Fields soit un groupe de rock?
J. : C’est que je ne me suis jamais cantonné au jazz. J'ai toujours cherché à découvrir plein de choses. J'ai aussi écouté du pop/rock comme les Beatles, Nick Cave ainsi que de Captain Beefheart. Et puis le blues de Muddy Waters, John Lee Hooker ou Little Walter Jacobs. Même la musique classique de Messiaen me séduit.
L’influence du blues, on la ressent surtout dans les paroles, non?
J. : J'ignore comment ce qu'on a pu écouter se retrouve dans notre musique. C’est un grand mystère. Mais peu ou prou, c’est quand même un constat. C’est un peu comme quand on me demande : ‘Tiens, pourquoi es-tu ainsi ?’. Et je réponds : ‘J'ai grandi dans cette partie du monde. A 6 ans, je suis allé là-bas. Mes parents étaient ainsi... » Mais en fait, je ne sais pas comment tout ce que j'explique se manifeste dans ma personnalité. Les éléments s'entrechoquent, mais où est l'influence ? Difficile à dire…
Ce que je voulais dire, c’est que les paroles de vos chansons regorgent de sous-entendus, de références au sexe, à la sexualité, comme dans le blues.
J. : J'ai peut-être un rapport avec la tradition blues, une ouverture à la sexualité, à l'émotion pure, effectivement... La sexualité est un terrain en friche et il est intéressant pour pas mal de monde. C’est aussi un sujet de conversation dynamique. Disons que pour éviter l'hypocrisie, j'aime beaucoup aborder le sexe en chanson ; c'est un terrain où je m'exprime convenablement. Et puis, briser un tabou, c'est amusant. Mais, j'ai d'autres sujets de préoccupations : la solitude, l'isolement, le désespoir, l'abandon, la libération, l'exploration, l'égoïsme, le rêve, les planètes, le cosmos aussi...
Votre enfance a-t-elle été facile?
J. : Pas conventionnelle, en tout cas. J'ai été élevée par ma mère. Quand mes parents ont divorcé, j'étais encore très jeune. Après une autre femme a vécu à la maison, un peu comme si j'avais deux mamans. On disposait chacun de nos espaces à la maison, mais une partie de l’appartement était sous-louée à des locataires. Résultat : il y avait toujours du monde à la maison. On vivait dans une sorte de communauté. Pour une enfant, c'est une expérience enrichissante de pouvoir fréquenter des adultes, hors cellule familiale ou presque.
Une tribu plutôt qu’un groupe
Votre disque marche beaucoup mieux en Europe –et particulièrement en France– que chez vous aux States. Vous vous expliquez ce phénomène ?
Oren : A mon avis, c'est parce que les sensibilités sont différentes entre l'Europe et les Etats-Unis.
Une question de culture?
O. : Difficile à dire. Ma connaissance de la culture européenne est insuffisante ; surtout celle de la France dont je ne connais pas la langue. Mais en une semaine, on y a vendu autant qu'aux Etats-Unis, depuis la sortie du disque. Sans que notre musique parle plus aux Français?
Sur le Vieux Continent, les cinéastes notamment craignent une américanisation de la culture…
O. : Leur crainte est légitime. Si j’avais les moyens de m’opposer à l'américanisation aux Etats-Unis, je le ferais... Mais finalement, ce n'est que le retour de bâton de l'européanisation de l'Amérique, non ? Les pionniers blancs qui sont arrivés là-bas ont créé l'ultime société européenne! Maintenant il y a l'effet boomerang... De toute façon, nos racines sont européennes. Ma famille vit en Amérique depuis moins d'un siècle. Elle y est arrivée dans les années 20/30, de Vienne, d'Ukraine et de Prusse. Il y a ainsi dans ma famille une tradition de pensée engagée politiquement et culturellement. Ce qui influence inévitablement ma façon de vivre et de voir le monde.
Considérez-vous Elysian Fields comme un groupe intello ?
O. : On ne peut nier que notre travail fasse appel à l’intellect, mais ça veut dire quoi ‘intello’? Il serait impossible de sortir un disque sans avoir recours à des composantes intellectuelles. Ce n'est pas honteux.
Disons que le terme est péjoratif, surtout dans le rock'n'roll...
O. : Alors: ‘Fuck rock'n’roll !’ On ne pourrait pas être des rockers parce qu'on réfléchit ? Belle blague! On ne va pas prétendre qu’on a jamais lu un bouquin, vu un film d’auteur ou écouté Messiaen. Ce serait mentir. Il n'y a donc aucune raison de l’occulter. Le rock direct, sans background intellectuel, c'est un mythe perpétré par la bourgeoisie snob. Perso, je pense qu’il est fondamental d'avoir le plus de culture possible et d'être le plus intello possible. Et l’humanité a besoin d'intellectualisme.
L’image de Jennifer dans le groupe semble envahissante. C’est elle seule qui est sur la pochette, sur les photos du groupe. Y a-t-il un confort à rester, comme vous, dans l'ombre?
O. : Jennifer a signé le contrat avec la maison de disques. Ne pas la monter épingle n’aurait eu aucun sens pour le directeur du label. Quand il l’a vue, il a pensé –et c’est aussi mon avis– que Jennifer était une jeune femme incroyable et qu'elle avait l'étoffe d'une star. Il n'y a aucune ambiguïté, elle est notre image, point à ligne.
Je vou1ais simplement dire qu’objectivement, vous êtes plus qu'un simple guitariste, vous composez et…
O. : Ecoute mec, si tu te baladais avec nous, je te jure que tu serais plus qu'un simple journaliste. On n’est pas du genre à rabaisser les autres, on a tendance à donner confiance à ceux qui gravitent dans le groupe et autour. Vivre aux côtés de Jennifer et n'être qu'un simple guitariste, ce n'est pas possible, tout simplement. On est plus une tribu qu'un groupe en quelque sorte...
Vous avez déjà écrit les chansons du prochain elpee?
O. : Oui et on en joue sur scène. On entre en studio cet été en espérant sortir l’album pour janvier 98. Tout est à peu près écrit, mais peut-être changera-t-on d'avis d'ici là et écrira-t-on de nouvelles compos…
(Article paru dans le n°53 du magazine Mofo de mai 1997)
Délirant! Gong l’était franchement au début des années 70 ; surtout lorsqu’il était conduit par Daevid Allen. Remis en selle en 1996, ces hippies adeptes d’une imagerie humoristique (camembert électrique, théière volante) étaient peut-être aussi, pour leurs climats volontiers atmosphériques, de vrais précurseurs de la scène ambient.
Un mot d’histoire tout d’abord. C’est en 1969 que Daevid Allen lance Gong à Paris, où cet Australien s’est installé sur une péniche après une tournée de Soft Machine. C’est que les douaniers britanniques sont parfois tatillons pour les sans papiers… De son doux délire, Allen mène ensuite ce groupe du bout du nez ; puis le quitte en 1975, laissant le soin au violoniste Didier Malherbe de continuer. Le groupe survit ainsi jusqu’en 1979, sous la houlette du percussionniste Pierre Moerlen. Aujourd’hui, Gong vient donc de refaire surface. En réunissant l’essentiel de son noyau initial : Daevid Allen donc, mais aussi Didier Malherbe, Gilly Smith et Pip Pyle (NDLR : il est malheureusement décédé le 28 août 2006). Pyle puis Allen se succèdent à l’interview. Une question évidente d’abord. Pourquoi cette reformation ?
Pip : Au début des années 90, la télé britannique m’a demandé de remettre sur pied, le temps d’une émission, à la fois Gong et Hatfield and the North (NDR : Pip a aussi joué au sein de Caravan dont il ne parlera pas lors de cette conversation). Pour Gong, Didier, Gilly et Daevid ont répondu immédiatement. Puis, après l’émission, Daevid a lancé l’idée de refaire par exemple, une tournée de 2 à 3 semaines. En 1994, nous avons ainsi fêté à Londres le 25ème anniversaire du groupe. Un moment inoubliable… Après cet épisode, la demande s’amplifiant, on a pu tourner au Japon et aux Etats-Unis.
On établit parfois un lien entre les vieux disques de Gong et la scène ambient contemporaine. Aves-vous une explication ?
P. : Steffy, notre guitariste, est assez branché techno et trance. On touche donc un peu à ces styles. A Los Angeles, la presse nous a même qualifiés de ‘godfather’ de la trance, mais ça me laisse dubitatif… La technologie a quand même évolué. A ses débuts, Gong n’avait pas un seul ampli de 30 watts. Par après, nous avons acquis toute une panoplie de gadgets, mais sans jamais disposer d’un matériel aussi sophistiqué que la plupart des musiciens actuels.
Quelle est ta réaction lorsqu’un groupe comme Ozric Tentacles se réclame de Gong ?
P. : il existe beaucoup de jeunes formations soi-disant psychédéliques. J’ai vu Ozric Tentacles lors d’un festival, mais je n’y ai pas trouvé l’influence de Gong. Pas de prime abord, en tout cas. Gong a été un des premiers groupes à utiliser des synthés, des rythmes hypnotiques, des effets ‘glissandi’… les spécialistes s’accordent à dire que la trance et la rave ont puisé des éléments chez Gong.
Quelle est la part d’improvisation dans la musique de Gong, aujourd’hui ?
P. : les arrangements définis assez vaguement, permettent de développer des riffs répétitifs, hypnotiques, sur lesquels il est possible de broder, et donc d’improviser. Didier improvise d’ailleurs tout le temps. En fait, seul le bassiste respecte une ligne de conduite plus construite.
Didier est même assez proche du jazz moderne. Lorsqu’il a repris Gong à son compte, le style du groupe s’est fait plus jazzy, un peu comme Weather Report ou Chic Corea.
P. : c’est vrai, Didier est plus attiré par le jazz, mais il s’intéresse aussi à des trucs ethniques par exemple. Moi aussi, j’ai joué du jazz. Surtout du jazz d’ailleurs… Dans Gong, beaucoup de styles se côtoient. Les musiciens apportent leur propre coloration musicale : un peu de jazz, de rock, de trance, de hard… C’est à la fois la force et la faiblesse du groupe.
Steve Hillage, qui a joué avec Gong dans le temps, est aujourd’hui connu comme producteur. Pourquoi ne pas l’avoir rappelé ?
P. : il a pris une direction trop orientée vers la techno, la trance, etc. Je le considère comme un bon guitariste, mais j’avoue ne pas trop aimer ses bidouillages électroniques.
Daevid Allen : Steve Hillage ? Mais il fait de la merde aujourd’hui ! (Daevid frappe sur la table, puis s’assied dessus). Qu’on ne me parle plus de ce type !
Même pour son travail de producteur ?
D. : là, il est très bon. Mais comme guitariste, il est horrible ! Le pire qu’ait connu Gong. Seul Christian Vander (NDR : le drummer de Magma a un jour joué de la guitare pour Gong), était meilleur que moi…
Tu rentres parfois en Australie ?
D. : non, non ! Je ne peux plus y retourner. J’ai trop d’enfants là-bas. Sans blague…
Daevid, tu t’es fait très discret après la sortie de « Good morning », un album enregistré en 1976, en compagnie de l’ensemble espagnol Euterpe.
D. : après avoir publié ce disque, j’ai quitté Virgin. Je déteste ce label. Il a détruit ma carrière, parce que je n’entrais pas dans les plans de leurs combines. Un jour, à Londres, j’ai envahi les bureaux de Virgin pour protester contre leur acharnement à empêcher le public de se rendre à mes concerts… Par la suite, j’ai signé chez Charly Records. J’ai monté mon studio et commencé à répéter avec des guitaristes de flamenco. Ceux-ci m’ont permis de réaliser la fusion presque parfaite entre l’acoustique et l’électronique.
On a vu aussi cet album de New York Gong (« About time ») en 1980, enregistré, entre autres, avec Gary Windo, Fred Maher et Bill Laswell.
D. : oui, j’ai aussi enregistré, avec Chris Cutler et d’autres, l’album « Daevid Allen n’existe pas ». Un titre en français ! C’est plus ou moins à cette époque que j’ai arrêté de fumer, et exigé que plus personne ne fume pendant les séances d’enregistrement, pour que la musique soit la plus précise, la plus planante, la plus claire possible… J’ai toujours préféré la musique acoustique, plutôt femelle même, précise et sensuelle. Je n’aime pas le jazz rock. Tu sais la musique de mecs… (NDR : il pose en soliste de hard, puis entame la danse du scalp)
Vois-tu encore les anciens de Soft Machine : Robert Wyatt et Mike Ratledge ? Ou encore Kevin Ayers, avec lequel tu as tourné aux Etats-Unis, et qui, comme toi, vit aux Baléares.
D. : mais on ne se voit jamais (il réprime un rire franc). Sans doute Kevin ne sort-il que le matin. Et moi, je vis la nuit… Pour cette tournée aux Etats-Unis, quand il était sur scène, j’attendais mon tour dans les toilettes… On se croisait constamment. Sans jamais se voir.
Tes dessins délirants ornent une bonne partie des pochettes de ta discographie. Tu dessines toujours ?
D. : tout le temps, mais c’est juste pour le fun. Lors des concerts, les fans me présentent souvent les pochettes pour que je les signe. Et je dessine, pardon, je barbouille dessus. Oui, je fais de l’artwork… (NDR : je lui soumets celle d’« Angels Egg »). Il la jette par terre et, dans l’hilarité générale, bondit et feint de la piétiner)
Interview parue dans le n° 52 (avril 97) du magazine Mofo.
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