Edmund Kuepper nous surprendra toujours. Alors que depuis 1990, ce chanteur/compositeur/guitariste australien privilégie une muse semi-acoustique, quoique généreusement électrifiée ; pour enregistrer sont 21ème album, il a décidé d'enrichir la texture de ses chansons d'orchestrations et d'arrangements, en engageant toute une flopée de musiciens. Un tas de cuivres, comme à l'époque de Laughing Clowns. Un harmoniciste, plusieurs claviéristes, un violoniste, des bassistes, et nous en passons. Mais énorme surprise, il a décidé de faire appel à la technologie de pointe. En particulier aux samples et aux loops, en sus des boîtes à rythmes, du mellotron et du moog synthesizer. Et le résultat ne manque pas d'allure, même si les puristes lui reprocheront, sans doute, son infidélité à une certaine ligne de conduite minimaliste... Pourtant, en débarrassant la solution de toutes ces fioritures, on retrouve de remarquables mélodies trempées dans la nostalgie mélancolique, mélodies qu'il sculpte avec tellement de subtilité et une ineffable sensibilité, à l'aide de sa ‘douze cordes’. Pour ceux qui connaîtraient peu, mal ou pas du tout l'œuvre novatrice d'Ed Kuepper, nous ne leur conseillerons pas cet opus, mais plutôt des chefs d'œuvre tels que "Today wonder", "Honey steel's gold" ou "Black tichet day". Evidemment, si vous en êtes encore à patauger dans la marre des canards, à clamer "We are the champions", en pensant à Phil Collins, votre cas est totalement désespéré...
Des formations issues de la scène néo-zélandaise, il faut reconnaître que King Loser n'est certainement pas la plus accessible. Ni la plus optimiste! Au contraire. Ce qui ne veut pas dire qu'elle ne soit pas intéressante. Mais simplement sa musique nécessite un certain conditionnement pour être véritablement appréciée. En fait, tout comme Loop, King Loser explore à la fois la force sauvage du rock et la face la plus sombre du psychédélisme. Usant et abusant de la distorsion des guitares, un peu comme les Scientists. Eclaboussures d'électricité exacerbées par les voix spectrales de Chris Heazlewood et de Celia Mancini. Pourtant au fil de l'album, les traces de surf se font de plus en plus présentes, mais davantage dans l'esprit rampant de These Immortal Souls que dans celui, plus tribal, des Cramps...
Trois filles et un kid constituent le line up de cette formation issue du Sunderland. Leur credo ? Le punk pop adolescent, énergique, déchiré entre causticité et vulnérabilité. Un peu comme le défunt et mythique Go Go's le pratiquait à ses débuts. Encore que Kenickie semble plutôt avoir hérité du sens hymnique de Magnapop, voire de Tallulah Gosh. On ressent d'ailleurs, une profonde tristesse au fond de leur enthousiasme, une mélancolie intense et en même temps glamoureuse, que le quatuor cultive à travers un certain culte du Sweet. L'attitude. Le maquillage. Les fringues. Et même l'alcool. Musicalement, le groupe n'hésite cependant pas à faire appel à certains arrangements électroniques, apportant une coloration toute contemporaine à des compositions qui dépassent rarement les 3 minutes...
Troisième album pour Luna, dont les deux premiers sont incompréhensiblement passé inaperçus ; une situation invraisemblable pour un groupe dont le leader n'est autre que l'ex guitariste de Galaxie 500, Dean Wareham. Et lorsqu'on connaît la qualité de la discographie du mythique groupe défunt, on a de quoi se poser des questions. D'autant plus, que les autres membres du quartette ont également des références. Et notamment l'ex bassiste des Chills, Justin Harwood. Et puis Sean Eden, dont le jeu de guitare complète à merveille celui de Dean. Plus d'ancien membre des Feelies, cependant, puisque Stanley Demeski a cédé le relais aux drums à Lee Wall. Mais sans aucune conséquence pour le combo. Vous vous dites peut-être que ce n'est pas parce qu'on dispose d'excellents instrumentistes, que le résultat est acquis d'avance. Et vous avez tout à fait raison. Mais, il n'y fait certainement pas obstacle. Et c'est le cas ici. Venons en donc à " Pup tent ", un disque qui s'inscrit dans la lignée des deux précédents opus, " Lunapark. Bewitched " et " Penthouse ". Mais en plus soigné, en plus insidieux. La production de Pat Mc Carthy y est peut-être pour quelque chose, lui qui avait autrefois mis en forme des disques de REM et de Butthole Surfers...
Venons-en maintenant au contenu de ce morceau de plastique. Parfois mystérieusement atmosphérique, parfois intensément énergétique, mais le plus souvent délicieusement psychédélique. Le calme y est vécu aussi intensément que la tempête, la douceur acide aussi efficacement que la brume électrique. Et au sein de ce monde, où la grammaire pop est ponctuée d'accents expérimentaux, planent les spectres du Velvet Underground, de Syd Barrett, de Spiritualized et même de Robin Hitchcock ; le timbre vocal de Dave se révélant aussi indolent, gémissant et mélancolique que celui de l'ancien leader des Egyptians. N'empêche, c'est encore et toujours lorsque l'intensité " atteint son point de rupture que avons le mieux vibré. Et en particulier sur " City kitty ", " The creeps ", " Fuzzy wuzzy " et enfin sur " Ihop ", morceau qui aurait pu naître d'une jam hypothétique entre Hank B Marvin, Van Morrison et Lee Ranaldo...
Saint-Nicolas serait-il le berceau belge du trip hop? Après Hoover, voici une nouvelle formation de ce style musical fort en vogue pour l'instant: Lowpass. Issu du Limbourg, cet ensemble dispense, tout au long de ce " Fear of the flood ", une musique puissante, chaotique, énigmatique, à l'instar de Massive Attack et de Portishead. L'opus a été enregistré en compagnie de Tony Platt et Ian Caple, respectivement producteur et mixeur de... Tricky! Espérons qu'il leur ouvrira une brèche sur le marché continental du disque. En tous cas, c'est tout le mal qu'on leur souhaite!
En dix années d'existence, cette formation yankee (Connecticut), n'a commis que deux albums, " As good as dead " constituant, vous vous en doutez, son deuxième. Explications? Un line up qui s'est réduit au fil du temps, pour ne plus aujourd'hui se résumer qu'à un duo. Ce qui n'empêche pas Joe Daniels et Scott Lucas de s'être très bien adaptés à cette situation, le premier pilonnant ses drums, alors que le second se réservant toutes les parties de guitares, y compris la basse. Et n'imaginez surtout pas que cette formule ait poussé Local H à se contenter d'une musique minimaliste. On est même très loin du compte, puisque hormis l'un ou l'autre intermède acoustique, " As good as dead ", obéit à une ligne de conduite post grunge. Des compositions aussi énergiques, intenses et pulsantes que chez Foo Fighters, Smashing Pumpkins ou le Pearl Jam dans sa phase la plus sauvage. L'album recèle d'ailleurs un hommage à Eddie Vedder. Des guitares donc. Cinglantes, crépitantes, en perpétuelle effervescence, comme sur le remarquable final, " Manifest density pt.2 ". Sans oublier le spleen mélodique, très spécifique à ce style de musique. Idéal pour prendre un bon bain d'électricité!
Après avoir cumulé les disques de platine, les méga-hits, décroché des tas d'awards et squatté les premières pages des magazines yankees, Live est aujourd'hui entré dans la cours des grands. Un succès mondial qu'il doit incontestablement à ses interminables tournées, mais aussi et surtout au petit coup de pouce de Pearl Jam qui, il y a quelques années, lui avait ouvert une porte sur le marché international du disque. Quoi de neuf donc pour cette formation pennsylvanienne? Un nouvel opus enregistré en compagnie de Jay Healy. Album qui se place parfaitement dans la continuité de ses prédécesseurs. Du grunge-pop-rock américain pratiqué à l'instar d'un REM, d'un Pearl Jam ou encore d'un Bush. De la guitare en puissance. Du rythme. De l'émotion dans le timbre d'Ed Kowalczyk. Tous les ingrédients indispensables pour satisfaire les aficionados de ce style de musique...
On savait cet ensemble florentin capable de se frotter au métal avec beaucoup d'aisance. Aussi bien avec le mordant des Pixies que dans le plus pur esprit rock urbain d'un Steppenwolf voire d'Iron Butterfly. Mais nous n'imaginions pas que le groupe oserait mettre un pied dans la techno. Enfin U2 le fait bien, alors pourquoi pas Litfiba? C'est en tout cas le type d'expérimentation qu'a mené Litfiba tout au long de son dernier album. Pas au point de virer à la musique de danse synthétisée. Puisque l'électricité y est toujours bien présente. Mais surtout pour enrichir sa texture d'arrangements, tout en imprimant des grooves hypnotiques, texture heureusement toujours hymniquement taillée dans la Commedia dell’arte. Langue de Verdi oblige!
Pour reproduire le son du début des seventies, Lenny Kravitz avait choisi de n'utiliser que du matos d'époque, et en particulier de recourir aux célèbres amplis à lampes. Pour recréer le son des fifties et des sixties, les Lilys ont analysé le spectre harmonique des disques de l'époque, à l'aide d'un oscilloscope. Et comme les Lilys avouent une certaine admiration pour les Byrds, les Kinks, les Monkees, Big Star, et dans une mesure plus contemporaine, Pavement et My Bloody Valentine, vous aurez une petite idée du climat psyché pop au sein duquel baigne cet opus. D'autant plus, que les harmonies vocales sont aussi soignées que limpides. Superbe!
Après une carrière de producteur qui l'a amené, au cours des 80's, à mettre en forme les albums de groupes tels qu'Echo & The Bunnymen, Noir Désir ou Icicle Works, Ian Broudie est passé en 1989, de l'autre côté de la table de mixage. Sous un pseudonyme: The Lightning Seeds, il enregistre un premier et somptueux single: " Pure ". Huit ans plus tard, il en est à son quatrième opus. " Dizzy heights ". Une sorte de concentré de pop anglaise que nous pourrions synthétiquement situer entre celle des Pet Shop Boys et de New Order. 12 compositions à travers lesquelles s'enchaînent synthés, guitare-basse-batterie, quatuor à cordes et effets technologiques dispensés à dose homéopathique ; le tout moulé dans une production qui frise la perfection. C'est simple, c'est gai, mélodique. Bref, c'est excellent!
Light est un projet imaginé par un certain David Mercer, proche collaborateur d'Amp et copropriétaire d'un studio d'enregistrement qu'il partage avec un musicien de Flying Saucer Attack. Avec de telles références, il n'est pas difficile d'imaginer le style musical prôné tout au long de ce " Turning ". Atmosphérique, expérimental, il nous entraîne dans un univers sonique presque exclusivement constitué d'oscillations instrumentales. Le plus souvent mélodiques, quand même. Mais aussi noisy. Produites par une guitare, un clavier, un violon et des machines. Un univers qui n'autorise que de rares interventions vocales ; chuchotement blême, trouble, fragile, qui s'évanouit instinctivement dans l'intensité du son...
Changement radical de cap pour le quatuor new-yorkais, puisqu'après avoir partagé la mélancolie rêveuse et sinistre de Mazzy Star, pendant quatre albums, il a décidé de se mettre à la trip hop. Vous pensez à Portishead et à Massive Attack ? Vous n'avez pas tout à fait tort, même s'il y a lieu de nuancer cette première impression. D'autant plus que seuls le single " My star " et " Real feel " émargent au dub et à la house. Et puis, si Billy Coté n'arrache plus systématiquement son feedback incendiaire, démoniaque de sa guitare, il réserve quand même encore une place à l'électricité blanche, psychédélique. Notamment sur le superbe " Delight's pool ", qui nous rappelle même parfois la noisy brumeuse de My Bloody Valentine, voire de Lush. Et puis, sur " Scenes from starbright ", dont le sens mélodique semble avoir été emprunté à Veruca Salt. Mais en général, tout au long de ce " Tragic magic ", l'instrumentation est beaucoup plus équilibrée. Le piano ou le clavier plus présent, les percussions feutrées, insidieuses, et les accords de guitare diversifiés. Tantôt acoustiques, vaporeux, reverb et bien sûr slide. Un peu comme chez Cowboy Junkies. Reste la voix de Mary Lorson. Magnifique, languissante, lascive, envoûtante... en un mot, magique !
My life story est un groupe ambitieux. Il veut réconcilier la pop et le music hall en s'inspirant de Love et des bandes sonores de James Bond, en associant Scott Walker et les Pet Shop Boys, tout en cherchant à réaliser la fusion parfaite entre les styles de Divine Comedy, Pulp, Jack et de Marc Almond. Mais en plus, il s'est donné les moyens pour réaliser cet objectif. En s'entourant d'une bonne vingtaine de musiciens (cuivres et cordes en tout genre), pour enregistrer les douze compositions de ce " Golden mile ". Des chansons extravagantes, débordant d'arrangements somptueux, sur lesquelles viennent se greffer la voix de crooner de Jack Shillingford. Et le résultat est assez surprenant. Il ne fait aucun doute que ces mélodies kitsch et grandiloquentes, qui dessinent cet opéra burlesque, vont conquérir le cœur du public qui ne jure que par la pop orchestrale. Mais, d'un autre côté, cette démarche risque fort d'agacer les puristes du rock, qui estimeront, sans doute, que My Life Story vient de signer un pacte diabolique avec la musique de variétés...
Fin 95, nous avions découvert l'existence de cet ensemble néo-zélandais à travers " Nature ", un superbe album qui avouait de nombreuses affinités avec les Moffs, Church et autres Go-Betweens. Un groupe drivé par un certain Mc Glashan. Nous n'allons pas prétendre qu'il tire toutes les ficelles. M'enfin presque. Se réservant la guitare, la plupart des compositions et surtout le chant. C'est vrai qu'il a une superbe voix. Capable d'épouser tour à tour les inflexions de Michaël Stipe, de Michaël Been (The Call), de Denny Lane (Moody Blues) de Robert Wyatt ou d'Adrian Gurvitz (Counting Crows). Apportant une dimension émotionnelle à des chansons résolument pop. Produit par Hugh Jones, " Envy of angels " possède tout les atouts pour décrocher la timbale. Suffit qu'il puisse les abattre! Les atouts, bien sûr...
Nouvel album pour cet ex-quartet (aujourd'hui réduit à un trio) issu de Los Angeles. Ensemble de punk pop drivé par Kim Shattuck. Chanteuse et guitariste dont la voix nous fait inévitablement penser à celle de Courtney Love. Une voix rageuse, cassée, arrogante, envoûtante, profilée sur une texture où guitares crépitantes, basse ronflante et rythmique énergique se mélangent pour finalement enfanter de très jolies chansons, mélodieuses, à la croisée des chemins d'un Hole et d'un Weezer.
Il faut reconnaître que depuis 1991, date de la sortie de son premier album, " Lobotomizer ", cette formation norvégienne a fait d'énorme progrès. D'un mélange rudimentaire de formes musicales empruntées au passé, le groupe est parvenu, au fil des albums, à se forger un style remarquable, et surtout très personnel. Toujours influencé par la fin des sixties et la première moitié des seventies, il s'est cependant adapté à la technologie des nineties. Ce qui nous permet d'espérer un nouveau souffle pour la musique dite ‘progressive’, dont l'unique flamme, aurait pu s'éteindre, si Peter Hammill ne s'était pas chargé de la préserver; et ce depuis plus de vingt ans.
" Angels and daemon at play " propose onze morceaux dont l'intensité et la richesse sont assez étonnantes. A premier abord, on a l'impression de retrouver tantôt le krautrock de Can, voire d'Amon Düül, l'ambiant jazz de King Crimson circa Islands, la phase la plus jaunissante du Floyd (" Wish you were here ") ou même le grandiose de Magma. Tout un ensemble de références héritées du passé que l'on retrouve aussi bien dans les climats les plus planants, les plus atmosphériques, les plus intimistes que lorsque la texture prend de l'amplitude ou de la puissance. Mais sans jamais tomber dans le revivalisme. Un véritable tour de force réalisé par Motorpsycho qui parvient à digérer toutes ses influences pour les transformer en pop contemporaine. Tantôt à la manière de Clean, lorsque les chansons se font plus claires, plus mélodiques, tantôt de Wire, lorsqu'elles sont filtrées dans le psychédélisme post industriel. Ou alors et plus fréquemment encore, de Sonic Youth, parce que les sonorités torturées, acides, stridulantes des cordes de guitare décapent littéralement le son...
La tête à moteur a retrouvé la formule sacrée du trio, puisque aujourd'hui, seuls restent aux côtés du chanteur/bassiste et leader Ian Lemmy Killminster, le guitariste Campbell ainsi que le drummer Mikkey Dee. Le dernier album de Motörhead, n'a pas la prétention de rechercher l'innovation. Il y a bien quelques bribes de guitare acoustique et un morceau presque dansant, mais fondamentalement il dispense le même hard rock, sans compromis, limité aux trois accords de base... M'enfin, pourvu que la machine à riffs soit bien huilée et que le volume sonore soit poussé au maximum, c'est tout ce que les aficionados du groupe souhaitent...
Neuvième album pour Morrissey, ex-leader du mythique et défunt Smiths, dont les membres se sont séparés voici déjà dix ans. Un disque d'honnête facture, qui comblera, cependant, les inconditionnels de Mozz. Enfin, de son timbre vocal... Pour le reste, l'artiste n'a pris aucun risque, se contentant de ciseler, mais à la perfection, à l'instar du single " Alma matters ", toutes les caractéristiques mélodiques de sa pop mélancolique. Onze pop songs contagieuses, découpées dans des cordes de guitares tendres, chatoyantes, chansons élégantes, caressées de rythmes feutrés et enrichies d'arrangements somptueux. Morrissey y exorcise de sa voix, à l'aide de lyrics profonds, mais souvent ambigus, durant un peu moins de 45 minutes, tout son mal de vivre, sa solitude, sa tristesse... Dommage que l'opus manque cruellement d'agressivité. Une agressivité qui avait rendu son précédent opus, si attachant.
Saint Etienne, Geneva, Monaco ; visiblement, les villes européennes inspirent les combos britanniques. Mais venons en à la nouvelle formation de l'ex bassiste de Joy Division et de New Order , Peter Hook. Bien sûr, l'ombre de ces deux ensembles mythiques plane plus que jamais sur " Music for pleasure ", premier album de Monaco. Et pas seulement à cause de la digitalisation des compositions ou parce que le timbre vocal de David Potts glisse, à l'instar de Bernard Summer, anonymement, introspectivement sur le glacis mélodique des compositions. Mais surtout parce que Peter Hook pille son propre passé. Celui de " Low life ", de " Technique ", et même de " Brotherhood ". Encore, que " Junk " lorgne plutôt vers la house d'Electronics, " Sweet lips " vers le disco des night clubs (NDR : tiens, ce n'est pas de la techno qu'on y dispense ?) et, exception qui confirme la règle, " Buzzgum " la britpop des Charlatans, voire d'Oasis...
Si à l'origine, cet ensemble glaswegien avait un net penchant pour la musique underground US. Celle de Sonic Youth et de Slint, en particulier, il faut reconnaître que leur nouvel album a pris une toute nouvelle orientation. Plus extatique, à l'instar de Labradford, plus psychédélique dans l'esprit de Spacemen 3 et surtout plus noisy. Dans la lignée de My Bloody Valentine. Encore, que parfois, lorsque l'électricité devient franchement luxuriante, c'est plutôt du côté du prog rock de King Crimson circa " Lark's tongues in aspic ", que nous lorgnons. Peu de vocaux sur leurs compositions, à la limite quelques chuchotements, Mogwai privilégiant les longues périodes atmosphériques, paysages sonores au sein desquels les envolées de guitare immaculées de Stuart Braithwite déversent tantôt tout leur spleen, tantôt toute leur fureur; en résumé, toutes leurs émotions...
Wim Mertens n'est pas n'importe qui. En effet, puisqu'après avoir obtenu une licence en science politique à l'UCL, il s'adonne à l'étude de la musicologie et publie en 1980 son premier ouvrage sur la musique répétitive américaine. Ce n'est qu'un an plus tard qu'il se tourne vers sa principale passion. Seul ou avec son premier groupe: Soft Verdict. 16 ans plus tard, Wim est toujours là, fidèle à son style. La musique est peut-être plus enrobée, plus maximaliste, mais le piano occupe toujours la place centrale de son œuvre. Oscillant entre le classique et l'électronique, les chansons sont sans textes, mais parfois Wim y ajoute des vocaux dénués de toute signification. Un peu comme Enya ou Enigma. Mais uniquement du point de vue textuel, pas musical! Paradoxal pour cet intellectuel qui a certainement beaucoup à dire et qui se hâte de répliquer qu'aucun texte n'est plus expressif qu'une mélodie. Et sa réponse trouve dans ce " Jardin clos ", encore toute sa pertinence...
Les Melvins nous gratifient, de temps à autre, d'un album expérimental; comme cet " Honky ", que nous pourrions même qualifier d'étrange. On y retrouve bien sûr encore quelques traces de métal, et en particulier de grunge, traces héritées de leur admiration sans borne pour le premier elpee de Black Sabbath; mais en général, le trio explore ici, à l'instar de Swans, une sorte de no wave teintée de psychédélisme morbide. En plus cosmique, en plus viscéral, mais aussi en plus sinistre. Ce qui vous donne un petit aperçu de l'ambiance qui règne tout au long de l'opus; surtout lorsqu'on connaît le côté joyeux des compositions du duo Gira/Jarboe. L'ex-Babes In Toyland, Katherine Bjelland, est venue donner un petit coup de main, ou plus exactement de la voix. Sur " They all must be slaughtered ". Un titre sur lequel, son gémissement perçant associé au grognement de King Buzzo, entretient parfaitement le climat général du disque...
Après avoir participé à la confection des trois " Anthology " consacrées aux Beatles, McCartney a subitement éprouvé le désir d'enregistrer un nouvel album. En solo, bien sûr. Encore, qu'il se soit entouré, comme à son habitude, d'une pléiade de collaborateurs. Jeff Lynne, tout d'abord. Faut dire que le travail réalisé par l'ex Move, ex ELO, sur la trilogie testamentaire des quatre de Liverpool, avait impressionné Paul. Quoi de plus naturel, donc, de retrouver Jeff à la coproduction de ce " Flaming pie ". Mais en outre, il apporte son expérience à la guitare sur plusieurs titres, tout en participant aux backing vocaux. Dans ces conditions, comment voulez-vous que cet opus ne soit pas hyper-léché, fignolé, mis en forme avec une précision d'orfèvre? Pourtant, seul le morceau maître laisse transparaître la griffe d'Electric Light Orchestra. Sans grande utilité, d'ailleurs, puisqu'il s'agit d'une des compositions les plus faibles de l'elpee. Avec " Heaven on a Sunday ", tellement fade, qu'elle aurait pu servir de plate forme a un nouveau et hypothétique duo entre McCartney et Michaël Jackson. Dommage que ce soit cette chanson qui ait été choisie pour introduire le fiston. D'autant plus que par la suite, il n'a plus jamais droit au chapitre. " Young boy " est tout aussi dispensable, et ce nonobstant la présence de Steve Miller à la guitare. En fait, on a l'impression d'avoir déjà entendu cet air quelque part. Chez les Wings, probablement. Il est vrai que la plupart des chansons des Wings se ressemblent beaucoup... Un Steve qui se rattrape quand même sur deux autres fragments. Tout en tentant de nous refaire le coup de " Rock'n me ". C'est évident sur " Used to be bad ", alors que pour " If you wanna ", il aurait bien piqué quelques riffs au célèbre " Gloria " du Them... Ringo Starr est également de la partie. Aux drums, bien sûr, pas pour jouer du cinéma. Encore que sur le très vivifiant " Really love you ", on n’est pas tellement loin d'un pastiche des Rolling Stones, et que sur " Beautiful night ", slow aussi majestueux que " The long and widing road ", à la limite " philspectorien ", avec orchestrations, chœurs et tout le Saint Tremblement, le final tourne à la franche rigolade... Il faut d'ailleurs croire que Paul a le blues des seventies, puisque " The world tonight " embrasse une pop/rock FM, étreinte tant de fois par un certain Robert Palmer. Beaucoup mieux, " Souvenir ", ballade bringuebalante, traversée d'éclats de guitares cinglants, incisifs, dans l'esprit de " Oh darling " ou de " Here comes the sun ". Mais le meilleur nous vient lorsque Paul fait le vide autour de lui. Sur " The song we were singing ", petite chanson pop, sans grande prétention, mais bigrement bien ficelée, au cours de laquelle il raconte ses souvenirs (NDR: encore!) d'enfance. " Calico skies ", qui aurait pu trouver place sur le double blanc aux côtés de " Blackbird " ou de " Piggies ". " Little willow ", une berceuse poétique empreinte de tristesse mais aussi d'espoir... Enfin, " Someday ". Une perle. Probablement ce que Paul McCartney a écrit de mieux depuis bien longtemps. Il s'est quand même entouré d'une section de cordes, comme à la belle époque d' " Eleanor Rigby ". Chante. Joue de la guitare sèche, traditionnelle, mais également espagnole, en " picking ". Et nous gratifie d'une mélodie comme seuls les Beatles étaient capables d'enfanter. Avec une charge émotionnelle qui vous transperce littéralement l'âme. Imaginez Lennon en contre-voix, et c'était Byzance. Enfin, sans lui c'est déjà impressionnant. Mais rien à faire, c'est à John que nous pensons en écoutant cette chanson. D'ailleurs, si elle sort en single, elle risque de faire un malheur dans les charts...
Soyons honnêtes, nous n'avons jamais été de fervents admirateurs de Marillion. Loin s'en faut! Pas besoin d'entretenir la polémique non plus, les fanatiques s'en chargeront (NDR: heureusement ils sont moins nombreux que ceux de U2...). M'enfin cette prise de position mérite quelques explications. D'autant plus que les membres de Marillion sont d'excellents musiciens. Malheureusement, après neuf albums, ils n'ont toujours pas compris que nous n'étions plus en 1975 et que le rock avait évolué. Pire, après avoir vécu dans le souvenir de Genesis, la formation s'est progressivement (!) mise à exhumer le passé de Kansas, lorsque ce n'est pas celui de Supertramp. Sensation qui est encore plus flagrante avec ce " This strange engine ". Et ce n'est pas parce que des formations telles que Motorpsycho, Ozric Tentacles ou même Spiritualized Electric Mainline sont parvenues à rendre des lettres de noblesse à la musique progressive, qu'il faut à nouveau retomber dans les travers de la période la plus décadente du rock'n roll. Sinon, à quoi aurait alors servi le punk? Peter Hammill l'avait d'ailleurs bien compris, lui qui est parvenu à préserver l'unique flamme de ce style qui avait tellement marqué de son empreinte la fin des sixties et la première moitié des seventies. Et si vous ne nous croyez pas, allez plutôt rechercher vos vieux vinyles, les trois ou quatre premiers le plus souvent, de Yes, King Crimson, Jethro Tull, Vandergraaf Generator, Gentle Giant, Caravan, Gong, Magma et consorts. Marillion vous paraîtra dès lors bien fade...
A force d'entendre parler de ce groupe et surtout de s'extasier à l'écoute de ses singles, nous commencions à nous demander si la presse britannique n'était pas encore occupée de monter un hype. Il n'en est heureusement rien, puisque le premier album de Mansun est à la hauteur de toutes nos espérances. Et pourtant, à contrario de toutes les formations de britpop, cet opus nécessite plusieurs écoutes avant de véritablement séduire. Ne revenons pas sur les hits " Egg shaped Fred ", " Take it easy chicken ", " Stripped vicar ", et surtout le remarquable " Wide open space ", mais penchons nous sur les sept autres fragments qui font la part belle au glam le plus scintillant. Pensez à Suede et à Verve (dont une composition a inspiré le nom du groupe), pour la richesse des orchestrations. A TRex et Cockney Rebel, pour les glorieuses références du passé. A Roxy Music aussi, mais à cause des chœurs féminins. A Tears for Fears, pour le timbre vocal de Paul Draper, dont le falsetto est tellement proche de Roland Orzabal. Enfin, dans une moindre mesure, mais parce qu'ils ont certainement eu une influence sur le groupe, à Japan, Gene, Gene Loves Jezebel et Marc Almond. Pour ne rien vous cacher, sachez que le combo fait aussi bien appel à l'instrumentation pop-rock conventionnelle qu'aux instruments nés de la technologie moderne. Et si vous n'êtes pas encore parvenus à vous faire une idée précise du style pratiqué par Mansun, n'ayez crainte, au fil des écoutes, vous risquez de faire d'autres découvertes. Mais un bon conseil, poussez le volume, sans quoi, vous risquez de perdre un des multiples détails qui font de cet album un véritable must!...
Non, " Be here now " n'est pas le meilleur elpee d'Oasis. Mais, comme le souligne si bien la presse insulaire, c'est un foutu bon album. Avec ses forces et ses faiblesses. Ce qui explique pourquoi, à notre humble avis, cet opus a peu de chances de figurer parmi les dix meilleurs de l'année. Une situation qui ne devrait cependant pas compromettre la vente de ce morceau de plastique, et surtout empêcher la formation de Manchester de trôner au faîte des charts pendant plusieurs semaines, voire plusieurs mois. De décrocher une belle panoplie de disques de platine, à travers le monde (NDR : à leur échelle, l'or n'est plus que subsidiaire). Plus prosaïquement de se faire un maximum de fric (NDR : les frères Gallagher n'ont jamais caché leurs ambitions : devenir riches et célèbres !) Enfin, et heureusement, de combler leurs fidèles et nombreux aficionados...
Mais entrons dans le vif du sujet. Troisième album, " Be here now " a été enregistré à Londres dans les célèbres studios Abbey Road. Dans ces conditions, comment voulez-vous que l'ombre des Beatles ne plane pas sur cette œuvre ? Auparavant, ces références étaient encore relativement occultées. Ici, elles sont flagrantes. Vous avez, sans doute, déjà eu le loisir d'entendre, mieux d'écouter, le single, " D'you know what I mean ? ". Avec en intro la reproduction du décollage d'un avion, entrecoupé, comme sur le déjà classique " Planet Claire " des B52's, de signaux T.S.F. ; il épouse un profil mélodique fort proche de celui des Stones circa " Gimme shelter ". Mais sans jamais parvenir à en restituer la fascination maléfique. Faut dire qu'en y apportant un feedback réminiscent des Beatles, et d' " I feel fine " en particulier... " Magic pie " aurait pu devenir une très belle chanson, si elle n'avait pas été écrasée par une surproduction, franchement déprimante. Même qu'Oasis aurait pu se dispenser d'en rajouter une couche, en pastichant la cacophonie consommée sur le final de " Good morning good morning "... Encore heureux que les arrangements destinés à enrichir la texture des autres compositions ne soient pas aussi surchargés. On est d'ailleurs totalement rassurés à l'écoute du futur single, " Stand by me ", chanson sentimentale, facilement mémorisable, raffinée par une section de cordes digne d'ELO. Une impression qui s'amplifie au fil des neuf minutes de l'hymne " All around the world ". Pour finalement prendre une ampleur plus somptueuse, plus " philspectorienne " (NDR : Phil Spector était le célèbre producteur qui avait notamment remodelé " Let it be "). Et c'est encore plus manifeste sur " Don't go away " ! Si " I hope, I think, I know " éprouve quelques difficultés à s'extraire de ses clichés et que le lymphatique, légèrement countryfié " The girl in the dirty shirt " passe totalement inaperçu, la suite vaut son pesant de platine (NDR : non, non, pas d'or !). " Fade in out ", par exemple. Tantôt sculptée dans les sonorités semi acoustiques (Fleetwood Mac sous son profil " Albatross " ?), tantôt floydiennes (Meddle ? Dark side of the moon ?), cette superbe composition nous plonge dans un monde étrangement caustique. Tout aussi excellent, le titre maître. Très carré, affrontant avec un réel bonheur le rock pur et dur des seventies, et en particulier celui des Small Faces. Mais notre coup de cœur va aux deux fragments qui dispensent une intensité blanche digne de " Definitely maybe ". Intensité nitroglycérinée par des cordes de guitares vivifiantes, féroces, pétillantes. Sur " It 's getting better ". Et surtout chez " My big mouth ". Traduisez : ma grande gueule. Liam le proclame avec malice! Et le reconnaît avec humour. Encore que lorsqu'on connaît les altercations incessantes qui éclatent entre les deux frangins, cette réflexion aurait tout aussi bien pu concerner Noël...
Evidemment, toutes les considérations émises à l'égard des compositions de ce disque sont à placer sur un même dénominateur commun : la britpop. Propre à Oasis. Hyper mélodique. Unique en son genre, parfois linéaire, mais à la simplicité désarmante...
Noir Désir est assurément devenu une des valeurs les plus sûres de la scène pop/rock hexagonale. Surtout depuis la sortie de " Tostaky ", il y a maintenant 4 ans. Un disque qui les a véritablement propulsés hors de leurs frontières, les plaçant sur orbite planétaire et entraînant une tournée historique, à guichets fermés, immortalisée par le double live " Dies Irae ". Après un break de quelques mois, juste le temps de faire le point, la formation girondine nous propose déjà son troisième album. " 666.667 Club ". Un opus brillant. A l'image du simple " Un jour en France ". Qui s'appuie sur des textes recherchés, profonds, que chacun peut interpréter à sa façon. Des lyrics qui traitent, souvent entre les lignes, des thèmes de la mort, de l'injustice, de l'amour, de la politique et notamment du danger que constitue l'extrême droite... le tout teinté d'une sensibilité musicale puissante, fort proche de l'album précédent ; car si guitares, basse et batterie se taillent la part du lion, l'expression sonore est enrichie tantôt d'un piano, d'un l'harmonica ou de cuivres. En un mot, splendide!
Il y a des lustres que nous n'avions plus contemplé de pochette aussi somptueuse. Si nos souvenirs sont exacts, c'était lors de la sortie en compact disc de l'œuvre d'Hawkwind. Vous voyez donc le topo! Pochette cartonnée faite d'une mosaïque de plans tentaculaires... Venons en quand même à l'album d'Octopus, un disque de britpop éclectique. Dont les compositions originellement électroniques, sont reproduites à l'aide d'une instrumentation conventionnelle. Une conception avant-gardiste qui lui a valu le titre de peintre de la nouvelle renaissance du pop, peintre capable de charger sa palette de couleurs musicales qui oscillent de Dexy's Midnight Runers à Funkadelic en passant par Kraftwerk, les Vapors, les Beach Boys, Bowie, les Beatles, Burt Bacharach, George Clinton, Throbbing Gristle, et Lightning Seeds. Tout ceci dans un esprit pop qui n'est pas sans rappeler les Kinks. Tout un programme!
Ne vous fiez pas aux apparences. " Ixnay on the hombre " n'est pas le deuxième mais déjà le quatrième LP de ce quartet californien. Deux opus passés inaperçus ont en effet précédé le fameux " Smash " vendu à des millions d'exemplaires. Un succès qu'ils n'ont certainement pas bâti sur la qualité de leurs prestations scéniques. Leur set accordé au Pukkelpop de Hasselt l'an dernier et celui accordé à Torhout, il y a deux ans ne nous a d'ailleurs pas laissé un souvenir impérissable. Nous avons ainsi accueilli ce nouvel album avec une certaine appréhension, et d'inévitables préjugés. Qu'en est-il réellement? Offspring pratique toujours un punk-rock-hardcore-trash-grunge écorché par un vocal aigu, à la limite de l'agaçant. Il y a encore cette impression de 33 tours passé à la vitesse du 45. Deux fragments sortent quand même du lot: " The meaning of life " et " Gone away " Deux titres qui paraîtront certainement, tout prochainement, sous la forme de singles. Dommage que le reste ne soit pas de la même veine!
Bien que fondé depuis 1989, ce quintette yankee compte, à ce jour, une foultitude de maxis et surtout cinq albums à son actif. Son cinquième, " Brighten the corners ", a été enregistré en Caroline du Nord, sous la houlette de Mitch Easter. Au " Piedmond triad ". C'est à dire dans le même studio où REM a concocté ses deux derniers opus... Pavement, c'est avant tout Stephen Malkmus et Scott " Spiral Stairs " Kannberg. Deux personnages responsables de l'essentiel des compositions. Textes et musique. Dont le lyrisme ésotérique autant qu'humoristique parvient à se fondre dans l'intelligence rampante des chansons volontairement déstructurées. En gravant cet opus, ces lords de la lo-fi, ces sultans de la flemme viennent encore de confirmer leur statut de groupe imprévisible. Que les mauvaises langues taxeront de chaînon manquant entre The Fall et les Pixies... quoique, à notre humble avis, cette métaphore ne soit Pavement négative...
Formé en 1982, le trio glaswegien reconnaissait, à l'origine, pour références majeures, TV Personalities, les Membranes et surtout le Velvet Underground. Au fil du temps, la formation a digéré ses influences pour devenir elle même prophète effacé de la vague noisy. Celle des Jesus & Mary Chain, Primal Scream, Vaselines, My Bloody Valentine et consorts. Aujourd'hui, les Pastels continuent de militer au sein de la zone crépusculaire de l'underground. En tournant le dos au temps et aux modes. Préférant cultiver une imagerie de la nostalgie, à l'aide d'une musique rafraîchissante, minimaliste, réduite à des accords de guitare fragiles, acidulés, des accès de basse sinusoïdaux et des drums ouatés, texture fantomatique au sein de laquelle se promène le vocal négligemment fendillé de Stephen. Une musique dont l'intensité émotionnelle permet au combo d'évoluer loin des couleurs criardes des succès aussi tapageurs qu'éphémères...
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