En me rendant à ce concert, mon objectif était double. D’abord, compenser une grave lacune : celle de ne jamais avoir mis les pieds à l’Eden à Charleroi. Cette salle est capable d’accueillir 750 personnes, en configuration debout, lorsque les gradins sont accessibles. Mais ce soir, le groupe a demandé de se produire en formule ‘club’. La capacité est donc réduite à 312 places assises. Ce qui confère aux lieux une ambiance intimiste tout en favorisant la communion (?!?!?!) entre le band et le public. Ensuite, c’était l’occasion de revoir Wovenhand sous une autre formule ; le concert accordé en compagnie des Muzsikas, en 2010, ne m’ayant guère convaincu. Enfin, le moment était idéal, puisque le nouvel opus de la formation étasunienne, « The laughing stalk », bien que plus musclé, tient parfaitement la route…
La prestation s’ouvre par la plage finale de cet elpee, le très bruitiste « Glistening black ». Faut dire que l’opus est nettement plus rock que folk. Appuyés, les riffs de guitare évoluent même à la limite du punk. Le départ de Pascal Humbert a été compensé par l’arrivée de deux jeunes musicos chevelus et tatoués. Un guitariste et un bassiste. Ce dernier a la tête enserrée par un superbe bandana rouge. Il ressemble à un Apache (Cochise ? Geronimo ?). Des nouveaux collaborateurs qui apportent inévitablement du sang neuf à l’expression sonore. Et ce changement est aussi perceptible sur scène : David Eugene Edwards (DEE) ne reste plus vissé sur sa chaise, mais se produit bel et bien debout. Un détail qui a toute son importance. Car cette situation communique davantage d’énergie au show. Pas moins de cinq titres du dernier album s’enchaînent sans temps mort (NDR : dont « Closer » et « Long horn »). Avant que « Sinking hands » et un peu plus tard « Speaking hands » ne contentent les fans de la première heure. L’ambiance au sein de l’auditoire demeure paradoxalement paisible. Ce qui n’est pas plus mal. Pas de chahut intempestif. Pas de lourdaud qui vous cache la vue en filmant la scène à l’aide de son gsm ou de groupie adolescente gesticulant aux premiers rangs. Fin de cette première partie de spectacle, Wovenhand nous réserve le point d’orgue du spectacle : un « Holy measure » de toute beauté. On est comme transporté au cœur des montagnes Appalaches. Et tout au long de l’intermède précédant le rappel, des percussions indiennes (NDR : comme avant le début du concert d’ailleurs) prolongent cette vision de cette région de l’Amérique profonde, autrefois peuplée de Creeks, Cherokees et Iroquois. Ces rythmes tribaux finissent par envoûter une partie des spectateurs dont certains commencent à se lever. Avant que DEE et sa bande ne reviennent pour interpréter deux titres. Dont en finale, un « As wool » particulièrement puissant. A l’instar des compos figurant sur leur dernier long playing, faut-il le rappeler…
En tournée pour l’instant, Wovenhand a un agenda particulièrement chargé. Pour la Belgique, il s’agit déjà du cinquième concert accordé dont quatre au Nord du pays. Un privilège lorsqu’on sait que cette date était intercalée entre les deux seules prévues pour la France, soit à Paris et Rouen. Et DEE sera également de retour chez nous, le 29/10 au Vooruit de Gand, en compagnie du groupe mythique australien Crime and the City Solution.
L’Eden de Charleroi accueillera ce 9 novembre Stupeflip (NDR : des provocateurs en puissance !) et Reptile Youth ce 8 décembre. La formation danoise que l’on compare déjà aux explosifs Friendly Fires se produira cependant dans la brasserie, local d’une capacité de 250 places.
(Orgnisation : CC de Charleroi – Eden)
Programme complet sur : www.pba-eden.be
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On attendait impatiemment le retour de Dan Deacon en Belgique, ce doux-dingue qui avait littéralement retourné le Botanique le 7 juin. Il se produisait donc ce lundi 24 septembre, à même adresse, mais au sein de la Rotonde. En brisant les codes scéniques en vigueur, l’Etasunien était parvenu à réaliser une communion parfaite avec le public. Pas étonnant dès lors que la salle soit comble afin de pouvoir assister ou plus exactement vivre une performance qui ‘deacone’ bien. D’autant plus que son nouvel album, « America », paru voici quelques semaines, est propice à la transposition en ‘live’…
Avant d’entrer dans le vif du sujet, place à Deep Time. Le duo monte sur l’estrade à 20 heures tapantes. Autrefois, le couple répondait au patronyme de Yellow Fever. Jennifer Moore (chant, guitare, synthé) et Adam Jones (batterie) viennent de publier un elpee éponyme, proposant une pop minimaliste plutôt sympathique. Malgré ce potentiel, tout au long des 30 minutes de leur set, la chanteuse ne parviendra jamais à se lâcher. En outre, elle va commettre quelques erreurs ; maladresses qui finiront par mettre son partenaire de très mauvaise humeur. Dommage, car intrinsèquement les morceaux tiennent la route ; mais dans ce contexte difficile de créer une quelconque interaction… Dommage !
21 heures approche. La tension est palpable au sein de la Rotonde pleine à craquer. Manifestement, le public est déjà acquis à la cause de l’artiste, avant qu’il ne fasse son apparition. Sur ce podium, deux batteries se font face et un crâne y est planté au beau milieu. Des spots multicolores surplombent une table sur laquelle est disposé un matos, ma foi insolite. Enfin, le crâne s’illumine. Suivant sa bonne habitude, Dan Deacon se place dans le public, devant sa table. Dès cet instant, le natif d’Austin (NDR : il réside aujourd’hui à Baltimore) entre en symbiose avec son public. Un public dont la majorité va entrer dans une forme de transe, dont il ne sortira que 90 minutes plus tard.
Ce gourou à l’allure de nounours a un don inné pour faire participer les spectateurs à son show. Il commence par rendre un hommage à Lenny Kravitz. L’auditoire fixe du doigt la boule à facette placée au plafond. Suivant les consignes du maître de cérémonie, tout le monde se baisse pour se relever à la fin d’un décompte. C’est alors que retentissent les premières boucles électroniques, des boucles soutenues par les interventions alertes des deux drummers. Un régime frisant la frénésie qui va conduire logiquement les deux musicos, au bord de l’épuisement, à la fin du show. Excités, les jeunes bondissent ou frappent des pieds sur le sol. La Rotonde tremble. Le répertoire de Deacon réunit titres de son nouvel opus et du précédent, « Bromst ». Mais la foule n’en a cure ; c’est l’ambiance qui prime. Jamais, je n’avais vu autant de folie dans une salle de concert. Le clou du spectacle ? Une farandole géante organisée par Dan. Un tunnel géant humain va même se former jusqu’à l’extérieur de la salle. Et dans la bonne humeur. Autres moments forts : les slams. Tant les garçons que les filles y participent. Ils se déclenchent de gauche à droite et de haut en bas de la scène ! A 22h30, le show s’achève. Acclamations unanimes pour Dan Deacon. Les spectateurs qui l’entourent le prennent dans les bras, l’invitent à signer des t-shirt, des drapeaux, etc.
Les planches de la Rotonde se rappelleront longtemps du passage de ce gourou. Dan Deacon y a immortalisé un concert qui, plus qu’à voir, est à vivre. Et les spectateurs présents ce soir ne sont pas près d’oublier ces moments privilégiés…
(Organisation Botanique)
En mai dernier, Electric Guest se produisait dans le cadre des Nuits Botanique. Un set remarqué, même s’il ne s’agissait pas de son premier passage en Belgique. Et le duo qui n’en est pas un (NDR : Rejoints par les frères Todd et Tory Dahlhoff, en 2011, Asa Taccone et Matthew Compton sont les membres fondateurs du combo) revenait une nouvelle fois sur la terre de leurs premières amours. Un exercice de style censé rendre le sourire à un public découragé par une météo déprimante.
Arrivé en trombe sur le site du Botanique sur le coup de 20h35, je manque de peu le dernier morceau proposé par le supporting act. Pas grave, si j’en crois les commentaires recueillis auprès des nombreux spectateurs entassés au bar ; leur prestation n’a guère convaincu ces assoiffés qui ont préféré dépenser moult kopecks en nectar mousseux, en attendant le moment fatidique. Soit 21 heures.
Enfin, l’attraction de la soirée monte sur les planches ; j’ai cité : Electic Guest. ‘Fuck yeah Brussels, we are Electric Guest’. Les présentations sont faites. Les choses sérieuses peuvent débuter. « Waves » déferle dans la salle et communique les premiers frissons à une assemblée à moitié dans les bras de Morphée. Musicalement c’est au point. Mais il y a quelque chose qui cloche, d’anormal dans la voix d’Asa Taccone. Il n’ose pas monter dans les aigus, pourtant spécialité du chef. L’explication viendra quelques morceaux plus tard. Le jeune Etasunien est malade. Il carbure au thé depuis la matinée afin de soigner sa gorge enrouée. Les morceaux déferlent. Ils sont bien construits, entraînants et conformes à l’album. Et pourtant, un goût de trop peu reste en bouche. Il manque ce petit plus susceptible de graver ce spectacle dans les mémoires. Malgré une excellente interprétation du tout aussi excellent morceau « This head I hold » et un inédit seulement interprété deux fois auparavant, le set ne décollera jamais. Il restera agréable, sans plus.
Au final, quoique sympathique, il nous a laissé sur notre faim. La faute à une voix cassée, un auditoire sous morphine et à un manque de répertoire. Onze titres en tout, c’est peu quand on doit tenir en haleine une salle pendant une heure.
(Organisation Botanique)
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Après avoir assisté au fantastique set de Calexico, flanqué de l’orchestre mexicain Mariachi Luz de Luna, dans le cadre du festival Pukkelpop, en 2000, puis vécu celui –remarquable également– accordé lors du Cactus (?!?!?) de Bruges, en 2009, je ne pouvais manquer celui de l’AB, prévu ce 19 septembre 2012. D’autant plus que la formation vient de publier un nouvel album il y a quelques jours. Intitulé « Algiers », il a été enregistré à la Nouvelle-Orléans. De quoi escompter une fusion de styles originale…
Ce soir, l’Ancienne Belgique est archicomble. Il revenait à Laura Gibson d’ouvrir la soirée. Originaire de Portland, cette artiste est rarement inspirée pour se fringuer. Pas trop gâtée par la nature, plutôt timide et chaussée de lunettes d’institutrice, cette grande bringue (NDR : elle a intitulé son dernier album « La Grande », le nom d’un patelin sis dans l’Oregon), possède cependant une superbe voix. Angélique et rafraîchissante. Talentueuse, elle s’accompagne à la sèche (parfois aussi aux claviers) et bénéficie du concours d’un claviériste/trompettiste, d’un drummer (sis à l’extrême droite du podium), d’un guitariste (parfois préposé à la steel) et d’un contrebassiste. Et la musique trempe dans une forme de folk/jazz particulièrement élégante. Une demi-heure de set qui mériterait un prolongement ultérieur… mais bon, comme votre serviteur a débarqué à 20h15, il en a savouré un bon quart d’heure ; dans ces conditions, difficile d’en raconter davantage…
A 21h00, la bande à John Convertino et Joey Burns montent sur les planches. Joey se réserve une ‘six cordes’ (le plus souvent acoustique) et le chant. John les drums. Arborant de superbes rouflaquettes, Jairo Zavala remplace Paul Niehaus, à la guitare solo et à la steel. Jacob Valenzuela se charge de la trompette, du vibraphone et des claviers. Martin Venk, l’autre trompette. Chris Giambelluca, la basse. Et Sergio Mendoza, l’accordéon, les synthés et surtout le piano. Ses interventions caribéennes aux ivoires, font d’ailleurs absolument merveille. Je m’attendais donc à un concert aussi déjanté que ceux auxquels j’avais pu assister. Mais en début de parcours, la musique épouse une forme plus conventionnelle, à la limite de la pop. Dans un style ténébreux et atmosphérique, néanmoins. Pas une entrée en matière très excitante. D’autant plus que les anciennes compos proposées sont toutes aussi paisibles. Heureusement, la suite va s’élever progressivement en intensité. Dès le ‘sergioleonesque’ « Roka », chanté tour à tour en espagnol et en anglais, les maracas et le vibraphone annoncent la couleur. « Para » se cuivre davantage et monte en crescendo. Enfin, tout en adoptant un rythme de valse, « Dead Moon » conjugue trois guitares dont une en vibrato. La musique baigne alors enfin dans un climat latino, pour le plus grand bonheur des aficionados. Vivifiant, « El picador » est superbement cuivré et incite les spectateurs à réagir. Des cuivres bien ‘Tijuana’ et qui vont colorer de plus en plus l’expression sonore, sans jamais l’étouffer. Jacob Valenzuela chante et enchante de sa trompette extatique le paso doble « No te vayas », un extrait du nouvel elpee. Pour attaquer la cover du « Alone again or » de Love, Chris a décidé de troquer définitivement sa contrebasse contre une basse, un morceau au cours duquel quatre des musicos participent aux vocaux. C’est à peu près à partir de ce moment que l’auditoire commence à participer de plus en plus activement au show, en frappant notamment dans les mains. Plus tex mex, « Corona » est enrichi par l’accordéon et une gratte countryfiante. L’épique « Puerto » flaire le Mexique à plein nez. C’est la composition qui achève le show. Au cours du set on aura aussi droit à un autre instrumental (« Close behind »), dont la slide projette dans les esprits des images d’un chemin de fer qui s’enfonce à toute vapeur vers l’Ouest. Lors du feutré « Hush », John Convertino joue en picking sur une guitare à 12 cordes pendant que Joe Burns caresse ses peaux. Un morceau au cours duquel les cinq autres musiciens rivalisent d’imagination pour entretenir les différents bruitages. Le public est ravi. Le groupe aussi ; et le rappel est inévitable. Trois titres y seront proposés, dont deux compos plus sereines ; et en final, le pimenté « Guëro Canelo » qui va soulever l’enthousiasme de l’auditoire. Acclamations nourries !
Bref, un excellent concert, mais pas aussi remarquable que les deux précédents auxquels j’avais eu la chance d’assister. A l’instar des anciens chercheurs d’or, Calexico aurait peut-être intérêt à chercher de nouvelles sources d’inspiration. Un bon filon à explorer. Pour ne pas connaître une traversée du désert…
Setlist
Epic
Across The Wire
Splitter
Roka
Para
Fortune Teller
Dead Moon
El Picador
Sinner In The Sea
No To Vayas
Maybe On Monday
Alone Again Or
Corona
Hush
Close Behind
Puerto
Rappel
The Vanishing Mind
Two Silver Trees
Güero Canelo
(Organisation Ancienne Belgique)
« We Keep The Beat, Found The Sound, See The Need, Start The Heart ». Le titre du second album de Jonathan Boulet et ses potes australiens déboule à la même vitesse que les roulements de percus qui l’étayent. Un album qui se déguste d’une traite et que l’on avait hâte de découvrir lors d’un vrai big live show. Le Botanique a exaucé le souhait des fans de l’Australien en l’invitant à prendre possession de la Rotonde, le temps d’un soir, celui du 18 septembre dernier.
Sur le coup des 20h30, la Rotonde n’est encore remplie qu’au tiers de sa capacité. Une demoiselle s’inquiète en y débarquant. ‘Mais non, c’est pas la bonne salle !’ Si, si, mam’zelle, c’est bien ici. Peu de monde donc pour accueillir la nouvelle fine lame du rock indie made of antipodes. Les lumières s’éteignent cinq minutes plus tard. Les retardataires arrivent, v’là qui devrait rassurer la demoiselle. Au final une bonne petite centaine de personnes ont répondu à l’appel des fûts du quatuor.
Jonathan et trois de ses confrères prennent place devant leurs instruments et entament le set par un extrait de « We Keep The Beat, Found The Sound, See The Need, Start The Heart », un deuxième LP caractérisé par des rafales de percussions et des chœurs déchaînés. Sur scène, c’est la débandade, dès le second titre. Le son est approximatif et souffre de grésillements ponctuels. Le leader de la bande salue ensuite timidement la foule tandis que son guitariste tente désespérément de régler ses pédales. Les problèmes techniques semblent résolus, lorsque la formation enchaîne « Hallowed Hag », « Keep Away You Feral Son Of A Bitch » et « FM AM CB TV », des versions jouissives dans leur mouture studio. Ils sentent bon le Vampire Weekend, l’Animal Collective, les Dodos ou encore des Local Natives énervés.
Sur l’estrade, c’est un autre scénario qui se déroule. La formation a l’air légèrement perdue et on croirait assister à une première partie, plutôt qu’au concert d’un groupe bien rôdé. Une batterie, des percus, un guitariste et Boulet à la basse. Seuls ces deux derniers se chargent des parties vocales. Et c’est là où le bât blesse. Parce qu’il a beau être mimi, le gratteur, avec son sourire, ses beaux cheveux noirs mi-longs et sa chemise à carreaux qui font doucement glousser certaines filles placées à proximité du bonhomme. Mais lorsqu’il s’approche du micro, il n’y a strictement rien d’intéressant qui se passe. Au contraire, les chœurs sont à la limite du faux. La hargne dégagée au sein de la version studio des morceaux de Boulet cède la place à une langueur peu enthousiasmante. Même les tubes en puissance « This Song Is Called Ragged » ou le tonitruant « You’re A Animal », servi en fin de parcours, font de la peine à entendre. Pas fameux, pour une prestation de 35 minutes à peine !
Jonathan Boulet doit encore prendre de la bouteille pour devenir un tantinet plus convaincant sur les planches. Et certainement remplacer l’un ou l’autre de ses camarades de route. Ce semi-fiasco n’entachera cependant pas l’affection que votre serviteur porte à l’excellent « We Keep The Beat, Found The Sound, See The Need, Start The Heart », qui doit manifestement tout à ses arrangements.
(Organisation : Botanique)
Melody Gardot, Diana Krall, Norah Jones, … Pour cette nouvelle saison, les jolies demoiselles du Jazz/Pop se sont toutes donné rendez-vous à Bruxelles pour faire tourner la tête à ces messieurs. La première à fouler les planches d’une salle de la capitale, Norah Jones, avait jeté son dévolu sur Forest National. Une salle un peu trop impersonnelle pour ce type de musique. Ce qui n’a pas empêché la demoiselle de remplir l’espace en deux temps trois mouvements.
On ne badine pas avec les horaires à Forest National. Sur le coup des 21 heures tapantes, Norah Jones et son band (‘They don’t have a name yet’ annonce-t-elle amusée, un peu plus tard) débarque devant un parterre assis et bien garni. La jolie progéniture de Ravi Shankar salue son public autour d’un décor plutôt simple, avant d’ouvrir la danse par un hit en guise d’entame. « Come Away With Me ». Quand tu veux ma belle ! Le délicieux timbre de voix de la demoiselle s’échappe des baffles diffusant, chose rare à Forest national, un son cristallin. Dans la fosse, c’est l’instant GSM. Evidemment ! Dès le second morceau, Jones embraie sur le morceau éponyme de son petit dernier, « Little Broken Hearts » et annonce alors que la soirée sera résolument tournée vers sa nouvelle œuvre.
En 10 ans et 5 LPs, Norah Jones a progressivement glissé d’un jazz langoureux à une pop de plus en plus édulcorée. Et cette métamorphose va se ressentir tout le long d’un concert sobre et sympathique mais, parfois, borderline chiant. Jones a la classe, ses musiciens sont excellents. Mais, lorsqu’après cinq morceaux à peine, on se met à penser à la liste des courses du lendemain, c’est que quelque chose cloche. Et ce quelque chose, c’est ce malheureux focus sur les dernières compositions, tournée promo oblige. Malgré le coup de main du maître Danger Mouse au niveau de la production, on ne peut pas vraiment dire que « Little Broken Hearts » casse la baraque. Tant en version studio que sur scène. Heureusement, des titres comme « Sinkin’ Soon », « Cold Cold Heart » (reprise d’Hank Williams), « After The Fall » ou le hit acclamé « Don’t Know Why » permettent à Jones et son équipe de tenir la distance. L’atout de la chanteuse ? Son piano. Passant d’un instrument à l’autre, c’est lorsque Jones siège derrière ses ivoires que la magie opère vraiment ; et que les lourdingues assis derrière vous se décident enfin à la boucler. Des instants providentiels.
Le concert s’achève au bout d’une heure et demie, par un rappel de deux morceaux dont un « Sunrise » repris en chœur par l’assistance. Celle-ci semble conquise. De notre côté, on ne peut pas dire que l’étincelle a véritablement eu lieu. La faute aux nombreux moments de flottement. Allez, un petit « My Blueberry Nights » en DVD pour se consoler.
Organisation : Live Nation
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Pour la rentrée, l’Ancienne Belgique avait frappé un grand coup, en invitant Perfume Genius, le projet de Mike Hadreas, un étasunien issu de Seattle. Quelques mois seulement après avoir fait salle comble, dans le cadre des Nuits Botanique, et après avoir été logiquement invité au festival de Werchter, l’Américain revenait en Belgique. Pour ce spectacle, la salle est disposée en configuration semi-assise, mais n’affiche pas complet.
Il revenait à Indians, le projet de Søren Løkke Juul, un Danois natif de Copenhague, d’ouvrir la soirée. Signé chez 4AD, il a publié, à ce jour, deux singles. Il pratique une musique hybride, fruit de la rencontre entre analogique et numérique. Son style est atmosphérique et expérimentale. Vu ce que les vidéos postés sur la toile avaient montrés de cet artiste, j’ai donc préféré m’abstenir….
A 21h00 pile, Mike Hadreas monte sur l’estrade. Malgré ses 27 balais, il paraît très jeune. On lui en donnerait vingt, à tout casser. Il est accompagné d’un drummer et d’un préposé aux nappes sonores. Le leader s’installe derrière ses claviers. Et ne décollera plus de son tabouret qu’à de rares exceptions. Quant à ses acolytes, ils sont tout aussi statiques. Dès qu’il prononce les premiers mots, on est subjugué par son timbre androgyne, qu’il maîtrise à la perfection. Sa voix me fait même clairement penser à Antony des Johnsons voire à Boy George. Il en est même particulièrement proche tout au long de « No Tear », un morceau totalement bouleversant. Les titres de son dernier opus, « Put Your Back N 2 It », se succèdent. Le répertoire oscille entre chansons langoureuses et compos plus entraînantes. Une toile de fond : ses ivoires. Et une même trame : des textes mélancoliques. Parmi les moments forts du concert, on épinglera « Take Me Home », « Hood » ou encore la reprise du « Helpless » de Neil Young, qu’il interprète en solo, uniquement au piano.
L’alternance entre morceaux plus remuants et paisibles est a priori un bon choix pour le répertoire d’un concert. Malheureusement, cette sélection m’a semblé, ce soir, peu judicieuse. Et pour cause, elle n’a jamais permis au public d’entrer véritablement dans l’univers de Perfume Genius. D’autant plus que le set n’a duré qu’une heure ; et puis que Mike a la fâcheuse tendance à achever ses morceaux d’une manière impromptue, laissant ainsi le mélomane sur sa faim. En outre, on ne peut pas dire que le trio soit composé de bêtes de scène. Et sans le moindre visuel, difficile d’adhérer à un projet aussi spartiate. Finalement, entre l’écoute de l’album et le concert, il n’y avait pas grande différence. A mon avis, ce type de spectacle aurait bien plus d’impact au sein d’une salle de plus petite taille.
Une certitude, l’Américain de manque pas de talent. Mais ce soir, on avait l’impression qu’il avait le trac. Une assurance qu’il ne pourra acquérir qu’au fil du temps et des concerts. C’est ce qu’on appelle de l’expérience.
(Organisation AB)
Une pincée d’arrogance et un zeste de morve, c’est ce qui sied à merveille au Rock quand le propos est pertinent. Mais le jeu est subtil, et il y a une marge à ne pas franchir, sous peine de foutage de gueule total. Et en ce soir de septembre, les Crocodiles se sont cassé les dents…
Arrivé dans l’urgence sur le coup de vingt heures quinze, je me réjouis de m’entendre dire que le set vient à peine de commencer.
Las ! Je n’imagine pas encore que les trois minutes manquées représentent le dixième du concert de ce soir.
Les voûtes du Witloof bar résonnent sous les assauts de ces Californiens au nom vernaculaire, alors que je m’y engouffre.
Quelques instants suffisent pour se faire une idée.
Instantané d’une décade dorée.
Chez ces Crocodiles, on décèle du Echo And The Bunnymen, du Jesus And Mary Chain, et beaucoup d’autres influences, certes fort bien assimilées.
Les ingrédients feraient merveille, mais il manque définitivement quelque chose. Cette touche sensible qu’on appelle génie. Et celui-ci s’obstine à rester cloîtré dans sa lampe.
Alors, il reste l’attitude. Qui ne camouffle pas tout. Qui ne justifie rien. Trente-cinq minutes et puis s’en vont.
Pas de rappel.
Sans doute pas assez de matériel.
Pas grand-chose à ajouter.
(Organisation : Botanique)
Austra, c’est le nom de la Déesse de la Lumière, dans la mythologie lettone. L'adjectif ‘lumineuse’ convient donc parfaitement à Katie Stelmanis, la chanteuse canadienne originaire de la rive orientale de la mer Baltique, à la tête d’Austra. Révélée par le hit alternatif "The Beat And The Pulse" et par un premier album époustouflant intitulé "Feel It Break", Stalmanis se produisait le 11 juin dernier, pour la première fois en Belgique, au sein de sa formation d'électro-pop 'dark'. Le concert était quasi 'sold out'. Le public qui avait rejoint la salle du Vk* à Bruxelles était assez diversifié, même si une majorité de jeunes femmes était visiblement influencée par le look très tendance de Katie (NDR : la frange dans les cheveux !)
C'est un groupe au grand complet qui prend possession de la scène, impliquant pas moins de 6 musiciens. Le premier morceau, "Young And Gay", qui est explicite sur l'orientation sexuelle avouée de Stelmanis, permet de constater en toute logique une prédominance de musiciennes. Et pour cause, y militent Maya Postepski (batterie), ex-Galaxy (NDR : le combo précédent de Stalmanis), et les très jolies jumelles Sari et Romy Lightman, par ailleurs impliquées au sein d’un projet d'indie-folk, baptisé Tasseomancy. Le line up est complété par le bassiste/claviériste Dorian Wolf (auparavant chez Spiral Beach) et le claviériste Ryan Wonsiak (Ze and the Boyfriends).
Après un "Hate Crime" tout en retenue, "Lose It", le deuxième single de l'album, permet au groupe de faire monter la pression. Vêtue d'une longue robe blanche en satin, Stalmanis est tout simplement resplendissante. Très concentrée sur son chant, elle accompagne chaque phrasé par des gestes des bras et des mains ; une technique qu'elle doit certainement à sa formation. Rappelons que dans son jeune âge, elle a suivi des cours de piano classique et appartenait au Chœur d'Enfants de l'Opéra canadien. Emportée par la musique, elle virevolte sur l’estrade comme une petite fille aux cheveux d'or. A ses côtés, Sari et Romy Lightman, affichant un look très particulier de gitanes en costumes folk alternatifs, ont une très forte présence scénique, chantant et dansant sans discontinuer.
La musique est d'une intensité rare, croisement entre le lyrisme noir et mélancolique de Stelmanis et les rythmes tour à tour electro-danse, trance ou expérimentaux. Pour la voix, on pense à Kate Bush ("Darken Her Horse" véhicule des accents empruntés à "Running Up That Hill"), Björk et Bat For Lashes ; mais aussi à la vague de chanteuses 'dark' qui déferle actuellement, que ce soit Zola Jesus, elle aussi américaine originaire d'Europe de l'Est, Chelsea Wolfe ou Florence And The Machine. La musique lorgne quant à elle clairement vers New Order, Glasser, Anne Clark, Radiohead ou The Knife.
Le volet central du concert, plus calme et plus expérimental, s'articule autour des titres "The Choke", "The Villain" et "The Future". On remarque les très belles polyphonies vocales des trois chanteuses et surtout l'incroyable efficacité et le charme impérial de Maya Postepski. L’aisance déconcertante de la percussionniste lui permet de dispenser des parties de batterie dotées d'un swing très fin.
Le point culminant du concert est atteint par "Identity", un véritable bijou de new-wave, imprimé sur un rythme hypnotique, baignant dans des nappes synthétiques et balayé par ces voix haut perchées, lancinantes et irrésistibles. "The Beat And The Pulse" va littéralement nous ‘achever’ : nous sommes en extase, les mains en l'air, pendant ce hit électro –en version longue– qui cartonne depuis plusieurs mois déjà sur les dance floors.
En rappel, Austra nous gratifie d'un morceau inédit, de très bonne facture, et clôture par un excellent "Spellwork", le troisième simple de "Feel The Break". On sort de la salle étourdis par la beauté éblouissante d'une prestation qui aura été en tous points magique... Un voyage féerique plein de profondeur et de lumière... D'ores et déjà un des meilleurs concerts de l'année....
Regardez ici la vidéo de "The Beat And The Pulse" au Vk*:
Auparavant, Chevalier Avant Garde, également venu du Canada, avait ouvert la soirée en jouant une pop ‘minimal wave’ mélodiquement soignée (surtout dans le très beau "Over The Fountain", tiré de l'album "Heterotopias") mais manquant, dans l’ensemble, de relief.
(Organisation Vk*)
Phénomène R’n’B à l’ascension fulgurante, Abel Tesfaye, plus connu sous le nom de The Weeknd, était de passage à Bruxelles ce mercredi 6 juin. Un concert annoncé à peine deux semaines plus tôt et sold-out en moins de temps qu’il n’en faut pour le dire. Le Canadien, auteur de pas moins de trois mixtapes gratos publiés l’an dernier, a jeté son dévolu sur la petite scène du Recyclart. L’occasion rêvée de vérifier concrètement si le Canadien est bien à la hauteur du buzz qui l’entoure.
En publiant trois albums en cinq mois (« House Of Ballons, « Thursday », « Echoes Of Silence ») et en les distribuant gratuitement sur la toile, le jeune Tesfaye, alias The Weeknd, a rapidement focalisé l’attention de la presse spécialisée sur lui. Tant et si bien qu’il n’a fallu que quelques jours pour épuiser le stock de tickets disponibles, malgré l’annonce tardive et un tarif relativement élevé pour du sang neuf (28€ !). Le petit prodige du R’n’B profite –dans tous les sens du terme– largement du tapage médiatique opéré en sa faveur.
Il y a moins d’un an que The Weeknd a démarré sa première tournée et le moins que l’on puisse dire est que le mec est déjà bien rôdé. Entouré de musicos pour un ‘vrai’ live, le chanteur originaire de Toronto ne débarque sur les planches que peu après 21h30. En attendant le début des festivités, l’assistance a eu tout le loisir d’humer les doux effluves de pissotières du Recyclart. Pas l’endroit rêvé pour ce genre de concert, bien que tout à fait convivial. Enfin, une convivialité qui n’est appréciable qu’à condition d’être coincé dans les premiers rangs. La scène, trop basse, n’octroyant une vue que très limitée aux fans traînant bon gré mal gré à l’arrière.
Hurlements en masse dès l’arrivée du jeune homme sur scène. Tesfaye et ses acolytes démarrent le concert par « High For This », un tube, déjà. Et des tubes, la soirée en sera parcourue de long en large ! Il faut dire que The Weeknd transporte le genre vers des sphères inédites, à l’instar de Drake. Un vrai ravalement de façade pour le R’n’B, qui en avait plus que besoin. Le son est extrêmement bien géré. La voix du Canadien remplit chaque coin de la pièce sans jamais flancher. Principalement downtempo, les extraits de ses mixtapes prennent une tout autre dimension sur scène. Comme ce « Life Of the Party », repris en chœur par les –évidemment nombreuses– demoiselles de l’assistance (qui s’égosilleront d’ailleurs sur la plupart des morceaux) ou encore « D.D. », reprise du « Dirty Diana » de Michael King Of Pop Jackson, duquel il emprunte quelques intonations. Le set monte graduellement en pression. Les morceaux s’enchaînent naturellement et sonnent tous comme des hits. « The Birds », « Gone », « Montreal » ou « The Party & The After Party » et son sample de Beach House, s’échappent des baffles sous une ambiance embrasée, à l’image de ces morceaux, bandes sonores parfaites pour la chambre à coucher.
The Weeknd achève son show par « The Knowing », « The Morning » puis, au rappel, « House Of Balloons » et « Wicked Games », quasiment tous repris à gorges déployées par les filles de l’assistance, donnant une dimension un peu trop midinette à l’ensemble. Des chœurs qui sont, additionées aux arômes insupportables de la salle, probablement le seul bémol de la soirée, le gamin de Toronto ayant largement assis sa réputation. Le set, qui a duré à peine plus d’une heure, a dévoilé à la Belgique un artiste naturel, humble et réellement talentueux. Un buzz bel et bien mérité.
(Organisation : VK)
Mea Culpa, je n’avais jamais entendu la moindre note dispensée par Dirty Three, avant d’aller les découvrir, ce 6 juin, à l’AB de Bruxelles. Mais on m’avait tellement dit du bien à leur sujet, et notamment en ‘live’, que je me suis finalement décidé à me rendre à un de leurs concerts. Paraît même que c’est un des meilleurs groupes, au monde, sur scène…
Bien sûr, je savais vaguement que Warren Ellis avait milité chez les incontournables Bad Seeds chers à Nick Cave et que le trio australien était responsable d’une musique instrumentale dominée par le violon de son leader charismatique ; mais c’était à peu près tout !
Le public qui assiste à ce set dans l’AB Box est clairsemé (quel bonheur, finalement !) pour accueillir le trio issu de Melbourne. Il fait suite à celui de Papa M (David Pajo). Warren Ellis a une aura presque magnétique. A cause de son look de père spirituel vaudou (NDR : non, ce n’est pas Sébastien Tellier !)
Dès le morceau d’ouverture, on se rend compte être en présence de musicos tout bonnement fabuleux. Outre sa présence scénique, Ellis est un véritable virtuose. Et puis, il peut s’appuyer sur deux excellents collaborateurs. Aux drums, Jim White maîtrise parfaitement toute la puissance qu’il libère. Quant aux interventions de Mick Turner à la guitare, elles sont aussi précises que diaboliques. Leurs longues constructions sonores mêlent le post-rock (oui, oui !), le blues et le jazz. Et le résultat est fascinant, effrayant et divertissant, à la fois. On comprend mieux pourquoi le band est régulièrement sollicité pour composer des B.O. de films, car leur musique est éminemment cinématographique. Pas la moindre faiblesse au cours de leur spectacle. Et puis, on apprécie ce contraste parfait entre l’humour décalé et ravageur (NDR : en français, le rockeur habite Paris) du leader et le climat ténébreux de leur musique.
Après deux heures de prestation, l’auditoire en redemande. Au sein de cette ambiance électrique, les Dirty Three ont démontré que les véritables musiciens de rock existaient encore… Pas étonnant qu’un spectateur leur a demandé de reprendre une compo des Stooges, dont l’esprit hantait, ce soir, les lieux…
(Organisation AB)
En 2009, Future Of The Left faisait un carton plein en envahissant la Rotonde du Botanique. Depuis, Andrew Falkous et Jack Egglestone ont fait le ménage devant leur porte et se sont dénichés un nouveau préposé à la guitare, Jimmy Watkins, ainsi que Julia Ruzicka, ex-Million Dead, désormais chargée de la basse. Le Future Of the Left nouveau effectuait un arrêt express ce mardi 5 juin, cette fois au VK, pour y présenter leur troisième LP, « The Plot Against Common Sense ». Noise Rock pur jus.
Si certains ne se sont toujours pas remis de la dissolution de McLusky en 2005, Falkous et Egglestone ont définitivement tourné la page et continuent leur bonhomme de chemin sous la bannière de Future Of the Left. Trois ans après son dernier passage en Belgique, le quatuor a investi le VK, une salle peut-être encore trop grande comparée à sa fan-base belge. C’est donc devant un parterre assez clairsemé que les Gallois ont délivré un set rageur, fractionné entre des morceaux de « Curses », de l’excellent « Travels With Myself And Another » et du petit dernier, « The Plot Against Common Sense ».
Falkous le sait, les fans sont principalement là pour entendre des morceaux du second LP. C’est donc par les tranchants « Arming Eritrea », « Small Bones, Small Bodies » ou le radical et hautement efficace « Chin Music » que démarrent les festivités. Bien qu’il envoie tout ce qu’il a dans le ventre, le leader de la bande n’a pas spécialement l’air ravi d’être là et enchaîne quelques morceaux avant d’adresser quelques railleries aux fans excités des premiers rangs. « Sheena Is A T-Shirt Salesman », leur dernier single en date, introduit la partie du set reservé au nouvel LP. Ça casse pas la patte à un canard et on lui préfère largement des titres moins brouillons, comme « Failed Olympic Bid », « Robocop 4 – Fuck Off Robocop » et ses paroles hilarantes ainsi que l’épique « Notes On Achieving Orbit » qui clôture le concert un peu plus tard.
La formation, certainement déçue par le manque d’entrain manifesté par l’assistance, se contente de jouer ses titres les uns derrière les autres, avec moins de bonne humeur que lors de leur passage en 2009. « Manchasm » et « adeadenemyalwayssmellsgood », deux extraits de « Curses », n’arrivent même pas à arracher le moindre sursaut d’enthousiasme dans le public, sauf aux premiers rangs. Falkous s’est d’ailleurs montré particulièrement cassant dans ses échanges avec le public.
A viser trop haut, Future Of the Left s’est fait couillonner. Un nouveau passage dans la Rotonde aurait été autrement plus excitant, autant pour le groupe que pour les fans, bien trop dispersés entre les murs du VK…
(Organisation : VK)
Ce quatuor irlando-écossais qui a migré vers les contrées branchées du London-East est la sensation pop-rock de l’année. Info ou intox, nous allons vérifier. Formé en 2009, le groupe est prêt à prendre la place de feu Beta Band, dont le claviériste (John Maclean) n’est autre que le frère du batteur-producteur de Django Django (David Maclean). Le line up implique également un chanteur/guitariste (Vincent Neff), un choriste/bassiste (Jimmy Dixon) et un synth/opérateur (Tommy Grace), ce dernier, constituant plus que probablement le cerveau du band. Originale, cette formation dilue son art-pop au sein de teintes électroniques afin d’emballer un package loin d’être indigeste.
Ce soir, la tête d’affiche entame son set très en retard. Il fait suite à celui des Bruxellois de BRNS, programmé en première partie… Monsieur le synth-opérateur opère son line-check tranquillement mais alors, vraiment tranquillement !
Lorsque le combo monte enfin sur les planches, c’est pour nous proposer la même introduction que celle de leur première plaque. Il enchaîne très vite par l’excellent « Vor » qui révèle quelques difficultés : justesse du chant, un mix un peu faiblard, une prise en main des instruments plutôt lente, …
Mea culpa, le groupe n’en est qu’à ses débuts. Ces petits soucis ne sont que passagers et probablement liés à leur manque d’assurance en ‘live’. Seule note négative puisque passé ce track, « Firewater » vient relever le niveau et le son est proche de la perfection. D’ailleurs le public en redemande. Après avoir démontré ses capacités surf-rock en conjuguant les deux voix angéliques, le quatuor nous emmène dans un monde electro-psyché, tout au long de l’excellent « Waveforms ». C’est bon, c’est parti, tout le monde avoue petit à petit que Django Django mérite son étiquette de ‘révélation 2012’. Les percussions sont omniprésentes et l’auditoire est enchanté. « Skies over Cairo » chauffe la foule, mais l’ambiance est poussée à son paroxysme sur le tube « Default ». Un dernier morceau et quelques excuses plus tard, le groupe quitte la scène… Evidement, le band n’en est qu’à son premier elpee, ce qui explique cette prestation très courte. Mais suffisante pour les pardonner in extremis, grâce à l’excellent rappel « Silver Rays » avant de leur dire ‘Bye-Bye’.
Une certitude, ce jeune (même pas 90 ans à eux 4) groupe possède suffisamment de potentiel pour vivre une longue aventure, une aventure qui devrait nous étonner encore un peu plus d’ici quelques années voire quelques mois…
C’est pourquoi, j’ai envie de leur dire ‘A bientôt !?’
(Organisation Le Grand Mix)
Le Magasin 4 (www.magasin4.be ) est situé Avenue du Port à Bruxelles. C’est le long du canal, près de Tour et Taxis. Le parking est aisé. Les prix démocratiques. Il s’agit d’un ancien hangar qui a été totalement réaménagé. Pendant 15 bonnes années, la salle était située rue du Magasin, au n°4. Le nom a été conservé, malgré l’année sabbatique inévitable qui a suivi le déménagement. La programmation y est très variée et alternative (Hardcore, Funk, Punk, Métal, Rock Alternatif, Ska, Pop, Ragga, Reggae, Musiques Expérimentales, Chanson Française, Jazz et moult fusions originales), mais pas inintéressante. Elle sert d’abord même de tremplin ou de découverte. S’y produisent également des artistes et des groupes injustement méconnus du grand public, dont les aficionados sont restés fidèles. C’est le cas d’And Also The Trees. Née en 1978, cette formation insulaire sillonne souvent le Vieux Continent. En août 2010, elle avait accordé un concert ‘unplugged’ de toute beauté, à l’Abbaye de Forest, mais surtout le 25 novembre 2007, un set exceptionnel, à la Rotonde du Botanique, pour défendre son remarquable album « (Listen for) the rag and bone man »… Mais place à la prose d’Akim Serar pour nous parler de cette belle soirée. (B.D.)
C’est un pays imaginaire, une contrée fantastique où l’on croise des êtres hors du commun, aux noms étranges et aux histoires atypiques.
Ils se nomment Red Valentino, Prince Ruppert ou simplement la fille à l’accordéon.
Une lande balayée par les vents, qui s’éveille chaque matin dans d’épaisses brumes, où les hivers sont rudes et les étés doux.
Un endroit où le temps semble perdre toute emprise, épargnant les plus jolies fleurs.
Un lieu où l’océan aime à rugir, comme animé par le chant des sirènes qui l’habitent.
Parcourant les monts et vallées depuis maintenant plus de trente années, And Also The Trees sont les troubadours de ces vastes étendues sises quelque part entre Albion et le pays des fées.
Trente-trois années pendant lesquelles, la voix et la guitare des frères Jones ont tissé les contours de ce monde qui se devine derrière un voile sombre et mélancolique.
Forcément, le parcours était semé d’embûches, et bien peu auraient osé miser un shilling sur la carrière de ce groupe mésestimé dans sa propre Angleterre et adoré outre-Manche par quelques cohortes d’obscurs corbeaux encore trop attachés aux oripeaux gothiques ou new wave.
Mais bien loin des clichés et surtout des modes, le groupe originaire du Worcestershire a su se réinventer, et passer outre un passage à vide que beaucoup voyaient comme le signe du déclin.
Après avoir revisité son répertoire en mode acoustique, le moment est donc venu pour AATT de se rappeler fièrement à ses disciples, par le biais d’un nouvel album (« Hunter, not the hunted », voir chronique ici ) qui prouve, si besoin était, que le talent et la passion cohabitent toujours dans la caboche de ces deux frères aux chevelures si différentes.
De retour sur nos terres en ce jeudi d’Ascension (signe divin de leur retour au sommet ?), le quintet s’apprêtait à livrer une prestation de haute volée dans un Magasin 4 fort bien rempli.
Mais d’abord, l’occasion était donnée aux (très) jeunes Thieves Of Silence de prouver que l’héritage de la Cold Wave pouvait être assimilé par de jeunes pousses nées dans les années Grunge.
Sur le son calibré d’une boîte à rythmes martiale, les quatre éphèbes offraient un set d’une étonnante maturité, aux sonorités certes datées (le clavier de l’oncle Sumner, l’effet Flanger piqué à papa Smith, …) mais avec panache et conviction.
Le contraste entre ses frimousses pubères aux gestuelles étudiées devant la glace et l’impressionnante maîtrise affichée, étant des plus surprenantes.
De quoi patienter avant la messe tant attendue.
Qui comme un nuage de brouillard se faufilant parmi le public massé au devant, commençait sur les premières notes de « Domed », réservant une entrée théâtrale à Simon Huw Jones.
Quoi de plus normal, pour ce chanteur au style racé d’acteur Macbéthien ?
Faisant la part belle à l’album « (Listen For) The Rag And Bone Man » et bien sûr au dernier opus, le concert de ce soir soulignait combien l’électricité sied bien à cette troupe qu’on imagine pourtant plus facilement à la lueur tamisée de cierges se consumant lentement sur quelques vieux chandeliers.
Nullement avare, And Also The Trees s’offrait à ses nombreux fans de la première comme de la dernière heure, avec bonheur.
Quelques titres plus anciens (« A Room Lives In Lucy » et bien sûr l’incontournable « Virus Meadow » en rappel, mais point de « Slow Pulse Boy », comme pour stigmatiser le désir de les revoir au plus vite) venant balancer parfaitement la cohérence d’une carrière hors des sentiers battus.
Et sans effet de style ou de maniérisme déplacé, ils s’en sont allés, comme la mer se retire sur une plage toute abandonnée à ses caresses. (A.S.)
A l’issue du set, votre rédac’ chef, également présent, avait aussi quelques réflexions à émettre. D’abord, le début de concert, était un peu trop brouillon à mon goût. Il a, en effet, fallu quatre ou cinq titres, avant que l’ingé ne trouve le bon équilibre. Mais il est vrai qu’à partir de ce moment, on s’est laissé emporter par les vagues sonores qui ont déferlé, poussées par une houle bien insulaire, sur les falaises de nos tympans…
Autre constatation, les attitudes de Simon. Je ne sais pas pourquoi, mais elles m’ont rappelé celles adoptées par Jim Morrison, il y a plus de quatre décennies. En outre, depuis qu’il s’est rasé la barbe, l’aîné des frères Jones affiche une certaine ressemblance physique avec feu le leader des Doors.
Préposée aux claviers, Emer Brizzolara se consacre davantage au dulcimer. Ce qui confère une sonorité plus orientale aux compos d’AATT.
Le toucher de guitare si caractéristique de Justin est intact. Notre photographe du jour et collaborateur de longue date Vincent (voir ses clichés ici) s’est ainsi rendu compte de l’influence de sa technique sur de nombreux gratteurs. Même contemporains.
Enfin, la formation a eu la gentillesse d’accorder deux rappels conséquents. Et les aficionados ont vraiment apprécié ce geste de générosité. (B.D.)
Organisation : Les Fruits De La Passion
(Voir aussi notre section photos ici )
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