Elle s’est fait attendre, la petite Janelle. Ce dimanche 10 février, la nouvelle coqueluche de la Soul foulait enfin les planches d’une Orangerie sold out depuis des mois. Elle y présentait « The ArchAndroid », un premier album à l’effet feu d’artifice, combinant classe, énergie et originalité. Sur scène, Miss Monáe en fait voir plein les yeux à son public. Et la prestation de ce soir n’a pas dérogé à la règle.
Initialement prévu le 8 décembre dernier, le concert de Janelle Monáe (prononcer Moné) avait tout d’abord été annulé avant d’être finalement reporté de plusieurs semaines. Du haut de ses 25 ans, la chanteuse originaire de Kansas City avait pourtant bien tenu son engagement le lendemain à la Cigale de Paris, stage diving à l’appui. Rien de plus normal, donc, que ses fans belges l’attendaient au tournant, et de pied ferme.
20h30. A l’heure où les lumières de l’Orangerie s’éteignent, un maître de cérémonie tiré à quatre épingles, un haut de forme sur le crâne, entre en scène et s'adresse au public. Après une courte présentation, des images commencent à défiler sur le grand écran surplombant la scène. Un petit film mettant en scène la chanteuse marque le point de départ de la soirée. S’ensuit un show digne de Las Vegas. Le band s’installe et entame une intro sur laquelle se meuvent trois silhouettes dissimulées sous de longues toges, dos à la scène. « Dance Or Die », la phrase est lâché ; et Janelle Monáe ainsi que ses deux danseuses envoient valser leur camouflage. Le public s’affole à la même cadence que les grosses caisses. La Texane est vêtue de son fameux costard blanc et noir ; et sa célèbre coiffure est toujours de circonstance. La starlette embraye, sans transition, d’une chanson à l’autre. « Faster » colle de près à « Locked Inside » tandis que sur scène défilent de drôles de créatures aux visages morbides et à la démarche de zombie. Un canon à confettis boucle les festivités d'un premier acte qui aura défilé à toutes vitesses. Les influences scéniques des Flaming Lips et de ses potes d’Of Montreal sont définitivement palpables.
Deuxième acte. Janelle revient sur l’estrade, sans artifice, pour la reprise de « Smile », le grand classique de Chaplin, suivi de « Sincerely, Jane », un extrait de son Ep « Metropolis ». La chanteuse invoque ensuite « Wondaland », ce lieu imaginaire autour duquel gravite son univers artistique. Retour au calme sur un « Mushroom & Roses » au cours duquel elle dévoilera une autre facette de son talent. Le micro à la main, et un pinceau dans l’autre, Janelle esquisse quelques formes et le mot « Love » sur une toile posée à ses côtés. Toile qu’elle cèdera à la fin du spectacle à un fan aux anges. Les cinq musiciens de la belle assurent comme des bêtes, notamment un guitariste accoutré d’un postiche à la André 3000 circa « Hey Ya ! ». A l’issue d'un solo à la gratte rondement mené, un déluge de ballons noir et blanc tombe sur le public, pour accompagner les premières notes de « Cold War », signifiant ainsi le début de la fin du show. Mais c’est, évidemment, son méga-tube « Tightrope » qui clôture sa setlist. Morceau pendant lequel elle mettra la salle à genoux, littéralement.
Un dernier pour la route. En guise de rappel, Janelle et sa troupe délivrent un « Come Alive (War Of The Roses) » résolument rock’n’roll. D’aucuns reprocheront à la demoiselle le côté bien trop millimétré de son spectacle, qui ne laisse aucune place à l’improvisation. Un manque de spontanéité pardonné par l’énergie incroyable de la petite qui, en une heure à peine, a mis le feu à l’Orangerie et a largement prouvé qu’elle en a dans le ventre.
(Organisation : Botanique)
Trois albums et trois concerts à l’Ancienne Belgique. Manifestement, le quatuor californien aime se frotter aux griffes aiguisées du public belge. Public qui devait délibérer sur le très controversé « Mine Is Yours », sorti le 25 janvier dernier. Une réalisation lisse en perte constante de puissance qui aurait perdu tout désir de s’énerver. La maturité et l’expérience ne sont pas forcément un gage de qualité artistique. Ainsi, à l’écoute de leur dernier long playing, les Kids donnent l’impression d’avoir franchi trop vite le cap de l’adulte modéré. Finie la guerre froide, le temps est venu de fouler sereinement les plages chaudes de Long Beach. Evoluant vers un style plus grand public, privilégiant des mélodies moins abrasives, le quatuor étasunien était vivement attendu par les aficionados. Un virage artistique dangereux que Cold War Kids devait défendre sur scène. Lieu où, généralement, le groupe excelle et ne déçoit que très rarement.
Alors, comment les Californiens se sont-ils débrouillés pour amorcer ce changement de cap ? Une nouvelle orientation où ils auraient pu se perdre à trop vouloir se démarquer de leur identité artistique en proposant un style plus commercial ? Fort heureusement, Nathan Willet est parvenu à limiter les dégâts, grâce à une performance scénique survitaminée. Une folle débauche d’énergie qui va rapidement contaminer la salle. Une course folle entre cour et jardin transportée d’une voix de fausset impressionnante (NDR : surprenante imitation de Donald Duck sous cocaïne !)
Bien rôdée, responsable de transitions parfaites, cette formation ne laisse pas le temps de respirer. Soulignons à cet égard les intros batterie de Matt Aveiro particulièrement réussies. Une machine à musique hyperactive qui nous en ferait presque oublier l’essentiel.
L’expérience de la scène n’arrive cependant pas à gommer les irrégularités d’une setlist inégale en qualité. Pourtant taillée pour soulever des foules, cette musique n’émeut pas. Les nouvelles compos tissent les lignes d’horizon d’un rock, folk et pop exsangue, sans aspérités. Les solos de guitare se ringardisent et souffrent de banalité. Le set propose un rock moderne occultant tout ancien vestige d’âpreté (« Broken Open », titre ouvertement U2sien). Ou au mieux, reprend ses vieilles recettes en version tamisée (« Royal Blue », « Cold Toes on the Cold Floor »). Les rumeurs de Robbers & Cowards s’étiolent alors et le bruit se vend désormais sous cellophane.
Malheureusement, on aura l’étrange impression que le concert débute sur le dernier morceau. Moment où Nathan Willet lance les premières notes de l’excellent “We Used To Vacation”. Le spectacle s’éteint sur la première piste du premier album (« Robbers and Cowards ») et, symboliquement, referme ses lourdes portes sur l’ancien monde de Cold War Kids.
Avant la sortie de « Mine Is Yours », on aurait espéré que les quatre de Long Beach tendent l’oreille vers les profondeurs des Black Keys au lieu de s’échouer sur les rives du poncif. La profondeur aurait certainement sublimé les entrailles de l’Ancienne Belgique ce soir.
N’oublions cependant pas d’épingler la surprenante première partie assurée par Wye Oak. Né dans le Maryland, ce duo guitare-batterie se nourrit principalement de rock indépendant, de folk et de noise. Une fusion délicieuse qui s’inspire du ‘nu-grunge’ et partage les univers sonores de Giant Drag et des Breeders. Un binôme mixte atypique qui a brillé d’originalité dans une soirée décidément trop conventionnelle. Andy Stack (batterie-clavier) et Jenn Wasner (chant-guitare), deux noms à retenir.
(Organisation Ancienne Belgique)
Iron & Wine venait présenter son magnifique et dernier album, ce mercredi 16 février, à l’Ancienne Belgique. Mais sous quelle forme allait-il nous proposer ses dernières chansons ? Allait-il teinter de jazz et d’afro world, ses compos folk, à l’instar de celles qui figurent sur ses deux dernier opus, « The Shepperd’s Dog » et le tout récent « Kiss Each Other Clean » ? La grande diversité de ces deux œuvres n’était pas de nature à faciliter une transposition sur les planches ; mais c’était mal connaître Sam Beam, grand prêcheur de la cause folk.
A 20h30 précise, le natif de Caroline du Sud monte sur l’estrade. Il a le look d’un bûcheron. Très ‘Will Oldham’ dans l’attitude, il est soutenu par un groupe de six 6 musiciens. Il est déjà loin le temps des prestations intimistes, accordées lors de ses débuts. De ce folk épuré rencontré tout au long de son elpee, « Our Endless Numbered Days ». Cette configuration plus ample, lui permet, ainsi, de bien mettre en exergue toutes les nuances de son nouveau répertoire. Et d’apporter une nouvelle dimension à ses anciens titres.
Le public est venu en nombre. Très surprenant d’ailleurs de voir une AB quasi-sold out pour accueillir ce type d’artiste. Son incroyable talent en est certainement la raison. Et puis au Nord du pays, « Boy With a Coin » (NDR : un extrait de « The Shepperd’s Dog ») fait un tabac sur les ondes radiophoniques.
Dès le début du set, on tombe sous le charme de sa voix empreinte d’une immense douceur. Et si Sam Beam habille différemment ses vieux morceaux (dont le superbe « Such Great Heights »), il dispense des versions fidèles aux originaux, de son catalogue de plus fraîche date. Il alterne cependant titres plus acoustiques et presque dansants. L’ambiance est bon enfant et le public n’a pas le temps de s’ennuyer. Sam est particulièrement décontracté. Il semble prendre du bon temps. Autant que son public, d’ailleurs. Faut dire aussi qu’en élargissant son horizon sonore, Iron & Wine n’est plus confiné dans un seul et même registre. Après avoir interprété la plupart des chansons attendues par les spectateurs, le combo achève sa prestation par une jam bluesy d’une dizaine de minutes. A point pour terminer en beauté une bonne heure et demie de bonne humeur communicative.
L’artiste revient alors seul, lors du rappel, pour chanter, a capella, « Flighless Bird, American Mouth ». D’une grande pureté, son interprétation m’a même flanqué la chair de poule.
Le public de l’AB a certainement apprécié le talent et la simplicité d’un artiste majeur, dont la voie vers le succès est toute tracée. Will Oldham n’est assurément plus seul !
Iron & Wine se produira le 10 juillet 2011 à Bruges, dans le cadre du Cactusfestival.
(Organisation Ancienne Belgique)
Rien ne semble pouvoir enrayer la marche triomphale de The National. Quelques mois après avoir comblé ( ?!) l'AB, c'était l'arène de Forest qui accueillait ce mardi 15 février ces Américains à la notoriété grandissante. Aussi à l'aise dans un espace confiné que dans d'imposantes structures, les cinq New-yorkais affichent à présent l'assurance des grands de demain. Alors, prêts pour les stades?
Alors que la salle finit de se remplir de malheureux comme votre serviteur, retenus en otage par les tentaculaires artères Bruxelloises ankylosées en ce jour par une action de grève des transports en commun, le set commence en force par l'hymne fédérateur qu'est devenu « Anyone's ghost ». Incontournable chanson extraite de « High Violet » qui d'emblée fixe les ambitions d'un combo jouant en terrain conquis. Imparable et parfaitement ajusté, le show ne laisse plus vraiment place à d'éventuelles surprises. Comme un film connu par cœur et qu'on adore visionner, encore, et encore, et encore, dont tous les éléments déjà identifiés génèrent quand même les mêmes émotions. Dès lors, le concert tient autant de la représentation que de la performance.
Oui, le vin blanc coule à flots dans le gosier du chanteur et c'est pour lui permettre de s'effacer plus profondément dans sa bulle afin de trouver l'énergie nécessaire à cette redite quasi quotidienne. Car, qu'on ne se méprenne sur mon propos, The National est et reste un des groupes majeurs de la scène actuelle et sa popularité sans cesse grandissante n'entame en rien la force de sa musique. Mais depuis des mois, le groupe se donne entièrement au travers de dizaines et de dizaines de dates, qui au bout du compte, ne font qu'user le physique et le mental d'un groupe fantastique sur les épaules duquel repose pas mal d'espoirs, mais aussi d'ambitions. Et pourtant, impossible de les prendre en défaut. « Bloodbuzz Ohio », « Appartement Story » et « Abel » dégagent à chaque occasion la même vague d'enthousiasme de la part du public, tandis que les plus intimes « Slow Show » ou « Afraid of everyone » ne manquent pas de dresser les poils au garde-à-vous.
Le rappel, rituel conventionnel, s'il en est, voit toujours Mr. November s'époumoner et descendre dans la marée humaine à l'occasion d'un « Terrible love » habité, pour le plus grand bonheur des jeunes filles en pâmoison.
Etonnamment, le concert se termine encore par un « Vanderlyle » acoustique, nonobstant la taille de la salle, peu sujette à ce genre de performance en catimini. Mais toute la force de The National est justement de canaliser la fougue pour l'étouffer dans un écrin d'émotions à vif. L'assistance ne pouvant que suivre l'exemple, le silence total envahit donc un FN conquis.
Pour ma part, de la place occupée tout au long de la soirée (la faute aux bouchons!), j'ai eu la désagréable impression de me farcir une vielle cassette pirate. Heureusement, je me suis fait mon idée depuis longtemps. The National peut devenir énorme, il restera sans conteste un de mes groupes préférés. En espérant que le succès n'entame pas son génie.
Organisation: Live Nation
(Voir aussi notre section photos)
Fran Healy est l’auteur/chanteur/compositeur du groupe Travis, depuis 15 ans. Il y a quelques mois, l’homme coiffé d’un chapeau style Indiana Jones décide de faire cavalier seul. Il prend des vacances par rapport à Travis et sort en octobre 2010 un album calme et intimiste. Une petite dizaine de titres et un bonus track. « Wreckorder » reçoit un accueil des plus chaleureux de la part de ses ‘concurrents’ mais néanmoins admirateurs (dixit Chris Martin) et des félicitations de ses fans au nombre desquels McCartney himself.
L’Ancienne Belgique s’était drapée de rouge pour accueillir cet orfèvre de la belle chanson pop. La configuration théâtre était de mise et les + ou - 400 personnes (seulement) présentes étaient toutes assises gentiment pour écouter le récital d’un homme seul à la guitare.
Pour s’assurer le bon fonctionnement du micro et de l’amplification, Foley, songwriter new-yorkais, occupe, pour quelques instants seulement, la place de Fran. Tout en douceur, la soirée débute. Un peu timide au début, le garçon prend de l’assurance et ses titres hésitant entre pop et folk se laissent facilement écouter. Quelques commentaires, uniquement en anglais (il s’excusera de ne pas parler un seul mot de français) font la transition avec un humour grandissant entre chaque morceau. Huit titres et quelques trente minutes plus tard, il change de place et va s’installer derrière la console pour celui qui le suit sur scène. Petite tournée, petits moyens…
Fran Healy sans Travis, c’est un peu comme une bonne tartine mais sans rien dessus pourrait-on croire, et pourtant…
A peine entré en scène, seul avec pour seule compagnie, sa guitare, il met immédiatement le public dans sa poche en discutant simplement, amicalement, saupoudrant le tout d’une bonne dose d’humour. Et pour parler, il parle ; ce sera d’ailleurs une constante toute la soirée. Parler, chanter, rigoler, chanter, partager, chanter, blaguer, chanter, …
Pour être sûr de ne rien oublier, il a même un ‘copion’ dans la poche arrière de son pantalon. Copion qu’il sort après chaque titre pour savoir où il est en dans ses explications. Il s’excuse d’entrée d’être venu seul et nous remercie d’avoir apprécié son album solo qu’il interprétera intégralement, agrémentant son set de nombreux commentaires, parlant de son band qui lui reproche justement de bavarder trop et de perdre du temps, alors que ses musiciens ont envie de jouer, de Paul McCartney qui lui a fait l’honneur d’enregistrer quelques partitions de basse sur quelques morceaux, de Berlin où il habite maintenant et où des chiens laissent leurs cr… face à sa porte d’entrée, de son fils de 4 ans qui lui demande sans cesse de chanter « Fly in the Ointment », de la maladie d’Alzheimer qui lui a inspiré « Rocking Chair » et j’en passe.
Tout un chacun apprécie cette grande simplicité et cette bonne humeur communicative. Une bonne heure se passe sans que l’on s’en aperçoive. Le mariage guitare sèche et voix chaude plonge toute l’assemblée dans le rêve, la poésie, la contemplation. Et Francis de terminer son petit répertoire personnel de 10 chansons toutes fraîches. Il n’est que 22 heures. Trop tôt pour se dire au revoir pense-t-il tout haut. Le néo-Berlinois nous propose alors de piocher à notre gré dans le répertoire de Travis pour quelques morceaux interprétés en acoustique. « Closer », « Side », « Driftwood », et quelques autres titres choisis par le public clôtureront cette soirée.
Les deux dernières chansons seront encore plus dépouillées que les précédentes. Aucun micro, aucune amplification ! Rien que sa voix et sa gratte. Fran poussera alors l’intimité jusqu’à sa dernière limite. Un régal !
A voir si vous en avez encore l’occasion, sans aucun doute !
(Organisation AB)
Trois concerts étaient prévus ce jeudi 13 octobre, à la Rotonde du Botanique. Soit celui de Belleclose, alias Catherine Thieron, de la formation écossaise Broken Records et du quintet new-yorkais Freelance Whales. Et paradoxalement, malgré le peu de notoriété de ces artistes, la salle était à la limite du sold out.
Catherine Thieron a donc choisi Belleclose pour patronyme de son projet solo. Et elle ouvre le bal. Elle est de nationalité belge et chante en s’accompagnant à la guitare acoustique. Au cours de son set, elle enchaîne ses compos minimalistes, mais sur un ton bien trop monocorde à mon goût. D’ailleurs elle ne parvient guère à susciter l’intérêt des spectateurs. Pourtant, elle quitte l’estrade sous les applaudissements du public ; mais on ne peut pas dire qu’elle ait convaincu votre serviteur. Banal !
A peine 20 minutes plus tard, Broken Records monte sur les planches. Les Edimbourgeois opèrent leur retour à la Rotonde, un an après leur premier passage, accordé face à 14 personnes, comme ils le signaleront durant le concert. Le début de set des Ecossais est intense et électrique. Le tracklisting épingle une majorité de titres issus de leur dernier album, « Let me Come Home ». Et leur adaptation en ‘live’ est irréprochable. Leur lyrisme me rappelle parfois Arcade Fire. Au cours du show, les musiciens s’échangent leurs instruments : le clavier pour une trompette ou la guitare pour une mandoline, par exemple. Ce qui ne nuit jamais à la qualité de l’ensemble. Faut dire que le combo connaît parfaitement son sujet. Au bout d’une petite heure, les musicos abandonnent la scène à Jamie Sutherland, qui se réserve alors quelques morceaux en solo. Parfois uniquement soutenu par le violoniste. Ce qui lui permet de bien mettre en évidence sa voix haut perchée. En fin de parcours, le band revient sur l’estrade afin d’interpréter quatre derniers titres…
Pratiquement inconnu en Europe, Freelance Whales a publié son premier elpee, « Weathervanes », fin de l’année dernière. Le quintet monte sur les planches, en toute décontraction. Le climat entretenu tout au long de leur set est totalement différent du précédent. Il est nettement plus coloré et enjoué. Les harmonies vocales se conjuguent à la perfection. Malgré le format pop de leurs chansons, les Américains prennent un malin plaisir à brouiller les pistes, en s’autorisant, de temps à autre, l’une ou l’autre incursion dans le psychédélisme. Ce qui n’empêche pas la prestation de couler de source. Point d’orgue ? Leur single « Generator 2nd Floor ». Dès que les premières notes retentissent, l’ambiance est alors à son comble. D’ailleurs, lorsque le groupe vide les lieux, on sent que le public est ravi. Les musicos n’ont pourtant pas le temps de reprendre leur souffle. Car dès qu’ils quittent la scène, c’est pour foncer sur leur merchandising qui est alors assailli par l’auditoire sortant directement de la salle…
(Organisation Botanique)
Trois concerts étaient prévus ce jeudi 13 octobre, à la Rotonde du Botanique. Soit celui de Belleclose, alias Catherine Thieron, de la formation écossaise Broken Records et du quintet new-yorkais Freelance Whales. Et paradoxalement, malgré le peu de notoriété de ces artistes, la salle était à la limite du sold out.
Catherine Thieron a donc choisi Belleclose pour patronyme de son projet solo. Et elle ouvre le bal. Elle est de nationalité belge et chante en s’accompagnant à la guitare acoustique. Au cours de son set, elle enchaîne ses compos minimalistes, mais sur un ton bien trop monocorde à mon goût. D’ailleurs elle ne parvient guère à susciter l’intérêt des spectateurs. Pourtant, elle quitte l’estrade sous les applaudissements du public ; mais on ne peut pas dire qu’elle ait convaincu votre serviteur. Banal !
A peine 20 minutes plus tard, Broken Records monte sur les planches. Les Edimbourgeois opèrent leur retour à la Rotonde, un an après leur premier passage, accordé face à 14 personnes, comme ils le signaleront durant le concert. Le début de set des Ecossais est intense et électrique. Le tracklisting épingle une majorité de titres issus de leur dernier album, « Let me Come Home ». Et leur adaptation en ‘live’ est irréprochable. Leur lyrisme me rappelle parfois Arcade Fire. Au cours du show, les musiciens s’échangent leurs instruments : le clavier pour une trompette ou la guitare pour une mandoline, par exemple. Ce qui ne nuit jamais à la qualité de l’ensemble. Faut dire que le combo connaît parfaitement son sujet. Au bout d’une petite heure, les musicos abandonnent la scène à Jamie Sutherland, qui se réserve alors quelques morceaux en solo. Parfois uniquement soutenu par le violoniste. Ce qui lui permet de bien mettre en évidence sa voix haut perchée. En fin de parcours, le band revient sur l’estrade afin d’interpréter quatre derniers titres…
Pratiquement inconnu en Europe, Freelance Whales a publié son premier elpee, « Weathervanes », fin de l’année dernière. Le quintet monte sur les planches, en toute décontraction. Le climat entretenu tout au long de leur set est totalement différent du précédent. Il est nettement plus coloré et enjoué. Les harmonies vocales se conjuguent à la perfection. Malgré le format pop de leurs chansons, les Américains prennent un malin plaisir à brouiller les pistes, en s’autorisant, de temps à autre, l’une ou l’autre incursion dans le psychédélisme. Ce qui n’empêche pas la prestation de couler de source. Point d’orgue ? Leur single « Generator 2nd Floor ». Dès que les premières notes retentissent, l’ambiance est alors à son comble. D’ailleurs, lorsque le groupe vide les lieux, on sent que le public est ravi. Les musicos n’ont pourtant pas le temps de reprendre leur souffle. Car dès qu’ils quittent la scène, c’est pour foncer sur leur merchandising qui est alors assailli par l’auditoire sortant directement de la salle…
(Organisation Botanique)
En congé temporaire de ses camarades de Cursive et The Good Life, Tim Kasher trace la route, en solitaire. Ou presque. Pour la tournée promo de son premier LP solo, « The Game Of Monogamy », le bon pote de Conor Oberst a emmené dans ses valises Mexican Elvis, une petite formation pop-rock teutonne aux compos simples mais efficaces. Ce dimanche 13 février, Kasher et ses ‘special guests ‘effectuaient un passage (très) discret sur les planches de la Rotonde du Botanique.
Lorsque je débarque au sein d’une Rotonde quasi-déserte, le set de Mexican Elvis est déjà arrivé au beau milieu de son parcours. Drivé par le Londonien Peter Hall, ce quatuor a été formé à Munich et implique trois autres musicos allemands. La salle ne compte pas beaucoup plus d’une quarantaine de mélomanes. Mais les musiciens ne se laissent pas miner pour autant et jouent les extraits de « John Frum Alaska », leur dernier opus, un sourire aux lèvres. Entre deux chansons, Hall prend ce grand vide à la plaisanterie, présumant que les gens sont restés planqués chez eux pour mater le feuilleton policier du dimanche. La brève prestation s’achève par l’excellent « Drop Hawaii », long de 7 minutes et « The Washington D.C. », un nouveau single doté d’un haut potentiel radiophonique.
Tim Kasher, rasé de près, ne se fait pas attendre très longtemps. Normal. En guise de backing band, le singer-songwriter s’offre les services de son support act, Mexican Elvis. Pas de sound-check tiré en longueur donc. Et une entrée dans le vif du sujet, devant un public pas beaucoup plus nombreux qu’une heure auparavant. Les morceaux extraits de « The Game Of Monogamy » s’enchaînent naturellement mais la qualité des nouvelles compos du chanteur est assez inégale. Certains titres partent dans tous les sens, ce qui dessert la voix particulière et affectée de Kasher. Heureusement, le chanteur effectue un petit tour d’horizon au sein la discographie de ses deux autres formations, The Good Life et, surtout, Cursive dont il interprète une version retravaillée et fort réussie de l’irrésistible « The Recluse ». Au bout d’une bonne quarantaine de minutes, Kasher se retire non sans avoir effectué un court rappel. Même si le set n’était pas à la hauteur de ses prestations antérieures, Tim, soutenu par son backing band, s’est dignement démené. Et ce malgré l’absence d’un public qui a manifestement préféré passer son dimanche sous sa couette…
(Organisation : Botanique)
Avant… mercredi 16h00
Le plus hétéroclite des groupes belges avait donné rendez-vous à ses aficionados, au beau milieu de l’hiver. Histoire de réchauffer les cœurs sans doute. Où ? A l’Ancienne Belgique de Bruxelles.
Belge ? Hétéroclite ? Kékséksa pour un charabia ? Explications svp ! Et bien, outre le fait qu’ils vivent à Bruxelles depuis plusieurs années et que c’est dans notre capitale qu’ils se sont rencontrés, les trois membres du combo n’ont pas la moindre goutte de sang noire-jaune-rouge qui coule dans leurs veines. Chanteur/guitariste, Matthew Irons est anglais. Bassiste, Romain Descampe, français. Et drummer/claviériste, Egil ‘Ziggy’ Franzén, suédois. Bref un vrai band de chez nous !!! Mais puisqu’ils souhaitent être considérés comme tels, ne boudons pas notre plaisir. Pas de fausse modestie…
Depuis la sortie de leur superbe second album, j’attendais impatiemment de les revoir à l’œuvre. En effet, en 2008, à Lessines, j’avais eu la chance de les découvrir (et du coup d’acheter leur premier Cd) lors d’une première partie, excellente par ailleurs, programmée dans le cadre d’un concert accordé par Mud Flow, une vraie formation belge celle-là.
C’est à présent leur tour d’occuper le devant de la scène. Comme leur album, « Something You Might Like », les a propulsés bien haut dans les charts, Puggy remplira trois fois une des meilleures salles de concert du royaume. Après le set de ce soir, deux dates figurent encore à l’agenda : les 21 mars et 19 avril prochains. Si vous n’avez pas encore votre sésame, il est inutile de nourrir des regrets, tout est sold out depuis un bout de temps déjà. Pas de chance, c’est ainsi ! A la limite il vous restera encore le 22 avril, au Magdalenazaal de Bruges (Intergalactic Lovers en assurera la première partie), mais faudra pas trop tarder...
Après… jeudi 16h00
En première partie de ce concert tant attendu, Kiss & Drive (vainqueur du Concours Circuit) est chargée de faire patienter le public conquis d’avance de l'AB. Force est de constater qu’Elisabetta Spada, jeune chanteuse italienne installée à Bruxelles depuis 5 ans n’est pas qu’une jolie voix. Elle est également responsable des très belles compositions qui oscillent entre pop et folk. Seule sur les planches, en s’accompagnant à la guitare ou à l’ukulélé, c'est aussi un phénomène sur scène. Dynamique à souhait, la communication est directement établie avec ceux qui ne traînent pas au bar ou ailleurs. Une petite demi-heure, de 20h00 à 20h30, lui suffit pour convaincre les centaines de curieux ébahis tant par la qualité des compos que par l’interprétation.
Juste un petit coup de balai sur le podium, aucun réglage et à peine un gros quart d’heure plus tard, le trio ‘bruxellois’ pénètre dans l’arène à la grande joie des 2 000 fans présents. Durant cette brève interruption, quelques membres du fan-club se dispersent dans le public afin de distribuer des bracelets fluo et dispenser quelques explications nécessaires pour créer l’événement… Un flash mob durant le 3ème titre « I do ». C’est y pas gentil ça ?
Puggy entame son set par « Empty Street », avant d’attaquer « Goddess Gladys » qui met directement le feu aux poudres. Enchaînant par « I do », les trois membres feignent alors la surprise totale lorsque des centaines de bras se lèvent pour un ballet à peine ‘improvisé’. A cet instant, déjà un doute m’envahit. Où sont l’authenticité, la spontanéité, la fraîcheur et la naïveté qui m’avaient épaté lors de leur premier passage sur scène, trois années auparavant ? Bien de l’eau a visiblement coulé sous les ponts. Et pour cause, le trio truste les places d’honneur dans les charts et occupe maintenant le haut de l’affiche. Remplir 3 fois l’AB n’est pas à la portée du premier venu, ok. En 2011, Puggy est devenu une véritable machine à (re)produire des hits pop.
Entamé à 20h50 précises, le show va s’étaler sur plus de 90 minutes pour s’achever au-delà de 22h30. Durant ce laps de temps, la quasi-intégralité (hormis la jolie ballade trop calme sans doute, « Unimaginable ») de leur second elpee sera reproduite de manière parfaite. Mais également cinq compos issues de leur premier album, « Dubois Died Today », et « Not A Thing Left Alone », une plage parue sur un Ep précédant la sortie de « Something you Might Like ». Sans oublier la cover du « Father And Son » de Cat Stevens, repris de manière impeccable et légèrement retravaillée pour la BO du film « Largo Winch 2 » ; et enfin pour terminer le concert de façon surprenante, Aka Moon, un autre trio, bien connu des amateurs de jazz, vient les rejoindre sur l’estrade pour interpréter en final « I Want You » des Beatles (à voir sur http://www.youtube.com/watch?v=skiaPS2qU7s ). Y’a pas à dire, Puggy est devenu une belle bête.
Le trio a démontré toute l’étendue de ses qualités musicales, et ce, à chaque morceau. A la guitare acoustique, Mattew est vraiment génial. Une acoustique électrifiée. On perçoit même furtivement des relents de formation classique qui repointent, circonstanciellement, le bout du nez. Du très grand art ! Ziggy, un peu trop démonstratif et prévisible derrière ses fûts. Il a néanmoins étalé toutes ses capacités à utiliser les baguettes, mais également les claviers et… le micro. Le seul à rester un peu dans l’ombre reste Romain dont la basse se révèle, malgré tout, super efficace.
Si aucun reproche ne peut être adressé à la qualité de l’interprétation –son parfait, chant, chœurs et instruments sublimes– je reste malgré tout un peu sur ma faim car tout, absolument tout, était prévisible, le final excepté. J’insiste encore sur la qualité de l’interprétation vraiment exceptionnelle mais il m’a manqué ce petit extra qui fait d’un concert un moment magique, inoubliable…
Pourtant, la majorité des 2 000 personnes présentes ce soir y a trouvé son bonheur, chantant, dansant, frappant des mains ou des pieds durant pratiquement tout le du show. C’était, sans aucun doute, un très très bon concert. C’est apparemment votre serviteur qui doit avoir un problème !!!
(Organisation AB)
La Zone et ses murs lézardés mais solidement ancrés en bords de Meuse, accueillait ce mercredi cinq Gallois sur le chemin de la reconnaissance. Auréolés d'un succès d'estime, récolté par la grâce d'un premier album éponyme (par ailleurs chroniqué il y a peu sur notre site), ces jeunes loups aux grandes oreilles se sont malheureusement contentés, ce soir, du minimum syndical. Assurant un show linéaire, sans bravoure, ni esbroufe, ne se servant que d’une seule arme, leur savoir faire irréprochable, les WNS, nouvelle coqueluche dans le genre, ont dressé leur mur du son face à un public qui avait répondu massivement présent. Compte rendu.
Est-ce la timide amorce du printemps ou l’effet boule-de-neige produite par la hype White Noise Sound, mais le spectacle avait rameuté le Liégeois dans la tanière souterraine de ce club underground mythique? Quoiqu'il en soit, la salle était déjà bien garnie pour accueillir Wyatt E, pour son premier concert, à la surface de la terre. Nul doute que ce duo local jouit déjà d'une belle cote de popularité dans les tréfonds de l'enfer, là où se mêlent et se démêlent mille langues de démons baveuses. Descendant le Styx sur un radeau d'infortune (NDR : ah, maudit matériel, quand il vient à vous lâcher au plus mauvais moment!), le combo nihiliste s'est échiné à tailler avec détachement la pierre d'achoppement d'un genre fort peu accessible, sis quelque part entre les borborygmes de Sunn O))) et la folie ravagée d'expérimentateurs sous acide, tout en faisant fi du peu d'enthousiasme affiché par une assistance dubitative. Attitude courageuse et audacieuse, mais au final un peu vaine, même si pétrie de bonnes intentions. Mais il serait sot de condamner Wyat sur foi de cette unique représentation, dans un contexte si peu propice.
Chose surprenante pour l'endroit, il ne faut guère attendre pour voir débarquer la tête d'affiche. Pressé d'en découdre avec nous, White Noise Sound a rapidement affiché ses prétentions bruitistes. Délivré sans bavure, mais sans réelle étincelle de génie non plus, le set puissant, énergique, métronomique et hypnotique n’a fait que confirmer l'impression laissée sur disque. Un « It is there for you » mené sans faille à son faîte, un« Blood » bouillonnant ou un « No place to hide » parfaitement en place ne pouvaient que convaincre le converti. Mais difficile de réfuter les filiations plus qu'évidentes qui conduisent à la Sainte Trinité Spiritualized-Spaceman 3-Spectrum. Tout en pensant à Black Rebel Motorcycle Club. Face à tel manque d'originalité, l'audience ne montrait que peu d’engouement. Message bien perçu ‘on stage’ puisque le groupe s'est abstenu de tout rappel. « Don't wait for me », c’est le titre d’une de leur compo. Pouvaient-ils trouver plus pertinente épilogue?
Les oreilles repues, nous sommes partis nos chaumières. Hanté par cette insolente conviction que les bonnes recettes se font souvent dans les vielles casseroles.
Organisation: JauneOrange
Paru il a deux ans et des poussières, « Goodnight » révélait William Fitzsimmons à un public beaucoup plus large que celui qui s’était intéressé à ses deux premiers travaux. C’est donc sans surprise que son passage au Witloof Bar du Botanique a rassemblé autant de monde que de places disponibles. Une occasion unique de découvrir les nouveaux morceaux du barbu, dans une configuration des plus intimistes.
William Fitzsimmons est vraiment un chic type. Victime d’une extinction de la voix la veille de son passage dans notre capitale, le singer-songwriter ne s’est pas laissé démonter et a malgré tout répondu présent, plutôt qu’annuler la seule date belge de sa tournée. Sous un crâne récemment rasé et derrière sa longue barbe, qu’il arbore élégamment sur la pochette de « Gold In the Shadow », son nouvel LP à paraître fin mars, Fitzsimmons est seul sur scène. Seul, armé de ses guitares et face à son public, l’homme s’excuse avec une bonne pointe d'humour de l’état de ses cordes vocales (‘I sound like Eddie Vedder now…’) et fera preuve tout au long de la soirée d’une générosité sans pareil au niveau des échanges avec ses fans. Et côté setlist, personne n’est oublié. Le chanteur parcourt quelques morceaux de son prochain disque (les magnifiques « The Tide Pulls From the Moon » et « Wounded Head »), ainsi que de jolies reminescences de sa discographie antérieure (« If You Would Come Back Home », « Everything Has Changed », « After Afterall », « It’s Not True »…)
William Fitzsimmons pratique la thérapie par le chant sans tomber dans le lugubre. Car malgré le ton profondément pathos des compositions du folkeux, celui-ci fait preuve d’une bonne humeur communicative, même lorsqu’il parle de son ‘état de dépression chronique’. Pour le rappel, il termine son set en plein milieu du parterre, entouré de sa petite centaine de thérapeutes, pour lesquels il interprète une petite série de requests dont « Afterall » et sa fameuse reprise du « Heartless ». Malgré ses problèmes vocaux, Fitzsimmons a offert ce soir un superbe concert d’1h15 qui restera vraisemblablement autant gravé dans les esprits du public que de l’artiste lui-même. Ce dernier devrait être de retour plus tard dans l’année, accompagné de ses musiciens. On y sera à nouveau sans hésitation !
Organisation : Botanique
Il s’agit sans conteste d’un des combos les mieux notés par la presse spécialisée en 2010. Encore relativement inconnu lors de la publication de l’Ep « Summertime ! », fin 2009, The Drums a d’abord conquis la planète blog, avant que ses mega-tubes, « Let’s Go Surfing » et « Best Friends », lancent l’assaut final. Depuis, les New-Yorkais se sont naturellement imposés comme l’une des formations les plus incontournables de la scène indie. Pour preuve, un passage à la Rotonde lors des Nuits Botanique 2010, sold out en un temps éclair, suivi quelques mois plus tard par un petit tour sur les podiums d’enceintes à la capacité largement plus conséquente. C’est donc l’AB, configuration salle, qui accueillait le quatuor pour l’avant-dernière date de sa tournée mondiale.
Succès mitigé mais succès quand même pour le spectacle de The Drums à l’Ancienne Belgique. Vers 20h40, l’espace n’est encore qu’à moitié rempli et n’atteindra, une vingtaine de minutes plus tard, que les trois quarts de sa capacité. Examen oblige ? Une situation qui ne va pas empêcher Jonathan Pierce, Jacob Graham et leurs deux bras droits, Kessler et Hanwick, d’enchaîner les petites perles pop qui étayent « Summertime! » et le disque éponyme. Vêtu d’un T-shirt à la gloire d’Island, label du combo, Pierce s’avance sans se presser tandis que les premières notes de « Best Friend » provoquent les premiers sursauts d’allégresse dans le parterre. S’enchaînent ensuite « Submarine », « Book Of Stories » et « Make You Mine », sans réel remous. La formation arrive au bout de sa longue épopée autour du monde et on le ressent un peu trop.
Le set est un peu linéaire et mené avec beaucoup moins d’entrain que lors, par exemple, de leur prestation accordée sur les planches du Pukkelpop. Les singles « Let’s Go Surfing » et « Me And The Moon », interprétés en milieu de parcours, ajoutent un peu de relief à l’ensemble ; mais le thermomètre chute à nouveau lorsqu’ils embrayent sur un « I Need Fun In My Life » sans provoquer la moindre étincelle. Au bout de 50 minutes, le quatuor se retire après un rappel limité à la ballade « Down By The Water », alors que l’on était en droit d’attendre un final un peu plus relevé. Des « I Felt Stupid » ou « Saddest Summer » auraient facilement fait l’affaire… Allez les gars, rentrez à New York vous reposer un peu…
Setlist :
Best Friend
Submarine
Book Of Stories
Make You Mine
Let's Go Surfing
Me And The Moon
I Need Fun In My Life
Don't Be A Jerk, Johnny
We Tried
Forever And Ever Amen
Baby, That's Not The Point
The Future
Down By The Water
(Organisation : Live Nation)
Ce lundi 13 décembre, le Bota était plein à craquer. Et pour cause, Gonjasufi, phénomène hype du label Warp, se produisait à l’Orangerie. A la Rotonde, le discret Matthew Dear était venu défendre son second opus solo, « Black City ». C’est sur le set de l’Américain que mon choix s’est porté. Une bonne initiative, apparemment, car d’après les échos recueillis à l’issue de leur prestation, Gonjasufi c’était naze. Ou si vous aimez les vannes : ‘Gonj ça suffit’…
En première partie, Pinguin Prison tente de chauffer une salle encore vide. Pinguin Prison, c’est le projet d’un New-yorkais. Mais en live, il est flanqué d’un backing group. Progressivement, le public va investir les lieux, pour assister à une prestation finalement intéressante. Nonobstant les interventions un peu lourdes du vocaliste et les références à George Michael ainsi qu’aux sonorités 90’s, le son est efficace, les riffs bien balancés et on a envie de remuer. Un artiste à suivre (NDR : son album devrait bientôt paraître chez Wall Of Sound).
Une mélodie ténébreuse envahit l’espace sonore. Enfin, Matthew Dear fait son apparition. Et surprise, le Texan n’est pas venu seul. Il est soutenu par un trompettiste (NDR : également électronicien), un drummer et un bassiste. Dear se chargeant de la guitare, des bruitages, des claviers et du chant. « Black City » constitue à ce jour son opus le plus sombre. L’atmosphère qui règne ce soir dans la Rotonde l’est tout autant. Eclairage tamisé, pas de couleurs vives. Du noir et du blanc. A l’instar des vêtements de Matthew, qu’il porte avec élégance. Les titres du dernier elpee défilent. Ils constituent la trame du concert. « Honey » ouvre le set. Un morceau qui donne le ton. Dear se lâche sur le terrible et impeccable « Monkey ». Le public ne s’attendait pas à une telle mise à feu. Et il remue déjà. Les titres défilent. Racés, ils sont interprétés à la perfection ; mais on n’aura plus droit, au cours du show, à une compo aussi percutante que celle dispensée en début de parcours. Dommage ! Ce qui ne nous empêchera pas de se régaler des interventions vocales de Dear. Ou de celles, particulièrement profondes, du trompettiste. Deux pôles d’attraction qui, ce soir, font la différence. « Little People (Black City) » ou encore « You Put A Smell On Me » font des ravages et propulsent l’électronicien définitivement dans un autre monde. Dear quitte la scène. C’était un bon concert auquel ont participé le corps et l’esprit. Et Gonjasufi c’était comment encore ?
Organisation : Botanique
Un vieux fauteuil. Quelques lampes vintage. Des fleurs, des fleurs, encore des fleurs. Illuminées. Des fleurs qui s’inscrivent sur un wallpaper 70’s planté de cadres rétros. Un décor home qui plonge les yeux du spectateur dans le monde intime de Julia et Angus. Un communautarisme hippie qui vous invite à la maison. Un spectacle privilège qui vous convie, confortablement assis sur les sièges de l’AB, à une session ‘privée’ (sold out !) des frères et sœurs australiens. En guise de carton d’invitation, un ‘We love you !’ lancé aux oreilles qui veulent l’entendre.
Intimisme. Un mot conforme à l’atmosphère et au style folk-rock des six musiciens présents ce soir sur les planches de l’Ancienne Belgique. Deux voix exceptionnelles, celles d’Angus & Julia Stone, capables de meubler une salle à elles seules de leurs tessitures sans cesse à la limite de la rupture. Parfois déchirées, parfois veloutées, elles s’harmonisent tendrement sur un fond de guitare et de cordes lointaines… Le bateau à la dérive ne s’échoue jamais. Sans cesse protégé par les souffles en écho des deux frangins. Une alternance vocale sublimant des mélodies instables qui longent les côtes de Fleetwood Mac et Joanna Newson. Quelques chansons faciles magnifiées d’un duo guitare/voix complémentaire qui déchire nos émotions et frappe nos cœurs de sérénité. Une tempête calme où la voix dominante donne le ton et propulse les mélodies au second plan. Et, fort heureusement, les paroles hippies ‘cliché’ aussi. Un groupe qui joue la carte de l’émotion et arrive à la faire vibrer. Sans grande musique, sans grandes lettres. Simplement, les Stones architecturent une belle musique à remonter le temps qui balade nos mémoires dans les profondeurs abyssales de nos souvenirs. Elle flatte l’âme, la réconforte.
Les mélodies fragiles s’enchaînent et alternent. Tandis que Julia chante « For You » et rentre dans une tendre communion avec le public, Angus, d’un ton contrasté stoner, dénote et nous balance un « Yellow Brick Road » angoissé. Titre où le chanteur expose le timbre d’Al Stewart sous les coups de guitare staccato de Neil Young voire Tom Verlaine. Une chanson pour elle, une chanson pour lui. Elles dissemblent et se rassemblent. Naturellement.
Un anti-folk australien de bonne facture qui ne joue jamais trop haut ni jamais trop bas.
(Organisation AB)
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