Six ans après « Panorama », le chanteur cinéaste au cœur battant Vincent Delerm élargit encore son travelling sentimental en gravant « La Fresque ».
Un huitième album dont la chanson-titre parlée, sur un arrangement tout en palpitations électroniques et cordes emportées signé French 79, tient lieu de générique de début.
L’ouverture d’une longue fresque en quatorze tableaux qui défilent et autant de variations musicales, de la pop empourprée et orchestrale aux ballades bleu-nuit, enveloppe d’ombres et de lumières réalisée par Jean Sylvain Le Gouic (Juveniles), Paco Del Rosso, French 79 et Rémy Galichet (également aux arrangements), pour des textes où résonne comme jamais tout l’art delermien ultrasensible.
Il y est question de la vie, la mort, l’amour, d’un lonesome cowboy et des solitaires qui font nombre sans le savoir, d’un mot japonais qui dit l’exaltation des rencontres, d’un Paris d’illusions et des Pyrénées du pire des drames, et même de Madonna.
Fragments d’existences, la sienne et celle des autres, de visages et de voix en kaléidoscope qui forment un tout. Une fresque. Inoubliable.
Le clip du titre maître est à voir et écourter là
L'artiste belge Lucie Valentine dévoile « Minuit Moins Toi », le titre phare de son nouvel Ep éponyme. Une chanson touchante, lumineuse, qui célèbre le moment de bascule : celui où la douleur laisse place à la paix après une séparation.
Née d’un atelier d’écriture dirigé par Claude Lemesle (Joe Dassin, Sardou…), écrite derrière son piano et révélée sur les réseaux avec près de 90 000 vues, « Minuit Moins Toi » séduit par sa sincérité et son élégance. ’univers de Lucie Valentine évoque Françoise Hardy, Juliette Armanet, avec une production sobre et soignée.
Lucie Valentine affirme ici une écriture plus mûre, toujours accessible, s’adressant directement aux cœurs et aux expériences de chacun. Les mots sont simples mais puissants.
Ce nouvel opus, arrangé par Antoine Dandoy et Thibaud Demey, incarne la force derrière les fragilités de l’artiste, traversant le chaos émotionnel pour retrouver la lumière et l’amour de soi. Lucie Valentine s’attache à l’essence de la vie et des liens qui la façonnent, même face à l’adversité.
Un Ep cinq titres intimes, doux et profonds à la fois.
Le clip de « Minuit Moins Toi » est disponible ici
Le groupe parisien Ellside présente « Run Away », son concept album naviguant entre ombre et lumière pour un voyage qui durera un an. Une lente année pour dévoiler 6 chapitres de 2 chansons, 12 titres qui narrent l'histoire de Light.
Le groupe invite les auditeurs à suivre son personnage principal pendant une quête personnelle, introspective et viscérale, inspirée de l'univers de Dante.
A l'heure des singles éphémères sur les plateformes, le groupe fait un choix sérieux : servir une histoire complète mais ‘feuilletonnante’ qui développe un propos universel et supérieur. À travers le regard de Light, personnage en chute libre, le groupe explore les tourments intérieurs, la fuite, l’oubli et la résilience.
Portée par une musique oscillant entre punk californien et heavy metal, de Offspring à Metallica, à bon escient, selon l'éclairage de l'histoire et les émotions, « Run Away » est une descente en soi-même où chaque morceau devient un cri, une confession, une tentative d’éveil. Entre la dépression et le retour de la confiance en lui, Light traverse quatre lourdes étapes : l'inappétence, la colère, la témérité et l'optimisme. Dès « Without a word », le décor est planté. Light est en choc affectif profond à la suite d’une rupture amoureuse brutale. ‘Without a word... I try to let you know, Without a word... How hard you hurt me cause you never showed. Without a word...’
Light court, sans savoir s’il fuit ou s’il espère, dans son obscurité mentale. Ellside tisse une bande-son cinématographique où le rock flirte avec l’émotion pure. L’opus montre une cohérence narrative et une sincérité brute, capturant la complexité des états d’âme de son protagoniste. Chaque chanson est une pièce d’un puzzle mental où se cachent l’espoir, la fuite, l’amour, et l’oubli.
« Welcome Back » est à écouter ici et le clip consacré à « Without a word » là
Margaux Jaudinaud, illustratrice multi-casquettes et binôme du groupe Ottis Cœur, se lance en solo sous le nom de Vera Daisies.
Après avoir ouvert pour The Libertines, Tess Parks ou encore le band londonien Sorry, elle dévoile un premier titre incisif, "Chess Game". Produit aux côtés de Geagea, mixé par Alex Farrar (Wednesday, Snail Mail) le morceau trace une ligne claire : guitare tranchante, influences rock 90s assumées, et une écriture frontale qui transforme les désillusions amoureuses en cris d’émancipation. Un projet solo où l’image dialogue avec le son, porté par une énergie brute et sans concession.
Entre nostalgie adolescente et mélancolie amoureuse, "Chess Game" parle de ces connexions qui ressemblent à des parties d’échecs : complexes, stratégiques, parfois trop cérébrales pour laisser place à la spontanéité.
La sortie de "Chess Game" s’accompagne d’une proposition visuelle forte : une série de mini dessins-animés diffusés sur les réseaux sociaux de l’artiste, ainsi qu’un vizualiser au ton singulier. Réalisé par l'artiste, il met en scène la musicienne en gros plan, impassible, tandis qu’en arrière-plan, une ville s’effondre dans un chaos coloré, peuplé de références à la pop culture. Ce contraste entre l’intime et le spectaculaire propose une double lecture du morceau : celle d’un amour hésitant, vécu et raconté dans un monde qui vacille.
En transposant ce décalage entre émotion personnelle et climat collectif, Vera Daisies interroge avec poésie la place de la vulnérabilité dans un contexte social et politique tendu et affirme une voix singulière, autant musicale que visuelle.
"Chess Game" est un morceau indie rock aux influences pop évidentes. Produit en explorant les outils de production actuels (autotune, glitchs) il garde pourtant une essence 90’s bien assumée.
Le clip est à voir et écouter là
Après des années de chaos et de réinvention, Pure Carrière revient avec « Farfouiller », une ode brute, étouffante mais libératrice à l'ennui, au chaos et à la mort.
Née des racines du slacker punk, cette pièce marque un nouveau départ et un retour en force. « Farfouiller » n'est pas qu'un simple single, c'est l'étincelle d'une seconde vie pour le groupe québécois.
Composée à l’aide de vieux instruments cassés qui parviennent à peine à émettre un son, à moitié arrachée à un rêve dont on a du mal à se souvenir ; dans bien des cas, sauvée de justesse des bras de l'oubli ou d'un vieil ordinateur portable qui ne s'ouvre plus.
La musique de Pure Carrière, décontractée et psychique, est rafistolée ici et là, rongée, ballottée, décantée, repensée. Elle s'enorgueillit de l'instinct, de l'erreur et de l'absence de finalité.
Le single est en écoute là
Groupe de rock poétique incisif, enflammé, tumultueux, exalté, tranchant, Fine Lame convoque le rock français à appétence littéraire et la tradition du spoken word anglo-saxon.
Le groupe a sorti un premier Ep 5 titres le 29 novembre 2022 qui évoque tant le désenchantement historique, la fin de siècle, la mélancolie contemporaine, que l’envoûtement spectral de la nuit.
Il dévoile aujourd’hui un second Ep, « Vivre comme on éclaterait », recelant 6 titres en français, enregistré et mixé par Thomas Lascoux au studio La Kapsule.
Recueil habité de visions hallucinées servies par des instrumentaux enlevés, il s’autorise aussi des morceaux plus tendres, tel que le lancinant « Peines perdues ».
En lorgnant mélodiquement presque du côté de la chanson française, il en explore ses possibilités de diffraction par le spoken word (« Renverse le soleil sur la table »), voire le jazz, influence notable sur la ballade en cinq temps Librement, comme un cri. L’Ep culmine lors de la folle embardée crépusculaire « Cha-cha-cha de L’Apocalypse » et le morceau-titre, point d’orgue incendiaire d’un objet tiraillé entre colère, tristesse et extase.
Le clip du « Cha-cha-cha de L’Apocalypse » est à découvrir là
Flora Fishbach, la muse ardennaise au timbre envoûtant, nous convie à une descente vertigineuse dans les profondeurs avec son nouveau single. Il s’ouvre sur une phrase qui résonne tel un mantra : “Je plonge dans les abysses comme Jean Reno”. Et, ô merveille, l’acteur français, icône intemporelle du Grand Bleu, s’invite dans cette aventure sonore pour un 'featuring' aussi inattendu qu’inspiré. À travers ses murmures graves et réconfortants, Jean Reno guide un oiseau de nuit égaré dans les méandres d’un enfer nocturne, lui soufflant avec tendresse : “Il te faut reprendre ta place… Quoi que tu fasses... N’oublie pas qui tu es…”.
La musique, elle, s’élève comme une vague irrépressible, nous ramenant avec délectation aux échos glorieux de la new wave. Les rythmiques pulsantes évoquent les émois électrisants de Bronski Beat, tandis qu’un break audacieux dévoile un hommage subtil, presque clandestin, à Giorgio Moroder. Là, surgissent les voix, qui semblent murmurer l’écho de “I Feel Love”, portées par des chœurs célestes qui ouvrent une brèche vers un univers mystique, où les étoiles dansent avec les âmes errantes. Un voyage où chaque note semble tissée de profondeur et de nostalgie.
Depuis sa révélation il y a 10 ans, Flora Fishbach, qui a maintenant ajouté son prénom à son nom d'artiste, n’a jamais masqué son amour fervent pour les années 80, sculptant un style rétro-futuriste foncièrement original. Cette esthétique, à la croisée du passé et de la modernité, a inspiré des artistes comme Clara Luciani et Juliette Armanet. Avec ce nouveau titre, porté par la présence magnétique de Jean Reno, on ne peut s’empêcher d’espérer qu’il devienne son “Reno-la Gay”...
Mise à jour du 24 juin 2025:
Le nouvel album, intitulé « Val Synth », sortira le 12 septembre. La musique a été composée par la chanteuse en collaboration avec AGLE (@agle.music), le musicien basé à Barcelone, donc on peut s'attendre à une orientation très “synthwave”, inspirée des années '80. Les paroles ont été écrites par Flora en compagnie d'Arthur Navellou et du parolier 'Casual Melancholia'. Le son a été dessiné par Michael Declerck (@michaeldeclerck) au studio La Briche, près de Tours.
Pour écouter le single, c'est ici ou là. Pour lire les interviews de Fishbach, c'est ici.
Mise à jour du 21 août 2025:
Flora Fishbach a divulgué un nouvel extrait de son prochain album: "Machavela", un titre court et ludique, inspiré du style "cabaret" et des extravagances d'artistes comme Klaus Nomi, Kate Bush ou Catherine Ringer. Flora chante de façon lyrique des onomatopées étranges, sur un tempo rapide et un rythme electro.
Pour écouter le single et regarder la vidéo, c'est ici.
Originaire de Cologne, le trio allemand Sparkling opère son retour, en partageant le single percutant en collaboration avec les icônes de l’électro Digitalism. Intitulé « Keep Running », ce nouveau titre est disponible dès aujourd’hui sur toutes les plateformes de streaming, via le label Vitamin A Records.
Après une tournée intense ponctuée de premières parties remarquées aux côtés de Metronomy et Noel Gallagher, ainsi que de passages salués aux festivals majeurs SXSW, The Great Escape et Eurosonic, Sparkling s’impose comme l’un des groupes européens les plus prometteurs de sa génération.
La formation prépare une série de nouvelles sorties et une tournée à travers l’Europe dans les mois à venir.
La rencontre entre Sparkling et Digitalism est née d’une admiration réciproque et s’est faite naturellement, après un premier remix du titre "We Don’t Want It” :
‘Nous avons rencontré Jens et Isi de Digitalism grâce à leur remix, expliquent les musicos de Sparkling. Après cette aventure, nous sommes restés en contact et avons commencé à échanger quelques idées. Soudain, Keep Running était là.’
Le morceau évoque, selon le trio, ce sentiment d’agitation qui surgit quand l’esprit refuse de se calmer.
De leur côté, les membres de Digitalism se souviennent avoir été sidérés par le son et l’écriture de Sparkling, dès 2019. Le duo explique : ‘Nous avons immédiatement voulu remixer « We Don’t Want It ». Depuis, nous avons continué à échanger et à travailler sur des idées communes. « Keep Running » est l’une des démos que nous avons finalisées récemment. Le morceau s’est construit sans effort, et nous y avons ajouté notre touche personnelle pour lui donner notre punch électro caractéristique.’
Sparkling se produira en concert à Paris, le 25 novembre, chez Supersonic Records.
Le clip de « Keep Running » est disponible là
Abstract Recordings est un label belge basé à La Louvière (Hainaut). Créé en 2022 par Flavio Rizzo (Ferdinand De Marne) et Mauro Valdemi (MAO), il prolonge naturellement leur premier projet, Milkshake Label, lancé en 2019. Le duo défend une culture électronique underground, sombre et immersive, appuyée par des mélodies hypnotiques.
Ferdinand De Marne, producteur belgo-italien, mêle techno mélodique et minimal. Il a partagé l’affiche avec Joachim Pastor, Joris Delacroix, Einmusik, Lexer et Stereoclip. MAO, producteur belge, développe une approche planante et dansante de la melodic/minimal techno. En 2022, les deux cousins cofondent Abstract Recordings avec l’ambition de faire rayonner la scène underground. Le label compte aussi SMAKO, producteur originaire de la Province du Luxembourg, influencé notamment par Umek, Boris Brejcha et Anyma, à la croisée de la techno mélodique et de la house (Gate01, Faubourg, Solaris).
Bonjour, c’est la première fois que je viens ici. Pouvez-vous présenter le lieu et le projet derrière cette salle ?
Abstract Recordings : au départ, Abstract est un label de musique électronique (techno mélodique/minimal) actif depuis 2019 via notre premier projet, puis structuré sous le nom Abstract Recordings en 2022. Après avoir coorganisé plusieurs événements, l’idée d’ouvrir notre propre club s’est imposée. Nous avons cherché un lieu adapté et nous avons déniché cet espace à La Louvière, notre ville d’origine. La salle est louée (bail de location) et sert avant tout à accueillir des événements de type club et des concerts.
La salle intègre-t-elle aussi un studio d’enregistrement ?
Non. Il y a bien un studio au fond du bâtiment, mais il est sous-loué à un groupe. De notre côté, nous travaillons au sein de nos studios personnels, chacun chez soi. Ici, c’est vraiment un lieu dédié aux événements (et, au besoin, à des réunions). Avoir un studio lié à Abstract n’est pas à l’ordre du jour, mais on ne ferme pas la porte pour la suite.
Avant de disposer de propre lieu, vous organisiez déjà des événements ?
Oui. Pendant un temps, nous avons coorganisé et coproduit des soirées avec d’autres collectifs. Avoir notre propre lieu était une étape importante pour développer Abstract au-delà du label et proposer une programmation régulière, dans de bonnes conditions.
Vous organisiez déjà des événements dans la région ?
Oui, notamment à La Louvière, et aussi à Lessines en coproduction avec le Centre culturel. Aujourd’hui, grâce à cette salle, on a l’impression d’être retombés sur nos pieds ‘chez nous’, à La Louvière.
Côté label, que produisez-vous et comment fonctionne Abstract Recordings ?
Nous sortons des productions techno ; principalement melodic/minimal techno. Pour l’instant, le label réunit trois producteurs : Ferdinand De Marne, MAO et SMAKO. On ne cherche pas à multiplier les signatures : on préfère se concentrer sur peu d’artistes et faire les choses correctement pour chaque sortie. À ce jour, nous travaillons surtout en distribution digitale, mais nous préparons une distribution physique dans un avenir proche.
Donc, l’ADN reste avant tout la techno ?
Oui, clairement. Notre ligne de conduite c’est la techno. Il nous est arrivé de donner un coup de main à des amis sur un projet, comme une sortie réalisée avec Jack Taylor à l’époque, mais ce n’est pas le cœur du label : nous ne sommes pas un label rock ou ‘alternatif’.
J’ai vu passer l’annonce d’un festival : c’est ici qu’il se déroule ?
Non, pas ici. Nous avons organisé un festival, Alicine : un événement techno, plus précisément orienté melodic techno. Mais ce n’est pas un ‘festival de la salle’ à venir : c’était une des productions dont nous parlions.
Un mot de conclusion : qu’avez-vous envie de construire avec Abstract, ici, à La Louvière ?
On fait tout ça avant tout par passion : on ne vit pas de la musique, mais on y met beaucoup de cœur. L’objectif est de ramener du monde à La Louvière, d’y inviter des artistes, y compris internationaux, et de proposer une programmation de qualité dans un esprit underground. La techno reste notre point de départ, mais on aime aussi le rock : si le projet et l’énergie s’y prêtent, on peut s’ouvrir à d’autres propositions.
La région possède déjà une histoire de lieux et d’initiatives. Vous vous inscrivez dans cette continuité ?
Oui, il y a eu- et il reste - des lieux comme Le Stock. Notre idée est d’ajouter une pierre à l’édifice en remettant la techno au centre, tout en conservant une sensibilité underground et ouverte.
Mensis a sorti son second album, » Mensis II », ce 15 mai. Une fresque musicale très pop entre nostalgie des années 70/80 ce et modernité. Réunissant Marta et Ange, le duo explore les méandres des souvenirs, le passage du temps et le lien complexe entre les individus et la société. « Mensis Vol II » délivre une pop légère et cinématographique qui sent bon l’été, les vacances, la plage, la fête, à l’image de sa pochette.
Duo de voix et d’écriture, Mensis est aussi un couple dans la vie. La voix grave et sensuelle de Marta, passionnée de romans, est portée par les musiques d’Ange, multi-instrumentiste, qui navigue entre la pop 80’s, la soul music et le rock psychédélique.
Après un premier opus, « Second Step On The Moon », qui nous emmenait dans un voyage onirique, le groupe revient avec une œuvre encore plus audacieuse influencé par la pop des Wings, la soul et les violons de Barry White et le psychédélisme rock de Tame Impala.
Le nouvel extrait qui accompagne la sortie de l'opus, « Tôt ou Tard », bénéficie d’un superbe clip en noir et blanc réalisé par Fabrice Leseigneur.
Si le premier extrait, « Arimna », nous transportait à Rimini, évoquant les souvenirs de vacances familiales dans les années 70 en bord de mer, les premières rencontres, les sorties, les amis, le second, « Shooting Stars », nous a projeté dans les étoiles.
Le réalisateur Lionel Payet Pigeon a entièrement généré les décors et nos deux musiciens à la découverte d'une nouvelle planète sauvage de ce clip à l’aide de l'intelligence artificielle. Rien de mieux que l'espace pour admirer les étoiles filantes.
Le clip de « Tôt ou Tard » est disponible ici et d’« Arimna » là
“Nous voulons offrir un panorama de la scène francophone – dont un large contingent d’artistes belges – à un public familial et transgénérationnel, avide de musique et de convivialité.” Le message de Yoann Frédéric, directeur, est on ne peut plus clair. Après une édition anniversaire qui avait tenu toutes ses promesses, l'année passée, le festival trentenaire continuera, du 17 au 20 juillet prochains, de creuser le sillon tracé depuis 1994: être le rendez-vous de toutes les musiques et de tous les publics.
De Véronique Sanson à Luidji, de Kendji Girac à Miki, de Henri PFR à Lamomali, c'est une affiche diversifiée qui animera le cœur de Spa, petite cité thermale bordée de forêts, qui se transforme chaque année en une véritable boîte à musique à ciel ouvert.
Le jeudi 17, pour débuter en force, place à la musique live, à la poésie et à l’engagement ! LAMOMALI accordera un concert exclusif pour la Belgique. Porté par -M- (Matthieu Chédid), et Fatoumata Diawara, le collectif embarque les spectateurs dans un voyage musical vibrant aux couleurs du Mali. Autre temps fort : la présence exceptionnelle de deux légendes du hip-hop français: IAM et MC SOLAAR. Trois retours marquants viendront aussi électriser la journée: BEN L’ONCLE SOUL, SUPERBUS, de retour pour fêter ses 20 ans de carrière et les Belges de HOLLYWOOD PORN STARS. A côté de SAULE, qui a récemment célébré ses 20 ans de carrière au Cirque Royal, on épinglera la lumineuse LUBIANA, avec sa kora, en solo et avec Lamomali. La journée s’ouvrira avec un nouveau duo français prometteur : NOUS ÉTIONS UNE ARMÉE, un duo qui casse les codes, entre voix parlée, musique électronique et guitares électriques.
Le vendredi, le festival mettra à l’honneur une nouvelle génération d’artistes — entre chanson et musiques urbaines: LUIDJI, dont le concert à Spa sera l’unique date belge cet été, DADJU et autre première spectaculaire : Michaël Youn, alias FATAL BAZOOKA. Egalement présents: KENDJI GIRAC, en tournée anniversaire, DALI, nouvelle figure montante de la scène urbaine, et YOA, Victoire de la Musique dans la catégorie Révélation scène féminine. La chanson française sera également bien représentée avec AMIR, artiste à la popularité croissante, et avec BARBARA PRAVI, musicienne totale, libre et engagée. Et côté découvertes belges, on ne manquera pas ORLANE, un style affirmé mêlant pop urbaine et électro décomplexée, DIEGO, un jeune talent bruxellois au croisement entre pop, rap et électro, LÉON (de son vrai nom Benoît Léon Leclercq), moitié du duo Delta, et le phénomène MORPHO.
Le samedi, JULIEN DORÉ fera son grand retour sur la scène de Spa après plus de dix ans d’absence. Il sera suivi par HENRI PFR, habitué des grands événements. En prélude à ce feu d’artifice, la journée promet d’être aussi douce et poétique que rythmée et joyeuse, grâce à BEN MAZUÉ, conteur à la sincérité désarmante, à JÉRÉMY FREROT, révélé par Fréro Delavega, à ALIOCHA SCHNEIDER, doublement nommé aux récentes Victoires de la Musique et à NICOLAS MICHAUX, que les Francos suivent depuis ses débuts avec Été 67. À leurs côtés, des valeurs montantes de la scène belge : le duo électro-pop COLT, en showcase lors de la conférence de presse, aura carte blanche pour un concert inédit, mêlant cuivres et percussions, à la croisée des genres; CHARLES présentera son univers sonore résolument moderne et ESSYLA viendra éclairer la scène avec sa pop funky, colorée et dansante, portée par une voix impressionnante.
A noter également deux nouvelles pépites: la Franco-Coréenne MIKI, annoncée comme une des sensations de 2025, et la Belge LOVELACE, sans doute la nouvelle Angèle, qui fut impressionnante lors de son showcase. La touche québécoise sera apportée par ALEX BURGER, qui marie avec brio blues, rock et folk dans des chansons à la fois fines, drôles et touchantes.
Le lineup de dimanche permettra aux festivaliers de retrouver CLARA LUCIANI, qui, depuis sa première participation en 2017, avant « La Grenade », est une fidèle des Francos. Elle présentera son nouvel album sur scène. Juste avant elle, une autre grande dame, VÉRONIQUE SANSON. A côté de l'excentricité touchante de PHILIPPE KATERINE, on plébiscitera le Suisse STEPHAN EICHER, qui continue inlassablement à innover et DARAN, figure rare, rockeur affûté et engagé, qui défend un rock français mélodique, brut et ciselé. La relève sera présente, elle aussi, grâce à STYLETO, influenceuse qui trace une voie singulière entre pop intelligente et storytelling générationnel. Les frères Théo et Raphael Herrerias de TERRENOIRE, marieront la chanson à une électro noire, dense, terriblement contemporaine. En tête d’affiche, MUSTII, icône flamboyante et acteur caméléon, jouera à Spa comme à la maison. Autre électron libre : ÉDOUARD VAN PRAET, qui allie folk rock, glam, synthpop et transe techno. Quant au Bruxellois ISAAC, nouveau venu, il frappe juste. Une proposition dense, radicale, tendue comme un fil entre rock, électro et chanson. De quoi faire vibrer les fondations.
Signalons que le “Piétonnier Musical”, situé en dehors de l'enceinte du festival, dans la rue Dagly, permettra de (re)découvrir des artistes talentueux et ce, gratuitement. Nombre de jeunes talents belges ont trouvé leur public grâce à cette scène, parmi lesquels Suarez, Typh Barrow ou encore Ykons, désormais bien installés. Les amateurs de musique, exigeants et curieux, y retrouveront une programmation particulièrement riche et éclectique. Parmi les têtes d’affiche de cette édition 2025 : Aprile, Marka, Pale Grey et CelenaSophia !
Les Francos Juniors seront proposées au Petit Théâtre, pour le plus grand plaisir des enfants et de leur famille, chaque jour à 11 h. On ne ratera pas, le samedi, ANDRE BORBÉ, auteur-compositeur-interprète belge incontournable du jeune public. Il revient avec "Le Grand Possible", un concert vibrant, engagé et plein d'optimisme. Il sera accompagné, entre autres, par son frère, Hervé, le célèbre claviériste de Machiavel.
Pour plus d'infos et pour réserver ses tickets, c'est ici: https://www.francofolies.be/
Le 10ème opus de Suede, « Antidepressants », paraîtra ce 5 septembre 2025.
En attendant, il a partagé le tout nouveau single « Disintegrate », une déclaration d'ouverture urgente d'antidépresseurs. Publiée il y a quelques jours, la vidéo réduit la performance live de Suede à sa plus simple expression.
Lors de la présentation de ce futur elpee, Brett Anderson a déclaré : ‘Si « Autofiction » était notre album punk, « Antidepressants » est notre album post-punk. Il traite des tensions de la vie moderne, de la paranoïa, de l'anxiété, de la névrose. Par ailleurs, nous cherchons tous à nous connecter dans un monde déconnecté. C'est le sentiment que je voulais donner aux chansons’.
Alors que Suede commençait à créer la nouvelle musique qui allait former « Antidepressants », il a fait volte-face. Ce qui avait d'abord été conçu comme la bande sonore d'une performance artistique conceptuelle a été mis de côté. L'expérience communautaire de masse que Suede a rencontrée au cours des trois dernières années de tournée d'« Autofiction » était si magnétique que le groupe a dû changer complètement ce qu'il allait faire par la suite. Ainsi, en 2025, Suede a transposé son approche du jeu devant un public directement dans son nouvel LP studio.
« Antidepressants » a été enregistré en direct, sous la houlette d’Ed Buller, le producteur de longue date de la formation, qui mettait déjà en forme son premier single, « The Drowners », en 1992. Pourtant, 35 ans après le début de sa carrière, Suede a le sentiment de n'en être qu'à ses débuts. ‘C'est vraiment excitant de faire partie de ce groupe. On a l'impression d'être toujours en train de pousser la créativité’, déclare Brett à propos du long playing’.
Le clip consacré à « Disintegrate », tourné en noir et blanc, est à voir et écouter là
Quand le blues saharien croise l’énergie brute du rock, on obtient Wati Sera, un quatuor où la transe rythmique se mêle à une intensité électrique. Son premier Ep, « Le Temps Est Venu », est disponible depuis le 10 avril 2025. Né du projet Strange O’Clock, Wati Sera inclut Cély Laurent (chant, calebasse, tambourin), Tof Balasakis (guitare), Guillaume Chevillard (batterie) et Bertrand Dessoliers (basse, membre du groupe No One Is Innocent), qui vient insuffler une puissance nouvelle à cette alchimie musicale.
Sa musique puise dans le blues africain, le rock psychédélique et la transe saharienne, mêlant percussions organiques, riffs hypnotiques et une voix envoûtante qui alterne dioula et anglais. Entre groove lancinant et éclats électriques, Wati Sera redessine les frontières qui séparent héritage et modernité. Son patronyme, signifiant ‘Le temps est venu’ en dioula, langue d’Afrique de l’Ouest, incarne la promesse d’être au bon endroit, au bon moment, pour partager une musique authentique et riche d’histoire. Wati Sera déploie une musique originale en puisant dans un socle blues et en s’inspirant de la musique africaine, psychédélique et rock. Cette fusion audacieuse crée un afro-rock blues à la fois contemporain et profondément enraciné.
La voix évocatrice de Cély Laurent se marie à la virtuosité de Tof Balasakis, tandis que Bertrand Dessoliers et Guillaume Chevillard apportent une dimension rythmique puissante. Selon l’harmoniciste Vincent Bucher : ‘Tantôt trépidante, tantôt méditative, la musique de Wati Sera déploie un groove jazz-blues agrémenté de transes sinueuses du Sahara et d’un chant inspiré en dioula ou en anglais, le tout filtré par une savoureuse sensibilité européenne’.
La vidéo de « Feel Yourself » est disponible ici
D’une voix forte et veloutée, Gabrielle Verleyen réconcilie l’indie-folk et la pop à texte française. Dans un univers sonore sans bord, mélancolie et sérénité se côtoient pour offrir un paysage intime et lumineux. Cette ex-timide découvre, à plus de 20 ans, sa voix comme un passeport, voix qu’elle réservait jusqu’alors aux murs rassurants de la maison familiale. Un diplôme de Langues et Littératures romanes en poche, elle s’échappe à Rotterdam pour y intégrer un conservatoire de musiques du monde. Et c’est son propre univers qu’elle se crée, fait de vécus personnels et d’influences (pop-folk, indie rock et musique indienne). De ce séjour, il reste des expériences, parfois douloureuses, qu’elle évoque en anglais, par respect pour la langue de celles-ci. Mais quand les choses se vivent ici, c’est en français qu’elle ose les dire.
En 2018, elle remet le cap sur Bruxelles, avec quelques compositions en poche et beaucoup de tristesse liée à ce départ. C’est sur ce terreau nostalgique qu’elle écrit la plupart des chansons de son premier Ep, « Le Lac ». Sorti fin 2021, on y découvre une cartographie intime et sincère. Son premier extrait, « Le Renard passe », a rayonné des ondes belges jusqu’au film international, ‘American Night’ (Alessio Della Valle, avec Rhys Meyers, Emile Hirsch, etc.). Belle récompense pour la jeune femme, qui avait déjà remporté la 3ᵉ finale du ‘F dans le texte’ la même année. Ces reconnaissances et les critiques positives de cet Ep lui permettent de se produire sur quelques belles scènes (Botanique, Atelier 210, Théâtre National, Le 140, Festival FrancoFaune, LaSemo), accompagnée par le guitariste Romain Verwilghen, le tromboniste Julien Guilloux et le batteur Édouard Cabuy.
Sur fond de guitares planantes, parfois saturées, et de sonorités indie-folk, Gabrielle nous plonge dans une mélancolie rêveuse traversée d’éclats de lumière. D’une voix singulière, Gabrielle Verleyen dévoile les contours d’une histoire d’amour douloureuse en tentant de comprendre et de réparer ce qui peut l’être. Porté par un refrain dont le ton doux et sucré charme instantanément, le titre annonce un premier album, prévu pour début 2026.
Le morceau est accompagné d'un vidéo clip réalisé par Cyril Marbaix et met en scène un road trip décalé, en compagnie d'une mascotte peu ordinaire.
Le clip de la vidéo « Pourtant », est disponible ici
Nederlands 
Français 
