Kyle Craft a grandi en Louisiane, loin de toute agitation, au sein d’une petite ville située au bord du Mississippi. La musique est le seul hobby dont le jeune homme dispose pour occuper ses journées. Dans ce coin perdu, pas la peine de chercher le moindre groupe contemporain. Ceux qui y sont nés, se sont tous barrés. Aussi Kyle Craft n’a d’autre solution que de se rabattre sur ses disques, et tout particulièrement ses classiques, en tête desquels on retrouve David Bowie, Bob Dylan ou encore Queen. Assez rapidement, l’artiste se forge un petit répertoire et se produit dans sa région. Après une relation affective douloureuse, Kyle quitte la Louisiane et s’établit à Portland. Là-bas, les événements se bousculent. Il rencontre les bonnes personnes au bon moment ; ce qui lui permet d’enregistrer son premier elpee, « Dolls of Highlands », un disque qui paraît sur le mythique label de Seattle, Sub Pop.
Entièrement composé de ‘bouts de vie’, il est particulièrement marqué par la gente féminine. Pour l’enregistrer, il est revenu expressément au bord du Mississippi. Il a également pu compter la participation du duo de Portland et compagnon de label, The Helio Sequience. Les deux collaborateurs se sont chargés de l’instrumentation.
Partagé en 12 pistes, cet opus baigne au sein d’un folk/glam/rock directement inspiré par les artistes qui ont marqué sa jeunesse. A l’instar de ses idoles, l’Américain vit pleinement ses morceaux, n’hésitant pas, parfois, à tomber dans le lyrisme. Certaines compos sont vraiment bouleversantes, à l’instar du titre maître, de « Three Candles » ou encore de « Jane beat the Reaper ». Dans un autre registre, « Eye of a Hurricane », lorgne carrément vers l’opérette.
Mais heureusement, sa musique est le plus souvent allègre, entraînante même. Quoique nasillarde, sa voix est parfaitement maîtrisée. Tout au long de cet elpee, c’est le piano qui sert de fil conducteur. La guitare, l’harmonica, une sorte de mélodica et des chœurs viennent simplement enrichir l’ensemble.
Pour son premier essai, Kyle Craft est parvenu à conjuguer émotion et vitalité, deux concepts qui sont rarement complémentaires…
Originaire d’Atlanta, en Georgie, Tinsley Ellis est âgé de 59 ans. En 1979, ce chanteur/guitariste militait au sein des Alley Cats, en compagnie de Preston Hubbard, un futur Fabulous Thunderbirds. En 1981, il forme les Heartfixers, avec l’harmoniciste noir, Chicago Bob Nelson. En 1988, il est signé par le célèbre label blues de Chicago, Alligator, pour lequel il publiera pas moins de huit albums. En 2013, il monte sa propre écurie, Heartfixer Music. Et il vient d’y graver son quatrième opus, "Red Clay soul". Tinsley a composé seul ou en partenariat les dix plages. Les sessions d’enregistrement se sont déroulées au Rock House, à Franklin, dans le Tennessee, un studio qui appartient à Kevin McKendree. Ce dernier s’est chargé de la production et se réserve toutes les parties de claviers. C’est un pote à Tinsley, depuis une vingtaine d’années ; il a d’ailleurs collaboré à la réalisation de plusieurs albums précédents.
Excellent, "All I think about" est marqué au fer rouge par Tinsley Ellis. Autoritaire, la voix est bien mise en avant et les cordes sont parfaitement adaptées à son timbre et ses inflexions. Une gratte rythmique amorce "Givin’ you up", une ballade soul à la mélodie accrocheuse. Soutenu par celle d’Oliver Wood, sa voix est très expressive. L’orgue Hammond est particulièrement chaleureux. La guitare solo se promène dans le décor sonore, suivant son inspiration. Tinsley émet un gémissement dans son harmonica. Jon Tiven a coécrit "Callin’", une autre ballade que souligne la voix féminine de Wendy Moten. "Anything but go" est plus remuant. Un R&B toujours tapissé par l’orgue de McKendree. Les interventions de cordes sont soignées. Un cri transperce le paysage sonore. Ballade indolente, "Hungry woman blues" est enrichi de cordes électroniques, alors que mélodieuse, la guitare s’exprime sans la moindre réserve. Blues nerveux, "Circuit rider" est impeccablement balisé par la section rythmique (NDR : Lynn Williams aux drums et Steve MacKey à la basse) ; une piste qui rappelle un classique du genre, "The hunter", un morceau jadis célébré par Albert King, au cours duquel Tinsley et Kevin McKendree se partagent les grattes. "Don’t cut it" est une plage très rythmique. Même l’orgue Hammond entretient le profil de ce titre enchanteur. Dépouillé à l’extrême, "Party on one" est un blues indolent. Kevin siège derrière le piano électrique. Minimalistes mais recherchées, les notes de guitare sont chargées de feeling et d’une limpidité extrême. La voix est à la fois écorchée, vive et passionnée. Une seule plage instrumentale : "Estero noche". Teintée d’exotisme et émouvante, elle est largement inspirée par Carlos Santana ; cependant, vu l’excellence du toucher de cordes, on ne peut que tirer son chapeau à l’artiste. "The bottle, the book or the gun" clôt ce long playing. Un autre grand moment de blues exprimé en totale sensibilité. Tout y est : la mélodie imparable, la voix si fascinante, les claviers de McKendree et cette guitare, dont les interventions parcimonieuses, reflètent un véritable amour des cordes. Excellent !
Explosions in the Sky réunit de véritables maîtres en matière de post rock mélancolique et mélodique… Et pour cause, les Texans continuent d’enchaîner les classiques de ce genre si codifié, depuis leurs débuts, en 2000. « The Wilderness » succède à « Take Care Take Care, Take Care » sorti il y a 5 ans déjà. Taillé pour l’exercice, le groupe s’était entre-temps immergé dans la composition de B.O. signant notamment celles de « Lone Survivor » (Peter Berg), de « Prince Avalanche » ainsi que de « Mangelhorn » (David Gordon Green).
Pas de réel bouleversement au programme pour ce nouveau chapitre mais davantage de variations dans les sonorités, variations discrètes mais judicieuses destinées à donner une nouvelle dimension à sa musique ; et tout particulièrement lors des shows, véritables communions collectives profondément émotionnelles…
Consciente de pratiquer un genre musical toujours à la limite de la redite, la formation américaine parvient donc ici à nuancer les ambiances et surtout à s’éloigner des sacro-saints crescendos systématiques. Ce qui lui permet de tisser subtilement des bijoux comme le furieux et épique « Disintegration Anxiety » ou encore le joliment atmosphérique, légèrement teinté d’électro, « Losing the Light ». Ces valeureux Texans ont le bon goût d’évoluer sans oublier leurs racines… ce qui n’est pas un mince exploit dans un genre souvent très peu enclin à se renouveler !
Katy Guillen & The Girls nous vient de Kansas City. Katy a monté ce trio en 2012 pour assurer une date, en supporting act du Royal Southern Brotherhood, au Knuckeleheads Saloon. The Girls, son backing group, constitue la section rythmique et réunit la bassiste Claire Adams ainsi que la drummeuse Stephanie Williams.
Et cette section rythmique se révèle particulièrement soudée dès "Driving to wake up". En début de parcours, la voix de Katy est plutôt fragile et la compo s’ébroue sur un mid tempo. Progressivement, le rythme s’accélère et le chant de Miss Guillent prend de la vigueur ; avant qu’elle ne s’autorise son premier envol aux cordes. Et il est percutant ! Les Girls embraient par "Heavy days", suivant la même formule. Claire, la ligne de basse reste intimement liée aux percussions de Stephanie. Les arrangements vocaux sont soignés. Mais lorsqu’elle a le champ libre, la soliste n’hésite pas à saisir l’opportunité. "Waking up from you" est une plage pop/rock agréable à l’oreille. La voix rappelle alors celle de Chrissie Hynde (Pretenders). Dans le même registre, mais en plus blues, "Don’t need anyone" est plus enlevé, un morceau bourré de dynamisme au cours duquel l’envol des cordes joue les prolongations. Caractérisé par les changements de rythmes pilotés par les percus de Miss Williams, "The load" est un rock nerveux, mais surtout audacieux, aventureux même. "Humbucker" adopte la même structure rythmique. Claire Adams signe la jolie ballade "Cold was the night". Mike Sedovic donne de l’épaisseur au morceau à l’aide de son orgue ; et Miss Guillen en profite pour accorder sa meilleure intervention de l’opus, sur sa gratte. "Can’t live here anymore" est une plage garage féroce, au cours de laquelle les trois dames semblent plus soudées que jamais ; avant qu’elle ne soit ponctuée par une nouvel envol de cordes chargé d’enthousiasme. Le trio nous réserve une adaptation bien personnelle du canon de Big Joe Williams, "Baby please don’t go". Mike Sedovic est de retour à l’orgue ; et quelque peu déjantée et intrépide, la guitare s’enfonce dans l’univers psychédélique. Le long playing s’achève par "Pulling up from the grooves", une ballade subrepticement mélancolique, sentiment accentué par le trombone de Ryan Heinlein.
Vingt ans déjà que JD Taylor (chant/harmonica) et Steve Patterson (slide) ont fondé Little Boys Blue. A Jackson, dans le Tennessee. Ils cherchaient à célébrer leur cocktail de blues (Memphis et Tennessee), rockabilly, rock ainsi que country. "Bad love", le précédent opus –le troisième– est paru en 2014 sur le label de Jimmy Exum, Jaxon. Taylor est soutenu par deux guitaristes (Alex Taylor et Tyler Goodson), un bassiste (Drive Mallard), un drummer (Mark Brooks) et un claviériste (Dave Thomas). Les sessions d’enregistrement ont été réalisées au célèbre studio Muscle Shoals, en Alabama. Dix des douze plages sont signées par le groupe. Elles sont essentiellement issues des plumes de JD et Alex Taylor.
Invité, Webb amorce "Tennissippi" à la slide, un blues qui navigue quelque part entre Memphis et le Mississippi. La rythmique est saccadée et nerveuse. La voix de Jo Taylor passe bien la rampe. Et ce dernier s’autorise un envol sur son harmonica avant de céder le relais à Alex sur ses cordes. Une sonorité de gratte distordue par une pédale prélude "Lights on", un R&B cuivré par les Alabama Horns. La rythmique d’Alex Taylor s’évade, puis c’est au tour de l’orgue Hammond de Dave Thomas, de l’harmonica et enfin, de la trompette de Ken Waters, de bénéficier de cette latitude. Rapide, "Pack it up baby" est également cuivré. Dave Mallard rejoint JD aux chœurs. A la moindre occasion, les musicos prennent un billet de sortie ; que ce soit la guitare, l’orgue, l’harmonica ou le saxophone de Bad Brad Guin. Et pourtant l’ensemble se révèle particulièrement homogène et chaque musicien se montre respectueux de ses partenaires. "If Id’a know" est un blues nonchalant. Tout comme "35 years", une plage qui ne manque pas de charme. Goodson se réserve une superbe sortie sur la slide, bientôt rejoint par Dave, passé au piano électrique. Et quelque part, cette compo rappelle le Little Feat de feu Lowell George. A cause de cette voix quelque peu nasillarde et puis des interventions de slide… Et comme pour la plupart des pistes de cet elpee, les musiciens n’hésitent pas à mettre le nez à la fenêtre ! La reprise du célèbre "Chtilins con carne" de Kenny Burrell est une plage instrumentale dansante, aux accents exotiques. Le piano électrique, l’harmonica, la trompette et enfin la guitare (NDR : non, ce n’est pas Carlos Santana) se distinguent par d’excellentes interventions. Un riff d’harmonica balise "Do you no wrong", un R&B captivant et dansant, au cours duquel, les deux sixcordistes prennent de superbes envols. Introduit par des sonorités d’harmonica créatives, "Smoke rings" est blues lent, tapissé d’orgue et de piano, et traversé par une slide. JD Taylor chante cette ballade, d’une voix chargée d’émotion. "Health insurance blues" opère un retour aux racines, un blues classique découpé dans les cordes acoustiques, alors que l’harmo épaule le chant. Bien qu’amplifié, "Wanna be your loving man" est un blues imprimé sur un tempo gracile ; et JD ainsi qu’Alex libèrent une nouvelle fois leurs cordes. Un processus qu’on retrouve sur le solide "Big pimpin sugar daddy Romeo", un titre au rythme soutenu, chanté passionnément par JD, qui permet surtout à Dave Thomas de tirer son épingle du jeu sur l’orgue Hammond. D’excellente facture, ce long playing s’achève par "Jackson", un instrumental qui met une dernière fois en exergue, le talent des différents solistes.
Agé de 41 ans, Ross Neilsen est issu du New Brunswick, au Canada. Ce chanteur/guitariste affiche une solide discographie. En 2007, l’artiste avait tout quitté, son job, sa compagne et son domicile pour embrasser une vie de musicien. Au cours des dix dernières années, il n’a jamais cessé de tourner ; et puis, il a décroché de nombreuses nominations, dont celle de ‘meilleur artiste acoustique’ en 2016, dans le cadre des Maple Blues Awards. Fin 2015, à la limite du burn out, il décide de prendre une pause. Et commence à écrire des chansons qui traitent de son existence, de ses aventures, ses passions et ses frustrations. "Elemental" en est donc le résultat. Un LP qui réunit dix plages écrites ou coécrites par Ross, et une reprise. C’est son ami Steve Marriner qui s’est chargé de la production. En outre, lors des sessions ce dernier s’est servi de toute une panoplie d’instruments : depuis l’harmonica aux guitares, en passant par les claviers, les percussions et le vibraphone. Cet artiste est également le leader d’un des meilleurs groupes canadiens, Monkey Junk. Pas étonnant que Darcy Yates et Matt Sobb (également impliqués chez Monkey Junk) se consacrent à la section rythmique. Enfin, Jim Bowskill assure la plupart des parties de guitare électrique (NDR : âgé de 25 printemps, ce jeune Canadien milite chez Sheep Dogs).
Le titre maître entame les hostilités. Excellent, il privilégie les voix : celle de Neilsen est épaulée par les autre musicos. Et finalement, les percussions de Sobb y assurent l’essentiel de la partie musicale. "Black coffee" est un blues imprimé sur un mid tempo. Amplifiée la guitare de Ross sonne comme celle de Billy Gibbons (ZZ Top). Marriner double à l’harmonica et à la batterie. Bowskill se réserve la mandoline. La basse de Yates est bien mise en avant tout au long de "Woman’s name", une compo indolente au cours de laquelle les guitares entretiennent une atmosphère menaçante : Marriner à la baritone et Bowskill à la slide. Et les harmonies vocales sont lumineuses. Excellent country/rock, "Devil made you" mêle cordes acoustiques et électriques, tant de Ross que de Bowskill à la slide. Ballade étrange, "Ash fault" exhale un parfum oriental. Jimmy Bowskill est passé au violon. Ses interventions sont versatiles, mais superbes. Marriner balise l’ensemble de sa baritone. Le Canadien Paul Reddick cosigne le tendre "City of regret", une ballade acoustique et atmosphérique. Country/folk, "Nobody gets lonely" est une piste entraînante ; mandoline, pedal steel et gratte s’intégrant parfaitement dans l’ensemble. Marriner siège derrière l’orgue pour "The race", une ballade soul R&B. Des cuivres et une voix féminine y apportent davantage d’amplitude. Encore une ballade : "The arrow". Subtilement funky, elle est parcourue par des interventions de piano électrique et se distingue par une remarquable sortie sur les cordes acoustiques de Neilsen, dans une attitude très JJ Cale! Willie P. Bennett (NDR : un chanteur folk canadien disparu) a composé "Ballad in low E". La version de Ross est excellente. Très roots, flemmarde, elle est soulignée par la slide de Jimmy et l’harmonica de Steve, alors que le chant est chargé de passion. Et de toute bonne facture, cet elpee s’achève par "Step into the light", une ballade country dépouillée, "Step into the light". Les voix sont à l’unisson et la pedal steel libère toute sa sensibilité.
Chanteur, guitariste et compositeur, Nick Schnebelen est aujourd’hui établi à Kansas City. Il vivait encore à Philadelphie, lorsqu’il fonde son premier groupe, Killing Floor. En 2003, il monte alors le Trampled Under Foot (TUF), un trio impliquant son frère Kris à la batterie ainsi que sa sœur Danielle au chant et à la basse. En 2008, ils remportent le célèbre International Blues Challenge de Memphis. Après avoir publié plusieurs elpees, le band grave "Wrong side of the blues", en 2011, sur le label Vizztone, un disque produit par Tony Braunagel. Enfin, le précédent LP, "Badlands", est paru en 2013, chez Telarc. Depuis, Nick a décidé de se produire en solitaire ou flanqué d’un nouveau backing group, le NS Band, au sein duquel participent la chanteuse/guitariste Heather Newman, le drummer Joe Voye et le bassiste Cliff Moore. Ce long playing a été immortalisé ‘live’, en février dernier, au Gospel Lounge du Knuckeleheads Saloon, à Kansas City.
Le NSB s’embarque sur un "I’m goin’" endiablé. Un blues qui rocke allègrement, en consommant un maximum de swing. Nick et Heather se partagent les vocaux. Mais c’est Schnebelen qui tire son épingle du jeu à la guitare. Rapide, technique, c’est loin d’être un manchot. Heather chante "Willie James", une autre plage bien rythmée ; et Mrs Newman est tout à fait convaincante derrière son micro, alors que Nick en remet une sérieuse couche aux cordes. "Crazy" est imprimé sur un mid tempo. Soul, la voix de Heather est chargée de passion ; et elle sert de tremplin à l’envolée de Nick, une envolée qui ne manque ni de panache, ni de sens mélodique. Et il brille à nouveau tout au long du blues lent "Desperate heart". La montée en puissance des cordes est progressive, et elle atteint son sommet, en libérant un max de sensibilité. "Break of day" nous entraîne sur les rives du Mississippi, un delta blues que chante remarquablement Nick, d’une voix particulièrement autoritaire. Joe et Cliff forgent une telle trame rythmique, qu’elle en devient un tremplin idéal pour mettre sur orbite le sixcordiste toujours aussi bien inspiré. "Bad disposition" est un titre au cours duquel Schnebelen excelle. Il y injecte une telle dose de feeling pour développer ses interventions ; des interventions brillantes, soutenues par celles –plus solennelles– de Joe Voye aux percus. "Tailgate swing" opère un retour dans le Delta. Miss Newman est derrière son micro, alors que Nick glisse son bottleneck sur son manche. Et il ne manque pas d’imagination lors de cet exercice. Cool, "Who will comfort me" est sculpté dans les cordes acoustiques. En fin de set, la troupe s’attaque à plusieurs covers, dont une du célèbre "Spoonful" de Willie Dixon, une version très réussie au cours de laquelle les deux vocalistes se succèdent afin de favoriser une sortie exaltante de Nick au cordes, soutenu par sa section rythmique. Et il passe à la pedal steel pour interpréter "Sleepwalk", un hit instrumental décroché par Santo & Johnny, en 1959. Heather adresse un clin d’œil à la country, en chantant le "Jolène" de Dolly Parton, dans un climat de bonne humeur communicative. Le concert s’achève par "New Orleans", une piste qui y conduit depuis le Mississippi. La slide est largement amplifiée et les deux chanteurs participent généreusement aux vocaux. Un deuxième volume est en préparation…
Sufjan Stevens est un compositeur prolifique. « Carrie & Lowell » constitue en effet déjà son 7ème elpee studio en 15 ans de carrière. La formule ne change pas. L’Américain réussit à concocter des morceaux émouvants, qui doivent autant aux textes qu’à la musique. Rien n’a véritablement chanté sur ce dernier essai. L’artiste issu de Detroit a cependant, plus que probablement, publié son meilleur long playing, à ce jour.
Tout au long de cet opus, il s’inspire plus que jamais de certains événements pénibles qui ont marqué son existence. Et met en scène Carrie, sa maman, et Lowell son éphémère beau-père. Mère qui a passé une grande partie de sa vie à éviter Sufjan. Le jeune homme a donc passé son enfance à inventer une relation avec sa mère. Un imaginaire qui a énormément influencé les lyrics de cet album. D’autant plus que la mort de Carrie a laissé un immense vide dans le cœur de son fils. Vide dont il était incapable de compenser par les souvenirs, puisqu’il n’en avait presque aucun, mais qu’il a tenté de combler par ses chansons.
Le décès de sa maman est d’ailleurs évoqué dans le morceau qui est, sans surprise, le plus bouleversant de l’opus. Minimaliste, « Fourth Of July » communique une sensation de tristesse intense au mélomane. Un peu comme s’il s’agissait d’un chant funèbre. Les quelques notes de piano suffisent pour exprimer le malaise éprouvé par Sufjan lorsqu’il aborde cet épisode de sa vie.
Plus folk, « Should Have Know Better » épouse une forme plus classique. Qui correspond davantage au style de l’Américain. Mais le morceau traduit les regrets qu’il ressent à l’égard de sa relation avec Carrie.
Et les neuf autres pistes de l’album sont de la même trempe. « Carrie & Lowell » s’apparente parfois à un poème chanté. L’écouter peut permettre de remettre en question certaines relations avec ses proches. C’est d’ailleurs certainement le message que Sufjan Stevens veut faire passer : profiter de votre famille si vous avez la chance de ne pas en être trop éloigné. Car sinon, un jour, la mort peut mettre fin à une histoire inachevée…
Originaire de Montréal, Frédéric Pellerin, alias Rico, est chanteur et multi-instrumentiste. Il a sévi tout un temps au sein du groupe Madcaps. Aujourd’hui, il vit à Lyon. Il a baptisé son nouveau projet, They call me Rico. Véritable homme-orchestre, il gratte sa guitare, tout en actionnant du pied des percus. Et bien sûr, il assure les vocaux. Parfois, il est épaulé par quelques potes, à l’instar du violoniste/claviériste Charlie Glad. Basiquement folk, la musique de cet artiste est teintée de blues primaire. A son actif, deux elpees, un éponyme en 2011 et "This kind of life" en 2014.
Le titre maître ouvre l’opus. Et il est superbe. Entraînant aussi. A cause des interventions dynamiques et irrésistibles exécutées au piano. La voix de Rico est chargée de passion. Ses interventions à la gratte électrique sont particulièrement énergiques. Et le tempo imprimé tout au long de "Down down down" est aussi nerveux. Piano et orgue se conjuguent. Et Rico chante comme un possédé avant d’allumer ses cordes. Superbe ballade roots, "We’ll meet again" se distingue par sa ligne mélodique imparable. La rencontre entre cordes acoustiques et électriques est bien équilibrée. L’orgue communique sa chaleur à l’ensemble. La voix de Rico est brillante au cœur de ce climat paisible. "The first" nous entraîne dans le Delta, un blues ravageur caractérisé par des sonorités de slide primaires ; et celles du violon communiquent une touche d’originalité à un ensemble écorché par la voix rugueuse et les cordes qui ne le sont pas moins. "Treat me like a dog" nous emmène au cœur des collines du Mississippi. Les tonalités sont écrasantes et dévastatrices. Torturée, la voix semble hantée par celle de feu Captain Beefheart ou alors d’un Howln’ Wolf bronchiteux. Et les percus entretiennent cette ambiance lourde et menaçante. "Lonely Bleed" continue de macérer dans cette atmosphère digne des juke joints. Tribales, les percussions en remettent une couche. La voix est délibérément éraillée. "Everlasting kind" opère un retour dans le folk. Mais un folk riche, élaboré, subtilement déjanté, acide. La voix est envoûtante. Et un orgue vient s’immiscer dans le décor. Le spectre du regretté Syd Barrett plane… Furieux, "Lights go out" adopte une attitude punk. Malicieuse, l’intervention à l’orgue communique une tonalité psychédélique à l’ensemble. Une compo propice au climat de transe. Un bottleneck s’invite tout au long de "Song for Leon", une ballade folk acoustique empreinte de sérénité. Et il est le bienvenu. Une version acoustique de la ballade roots "We’ll meet again" clôt le long playing. Rico y souffle dans son harmonica. Et on épinglera encore l’excellente mise en forme dont bénéficie cet LP.
Matty T Wall est issu de Perth, en Australie. Au cours de sa jeunesse, il écoutait volontiers du metal, et tout particulièrement Metallica ainsi que Sepultura. Puis, il s’est intéressé à Eric Clapton et Stevie Ray Vaughan, avant de tomber sous le charme de la musique de Robert Johnson. Ce chanteur/compositeur/guitariste cherche avant tout à mettre en exergue son talent d’instrumentiste. Raison pour laquelle il a opté pour la formule trio, en s’appuyant sur une section rythmique constituée de Jasper Miller à la batterie et Stephen Walker à la basse, deux amateurs de jazz. "Blue skies" constitue le premier elpee du Kangourou.
"Burnin up burnin down" s’ouvre au son d’une moto pétaradante et nous plonge immédiatement au sein d’un rockin’ blues puissant mais teinté discrètement de cuivres. Le premier envol de Matty sur sa Gibson SG montre déjà tout son potentiel. La cover du "Am I wrong" de Keb Mo nous entraîne dans le Delta. Les percus sont primaires. Nerveuses et écorchées, les cordes s’emballent de nouveau. Blues lent mélodique, "Long gone away" bénéficie du concours de Gordon Cant à l’orgue Hammond. La voix de Matty est chargée de passion. Il dispense ses notes en y injectant un fameux feeling, digne de Joe Bonamassa voire de Gary Moore. Jasper Miller signe "Scorcher", un exercice instrumental au cours duquel il étale toute sa virtuosité sur ses fûts. Wall joue plus vite que son ombre ; comme Alvin Lee à ses débuts. Douce ballade, le titre maître conjugue cordes amplifiées et acoustiques, et se distingue par un travail vocal soigné. Le tempo s’élève et favorise un envol tout en sensibilité avant d’aboutir au sein d’un chœur gospel! Autre ballade, "This is real" baigne au sein d’un climat subtilement jazz, réminiscent d’un certain Robben Ford. Généreux, l’orgue de Gordon Cant sert de tremplin à la montée en puissance des cordes. Wall apprécie Jimi Hendrix ; et il lui rend hommage à travers une version de 12’ du célère "Voodoo Chile". L’orgue Hammond est toujours bien présent ; mais la solution sonore vire à la jam, une jam à la fois psychédélique, hypnotique, allumée et déjantée. Dynamique et caractérisé par ses variations de tempo, "Broken heart Tattoo" adopte un riff à la ZZ Top. Instrumental atmosphérique, "Smile" est une plage agréable, au cours de laquelle des cordes acoustiques épaulent la guitare solo du leader. De bonne facture, le premier opus de Matty T Wall s’achève par une version de "Hellhound on my trail" du mythique Robert Johnson. Et ce n’est pas une surprise. Le morceau macère au sein d’une ambiance morose. Au fil de la piste, la sèche devient de plus en plus nerveuse, alors que Jasper soigne tout particulièrement ses interventions aux percussions.
Little Mike Markowitz est un chanteur/harmoniciste qui jouit d’une solide notoriété dans l’univers du blues. Natif du Queens, il passe aujourd’hui l'essentiel de son temps en Floride. Depuis sa tendre jeunesse, c’et un grand fan de Muddy Waters, John Lee Hooker et Paul Butterfield. En 1978, il monte sa formation, les Tornadoes. Au fil tu temps, elle aura l’opportunité d’accompagner des stars du Chicago Blues, comme Jimmy Rogers, Pinetop Perkins ou Hubert Sumlin. Le premier elpee de Little Mike and the Tornadoes, "Heart attack", remonte à 1990 ; il est paru sur le label Blind Pig. En 2015, elle publie trois elpees : "Live at St Augustine Bluzfest", "Friday night", qui bénéficie du concours de chanteuse noire, Zora Young, et "Genuine legends", auquel participent les légendes Pinetop Perkins et Jimmy Rogers. Ce nouvel opus est exclusivement attribué à Little Mike. Réunissant 12 plages, dont 4 reprises, il a été enregistré au sein du studio Electric Lady, à New York. La plupart des morceaux sont instrumentaux ; ce qui n’est guère étonnant vu le talent des différents instrumentistes.
"Cotton Mouth" rend hommage à un souffleur mythique, James Cotton. Et Little Mike y étale toute sa virtuosité à l’harmo. Plus cool, "Moanin" est une compo signée par Bobby Timmons, un pianiste et vibraphoniste de jazz qui a milité chez les Jazz Messengers d’Art Blakey! Une autre cover du "Slam hammer" de Johnny Young, un des rares grands mandolinistes du blues. Et l’adaptation est dynamique, nerveuse même. Particulièrement lent, "Sam’s blues" est chargé de feeling. Mike double au piano. Parmi les plages impliquant le chant, on épinglera deux reprises. Tout d’abord le "How long" de JB Lenoir. Mike siège derrière le piano alors que Troy Nahumko distille de très belles phrases sur ses cordes. Derrière son micro, le leader est très expressif ; mais c’est surtout Troy qui tire son épingle du jeu. Classique d’Eddie Taylor, "Bad boy" est amorcé par les ivoires. Mike double à l’harmonica et au chant et sa voix semble dévorée par sa passion. A la gratte, que ce soit Troy Nahumko ou John Edelman, le résultat est tout à fait emballant! Endiablée, "Smokin’" est une piste imprimée sur le rythme du chemin de fer. Notre petit Mike s’éclate sur son harmonica ; et ses véritables coups de griffe évoquent un Rick Estrin au sein de ses Nightcats. La claque ! Vivifiant, "When my baby left me" est un Chicago blues classique, caractérisé par une excellente interactivité entre l’harmo et la guitare. La six cordes semble particulièrement inspirée tout au long du funky blues "Whatcha’ gonna do". Longue plage, "Now what Mama planned" est bien plus versatile. D’abord, elle baigne au sein d’une atmosphère dépouillée. On pénètre dans le Sud profond, et plus que probablement la Louisiane. Mais d’abord flemmarde, cette piste glisse progressivement vers un funk lustré. Très rythmique, la gratte s’évade ; alors que créatif, l’harmo s’aventure… La voix est nonchalante tout au long du Chicago shuffle "Tryna' find my baby". Mike s’y révèle une fois de plus maître du style et surtout de son instrument. Minimaliste, "Sittin' here baby" est un blues lent remarquable. Chargée d’une émotion intense, la voix est fragile. Elle est, en outre, talonnée par des interventions d’harmonica décharnées. Les notes alignées sont réduites au strict minimum, afin d’intensifier le feeling.
Le Moulin Fantôme se situe près des étangs du Coeurq. Cet endroit transpire le rock'n'roll. Pas pour rien que la signature de Paul McCartney figure dans le livre d’or, un livre d’or que le proprio, Phil, est très fier de vous montrer. Ce soir, une soirée très particulière va s’y dérouler. Elle est proposée par un groupe suisse répondant au nom de The Rambling Wheels. Fondé en 2003, il est issu de Neufchâtel. Le dernier artiste helvète qui y a foulé les planches n’est autre que LiA ; et il avait fait un véritable tabac…
L’auditoire est constitué de mélomanes avertis. Mais le concert démarre avec 45 minutes de retard sur l’horaire prévu. Faut dire que le public ici n’est guère ponctuel. D’ailleurs, en début de set, il est plutôt clairsemé ; cependant, il finira par bien remplir la salle. Les musicos sont vêtus de Levi’s retenus par des bretelles et ont enfilé des chemises de couleur noire. Seul le drummer est coiffé d’une casquette bien yankee. Il ne leur manque que les chapeaux pour ressembler à des cow-boys. Quoi qu’il en soit, leur attitude est particulièrement cool. Les pseudos choisis par les musiciens sont cocasses. Jugez plutôt : Wheels au chant et à la guitare, Mr Jonfox à la basse, Mister I. aux claviers et Fuzzy O'Bron aux drums. La scène n'est pas très large, mais chacun y trouve sa place. Trois albums à l’actif du quatuor, dont le dernier est paru l’an dernier. Et un single gravé en juin 2016, qui fait l’objet d’un clip vidéo, « Stories Upon Your Lips » (voir ici)
La set list va puiser au sein de l’ensemble de la discographie du band, soit « The Thirteen Woman Of Ill Repute » (2014), « The 300'000 Cats Of Bubastis » (2011) et « Furry Tales » (2009).
« Giving All The Gold » ouvre les hostilités. Très old school, le morceau puise ses sources à la fois chez Led Zep et The Killers, alors que la voix évoque Steven Tylor, le chanteur d’Aerosmith.
Le son est léché et précis. Une véritable horlogerie suisse. Le café concert est de mieux en mieux garni. Mais dehors, la température est estivale, et une partie de la foule préfère savourer la musique extra-muros, car le cadre y est magnifique.
Psychédélique, l’intro de « Somewhere To Go » est rogné par les claviers. Le spectre de Ray Manzarek (The Doors) se met à planer ; mais progressivement, le morceau prend de l’épaisseur et se charge d’électricité, les riffs de Wheels se chargeant d’entretenir ce climat électrique. Plus pop, « Runing After Time » est amorcé par les ivoires, un titre dont les sonorités nous replongent dans les eighties. Le chanteur/gratteur invite la foule à se rapprocher de l’estrade. Au fil du concert, ses interventions aux cordes sont de plus en plus présentes. Et tout particulièrement sur « Shadows we've Become ». « Interstellar Riot », est interprété en mode guitare/voix ; et la compo passe bien la rampe, d’autant plus qu’en fin de parcours, percus, piano et gratte s’emballent dans un bel ensemble. Et la prestation de s’achever, après 75 minutes, par « Wake Up ». C'est la fin. Enfin pas tout à fait, car à l’issue de ce spectacle, tout le monde se retrouve dans le jardin.
C’est le moment propice pour se désaltérer, autour d’un brasero ; moment choisi par Wheels pour s’illustrer sur un ukulélé. Mais manifestement, les musicos de The Rambling Wheels n’ont pas envie d’aller roupiller. Aussi, ils décident de revenir dans la salle pour accorder un rappel de plus d’une heure quart. L’horloge indique 2 heures, lorsque ce deuxième concert s’achève. Finalement, le combo aura accordé 150 minutes de prestation. Sans chichis !
Organisation Julien Farinella (Art-I) + Le Moulin Fantôme
Issu de Chicago, Nick Moss est chanteur/guitariste. Agé de 76 balais, il a longtemps drivé ses Flip Tops, qu’il a reconvertis, dès 2009, en Nick Moss Band. Très tôt, Moss avait créé son propre label : Blue Bella. "From the root to the fruit" est un double elpee. Il s’agit déjà de son douzième. Une plaque est consacrée au "Roots", puisqu’elle puise dans ses racines blues. Et l’autre, baptisée "Fruits", à sa création actuelle, consécutive à l’évolution de sa propre vision musicale. Il a bien sûr reçu le concours de son backing group, en l’occurrence Michael Ledbetter au chant et à la guitare rythmique, Patrick Seals à la batterie, Nick Fane à la basse et Taylor Streiff, aux claviers. Quelques amis ont été invités à rejoindre la troupe lors des sessions d’enregistrement.
Sous-titré "Roots", le premier cd réunit des compositions signées Moss et Ledbetter ainsi que des reprises de Junior Wells et d’Elmore James. La musique s’inspire du Chicago blues d’après-guerre, mais aussi du Texas blues ainsi que du Mississippi blues des années 40 et 50. La musicalité est irréprochable. Et les compos sont indiscutablement d’excellente qualité, surtout dans le registre du blues de Chicago.
"Fruits" implique les mêmes acteurs et compositeurs. Mais s’écarte quelque peu du chemin tracé par les bluesmen traditionnels, s’inspirant davantage d’un maître gratteur, l’incomparable Peter Green.
"Before the night is through" ouvre idéalement le long playing. Ledbetter chante d’une voix purement soul. Les lignes tracées par la guitare sont superbes. Et Nick est tout aussi brillant sur "Make way for me", un Memphis R&B au cours duquel Sax Gordon Beadle souffle –évidemment– dans son saxophone. Moss chante son "Dead man’s hand", un blues imprimé sur un tempo enlevé, entretenu par le piano alerte de Streiff, et le sax tout en effervescence de Beadle. Inspiré par Muddy Waters, "From the root to the fruit" baigne dans le Chicago Southside. Otis Spann se réincarne en Streiff. Nick expire dans l’harmo et libère encore de bien belles phrases sur ses cordes. Blues lent, "Symone" émarge au même style. Taylor est passé à l’orgue pour "Lost and found", un autre blues lent, abordé dans l’esprit de BB King. Impeccable ! Le disque recèle trois plages instrumentales de toute bonne facture : "Haymarket hop", "Rump Rash" et "Cold sore". Moss adapte impeccablement le "Long tall woman" d’Elmore James. Et le jeune prodige Jason Ricci se réserve l’harmonica sur "The woman I love".
La seconde plaque s’étale sur près de 80’. "Catch me I’m falling" entame le bal. Le son est plus contemporain. Ledbetter est derrière son micro. L’orgue s’impose alors que largement amplifiée, la gratte s’autorise certaines libertés. Elle devient même aventureuse tout au long du plus funky "Jupiter Florida". Et devient même versatile, quoique bien maîtrisée, sur "Breakdown", une piste qui met bien en exergue les percussions de Patrick Seals. Blues lent, "Serves me right" est judicieusement sous-titré "Space Jam". Et pour cause Moss prend le temps et l’espace de développer de longues improvisations. Il modifie les sonorités de ses cordes à l’aide de ses pédales, bientôt talonné par son claviériste. Et ce dernier poursuit ces expérimentations sur "Ta Ta for Tay Tay" au sein d’un climat jazzyfiant. Un climat qu’on retrouve sur "Free will", mais en plus cool. Streiff siège derrière le piano électrique. Partagées entre Nick Moss et David Hidalgo de Los Lobos, les parties de guitare sont un nouveau régal pour les oreilles. Nick est épaulé par deux choristes, Tina et Lara, sur "Grateful", une plage bien balancée. Délicate, la voix de Ledbetter est encore bien mise en exergue tout au long de la jolie ballade "Shade tree". Mais également sur un dernier blues lent intitulé "Stand by", une compo superbe ponctuée par une envolée de Nick Moss, chargée de feeling. "Speak up" ne dénote pas dans l’atmosphère qui baigne ce deuxième volet. Instrumental, "Heavy water" clôt ce long playing. Moss en profite pour se réserver une dernière sortie sur ses cordes, mais en s’inspirant manifestement de Carlos Santana.
In Flames appartient à cette catégorie de formations qui semblent nées, il y a peu de temps, alors qu’elles comptent au moins un quart de siècle d’existence. Il est vrai qu’on ne s’en rend pas toujours compte. Et quoi de mieux, au final, que de fêter ses vingt-six bougies en offrant à ses fans, un enregistrement public. Il remonte à deux ans (le 8 novembre 2014, pour être précis) et a été immortalisé au ‘Scandinavium’, mythique salle de spectacle suédoise de la ville côtière de Göteborg. Et le choix de ce lieu n’est en rien dû au hasard : le quatuor voulait en effet enregistrer ce live sur ses terres. ‘C’est notre ville d’origine et c’est juste génial pour nous de pouvoir rendre quelque chose à cette ville qui a vu naître nos premiers pas’, explique le vocaliste, Anders Friden. ‘C’est un superbe endroit pour y jouer. Après le show, je me suis rendu compte que je ne savais pas encore combien de temps le Scandinavium allait encore exister. C’est donc une bonne chose de garder une trace de cet endroit, parce que c’est vraiment un stade légendaire. Je me suis rendu à des tonnes de concerts de Metal ici au cours de ces dernières décennies. J’y ai vu tous mes groupes favoris’. Un endroit donc symbolique, autant pour les artistes qui se produisent ce soir-là que pour les quelques 10 000 aficionados qui se sont déplacés en masse en cette soirée automnale. C’est donc un Scandinavium archi sold out qui attend de pied ferme les stars du Metal mélodique.
Des lumières bleues électriques scintillent sur le bas de la scène, masquée par un énorme rideau noir. Les baffles crachent les premiers riffs de « In Plain View », titre d’ouverture de « Siren Charms », sorti à peine deux mois avant la captation. Anders Friden lance son premier cri de guerre, donnant le signal pour la chute du rideau et l’explosion d’une nuée de confettis dorés dans toute la salle. Le ton est directement donné : les Suédois ont décidé de tout donner ce qu’ils ont dans le ventre. Pas de décor ni même de backflag, la prestation des artistes est au cœur du show. Casquette frappée du logo du band sur la tête, Anders s’époumone comme un beau diable, alternant hurlement et chant plaintif. Sourire aux lèvres la plupart du temps, les autres artistes lancent de temps à autre des regards complices à la fosse, mais restent principalement concentrés sur leur instrument. Pas besoin de gesticuler inutilement, plus rien à démontrer : les Suédois sont venus partager leurs compositions qui, au fur et à mesure des années, sont passées d’un Death Metal mélodique clairement identifié à un son à la ‘In Flames’, incomparable.
Une heure et demie de show nourries par onze elpees studio. Autant dire que les musicos avaient l’embarras du choix, même si la sélection n’a pas été des plus simples. D’ailleurs, les plus anciens morceaux sont passés à la trappe. ‘Si nous avions interprété les morceaux de chaque album, nous aurions pu y passer toute la nuit…’, plaisante Björn Gelotte, un des deux guitaristes. ‘Ce DVD est pour toute personne qui nous a suivis le long de notre carrière, avec des morceaux des premières années, de l’époque intermédiaire et de la nouvelle ère. Notre audience est vraiment diversifiée, c’est incroyable. Il me semble qu’on est devenu une sorte de pont dans le Heavy Metal, depuis qu’on joue de la musique agressive, mais néanmoins toujours accessible’. Un constat qui se confirme par les nombreux plans pris de la foule, fans d’hier et d’aujourd’hui, constamment occupés à chanter les morceaux à tue-tête ou clamant le nom du band entre les morceaux.
De la fosse aux balcons, les amateurs de sonorités puissantes ont fait un voyage dans le temps, la set list transitant de « Resin » (’99) à « Rusted Nail » (’14), en passant par « Only for the Weak » (’01), « Fear is the Weakness » (’11) et « The Quiet Place » (’04). Les titres incontournables, tels que « Cloud Connected » ou, en final, « Take This Life », ont évidemment entraîné l’ivresse de masse qui leur revient. Alors que le gâteau était déjà bien appétissant, on a alors droit à une belle cerise sur le gâteau, déposée par Emilia Feldt, la soprano danoise, lorsqu’elle vient poser la voix sur « When The World Explodes ». Beau et bon, ce ‘live’ est en outre particulièrement intéressant, car, après l’avoir visionné, on se surprend à se dire : ‘Ah ouais, quand même…’ En un peu plus de 90 minutes, In Flames parvient à démontrer toute la palette musicale déployée au cours de ces deux dernières décennies. Un groupe qui a grimpé petit à petit les échelons pour devenir, aujourd’hui, un des incontournables de ce Metal inclassable, toujours inconfortable quand on souhaite le mettre dans tel ou tel tiroir, mais désormais reconnu de toutes et tous. Si le band scandinave n’avait pas fait l’impasse sur ses premières années de carrière, davantage Death Metal, ce DVD aurait été parfait.
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