Etabli à Philadelphie, Chris Forsyth est un guitariste/compositeur américain dont la carrière a commencé au tout début de ce millénaire. Avant de fonder le Solar Motel Band, en 2013, il a milité au sein d’une multitude de groupes. Mais il a surtout longtemps sévi dans la zone crépusculaire de l’underground, publiant quelques albums en solitaire, dont un certain « Kenzo Deluxe », en 2012. Nous y reviendrons. Tout comme sur le rôle de Richard Lloyd (Television), en compagnie duquel il a approfondi une certaine technique de guitare.
Sur ce double compact disc, le Solar Motel Band réunit Nick Millevoi à la seconde gratte, Peter Kerlin à la basse et Steven Urgo aux drums. Depuis, la sortie de cet opus, ce dernier a cédé les baguettes à Ray Kubian. Lors des sessions, il a également reçu le concours de quelques invités, dont le claviériste Shawn E. Hansen et le saxophoniste Daniel Carter.
La seconde plaque est sans doute la moins intéressante. En ouverture, « The First ten minutes of Cocksucker Blues » figurait sur l’album « Kenzo Deluxe ». Mais on ne peut pas dire que cette nouvelle version casse la baraque. Une forme de prog/rock/jazz essentiellement alimentée par des percus tribales et bien sûr la guitare de Forsyth ; le tout infiltré par un filet de clavier et traversé par saxophone plutôt free, exécuté dans l’esprit de Miles Davis. Deux autres morceaux trempent davantage dans l’ambient, même si « Old Phase » se distingue par des poussées de fièvre électriques. Enfin, on épinglera quand même la reprise du « The calvary cross » de Richard Thompson ». Chris y marmonne ses lyrics, sur une trame sonore imprimée sur un mid tempo tout en véhiculant, circonstanciellement, des accents crazyhorsiens.
Mais venons-en à la galette la plus accomplie. Les guitares sont bien sûr toujours au centre des débats. Cependant, elles évoluent dans un contexte bien plus rock, s’appuyant sur une solide section rythmique. Les deux versions de « The rarity of experience » sont épatantes. La texture de la deuxième est sculptée dans le funk blanc, même si le soliste libère des notes aussi limpides que lumineuses. Sur la première, nonobstant le riff emprunté au « Pinball wizard » du Who, c’est le spectre de Television qui se met à planer ; spectre qui rôde également tout au long de « High castle rock ». Quand au trois autres pistes (« Anthem » I et II ainsi que « Harmonium dance »), elles nous replongent dans l’univers West coast du début des 70’s, si bien incarné par Grateful Dead. Des morceaux qui dépassent le plus souvent les 10 minutes et rappellent les jams mémorables immortalisées par le groupe de feu Jerry Garcia. Et franchement, si vous aimez ce type de musique, vous ne serez pas déçus…
En 2001, Garbage commet un album indigne des sa réputation. « BeautyfulGarbage » prélude une longue traversée du désert, émaillée de dissensions, de séparations et de reformations. Le band grave quand même « Bleed like me », en 2005, et « Not Your Kind of People », en 2012, deux long playings d’honnête facture, sans plus. Mais le charme semble rompu. Et puis plus grand monde ne croit encore à la résurrection du band de Madison. Surprise, en juin dernier, la formation publie un sixième LP studio, « Strange little birds ». Et la surprise est d’autant plus frappante, que le disque tient la route. On y retrouve ce climat si spécifique aux deux premiers essais (« Garbage », « Version 2.0 »). Et puis ce parfait équilibre entre instrumentation organique et électronique. Oh bien sûr, tout n’est pas parfait. Il y a bien l’une ou l’autre compo trempée dans le trip hop énigmatique, parfois quand même mélodramatique ; mais sans que les chansons ne dérapent dans la mièvrerie. Les aficionados diront sans doute que c’est le terrain idéal pour que la voix sensuelle, sinueuse et ébréchée de Shirley puisse épancher toute sa charge émotionnelle. Et puis surtout l’album recèle quelques excellentes pistes. A l’instar d’« Empty », caractérisé par ses accès noisy ‘mybloodyvalentinesques’, de « Blackout », aux accents cold wave (Cure ?), des épiques « Magnetized » et « Amends » ainsi que du fulgurant « So we can stay alive ». Shirley Manson, Steve Marker, Duke Erikson et Butch Vig sont peut-être revenus à temps pour rappeler qu’il est préférable de mettre l’électro au service du rock, plutôt que l’inverse…
Le revival post/punk fume encore et toujours… The Gotobeds en est une nouvelle illustration –diablement– vivante, à travers son second elpee au titre pastichant le célèbre « Blood Sugar Sex Magic » du Red Hot Chili Peppers. « Blood Sugar Secs Traffic » revisite l’héritage de Wire (NDR : le patronyme du groupe n’est autre que le nom de famille de Robert ‘Gotobed’ Grey, son batteur, auquel un ‘s’ a été ajouté), The Fall ainsi que Mission of Burma. Tout en manifestant une rage et un humour qui font plaisir fou à entendre !
Ces musiciens issus de Pittsburgh dégainent d’entrée par le brûlant « Real Maths/Too Much », une plage truffée de guitares ‘noise’. Eli Kasan, le chanteur, scande ses textes ironiques et cyniques dans un style très ‘Mark E. Smithien’ (NDR : tout le monde en prend pour son grade… de New York à Los Angeles) tandis que les deux grattes guerroient en formant un fatras parfois chaotique, très susceptible de consommer du math/rock (« Amazing Supermarkets »), du punk particulièrement énergique (« Brass Not Rash », « Why’d You ? »), tout en préservant aussi –et c’est heureux– le sens mélodique (« Red Alphabet »). Go to Bed ? Impossible à l’écoute de ce condensé hyper référencé mais tellement sincère et passionné.
Grands admirateurs de la musique pop insulaire, Grapes nous propose un nouvel Ep 4 titres pour nous rappeler son art à composer des petites vignettes particulièrement ‘kinksiennes’. Son dernier elpee, « Some Kind of Happinness », avait reçu un bel et mérité accueil et même bénéficié du concours ‘VIP’ de l’ex-Supergrass, Mick Quinn. La formation havraise nous réserve donc un digne –mais bref– successeur au long playing. Un essai de pop classieuse financé via la plateforme participative Microcultures. Pas de bouleversement en profondeur, mais de légères variations qui permettent d’élargir un terreau sonore. Aussi, entre l’orgue mélancolique (« Holy Man »), les légères touches électro (« Cold, Cold, Cold », « 1996 ») et les élans psyché (« Sleeping With Lions »), Grapes se nourrit de nouveaux cépages. En outre, il vieillit comme le bon vin ; vivement le prochain millésime !
Californien, Charlie Baty est âgé de 63 ans. C’est en compagnie du chanteur/harmoniciste Rick Estrin que ce guitariste avait fondé Little Charlie & the Nightcats, en 1976. Un combo qui était devenu rapidement populaire. Baty y a sévi jusqu’en 2008. Il a ainsi participé à la confection des dix premiers elpees, tous publiés sur le label Alligator. Il décide alors de prendre une pause. Chris ‘Kid’ Andersen prend alors le relais, au sein d’un bakcing group que Rick Estrin baptise alors de The Nightcats.
En 2016, Charlie refait surface. En compagnie d’un nouveau groupe : l’Organ Grinder Swing. Et le style proposé est radicalement différent. Plus question de blues. Que ce soit aux accents empruntés à Chicago ou à la West Coast. Place au jazz. Le manouche. Celui popularisé par Django Reinhardt ; mais en y incorporant de l’orgue. On comprend mieux ainsi le patronyme choisi pour son nouveau combo. En fait l’Organ Grinder Swing se résume à deux musiciens : Lorenzo Farrell à l’orgue Hammond et J. Hansen à la batterie ainsi qu’aux percussions. En fait, Charlie réalise enfin son rêve en enregistrant un disque de jazz. Et il l’a réalisé en compagnie de la section rythmique des Nightcats ; en l’occurrence le bassiste Lorenzo Farrell, pour la circonstance essentiellement préposé aux claviers, et le drummer J Hansen. Influencé par Gene Krupa et Buddy Rich, ce dernier affiche une excellente technique. Le trio s’est enfermé aux studios Greaseland de Kid Andersen, à San José, pour concocter cet LP. Un disque recelant dix reprises et trois titres signés Baty!
C’est d’ailleurs son "Skronky Tonk" qui ouvre la plaque. Charlie étale toute sa technique et surtout son talent dans le registre jazz, alors que Farrell brille sur l’orgue. Manifestement, il a bien assimilé le Memphis Swing de Jimmy Smith et de Booker T. Vieux standard du jazz, "How high the moon" date de 1940. Lionel Hampton, Ella Fitzgerald, Benny Goodman et bien d’autres l’ont interprété. Baty se montre particulièrement à l’aise tout au long de cette version technique et sophistiquée. J Hansen ne l’est pas moins derrière ses fûts. Signé Jacob Bittencourt (NDR : c’est un compositeur brésilien), "Receita de Samba" véhicule les accents exotiques d’une samba. Tout comme "Um a Zero". "Nuages" constitue certainement un des morceaux les plus remarquables de Django Reinhardt. Tout au long de cette cover respectueuse et chargée de feeling, on y retrouve cette douceur naturelle. "Pennies from heaven" est un autre traditionnel issu des années 30. Bing Crosby, Billie Holiday, mais aussi Frank Sinatra, l’avaient inclus dans leur répertoire. Impeccablement adapté, ce morceau de jazz est manifestement contaminé par le blues. Baty s’autorise un nouvel exercice de style sur son "Gerontology". Fondateur du Modern Jazz Quartet, John Lewis était un pianiste de jazz. Cet Américain avait composé "Django", en hommage à son maître. Charlie nous en accorde une lecture lumineuse à la six cordes. Charlie Christian est un autre célèbre guitariste de jazz ; l’un des tous premiers gratteurs à avoir amplifié son instrument. La cover de son "Swing to Bop"est de toute bonne facture. Tout comme "Broadway", un autre classique, qui figurait au répertoire de Count Basie et son orchestre. "Cobalt Blues" constitue certainement la plage la plus blues de l’elpee. Signée Baty, elle permet à Farrell de tirer son épingle du jeu. Et on épinglera encore deux autres reprises ; celle du célèbre "Misty", pour lequel le pianiste Erroll Garner avait décroché un succès, et du "Flyin’ home" de Benny Goodman. Excellent dans le style !
Self-Evident est issu de Minneapolis, un trio drivé par le chanteur/guitariste Conrad Mach. Première constatation, ce dernier possède une voix aussi écorchée et sinusoïdale que celle de Sting, mais en moins falsetto. Une sensation accentuée, lorsque Tom Berg, le bassiste, vient y apporter son soutien aux chœurs. Quant à la musique, elle s’inspire essentiellement des années 90. Pensez à Sebadoh, Guided By Voices, Shellac, Cursive ou à Firehose. Une expression sonore complexe, truffée de brisures de rythmes ; mais dont le sens mélodique est constamment préservé. En outre, solide, la section rythmique libère un groove phénoménal. L’expression sonore serait –en lisant les articles publiés sur la toile– le fruit de la rencontre entre emo, hardcore, punk, jazz, indie, post et math rock. Pourquoi pas ! Découpé en 10 pistes, « We built a fortress on short notice » constitue quand même le sixième elpee du combo ; une formation qui de toute évidence mérite une mention particulière pour son implication dans l’univers du rock alternatif…
Italien, Mike Sponza est chanteur/guitariste. Il a entamé son projet ‘Kakanik Blues’, en 2005. Objectif, réunir un max de musicos issus d’Europe Centrale. Aussi, lorsque l’album "Kakanic Blues 2.0" paraît en 2008, ce ne sont pas moins de 25 musiciens qui y apportent leur contribution ; et ils sont issus de pays aussi différents que l’Italie, l’Autriche, la Hongrie, la Serbie, la Croatie, la Bosnie, l’Irlande, l’Angleterre et les Etats-Unis. Il remet le couvert, dès 2011, en publiant "Continental shuffle". Cinq ans plus tard, il tente une nouvelle expérience. "Ergo Sum" (Trad : ‘Donc, je suis’) cherche à démontrer que les sources d’inspiration du blues sont l’amour, l’amitié, la famille et la politique, des sujets développés par Willie Dixon, Muddy Waters et Bob Dylan ; mais aussi qui alimentaient les anciens auteurs latins. A l’instar du héros légendaire romain, Horace le Borgne, ainsi que des poètes romains, Catullus, Martialis et Juvenalis. Soutenu par le talentueux Ian Siegal, Sponza a donc mis en musique ces anciens bardes. Les sessions se sont déroulées au sein des célèbres studios Abbey Road de Londres.
Tiré des ‘Satires’ de Horace, "Modus in Rebus" ouvre la plaque. La guitare est fluide. Le tempo, cool. La voix, grave et puissante. Dean Ross (NDR : il a sévi et sévit toujours au sein du groupe de ska, The Selecter) siège derrière l’orgue Hammond. Et pourtant, Mike laisse éclater ses cordes. Ian Siegal le rejoint pour exécuter "Carpe Diem". Il se sert d’un bottleneck. Imprimé par les percussions de Moreno Buttinar, le morceau nous entraîne du côté du Delta, alors que le billet de sortie est accordé au saxophone de Matej Kuzel. Et il tire à nouveau son épingle du jeu sur "Penelope", un blues lent qui ne manque pas de charme. Slide et gratte se conjuguent. Un brin graveleuse, la voix est surtout chaleureuse. Coécrite par Sponza et Dana Gillespie (NDR : une chanteuse britannique notoire), "The thin line" est une plage relaxante et atmosphérique entretenue par la trompette de Chris Storr, l’orgue Hammond et la sèche frottée par un bottleneck. Dana Gillespie se réserve le micro. Son timbre est jazzzyfiant. Longue piste, "See how the man" est sculptée dans le funk/jazz. Bien mise en exergue, la voix est déclamatoire, un peu comme dans le rap. Les cuivres cherchent à s’imposer, mais c’est la six cordes qui tire son épingle du jeu. Plus conventionnel, "Poor boy" opère un retour au blues rythmé ; un shuffle de bonne facture au cours duquel Sponza et Siegal se partagent les vocaux. Les musiciens sont à la fête. Et notamment Ian Siegal, intenable à la slide. Pourtant, les deux gratteurs se relaient régulièrement, alors que le piano de Ross et les cuivres balisent la compo. Un très grand moment ! Court, "Kiss me" est un morceau bien nerveux. La guitare bien amplifiée de Sponza et celle traitée par le bottleneck de Siegal sont parfaitement complémentaires. "Prisoner of jealousy" clôt l’elpee. Une ballade r&b lente et majestueuse que chante remarquablement Siegal, en manifestant une passion dévorante, devant les cuivres…
Originaire de Brooklyn, Alexis P Suter est âgée de 53 ans. La musique de cette chanteuse/compositrice baigne dans le blues et la soul. Ses débuts, elle les accomplit au sein des églises locales. Pour y chanter le gospel. Son premier enregistrement remonte à 1990. Elle grave alors un single intitulé "Slam me baby". Mais son premier elpee ne date que de 2005. Son titre ? "Shuga Fix". Depuis, elle drive son propre groupe. "All for loving you" constitue son septième opus. Il fait suite à "Love the way you roll", paru en 2014. Pour le concocter, elle a bien sûr reçu le concours de son backing group ; en l’occurrence le guitariste Jimmy Bennett, le drummer Ray Grappone et le bassiste Peter Bennett. Mais également du claviériste John Ginty ainsi que du chanteur Vicki Bell.
Dès le premier titre, on est surpris par la voix d’Alexis. Grave, puissante, ravagée et rocailleuse. Presque naturellement masculine. Elle est épaulée, par celle bien féminine de Vicky. Imprimé sur un tempo entraînant et traversé par les interventions judicieuses à la slide de Jimmy Bennett, ce "Talk to myself" constitue une première claque. Le timbre vocal est même proche du baryton sur "Can’t find a reason", un blues flemmard, tapissé par l’orgue Hammond de John Ginty. Impressionnant ! Jimmy égrène parcimonieusement ses cordes tout au long d’"Another place and time", un blues particulièrement lent. Ce morceau transpire de vécu, traduisant la relation idyllique entre la chanteuse et son guitariste. Excellent ! "All for loving you" est une superbe plage atmosphérique. Les interventions d’orgue sont indéniablement originales. Et dans ce contexte, la voix passe parfaitement la rampe ; alors que la slide de Bennett rugit intensément de bonheur. "Livin’ in a world" est imprimé sur un tempo enlevé. Une piste plus proche du Memphis blues cher à BB King. Et pour cause, Jimmy s’autorise un envol digne du maître, alors que l’orgue Hammond prend également un billet de sortie. Vicky Bell (NDR : c’est la choriste !) signe "Fool for you", une ballade r&b indolente. Elle réplique aux vocaux d’Alexis. Chargés d’intensité, ils sont manifestement taillés pour ce dernier, alors que Jimmy se réserve une sortie très mélodieuse. Caractérisé par ses cordes en effervescence, "Don’t ya’ tell" est une piste bien rythmée. Tout comme "So long", une compo au cours de laquelle la gratte, largement réverbérée, subtilement acide, mais bien balisée par le drumming de Ray Grappone, se révèle aventureuse. Secoué par de nombreux changements de rythme, "Circumstance" est un morceau bien nerveux. Les deux chanteuses sont complémentaires. Ginty siège à nouveau derrière l’orgue ; et Bennett en profite pour étaler, à son tour, tout son talent aux cordes. Un talent qu’il affiche également tout au long d’"Every shut eye", une plage percutante, au cours de laquelle il ne tient plus en place. La finale est surprenante. Et pour cause, il s’agit du "Let it be" des Beatles. Toute l’équipe est au complet. La version est remarquable. La voix, parfaitement adaptée. L’orgue, majestueux. Et la guitare, mélodieuse et chargée de feeling…
Votre serviteur avait assisté, pour la première fois, à un concert de Ben Harper, en 1998. C’était à Torhout (NDR : dans le cadre du festival jumelé Torhout/Werchter). Etonnant que près de 20 ans plus tard, il soit toujours dans le circuit en compagnie de ses vieux comparses, The Innocent Criminals. En 2015, la troupe s’était à nouveau produite à Werchter ; et cette année, elle est repartie en tournée mondiale, un périple baptisé « Call It What It Is », soit le titre du nouvel opus. Il transitait donc par les Hauts-de-France, et plus précisément le Zénith de Lille, ce jeudi 20 octobre. Retour sur un concert très très bien ‘roadé’…
The Jack Moves est prévu en supporting act. Malheureusement, malgré un départ de plus de 2h30 avant le début de sa prestation, je ne suis parvenu à assister qu’aux remerciements adressés par Zee Desmondes et Teddy Powell, à la foule. ‘What a pity !’ Il faut cependant souligner que le concert de Ben Harper a suscité un énorme engouement dans le Nord de la France. Ce qui explique la véritable cohue, autour du Zénith Arena. Le parking est blindé, la fosse pleine à craquer, et les gradins se remplissent à une vitesse vertigineuse.
21h05 les lumières s’éteignent. Le show peut commencer. La foule est déjà survoltée. Les premiers rangs sont carrément compressés contre les barrières. Le personnel de la sécurité est particulièrement à cran. La nervosité, vraiment palpable.
Représentée par une immense cible, le décor est inspiré de l’artwork du long playing « Speak Out-A Bluegrass Tribute ». Un oiseau en bois surplombe un petit meuble ; et un tissu coloré à motifs psychédéliques pend négligemment le long du clavier.
Chapeau vissé sur le crâne, Ben Harper grimpe sur l’estrade. Il est accompagné de ses Innocents Criminals. Il y a une telle ferveur dans les acclamations qu’elles en deviennent impressionnantes. Issu de « Fight For Your Mind », « Oppression », ouvre les hostilités. De quoi ravir l’auditoire. Le concert va alterner les genres, depuis la soul au blues en passant par le rock et le folk, sans oublier le reggae.
Aux percus, Leon Mobley affiche une maîtrise stupéfiante. D’abord sur le plus reggae « Finding Our Way ». Puis lorsqu’il s’autorise un solo en avant-scène pour « Burn One Down ». Mais encore lors d’un trio qu’il partage en compagnie du bassiste Juan Nelson et du gratteur Michael Ward, sur « Don’t Take That Attitude To Your Grave ». Mais en général, ce dernier semble quelque peu absent. Quant à Jason Yates, malgré son look de vieux corsaire, il se révèle plutôt discret. Le musicien qui brille vraiment de mille feux, c’est Juan Nelson. Il épate par sa technique et sa capacité à suivre (ou précéder) Ben Harper. Pendant « Fight For Your Mind/Them Changes », lui et Ben exécutent un long passage instrumental. Aussi, fascinée, la foule l’ovationne pour l’encourager. Après ce morceau, Haper va même plaisanter en déclarant : ‘Je ne peux pas le suivre !’.
Ben Harper est un excellent communicateur. Que ce soit vis-à-vis de ses musiciens que de l’auditoire, qu’il remercie à maintes reprises, parfois la main sur le coeur, comme s’il était submergé par une certaine émotion.
Il tend aussi le micro vers la foule pour l’inviter à chanter sur « Finding Our Way », l’incite à frapper dans les mains en rythme ou à les lever « With My Own Two Hands ». Sous les lumières du Zenith Arena rallumées pour la circonstance, tout le monde s’exécute, des premiers rangs aux derniers gradins du fond de la salle, pour ce long moment de communion.
Outre sa technique remarquable affichée, notamment lorsqu’il se sert de la slide, le Californien Ben Harper possède une excellente voix. Et son interprétation a capella et sans micro d’une partie de « Morning Yearning » a de quoi clouer le public sur place. La performance subjugue, et l’assemblée l’écoute religieusement avant de l’applaudir longuement.
Ben Harper rappellera aussi The Jack Moves sur l’estrade pour interpréter « Under Pressure », en hommage à Freddy Mercury et David Bowie, avant de terminer ces deux heures de concert par un solo acoustique sur « Waiting On An Angel ». Il est alors seul sur les planches face à un auditoire ébahi…
Donc le concert était génial. Pour être honnête, il ne m’a pas totalement convaincu. Pourtant, le son était nickel. Et la technique des musicos, irréprochable. Je vais encore me faire des amis, mais soit… En fait, j’ai eu l’impression d’assister au spectacle d’une véritable machine de guerre. Tous les rouages étaient parfaitement huilés. C’était même digne d’un show permanent à Las Vegas. A aucun moment, je n’ai ressenti une réelle émotion dans ses propos ou ses gestes ; que ce soit le poing levé ou la main sur le cœur. Tout semblait calculé comme dans une production hollywoodienne. Aucune place n’a été laissée à la spontanéité. Même le rappel et les reprises étaient savamment arrangés. Il y a fort à parier que si vous assistez à deux shows de cette tournée, vous retrouverez la même selist, les mêmes clins d’œil adressés au public, les mêmes attitudes censées communiquer des émotions… finalement, il ne changerait peut-être, que de t-shirt…
Quel dommage de voir un tel artiste se laisser bouffer par le système –et il n’est pas le seul– dans l’unique objectif de privilégier la rentabilité ; alors qu’il a le talent pour improviser à travers des jams mémorables… qui le rendraient célèbre… C’est un choix !
Voir aussi la section photos ici
(Org: FLP + Divan Production)
Actif sur une multitude de fronts depuis ses débuts (NDR : en 2000), dans des univers louvoyant entre soul, électro et funk, l’Anglais Jamie Lidell s’est taillé peu à peu une place à part dans l’univers musical actuel. Un véritable OVNI naviguant au sein d’une galaxie particulière : trop expérimentale pour le haut des charts (malgré le récent revival soul dont il aurait pu bénéficier…) mais toujours un brin trop pop pour les auditeurs les plus audacieux. L’anguille Jamie bénéfice toutefois d’un succès d’estime et critique mérité malgré quelques albums pas particulièrement faciles d’accès (« Compass », produit par Beck) sauvés par d’évidentes qualités de composition et une voix en or.
Afin de défendre « Building A Beginning », son dernier et plus accessible opus, le soulman anglais venait saluer la capitale de la Belgique ; tout particulièrement au sein de sa toujours impeccable salle de l’Ancienne Belgique. Un public assez conséquent accueille le musicien, aujourd’hui établi à Nashville, accompagné d’un impressionnant backing-band du cru, The Royal Pharaohs, constitué de 8 musiciens au groove véritablement imparable. Toujours souriant, Jamie Lidell débute son set pied au plancher par le single « Multiply » après une intro d’une belle coolitude offerte par ses pharaons. Le son, au début un peu faiblard, s’améliorera au fur et à mesure du show mais sa voix du crooner est, elle, dès la première note, d’une infinie justesse… et très rapidement le spectacle se transforme en véritable ‘feelgood concert’ grâce à des morceaux évoluant entre funk endiablé et soul quasiment guimauve ; même si les morceaux énergiques se taillent la part du lion. Seul bémol, comme sur disque, les compositions de Sir Lidell manquent parfois d’accroches mélodiques et tendent à se confondre si on excepte les singles « A Little Bit More », « Another Day » ou le plus récent « Walk Right Back ». Toutefois l’homme et son groupe élargi s’avèrent être de véritables showmen et la maîtrise des musiciens permet au show de monter en puissance tout en communiquant à chaque spectateur une mini banane… et définitivement de quoi passer un agréable vendredi en pensée.
Impossible en effet de sortir d’un concert de Jamie Lidell avec des idées noires tant la positivité des émotions et la justesse de sa voix combinées en font des moments de liesse collective. Merci Jamie donc…
(Organisation : Ancienne Belgique + Live Nation)
La dernière fois que votre serviteur avait assisté à un concert de Ben Harper, c’était en 2014. Au Cirque Royal. L’artiste était accompagné par l’harmoniciste Charlie Musselwhite. Un set qui s’était enfoncé au plus profond du Bayou. Ce soir, le Californien est programmé au Club de Forest National ; la capacité de la salle est donc réduite à plus ou moins 4 000 personnes. Et elle est sold out, car le deuxième balcon a été condamné ; une tenture noire séparant d’ailleurs le poulailler du reste de l’hémicycle.
The Jack Moves assure le supporting act. Comme pour toute la tournée européenne ; un périple baptisé ‘Call It What It Is Tour’. Le premier elpee (NDR: il est éponyme) de ce duo originaire du New Jersey est paru en décembre dernier. Prévu pour 20 heures, le set démarre un quart d’heure plus tôt. Cheveux longs, pantalons à pattes d’éph’ et chaussures à hauts talons, Zee Desmondes s’installe à l’avant du podium. Il se consacre au chant et à la guitare. Il est soutenu par le drummer/producteur Teddy Powell. Mais en ‘live’, le tandem est épaulé par un bassiste (bonnet enfoncé sur le crâne) et un claviériste.
Bien funky/r&b, « Doublin' Down » ouvre le set. La voix de Zee est particulièrement soul. La frappe de Teddy est métronomique. Les interventions des claviers sont discrètes mais efficaces. On se croirait revenu au beau milieu des années 60. Et tout particulièrement au cœur de l’âge d’or de la Motown. Zee se distingue à la gratte tout au long du magistral « All My Love », une compo hantée par Nile Rodgers. Sa voix est alors empreinte d’une grande tendresse. La cover du « A Fool For You » est excellente. Pendant le langoureux « Make Love », des sonorités de clochettes s’élèvent des synthés. De quoi faire tomber en pâmoison le public féminin. Une autre reprise, le « Heavy Love Affair » de Marvin Gaye. Revue et corrigée par la formation, cette version est épatante. Et « We'Re Here Now » clôt cette excellente prestation, un morceau dominé par les synthés, que ce soit à travers les sonorités d’ivoires ou même de cuivres, reproduites par cet instrument. Dommage que le band ne soit pas un peu plus interactif…
Agé aujourd’hui de 47 ans, Ben(jamin Chase) Harper a donc décidé de remonter son premier groupe : The Innocent Criminals. Vingt-cinq ans quand même que le guitariste californien roule sa bosse. Sa musique mêle rock, folk, blues, roots, gospel, funk et reggae. Outre ce combo liminaire, il a également drivé The Blind Boys Of Alabama et Relentless Seven. Ce soir, il a donc décidé d’en revenir aux sources pour défendre son quinzième album, « Call It What It Is ». Son backing group implique le percussionniste Leon Mobley, le claviériste Jason Yates, le bassiste Juan Nelson, le drummer Olivier Charles et enfin le second gratteur Jason Mozersky, qui remplace Michael Ward depuis mai dernier
Les lumières s’éteignent vers 20h50. En arrière-plan, une toile, sur laquelle est représenté le sigle du dernier opus (NDR : une cible de tir au couleurs verte, orange et brune) de Ben Harper & The Innocent Criminals, est tendue. Deux estrades sont érigées sur le podium. L’une est destinée à Leone et l’autre à Olivier. Harper s’installe au centre, face à son micro. Soit debout. Ou assis, quand il y pose sa guitare sur les genoux. Il est coiffé d’un chapeau mou de couleur blanche. « Oppression » (« Fight For Your Mind ») ouvre le set. La voix est douce, hantée, mais bien maîtrisée. Yates, bandana bleu lui enserrant le front, et le drummer assurent les backing vocals.
Dès « Don't Take That Attitude to Your Grave » (« Welcome to the Cruel World », 1994), Ben passe à la guitare électrique. Le public applaudit chaleureusement. Régulièrement, la main sur le cœur, il remercie la foule. Il signale que c'est un réel plaisir de jouer ce soir devant un tel public. Qui reprend les refrains en chœur. La température grimpe graduellement. Il revient à la semi-acoustique pour « Finding Our Way », un premier extrait du nouvel opus. Si la set list va puiser au sein des 15 long playings de Harper, elle va quand même privilégier le dernier en date. Pendant « In the Colors » (« Lifeline »), des lumières blanches balayent les premiers rangs de la fosse. Et Ben accorde un solo magistral de percus, en fin de parcours. Il cale sa gratte sur les genoux pour attaquer « Shine ». Il transpire de plus en plus. Aussi, il glisse un essuie éponge de couleur noire sous son couvre-chef, avant d’empoigner le micro pour aborder « Morning Yearning » (« Both Sides of the Gun », 2006). La basse compte cinq cordes. Ce n'est pas courant. Tour à tour, Ben caresse ou martyrise les siennes. Les interventions du percussionniste et du bassiste sont impressionnantes. C’est d’ailleurs en compagnie de ce dernier que Ben va opérer un duel de plus de 15 minutes. Son partenaire au banjo. Harper, à la gratte, posée sur les genoux. Une joute endiablée et terriblement excitante, démontrant ainsi que Ben est à l’aise dans tous les styles. Et le concert de s’achever par « How Dark Is Gone ».
« Burn One Down » et « Where Could I Go » sont interprétés lors du premier rappel. Mais également « Under Pressure ». Pour cette cover signée Queen/Bowie, The Jack Moves débarque, au grand complet, sur les planches. Un très grand moment au cours duquel les artistes vont littéralement vider leurs tripes.
Lors du second encore, Ben revient seul. Il s’accompagne à la sèche électrifiée pour nous réserver son « Waiting On An Angel ».
Ce soir, flanqué de ses Innocent Criminals, Ben Harper a accordé un show exceptionnel. De plus de 150 minutes. Aussi, le public a le droit d’être satisfait. Il semble même comblé. Et dans la tête de votre serviteur, résonne l’un ou l’autre refrain, qu’il fredonne secrètement, le cœur empli de joie… et il n’est pas le seul…
(Organisation : Live Nation)
Voir aussi le reportage photos consacré au concert accordé par Ben Harper & The Innocent Criminals, à Lille, ce 20 octobre, ici.
Originaire du Michigan, Smoky Greenwell est âgé de 65 ans. Très jeune, il apprend à jouer de l’harmonica. Ses premiers faits d’armes, on les relève dans le Tennessee, à Memphis, où il participe à des sessions qui se déroulent au sein du studio Sun, puis à Nashville, où il milite chez Blues Co-Op (avec Warren Haynes) et apporte son concours au claviériste de l’Allman Brothers Band, Johnny Neel. Depuis 1981, il vit à la Nouvelle Orléans. C’est à cette époque, qu’il entame une carrière solo. L’an dernier, il avait publié "Live at the US Old Mint". Coproduit par Smoky, Jack Kolb et David Stocker, "South Louisiana Blues" a été enregistré à New Orleans. Smoky chante, joue de l’harmonica et du saxophone. Il est essentiellement soutenu par le guitariste Jack Kolb et le bassiste David Hyde.
Tramé sur le riff notoire de "Green onions", l’entrée en matière d’"Animals angels" est superbe. Joe Krown –qui a long temps sévi chez le Clarence Gatemouth Brown– siège derrière l’orgue Hammond. Les envols de Kolb à la guitare et de Smoky à l’harmonica sont brillants. Place ensuite à la cover du célèbre "Let’s work together" de Wilbert Harrison. Johnny Neel se consacre aux ivoires, alors que Lynn Drury et Dana Abbott se chargent des répliques vocales. Le "Boogie Twist" de Cal Valentine and The Texas Rockers remonte à 1961. Instrumentale, la nouvelle version déménage. Kolb impose un riff boogie. Neel est passé à l’orgue Hammond B3 et Greenwell, à l’harmonica ainsi qu’au saxophone ténor. Cornelius Green, alias Lonesome Sundown, est un spécialiste du swamp blues. Smoky en adapte trois pistes. Tout d’abord le classique "Lonesome lonely blues", une plage lente caractérisée par une superbe intervention de Jack Kolb sur ses cordes. Ensuite "I had a dream last night", un morceau de jump blues, au cours duquel la section rythmique, constituée par David Hyde et Doug Belote, libère énormément de swing. Et dans le même style, le blues flemmard "I’m glad she’s mine". Johnny Neel siège alors derrière le piano, Smoky se consacre sax ténor, alors que Jack Kolb brille de nouveau à la six cordes. Excellents ! Le drummer Doug Belote imprime le tempo tout au long du blues enlevé "You can’t take it with you". "Pic kit up" est une autre plage instrumentale. Funkysante, elle est tapissée par l’orgue de Joe Krown, alors que Smoky se réserve un excellent exercice de style sur sa musique à bouche ! Tout au long du "Two headed woman" de Willie Dixon (NDR: Junior Wells en était le chanteur), Kolb est intenable alors que Greenwell signe sa meilleure intervention à l’harmo ! Smoky excelle encore aux côtés de Jack, sur la reprise originale du "Dirt road blues" de Bob Dylan. On épinglera encore deux instrumentaux. Tout d’abord "The hunch", une plage cool, atmosphérique, véhiculant des accents jazzyfiants et dont l’orgue B3 de Neel libère énormément de groove. Et puis en finale, "Walking with Mr Lee". Greenwell se réserve une délicieuse intervention au saxophone tout en rendant hommage à un maître de l’instrument, Lee Allen, musicien qui a illuminé les scènes de Kansas City et de New Orleans, notamment auprès de Little Richard et Fats Domino.
Julien Bouchard a déployé ses ailes, délaissé un peu son groupe Coco Business Plan pour sortir son premier album solo. Sa voix légère (parfois peut-être un rien trop fluette) se pose sur ses propres arrangements avec une délicatesse assez remarquable. Cet auteur-compositeur-interprète ne se contente pourtant pas de cette recette, dans l’esprit de ses multiples casquettes. Il explore tout ce qui est à la mesure de son talent, sans jamais essayer d’aller au-delà, sans jamais choisir la facilité. Tantôt en français, tantôt en anglais, Julien Bouchard ne joue jamais deux fois la même partition. Chaque morceau semble avoir ses propres inspirations, son propre univers. Et il sait faire mouche à l’aide de ses textes poétiques, ses refrains efficaces, ses airs mélodieux. Tout est finement dosé. Et comme il se doit, tels de vieux briscards, il se fend d’un titre plus radiophonique, plus ‘grand public’, en gravant ses « 100 regrets ». Une manière intelligente d’entraîner les dix autres titres dans son sillage.
Qu’on permette toutefois de regretter que Shakespeare l’emporte sur Molière au niveau de la langue. Si « Fear » sort grandi de ce choix, en plongeant dans un univers quasi-mystique, c’est un peu moins le cas des « Handguns » et « Always » dont le style aurait été davantage servi par les douces intonations du chanteur. Preuve en est le très beau « Prendre du temps » qui se révèle quelque peu cinématographique ; une piste pas déplaisante, peut-être un peu mielleuse, mais qui colle bien à la musique de Julien Bouchard.
Après avoir gravé « Butchery » en 2011 et « Distoris Clitortion » en 2014, The Chikitas nous propose son troisième long playing. The Chikitas, c’est un duo helvète réunissant Lynn Maring (chant/guitare) et Saskia Fuertes (drums/choeur). Tout au long de ses deux premiers elpees, le tandem pratiquait un punk/garage primaire et jouissif. A l'époque, les observateurs étaient unanimement enthousiastes. On était dès lors curieux de voir si les deux filles étaient capables de confirmer ces excellentes dispositions et surtout de dépasser l'effet de surprise.
Pour enregistrer « Wrong Motel », les deux Suissesses se sont exilées à Tucson en Arizona. Elles ont ainsi pu bénéficier du concours de Jim Waters (Sonic Youth, The Jon Spencer Blues Explosion, ...) à la production.
Morceau d’ouverture, "I Wish Your Mine" libère énormément d’énergie. De quoi rassurer le mélomane. Les sonorités de la guitare sont saturées à l’extrême et le fuzz est omniprésent. Les riffs sont tranchants, saccadés et certains particulièrement inspirés. Sur certains morceaux, The Chikitas s’écarte pourtant du punk-garage, pour frôler le stoner, à l’instar de "Oh Greed". Lynn Maring y donne tout ce qu'elle a dans le ventre.
Mais au fil de l’opus, on se rend compte que seule la voix ressort bien de l’ensemble. A tel point qu’elle finit par agacer. La gratte manque de nuances et les drums de percussion. L’instrumentation semble comme garrottée. Si bien que même si l'on imagine la rage de ces morceaux, elle n’éclate jamais. Résultat des courses, les titres se succèdent et finissent par se ressembler.
La mise en forme, et tout particulièrement le mixage, de "Wrong Hotel" a tout gâché. Dommage ! Espérons quand même qu’en concert, le duo féminin puisse remettre les pendules à l’heure, et surtout libérer toute son énergie réputée bouillonnante…
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