Marc Lelangue est issu du Nord de la Belgique. De Courtrai, très exactement. Actif dans l’univers du blues, depuis une trentaine d’années, ce chanteur/guitariste est aussi à l’aise dans l’acoustique que l’électrique. Il a publié son premier album solo, "Blues you could use", en 1992 ; un disque pour lequel il avait reçu le concours du bassiste Michel Hatzigeorgiou, du guitariste Patrick Deltenre et du batteur Thierry Gutmann. Son goût pour l’éclectisme lui permettra de graver un opus chanté dans la langue de Molière, "Glandeur nature". Et qui tient la route. Depuis, il ne cesse de rouler sa bosse ; que ce soit en solitaire ou au sein d’un groupe, sous la forme acoustique ou électrique.
Il nous revient sous un format trio. Pour la circonstance, il est épaulé par Lazy Horse, aka Raf Timmermans (mandoline, slide, harmonica), et le bassiste (ex-Slime Hunters, Healers, Electric Kings, Last Call), René Stock. Marc est hébergé chez Naked Productions, un label belge qui défend le blues local. Pas étonnant que Tee, Big Dave, Electric Kings, Stinky Lou & the Goon Mat, Hideaway, Rusty Roots, Howlin’ Bill, Fried Bourbon et les Boogie Beasts y soient signés.
Recelant 12 plages, "Lost in the blues" est partagé entre répertoire personnel, reprises et arrangements de traditionnels.
Marc ouvre l’elpee par "Empty house blues". Le tempo est flemmard. La voix, très spécifique. Un blues cool qui met déjà en exergue le talent de gratteur de Marc. Le "Forgive me please" de Tampa Red poursuit dans le même registre. La slide de Lazy Horse est bien mise en exergue. Marc se consacre aux cordes rythmiques et René à la basse acoustique. "Send my body to Bourbon Steet" est signé par son compatriote Jean-Pierre Froidebise (ex-Such A Noise). Chaleureuse, la voix s’impose au sein de ce climat néo-orléanais. Les solistes se libèrent : Marc à la guitare et Lazy Horse à la mandoline. Une autre cover de Tampa Red : "You missed a good man". Lazy Horse y brille sur son bottleneck. Et du célèbre duo de country blues, Brownie Mc Ghee et Sonny Terry : "Don’t pity me". Lazy Horse est passé à l’harmonica pour une adaptation vivifiante du "Walk on" de Brownie Mc Ghee. "Too lazy" est un blues lent minimaliste. Tant les interventions à la basse de René, celles au papier émeri de Lazy Horse, que la voix tellement intimiste de Mr Lelangue, rivalisent de sobriété. Leroy Carr signe "In the evening", un grand classique du blues. La nouvelle version est respectueuse de l’originelle. La cover du "Mississippi heavy water blues" de Barbecue Bob (NDR : ce spécialiste du Piedmont blues primitif a composé ce titre vers 1930) libère énormément d’intensité. "Take me back" est également issu de la même époque. Un traditionnel, en général, attribué à Frank Stokes. Lazy Horse injecte énormément de feeling dans les cordes de sa mandoline. "The road to recovery" reflète le parcours authentique de Marc. "I’ll stay right here" clôt l’elpee. Une reprise issue de la plume de Manuel Gonzales et Ruben Guaderrama, deux membres issus d’un roots band aux influences latines, The Blazers. Et elle est brillante.
Ginger St James est issue de Hamilton, au Canada. Elle se révèle particulièrement à l’aise dans plusieurs styles ; que ce soit l’americana, l’alt country ou le rockabilly. En général, elle est épaulée par son guitariste SnowHeel Slim.
"Pour me" ouvre l’opus. La voix de Ginger colle parfaitement à ce morceau de country pure. La pedal steel colore l’ensemble de ses teintes métalliques. "Train whistle" est imprimé sur le rythme du chemin de fer. Et il est soutenu. La voix de l’artiste semble soupirer ; manifestement, elle laisse sa puissance vocale sur la réserve. Snowheel Slim excelle sur sa gratte qu’il joue en picking. Ballade country, "Honeymoon stage" s’inscrit parfaitement dans un climat de ‘lune de miel'. Secondée par celle de la bassiste Justine Fisher, la voix de Ginger est sucrée, alors que les cordes accentuent le climat de mélancolie au sein duquel baigne la plage. Piano et pedal steel alimentent "Slim’s Jig", un bref instrumental rythmé. Bienvenue dans l’univers des cow-boys ! Les percussions d’André Tellier sont bien à l’avant-plan tout au long de "Somebody shot me", une ballade americana dont la trame est superbement construite par l’ensemble des instruments. Ballade country gémissante, "Best of me and you" glisse progressivement vers le blues, tout en respectant une parfaite interactivité musicale. "Hair of the blackdog" est sculpté dans du pur rock’n’roll. La voix féline de Ginger accroche, griffe même, alors que piano et guitare s’en donnent à coeur joie. Une formule qui sied bien à Miss St. James. Dommage qu’elle n’y recourt pas plus souvent. Guitares en picking et piano roadhouse entretiennent le country/swing "You were mine". Trop court, cet elpee s’achève par le dépouillé "Merry go round", une jolie ballade empreinte de spleen, un sentiment accentué par les cordes acoustiques limpides et la pedal steel chargée de feeling…
Malgré un certain succès, décroché lors de la déferlante néo-métal, qui a traversé les nineties, votre serviteur n’avait jamais osé emprunter les méandres tracées par cette formation devenue légendaire. Une appréhension résolue aujourd’hui par la découverte de « World Gone Mad », le 12ème opus d’un groupe qui célèbre aujourd’hui son énième come-back (NDR : sans sa figure tutélaire, Robert Trujillo)
Pour ce nouvel opus, le line up a donc accueilli de nouveaux membres, dont le mythique batteur Dave Lombardo (oui celui de Slayer…) mais également du bassiste Ra Diaz et du guitariste Jeff Pogan. Après 35 ans d’existence, la bande menée par Mike Muir (seul membre originel) est toujours aussi remontée ; et son crossover plutôt unique de trash, de hip-hop, de punk, de métal et de funk, en est une belle illustration.
Les choses sérieuses débutent dès le single « Clap Like Ozzy ». On y retrouve cette ligne de basse bien funk, si caractéristique chez le band californien. La principale force de Suicidal Tendencies a toujours reposé sur la diversité de styles proposés. Et, à nouveau, il parvient à faire le grand écart entre l’esprit punk (« One Finger Salute »), l’agressivité métallique (« The New Degeneration »), l’ambiance psyché (l’intro de « Living For Life »), le format hymnique (« Get Your Fight On »), le rap-métal (« World Gone Mad ») et la pseudo ballade (« This World », un final long et crépusculaire qui clôt le long playing). En outre, les musicos affichent une telle maîtrise pour transiter d’un genre à l’autre, que cette aisance en devient confondante. On décernera cependant une mention spéciale à Mike Muir pour son interprétation sans faille. Il faut croire que l’air maritime de Venice Beach possède les mêmes vertus qu’une fontaine de jouvence…
Patti Smith et son mari Fred 'Sonic' Smith avaient écrit "Summer cannibals", en 1996. C’est également le patronyme choisi par ce quartet rock issu de Portland, dans l’Oregon. Ce combo réunit trois filles et un garçon. Soit la chanteuse/guitariste Jessica Boudreaux, la bassiste Jenny Logan, la drummeuse Devon Shirley et le gratteur Marc Swart. Avant de publier "Full of it", la formation avait déjà gravé "No makeup" en 2013, et "Show us your mind" en 2015.
"Go home" lance rapidement le quatuor sur les rails. Un morceau punk, particulièrement dense. La voix de Jessica est empreinte de sensualité. Jenny assure les backing vocals. Quelque peu déjantée, la gratte de Swart met déjà le nez à la fenêtre. Le tempo décélère avant de repartir de plus belle. Et la piste embraie directement dans "Just a little bit". Allumée, la gratte dirige l’ensemble. Garage, les sonorités sont particulièrement ‘fuzzy’. Pop, la voix de Miss Boudreaux est accrocheuse et sensuelle. Tout comme sur "I wanna believe", une plage au cours de laquelle la section rythmique, renforcée par la gratte de Jessica, impressionne par sa force naturelle. "Say my name" s’ébroue plus paisiblement, avant de monter en puissance. Le lead vocal est empreint de sérénité. Les backing vocaux féminins reprennent le refrain en chœur. "Not enough" adopte un profil new wave. A cause de la rythmique. Cependant, les cordes de Marc prennent rapidement le large, implacablement soutenues par les autres instruments. Ce qui déclenche une forme de transe. Elle est devient rapidement permanente. Excellent ! Punk, cette rythmique punk fracasse "Full of it". Plus rien ne peut retenir la guitare qui s’emballe dès qu’elle est sous pression. Elle devient même acide afin de s’enfoncer au cœur d’un trip psychédélique. Et l’atmosphère est toujours aussi allumée quand "The lover" prend le relais. La voix est plus veloutée, mais la gratte continue de délirer. Bien garage/rock, "Talk over me" déborde d’énergie. "Make up" constitue un des sommets de l’elpee. Les cordes éclatent inlassablement au sein s’un climat ravagé et dévastateur. Imprimé sur un mid tempo, "Fallen" nous replonge dans une ambiance acide et fluctuante. "Simple life" clôt ce long playing. La voix est douce et fragile ; mais l’étincelle guette. Et quand elle se produit, c’est pour exprimer toute sa vitalité psychédélique…
Eddie Turner est né à Cuba ; mais il a longtemps vécu aux States. A Chicago, plus précisément. C’est d’ailleurs dans la grosse pomme, qu’il a chopé le virus du blues. Depuis, il s’est établi à Denver, dans le Colorado. Ce chanteur/guitariste a reçu pour sobriquet, Devil Boy. Il a conservé, de ses origines, un goût pour les rythmes exotiques, et tout particulièrement afro-cubains. Avant d’embrasser une carrière en solitaire, il a vécu diverses expériences. Fin du siècle dernier, il a ainsi sévi au sein du backing group d’Otis Taylor, à la guitare. Il a d’ailleurs participé à l’enregistrement de cinq albums du célèbre bluesman de Chicago. Le premier opus de Turner, "Rise", date de 2005. Et son dernier, réalisé en studio, de 2011. Il s’intitule "Miracles & demons". L’artiste s’est forgé une solide réputation en ‘live’. Très souvent hantées par le spectre de Jimi Hendrix, ses prestations scéniques sont longues. Aussi, on attendait impatiemment un premier elpee immortalisé en public. Il a été capté au Blues Can, à Calgary, au Canada. Il y est, bien sûr, soutenu par ses Trouble Twins, soit une section rythmique impliquant le drummer Kelly Cruse (ex-Adele &
The Krusers) et de la bassiste –une jeune femme bien séduisante– Anna Lisa Hughes. Cette dernière est une véritable globe-trotter. Elle s’est ainsi déjà produite en Amérique Latine et en Chine.
Très rythmique, l’ouverture est dansante. Soutenue par les répliques sensuelles d’Anna Lisa, la voix de Turner est hypnotique. Au bout de 5 bonnes minutes, la guitare prend le pouvoir et se révèle aventureuse. Parcimonieuse, la gratte d’Eddie amorce "Mistreated", un blues lent que murmure la voix voluptueuse d’Anna Lisa. Très inspiré, Devil Boy s’autorise un bel envol sur ses cordes. Chargées de feeling, elles montent progressivement en puissance. "So many roads" n’est pas le classique signé Otis Rush, mais une composition personnelle. Evoluant sur un rythme caribéen, la guitare vagabonde et invite la section rythmique à tirer son épingle du jeu, à travers une jam. "Rise" en est une deuxième. Longue, intense, elle est ébauchée par une guitare atmosphérique. La voix est incantatoire, ‘jimmorrrisonesque’. Le climat, réminiscent des Doors, circa "The end". Même les drums de Kruse s’investissent totalement pour entretenir cette atmosphère. Et "Blues fall down the rain", une troisième. Eddie y déploie longuement ses interventions. Elles s’étirent, creusent, délirent, au cœur d’un trip psychédélique. La cover du "Buried alive in the blues" de Nick Gravenites (ex-Electric Flag) est excellente. Bientôt rejointe, lors du refrain, par celle de Turner, la voix d’Anna-Lisa est chargée d’émotion. Et l’envol des cordes flirte une nouvelle fois avec les sommets. "Don’t let me be misunderstood" est un succès décroché par Nina Simone et les Animals, il y a plus de 50 ans. L’adaptation est réussie. Moss Hughes chante d’une voix évocatrice est caressante. Et le solo de guitare est tout bonnement magique. "Dangerous" est la plage la plage la plus longue. Le leader et sa bassiste se partagent le micro. Eddie se lance dans une longue impro. Complexe, intrépide, elle est caractérisée par une vitesse d’exécution croissante. "Secret" clôt le long playing. Hantée par Jimi Hendrix, cette piste se complaît dans un climat hypnotique, proche de la transe…
« Le lac » a déjà inondé les ondes de la bande FM. Ses airs de vacances légères vous ont certainement donné envie de vous retirer loin de tout. De quoi vous mettre l’eau à la bouche, avant d’écouter le nouvel opus de Julien Doré. Mais le reste ne se chante presque pas, il se chuchote, se murmure, cultive une certaine évasion. La poésie qui en émane est semblable aux mouvements de la mer ; des vagues calmes, douces, amenant des choses avec elles, en reprenant d’autres, effaçant les traces sur le sable que le passé a laissé. Parce que, oui, le Julien Doré qui s’est fait remarquer dans l’émission ‘A la recherche de la Nouvelle Star’ est bel et bien révolu. Certainement plus question ici de sauter dans tous les sens, de s’essayer à des reprises aussi osées que réussies. Ce Julien-là s’est laissé emporter par les vagues mélancoliques d’un renouveau. A tort ou à raison ; à chacun de juger ! Il n’empêche que ce timbre de voix si particulier, utilisé sous cette forme, n’est certainement pas désagréable. La mer calme, c’est beau, c’est fragile, c’est reposant… et par moments, c’est aussi quasi-mystique. Mais à force, quand on s’y attarde, toutes les vagues se ressemblent et on finit par avoir envie qu’elles révèlent toute la violence dont elles sont capables. Il manque sur ces treize titres une étincelle, un vent fort qui couplerait la beauté à la puissance. Une fois que le marin a compris quelle force les flots peuvent charrier et qu’il en est devenu admiratif, les eaux ne doivent plus rester calmes trop longtemps, sous peine de regrets. Pour les fans, il n’y aura toutefois pas de grande surprise, « & » se révélant totalement dans la veine du précédent opus. On pourrait en venir sans peine à lui coller une image de poète maudit. Et un poème, finalement, c’est surtout une jolie manière de dire des choses, tantôt pleines de sens, tantôt avec relativement peu de fond. Peu de fonds. Oui, « & » est un abysse de poésie en manque de tourbillons.
Le Brabant Wallon manque singulièrement de salles de concerts. Il y a bien le Moulin Fantôme à Tubize, mais pour le reste, c’est un peu le désert. Aussi, votre serviteur ne pouvait manquer l’inauguration d’un nouveau site destiné à accueillir ce type d’événement. Le Zik Zak a donc élu domicile à Tubize. Bien vu, car la région regorge de talents nouveaux. Surtout dans l’univers du pop/rock. Et puis d’une capacité de 300 personnes, l’endroit est suffisamment isolé pour éviter les problèmes de voisinage. Enfin, il bénéficie du concours d’un ingé-son pro, Olivier Delescaille (NDR : c’est le guitariste chez Beautiful Badness). Bref après le vernissage –au cours duquel on a croisé pas mal de connaissances issues du milieu– place à la musique…
Z ouvre les hostilités. A son actif, un Ep six titres. Mister Woody (alias Matthieu Van Dyck), content d'être présent, va prendre plusieurs bains de fosse pour mieux imprégner le public de son énergie toute communicative. Un petit hic, le son, un rien trop fort, empêche votre serviteur de comprendre les paroles des chansons. Heureusement, derrière les manettes, Oli veille au grain et règle très vite ce léger problème. Le drumming de Jay (Jerry Delmote) est tribal, instinctif, mais distinct, la ligne de basse tracée par Mich’ (Michel Vrydag) est fluide. Une section rythmique qui se révèle, en outre, implacable et parfaitement en phase. Et les riffs de gratte dispensés par Dweez (Morgan Tuiziz) sont saignants. Du rock pur et dur, chargé de testostérone, mis au service de mélodies entêtantes, obsédantes ; des mélodies pilotées par la voix de Woody. De son répertoire, Z va puiser 4 plages de son Ep et proposer quelques nouvelles compos. A suivre de très près…
Setlist : « Got A Mission », « Diamonds », « YYY », « Into The Wilde », « Sweet Fruit », « El Fush », « Right There » ,« War Machine », « No Loose Behavior », « Voice / Fist », « Mozarella ».
The Banging Souls, c’est le nouveau side project de Gaëlle Mievis (BJ Scoot, Sirius Plan). Un trio namurois au sein duquel Gaëlle se consacre au chant et à la gratte semi-acoustique, Ludwig Pinchart à l’électrique et Pitt Abras aux drums. Ils se connaissent depuis plus de 15 ans et ont accompli leur propre parcours musical avant de lancer ce nouveau challenge. A leur actif un Ep 4 titres disponible sur les plateformes de téléchargement légaux. Il y a de la technique, du métier et de la sueur, bref un fameux bagage, chez ces 3 artistes.
Le rock délivré par la bande à Gaëlle est musclé, décape et décoiffe en même temps. Bref, il est brut de décoffrage. Et tout particulièrement en ‘live’. Pourtant, il semble que le combo cherche encore son créneau, hésitant entre un stoner burné et un métal dévastateur. Quoiqu’il en soit, la voix de Gaëlle est hargneuse, vindicative, même si les racines de cette artiste sont surtout blues. En fait, elle utilise sa voix comme un instrument. Certaines compos nous replongent carrément dans les 70’s. Les solos de gratte dispensés par Ludwig sont limpides et caustiques. Le drumming est métronomique.
« A Change » ouvre le set. Féline, Gaëlle vous incite à vous bouger le popotin. Trois brûlots vont nous entraîner dans le Sud profond, quelque part entre le delta du Bayou et le Texas. Ce southern rock est même réminiscent de ZZ Top. Si les nouvelles compos sont particulièrement jouissives, on épinglera la cover imparable du « Black Betty » de Lead Belly, un titre popularisé par Ram Jam, en 1977, et le blues solide, huileux, graisseux même, « Race », morceau qui a achevé la prestation…
Setlist : « A Change », « Back To Roots », « Whisper », « The Call », « Seeds », « I Love RNR », « Queen », « Be », « Black Betty », « I Got A Woman », « Race ».
Le Zik Zak ressemble maintenant à une véritable fournaise. A point pour entamer le concert de Black Mirrors. Telle une squaw –mais sans les plumes– dont le visage a revêtu ses peintures de guerre, Marcella Di Troia grimpe sur les planches. Elle est constamment prête à déterrer la hache de guerre. Et vous fusille du regard. Puissante, sa voix peut rappeler celle de Janis Joplin. Sur le podium, elle occupe tout l'espace. Et ose même affronter l’auditoire, dans la fosse.
Elle est bien entourée par son fidèle guitariste Pierre Lateur, le bassiste Ludwig Pinchart (un polyvalent du manche) et un nouveau drummer, Nicolas Scalliet, que Marcella décrit comme un solide bûcheron, capable de dévaster ses fûts, sans tronçonneuse, ni merlin. Mais en se servant de ses baguettes. Pierre semble hanté par Jimi Hendrix. Ses solos sortent des sentiers battus. Et le nouveau single, « Funky Queen », un morceau qui ne manque ni de peps, ni de musicalité, confirme la recherche d’originalité de la formation. Bref, si le stoner très seventies de The Black Mirrors est toujours aussi susceptible de déraper dans le blues, le rock, le garage ou le métal, il est aussi capable de s’ouvrir de nouveaux horizons. Une belle preuve de maturité nouvellement acquise. On attend d’ailleurs impatiemment la sortie du premier album…
Setlist : « Shoes For Booze », « Funky Queen », « The Mess », « Control », « Mind Shape », « Drop D », « Canard », « Make The Same », « Till The Land », « Burning Warriors», « Things Go Up ».
(Organisation : Zik Zak)
Après avoir accordé un remarquable concert, dans le cadre du dernier Cactus, à Bruges, Wilco était de retour à l’Ancienne Belgique, ces 27 et 28 octobre. Aussi incroyable que cela puisse paraître, les deux dates étaient sold out. En deux jours, la formation chicagoan a donc attiré 4 000 spectateurs. Et il faut avouer qu’à l’intérieur, c’était blindé de chez blindé. Mais –et il faut le souligner– la foule était constituée d’un public multigénérationnel. Le rock n’est pas mort ! La preuve par Wilco…
Wilco a gravé deux albums en 2016. Le plus électrique « Star Wars », en juillet et le plus acoustique « Schmilco » en septembre. Deux disques épatants qui s’inscrivent pourtant dans des styles diamétralement différents. Ce qui avait donc poussé votre serviteur à aller revoir la formation en ‘live’. Plus étonnant encore, la set list du 27 est différente de celle du 28 octobre ; et c’est ainsi tout au long de sa tournée. De quoi encore démontrer que le groupe cherche constamment à se renouveler…
Le décor est superbe. Une forêt enchantée à multicouches est disposée sur le podium. Et le light show va plonger la scène au sein d’un éventail de climats différents. Derrière, sur la droite, il y a même un morceau de ciel. Il laisse apparaître divers tableaux : un arc en ciel, des nuages qui défilent, etc.
Le set s’ouvre par trois morceaux du dernier opus. Des chansons qui trempent dans l’americana, mais suffisamment électrifiés pour ne pas être taxées de folk. Le son est vraiment nickel ! Toujours barbu, Jeff Tweedy est coiffé de son inséparable chapeau blanc/beige. Au bout d’une dizaine de minutes, les compos commencent à prendre de l’intensité. Et notamment dès « I am trying to break your heart ». Nels Cline, le guitariste soliste, se met à bidouiller les boutons d’un pupitre et la fin de parcours se révèle complètement déstructurée. Dans la foulée, amorcé par des bruitages électro et imprimé sur un tempo krautrock, l’excellent « Art of almost » lance véritablement le show. La set list est cependant bien équilibrée, les titres les plus acoustiques servant de césure entre les plus percutants. Ainsi on retrouve Nels, assis, la gratte sur les genoux, pour jouer de la pedal steel, alors que Pat Sansone, préposé aux synthés ou à la troisième gratte, se sert d’un dobro, sur « Misunderstood ». La ligne de basse caoutchouteuse de John Stirratt et les interventions au piano électrique de Mikael Jorgensen trament « Somenone to lose », une chanson dont le tempo offensif évoque manifestement les Beatles circa « Abbey Road ». Et « We are’nt the world (Safety girl) » adopte un même profil. Pensez un peu à l’époque où Billy Preston siégeait derrière l’orgue, comme cinquième membre non déclaré. J’ignore pourquoi, mais les mélodies –parfois même en multicouches– me rappellent souvent celles des Fab Four. Sans doute à cause de ces refrains contagieux ; même si les timbres sont différents. D’ailleurs quand les voix se conjuguent en harmonie, c’est plutôt aux Byrds qu’on se met à penser (« Heavy metal drummer »). Mais comme celle de Jeff campe un hybride entre John Lennon et Mark Oliver Everett, il n’est finalement pas étonnant que le spectre des quatre de Liverpool plane régulièrement.
Autre moment fort du show, « Impossible Germany ». Imprimée sur un mid tempo, bringuebalante, cette compo permet à Nels d’étaler toute sa virtuosité sur sa six cordes. Ce qui va lui valoir une monstrueuse ovation. Derrière ses fûts, Glenn Kotche est particulièrement inventif. Se servant de baguettes différentes, suivant les morceaux, il lui arrive de secouer une maraca en même temps. Trois grattes alimentent les morceaux les plus électriques. A l’instar de « I’m the man who loves you », morceau qui finit par tourner carrément à la jam. Nels a sorti sa belle guitare blanche, à deux manches, pour l’excellent « Dawned on me ». Il en frotte même les cordes à l’aide d’un bottleneck. Jeff plaisante régulièrement entre les morceaux. Ce qui a le don de faire rire l’auditoire. Et le set s’achève au bout d’une heure trente par le contagieux « The last greats ».
Enfin pas tout à fait, car deux rappels sont prévus. Le premier s’ouvre par « Jesus etc. » ; un titre plus r&b, rogné par les claviers. Cet ‘encore’ va inclure 6 morceaux, dont le plus syncopé « Random name generator ». Généreux, Wilco va clore le spectacle par un autre morceau sculpté dans le krautrock, « Spiders (Kidsmoke) », auquel votre serviteur ne pourra assister, car son train n’attend pas. Les transports en commun ne tiennent plus aucun compte de la fin des spectacles à Bruxelles. On doit impérativement se déplacer en voiture pour se rendre dans la capitale. Sauf que pour l’instant, y circuler, c’est la galère. Et la situation n’est pas prête à évoluer. Même le soir. Et surtout en début de week-end. Les problèmes de mobilité risquent encore de s’accentuer, si les transports en commun ne tablent plus que sur la rentabilité. Et c’est encore une fois le public provincial qui va en faire les frais…
N’empêche, quelle belle soirée ; et puis quel beau pied de nez à ceux qui colportent que le rock est mort. Un bémol ? Il y avait peut être un peu trop de monde. Ce qui nuit bien évidemment au confort d’un tel spectacle. Mais c’est sans doute la rançon d’une future gloire qui s’annonce irrépressible…
Set list
1. Normal American Kids
2. If I Ever Was a Child
3. Cry All Day
4. I Am Trying to Break Your Heart
5. Art of Almost
6. Pickled Ginger
7. Radio Cure
8. Company in My Back
9. The Joke Explained
10. Misunderstood
11. Someone to Lose
12. Reservations
13. Impossible Germany
14. Happiness
15. We Aren't the World (Safety Girl)
16. Locator
17. Heavy Metal Drummer
18. I'm the Man Who Loves You
19. Dawned on Me
20. Hummingbird
21. The Late Greats
Encore
22. Jesus, Etc.
23. Random Name Generator
24. Red-Eyed and Blue
25. I Got You (At the End of the Century)
26. Outtasite (Outta Mind)
27. I'm a Wheel
Encore 2:
28. Spiders (Kidsmoke)
(Organisation : Live Nation)
Passenger est né en 2003. Michael ‘Mike’ David Rosenberg et son ami Andrew Philips en sont les fondateurs. Mais le groupe a splitté en 2009, malgré la réalisation d’un premier elpee. Mike décide alors de poursuivre l’aventure en solitaire, en conservant le patronyme. Il choisit l’Australie comme pays d’adoption, et se produit alors régulièrement dans la rue, seul, armé de sa sèche. Ce qui va lui permettre de décrocher régulièrement des premières parties. Il enregistre même trois albums, avant de connaître un méga hit, en 2012, « Let Her Go ». A ce jour, le titre affiche plus d’un milliard de vues sur YouTube. Depuis, Passenger est de nouveau un groupe, puisque Michael a engagé des musiciens pour l’épauler. Un quatuor réunissant un bassiste, un guitariste, un claviériste et un drummer.
Ce soir, le Cirque Royal est sold out. A 18 heures, il y a déjà une file d’attente d’une cinquantaine de mètres, avant de pouvoir pénétrer dans la salle. La tournée se déroule d’ailleurs ‘à guichets fermés’, presque partout où elle passe.
Grégory Alan Isakov assure la première partie. Comme tout au long du périple de Rosenberg. Né à Johannesburg (Afrique du Sud), ce singer-songwriter a cependant émigré à Philadelphie, en Pennsylvanie. Coiffé d’un chapeau de cow-boy, cet artiste se sert d’une gratte semi-acoustique et d’une loop machine comme percus. Et elles sont bien tranchantes. Sa voix me rappelle quelque part celle d’Angus Stone. Quand à la musique, bien que trempée dans l’americana, elle est particulièrement vitaminée…
La set list de Passenger va réserver une large place aux titres de son dernier opus, « Young As The Morning Old As The Sea ». Tous les musicos disposent d’une estrade. Seul Mike, flanqué de sa gratte semi-acoustique s’installe en avant-scène. A l’arrière, on remarque la présence d’un énorme dispositif de jeux de lumières.
« Somebody's Love » ouvre le set. Un extrait du dernier LP. Empreint de douceur et de mélancolie, cette chanson nous entraîne au cœur d’un monde féerique et onirique. Les ivoires et la guitare solo y sont bien mis en exergue. Mais c’est surtout sa voix particulière qui fascine, une sorte d’hybride entre James Blunt, James Bay et Damian Rice. Dès la chanson achevée, il salue le public. Véritable perle, « Life's For the Living » permet à la gratte de Mike de s’envoler. Il introduit humoristiquement « If You Go », un nouveau morceau. Il lui arrive d’ailleurs de plaisanter longuement entre chaque titre. Projetés depuis l’arrière, les lumières sont capables d’inonder tant la scène que les premiers rangs. Impressionnant ! Pendant « 27 » (« Whispers I »), Mike incite la foule à frapper dans les mains. Moralité, on n’entend pratiquement plus les autres musicos, surtout que le son de la six cordes du leader a gagné en puissance. Mike brille autant en solo que soutenu par son groupe. Nonobstant son humilité, il parvient à transcender l’auditoire. Un geste de la main et il réagit au quart de tour. Le reprise de « The Sound Of Silence » de Simon & Garfunkel constitue le premier moment de recueillement. Le light show devient carrément aveuglant et on a l’impression qu’un ange de lumière transparaît au cœur de la nuit.
Des lumières qui passent au rouge pour « I Hate » (« All the Little Lights »). En fin de parcours, le refrain est repris en chœur par la foule, littéralement chauffée à blanc. Il attaque « Young As The Morning Old As The Sea » en solitaire et y vide ses tripes. Il n’oublie pas d’interpréter l’inévitable « Let her go ». Ce sera un autre grand moment du show. L’adaptation du « Graceland » est superbe ! Et c’est « Scare Away the Dark » (« Whispers I ») qui clôt le show. Mike est ses musicos vident les lieux. Mais le public continue de scander le refrain en attendant leur retour. Rappel que le band accordera en l’entamant par « Home », et le terminant par « Holes ».
(Organisation : Live Nation + Botanique)
Pas mal de monde et de mouvement près de la Plaine du Heysel. Normal, Jean-Michel Jarre s’y produit ce soir. Ce qui provoque de nombreux embouteillages avant d’arriver à destination. Il devient de plus en plus pénible de rejoindre la capitale et même d’y circuler, en voiture, même un dimanche… Avoir recours aux transports en commun ? OK ! Et comment fait-on pour rentrer chez soi, après un spectacle, quand les derniers trains sont programmés bien avant 23 heures ?
Un concert de Jean-Michel constitue toujours une expérience riche en sensations au cours de laquelle les synthés sont associés aux techniques –numériques et visuelles– les plus révolutionnaires. Grâce à ses spectacles hors norme, Jean-Michel Jarre a explosé tous les records. Le 14 juillet 1979, il a ainsi réuni un million de spectateurs sur la place de la Concorde. Et il a fait encore mieux lors des concerts anniversaires à Houston (1,5 million en 1986), Paris (2,5 millions en 1990) et Moscou (3,5 millions en 1997). En 2011, il a accordé un concert dans le cadre du mariage princier, à Monaco, concert qui a été retransmis dans le monde entier. Enfin, Jean-Michel Jarre a déjà écoulé plus de 80 millions d’albums…
Tout comme Pierre Henry, son complice au sein du GRM (Groupe des Recherches Musicales), Pierre Schaeffer, sans oublier, bien sûr, les musiciens de Kraftwerk, de Can et même de Telex, il est considéré comme un pionnier de la musique électronique. Il y a plus de 40 ans qu’il s’y est investi ; tout en tirant parti, en ‘live’, des techniques de light show les plus pointues, que ce soit en se servant des lasers et plus récemment, de la la 3 D.
Agé de 68 ans, l’artiste français est venu défendre ses deux derniers projets, « Electronica Vol 1: The Time Machine » et « Electronica Vol 2: The Heart Of Noise », parus respectivement en 2015 et 2016. Quelques artistes prestigieux ont apporté leur concours à ces œuvres, dont Pet Shop Boys, David Lynch, Moby, Jeff Mills, Rone, Massive Attack, Primal Scream, Peaches, Yello, The Orb, Sebastien Tellier, Gary Numan, Cyndi Lauper, Hans Zimmer ainsi que Laurie Anderson. Pour célébrer le 40ème anniversaire de sa sortie, il publiera bientôt un troisième volume de la saga « Oxygène ».
La tournée a été baptisée ‘Electronica World Tour’. Et elle transite donc par Bruxelles, pour un spectacle unique en salle, qui réunit l’énergie d’un méga show et la profondeur émotionnelle d’une prestation en club.
La première partie est assurée par un DJ. Seul sur scène, derrière sa table et ses machines, il balance de la techno pendant un peu plus de 30 minutes. Il ne cherche pas à créer la moindre interactivité avec le public ; se contentant d’un seul signe de la main, en fin de parcours…
Ce soir, Jarre est flanqué de deux musiciens, en l’occurrence Claud Samaud et Stéphane Gervais. Le premier est préposé aux claviers, le second à la batterie électronique. Le show démarre à 20h50 par « Intro (Waiting For Cousteau) », une entrée en matière plutôt paisible. D’immenses tentures circulant sur un rail dissimulent les trois musicos. En fait, ces rideaux servent d’écrans. Lors de ce prologue, se dessinent des formes géométriques en 3 D. Rayonnant, Jean Michel fait son apparition. A l’issue des deux premiers morceaux, « The Heart Of Noise », ‘Part 1 et 2’, il vient saluer le public et présenter le spectacle. La set list ne néglige bien évidemment les classiques « Oxygène 2 », « Oxygène 4 » et « Glory / Equinoxe 4 ». Il nous présente une composition qui lui tient à coeur, « Souvenir De Chine », écrite à bord d’un avion, lors d’un périple accompli au sein de cette république populaire. On remarque la présence d’une majorité de quinquas dans la salle, mais également de nombreux jeunes. Perspicace, le Lyonnais cherche à se tourner vers l’avenir en proposant également de l’électro plus contemporaine ; à l’instar de « Brick England », opus auquel The Pet Shop Boys avait collaboré. Mais également l’avant-gardiste « The Architect » qui renvoie la techno américaine de Détroit à la cave.
Le public jeune a la bougeotte et se lève pour danser ; soit au niveau de la table de mixage ou devant la scène, entre les rangées de chaises. La sécurité renvoie rapidement tout ce petit monde devant les tables de mixage.
Son engagement politique, Jean-Michel Jarre le rappelle à travers « Exit », une plage co-écrite en compagnie du lanceur d'alerte Edward Snowden. Un combat traduit par des images vidéo du personnage délivrant son message. Ce seront les seules images personnalisées. Lors du final, « The Time Machine », après avoir enfilé des gants –ce qui peut toujours paraître surprenant– il exploite sa fameuse harpe laser. Il ne grattera sa guitare électrique, qu’à une seule reprise. En rappel, il va nous réserver « Oxygène 17 » et « Stardust ». Un set plutôt court, mais impressionnant, surtout pour la perfection de la mise en scène et la qualité des différents instrumentistes.
(Organisation : Greenhouse Talent)
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En septembre 2015, Mustii se produisait en supporting act de Nicola Testa, à l’Alhambra de Mons. Quels chemins parcourus par ces deux artistes depuis ! Ce soir, Thomas Mustin, aka Mustii, est en tête d’affiche au Cirque Royal. Et le concert est presque sold out.
C’est en 2015 que Mustii signe sur le label de Kid Noize, Black Gizah. Il y publie d’abord les singles « The Golden Age » et « Feed Me ». Depuis, il a gravé un Ep, « The Darknest Night », en février dernier ; et son premier elpee devrait paraître début de l’an prochain. Tout en émargeant à l’électro/pop, cet artiste est un véritable showman. Car sur les planches, il exécute une véritable chorégraphie. Et il l’avait démontré, huit mois plus tôt, lors de sa release party, organisée au Botanique. Faut dire qu’il est également comédien, rôle qu’il assume tant au théâtre que pour des séries télévisées…
La première partie est assurée par le trio bruxellois Hydrogen Sea. Comme en novembre de l’an dernier, lors du concert de Selah Sue. Le duo de base réunit la chanteuse Birsen Uçar et le multi-instrumentiste (guitare, claviers) PJ Seaux. A son actif un Ep (« Court The Dark ») et un nouvel album (« In dreams », paru en septembre) ; mais surtout ses deux singles, « Only Oleanders » et « Wear Out ». Régulièrement diffusés sur les ondes radiophoniques, ils ont permis au tandem de se faire connaître. Mais aussi de jouer à New York. Depuis, un drummer a étoffé le line up.
Sur l’estrade la formation est constituée en triangle, sans doute pour manifester sa cohésion. Mais paradoxalement, la figure est inversée, car la pointe, assurée par la vocaliste, est en retrait. Tiens elle a changé la couleur de ses cheveux. Ils ne sont plus blonds mais de couleur jais. Tout comme ses fringues.
Le set s’ouvre par un extrait du dernier elpee, « Another Skin ». Les percus sont sauvages, les beats electro, agressifs. Birsen joint le geste à la parole. Ce qu’on appelle aussi le langage des mains. Sa voix est tour à tour entêtante, susurrée, fragile, mystérieuse, limpide, atmosphérique ou puissante ; et elle colle parfaitement à l’electronica/pop visionnaire et envoûtante dispensée par la formation.
Une expression sonore qui doit autant à Massive Attack, Beach House que Little Dragon. Lorsque le claviériste empoigne sa gratte, c’est pour insérer une boucle dans sa loop machine, afin de pouvoir continuer à balancer ses beats électro. « Murky Waters » est un morceau plus dansant alors que balisé par les ivoires, « Before I Go » est un titre plus pop, sucré, accessible. Quant à « Worry », il est davantage sculpté dans le rock. Une reprise : le « Wandering Star » de Portishead. Le jeu de lumière passe alors au rouge. Bien que très personnelle, la version est superbe. PJ brandit son iPhone. En quelques secondes la foule l’imite ; et une multitude de lueurs brille dans l’auditoire. Et le set de s’achever par l’inévitable hit, « Wear Out ». Manifestement, Hydrogen Sea maîtrise de mieux en mieux son sujet…
Des rumeurs avaient circulées toute la journée, concernant une éventuelle annulation du spectacle. Mustii serait grippé. Des racontars infondés, car il va nous réserver un show de 150 minutes…
L’auditoire est chaud boulette avant la montée sur les planches du Bruxellois. Deux petites estrades sont disposées sur le podium. Une à gauche pour le claviériste/bidouilleur. Une à droite pour le drummer (NDR : c’est lui qui est grippé ; mais il est bien au poste). Thomas fait face à un véritable mur de lumières pour attaquer « Intro-21 Century Boy ». Il dissimule ses yeux sous un masque noir ajouré, créé par le modiste Elvis Pompilio. Et porte un survêtement en toile de lin au-dessus de ses vêtements en cuir. Le tout de couleur noire. Son spectacle est rythmé par sa chorégraphie. Il interpelle les spectateurs par sa gestuelle, du doigt ou du bras ; ou alors leur adresse directement la parole. Il prend régulièrement des bains de foule, serre des mains tout en arborant un large sourire. On le sent heureux c’être là ; et le public féminin semble sous son charme. Mustii aurait pu naître d’un croisement entre David Bowie et Dave Gahan, mais un Gahan qui aurait chopé le grain de folie de Jimmy Somerville. Puissante, chaude, la voix est capable de monter aussi bien dans les graves que les aigus. Il adapte le « Heroes » de Bowie », comme s’il cherchait à ressusciter The Duke, période berlinoise. Outre les 5 perles de son Ep, il nous réserve également quelques jolies ballades ténébreuses. Et il clôt magistralement son show par « Where Do I Belong », de la même manière qu’il l’avait entamé ; soit face au mur de lumières, et affublé du masque ajouré. Un spectacle royal accordé au Cirque… quoi de plus naturel…
Setlist : « Intro-21 Century Boy », « I Would Love To Save The World », « Did You Try », « The Cave », « The Darkest Night », « The Bride », « Witness », « Heroes », « People Are Running Streets », « The Golden Age », « Aching », « Roadtrip In The Dark », « Safety Zone », « You Own Cathedral », « Feed Me », « Where Do I Belong ».
(Organisation : Botanique + Stlive)
Vague est un quintet autrichien ; issu de Vienne très exactement. « In the meantime » constitue son premier opus. Un disque découpé en 10 titres qui devrait plaire aux nostalgiques des guitares à la ligne claire. Trois gratteurs alimentent l’expression sonore. Des cordes bringuebalantes, tintinnabulantes, lumineuses, gémissantes et limpides rencontrent des accords plaqués, pour former une texture savoureuse, inspirée par des groupes comme Galaxie 500, Bats ou Chills. Ben oui, la scène néo-zélandaise quoi ! Celle qui a sévi au cours des 90’s ; même si Dean Wareham s’est rapidement exilé aux States. Parfois la ligne de basse est plus ténébreuse voire caoutchouteuse ; surtout quand elle se calque sur la cold wave. La voix n’est pas inoubliable, mais l’ensemble tient parfaitement la route. Et franchement, cette Vague est vraiment rafraîchissante…
Si en live, les musiciens d’Animal Collective sont comparés à des astronautes à la dérive, il faut reconnaître que sur disque, ils débordent de créativité. Et c’est à nouveau le cas pour « Painting with », leur dixième elpee studio. L’originalité de cet opus procède de l’utilisation des vocaux. Bien qu’harmonieuses et abordées dans l’esprit des Beach Boys, les syllabes de mots sont découpées suivant un processus technologique ; ce qui rend le processus totalement désorientant. Pour ne pas dire hallucinogène. Le single qui ouvre l’opus, « Floridada », en est sans doute la plus belle illustration. Et ce sont ces voix –parfois utilisées sous la forme de questions/réponses– qui servent de fil conducteur à une configuration alternative de psychédélisme sonique, aventureux, entretenue aussi bien par l’instrumentation organique que les beats, loops, samples et autres bidouillages électroniques. Vraiment bluffant !
Né en Floride, Lee Delray a longtemps vécu à New York City. Il a eu l’opportunité de voir Pete Seeger et Elvis Presley en concert. C’est au cours des années 80, qu’il apprend à jouer de la guitare. Il y aborde aussi bien le heavy metal, le punk que la country. Puis, à l’écoute de Muddy Waters, Bo Diddley, Chuck Berry, Buddy Holly, mais également de BB King, Albert King et Luther Allison, il s’intéresse au rock’n’roll et surtout au blues. Il se convertit alors au blues/rock et décide alors de partir en tournée. Inlassablement. Il doit d’ailleurs attendre 2013 pour publier son premier opus, "570 – BLUES". Autoproduit, son deuxième, "Brand new man", vient donc de paraître. Lee compose l’essentiel de son répertoire. Lors des sessions, il a reçu le concours de sa section rythmique constituée du batteur Ken Conklin et du bassiste Scott Ward.
Véritable brûlot, "Meet my maker" ouvre les hostilités. La slide est bien réverbérée. La voix très présente. Une puissance naturelle émane de ce qui constitue –probablement– la meilleure plage de l’elpee. Qui ne recèle qu’une seule cover : "I’ll play the blues for you". Ecrite par Jerry Beach, cette compo avait permis à Albert King de décrocher un beau succès en 1962. Personnalisée, la nouvelle version inclut une partie déclamatoire assurée par un rappeur, avant que Lee ne se réserve un solo de bonne facture. "First string man" évolue dans un registre semblable. Mais c’est Young Chizz qui se charge de la partie rap, alors que Deejay Nogood se concentre sur ses platines. Du hip-hop-blues original ! La voix est autoritaire ; et débridée, trafiquée, une gratte s’invite dans le jeu de quilles. Blues/rock très classique, "Blues came callin’" est soutenu par une rythmique très solide. Delray est au micro. Et il remplit de sa gratte, tous les espaces, en égrenant de petits chapelets de notes bien senties, avant de s’autoriser un envol tout en puissance. "Love line" baigne dans le soul/rock. La voix est lumineuse. S’appuyant sur une rythmique funk, la plage met en exergue la six cordes, manifestement hantée par Duane Allman. Et c’est une heureuse surprise ! Slow/blues, "Cookin’ in my kitchen" fait un peu pâle figure. Faut dire que la voix de Lee manque de puissance. Dans ces conditions, difficile de s’éclater. Shuffle brûlant, "Hollar" se distingue par la slide bien affûtée. "Gotcha" libère une bonne dose de swing. Un blues dynamique abordé dans l’esprit de BB King. Bien construit, le solo de Lee décolle impeccablement. Dommage que la section rythmique soit aussi statique. Solide r&b, « Mine all mine » est une piste dansante. La voix colle bien au style et Delray signe à coup sûr un de ses meilleurs envols sur les cordes. Ballade country/roots, "Yesterday’s tears" clôt le long playing. La mélodie est accrocheuse. La voix, plus paisible. La section rythmique, différente. Lenny Hayden aux cordes acoustiques et Mike Smith à l’harmo y tirent leur épingle du jeu. Une finale qui ne manque pas de charme.
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