Après le split de Smith Westerns, Cullen Omori a décidé d’embrasser une carrière solo. Deux autres membres du défunt combo ont voulu, de leur côté, monter un nouveau groupe, Whitney. Soit le guitariste Max Kakacek et le batteur Julien Ehrlich (NDR : un ex-Unknown Mortal Orchestra). Leurs compos, ils vont d’abord les tester sur les planches. Puis tout naturellement les graver sur un premier elpee. Intitulé « Light Upon the Lake », il est paru sur le label Secretly Canadian (Suuns, The War on Drugs, Damien Jurado, …)
Tout comme le titre de cet opus l’indique, le folk/rock dispensé par les deux compères est à la fois lumineux, chaleureux et candide. D’ailleurs, les dix pépites de cet LP sont, de préférence, à consommer au soleil. Un peu dans l’esprit de la formation californienne, Girls. Caractérisée par des accès de basse caoutchouteux (« Follow »), un timbre vocal (NDR : celui de Julien Ehrlich qui se charge également des drums) aigu mais harmonieux, des riffs de guitare délicats mais terriblement efficaces (l’excellent « Dave’s Song »), les plages de cette plaque bénéficient régulièrement du concours de potes musiciens. A l’instar de Ziyad Asrar (également aperçu chez Smith Westerns), venu donner quelques coups de gratte rythmique. De Josiah Marshall aussi, mais de basse. Préposé aux cuivres, Will Miller s’impose à la trompette, sur le jazzyfiant « Red Moon ». Malcolm Brown tapisse de son orgue le titre énergique « No Matter Where We Go ». Enfin, Jonathan Rado (Foxygen) coproduit le long playing. Et c’est flagrant tout au long du titre d’ouverture, « No Woman ».
« Light upon the Lake » est un album qui s’écoute sans modération. Un disque de saison, mais pas seulement !
Fondé en 2009, Kabak a publié son premier opus en 2013. Ce qui lui a permis de se produire lors de festivals prestigieux. Et notamment dans le cadre du Montreux Jazz Festival.
Trois ans plus tard, le groupe helvète (NDR : il est issu de Genève) propose son second elpee. Intitulé "Avu", il maintient le cap, soit en replongeant une nouvelle fois au sein des nineties. Sculptées dans un rock –ma foi– énergique, les huit plages lorgnent le plus souvent vers Noir Désir. Quant aux textes, ils cultivent la forme abstraite et métaphorique d’un Bashung. Le tout au sein d’un climat particulièrement sombre. Pas de quoi vous filer la ‘banane’ ! Et encore moins de vous en mettre plein l’« Avu »…
Fondé par John Dwyer (Thee Oh Sees), Matt Jones et Brian Lee Hughes, le label Castle Face a toujours la noble ambition de perpétuer l’âme rock californienne ; et notamment à travers des prestations ‘live’ immortalisées au sein des salles de concerts à San Francisco. Après Ty Segall et White Fence, l’écurie établie au sein de la Bay Area a décidé de mettre Bronze en exergue. Un trio drivé par le très remuant Rob Spector. Evoluant pourtant toujours en seconde division, le combo pratique un proto-punk expérimental aux accents psychédéliques, pour ne pas dire dissonants. Incantatoires, vindicatives, les compos véhiculent des textes dispensés en spoken-word. Les claviers sont la plupart du temps hantés (« Dulcinea »). Le set illustre à merveille les 3 elpees du band et reflète, à la perfection, le climat quasi-tribal entretenu par Bronze, dans sa musique. Et nonobstant cette forme de dissonance, elle libère une énergie proche du délire, collant parfaitement à l’exercice en live.
Retour sur le site bucolique du festival, sis en bordure du Rhin. Il y a même une plage, meublée de transats. Un cadre magnifique qui change des champs de patates ou autres immenses prairies qui servent de terrain aux nôtres. L’ambiance est paisible. Et les spectateurs, bien que vêtus majoritairement de couleur noire, adoptent des styles parfois bien différents.
Tout comme les styles musicaux, d’ailleurs. A l’instar d’Ost+Front, un groupe de métal qui singe carrément Rammstein. Même la rythmique est proche. On se demande cependant parfois si on n’est pas en présence d’un cover band. Faut dire que bodybuildé et couvert de sang (NDR : enfin, maquillé pour en provoquer l’impression), le chanteur mime également la dégaine de Till Lindemann. Quant aux masques des musicos, ils évoquent plutôt Slipknot. Au combo yankee, il semble également emprunter des touches hardcore et nu metal. Une chose est sûre, le groupe berlinois libère une fameuse dose d’énergie en ‘live’. Tout en se nourrissant de second degré. Ainsi, en cherchant sur la toile, on apprend qu’il utilise des symboles du IIIème Reich (NDR : notamment la Porte de Brandebourg comme décor, mais à l’époque de la propagande colportée par Goebbels), tout simplement, pour provoquer…
Retour sur le bateau (Orbit stage), car l’embarquement est immédiat vers The Devil and The Universe. Un ensemble autrichien qui pratique également le second degré. Son patronyme est judicieusement choisi. Et pour cause, les musicos portent des soutanes campant un hybride entre moines repentis et apprentis Jedi. Le show ressemble à une grande messe au cours de laquelle se mêlent projections vidéo et cérémonies rituelles mystiques voire diaboliques… L’expression sonore oscille entre électro, parfois légèrement enrichie de chœurs, et morceaux plus électriques, à l’instar de « The haunted summer ». Mais c’est surtout le percussionniste qui focalise l’attention. A côté de ses deux boîtes à rythmes, il se déchaîne sur ses percus, dans l’esprit d’Einstürzende Neubauten voire de Beinhaus.
Faderhead embraie sur la même barque. Son électro, fruit d’un mélange d’EBM et de synthé pop, parvient à faire chavirer les nombreux moussaillons présents sur le pont. De quoi ravir les aficionados de Basement Jaxx, Prodigy et Front 242. Et pour vous donner une petite idée de l’ambiance qui règne pendant ce set, on vous invite à cliquer ici
Covenant va nous réserver le meilleur moment de la journée. Groupe mythique suédois, il est toujours drivé par Eskil Simonsson, un personnage autant charismatique que sympathique. Aussi bien sur scène qu’en compagnie des ses fans, au bar. Il a complètement changé de look. Il a la boule à zéro et son teint est pâle (NDR : on espère quand même qu’il n’est pas atteint d’une maladie grave). Mais pas ses compos, malgré le nombre d’années d’existence de la formation. Du show, on épinglera « Lightbringer » et « Dead stars », deux morceaux qui vont illuminer davantage cette déjà bien belle fin d’après-midi ensoleillée.
Project Pitchfork c’est du lourd. On remarque la présence de 3 batteurs en fond de scène. Les deux claviéristes (NDR : dont le fondateur original Dirk Scheuber) et le frontman Peter Spilles (NDR : dont le maquillage est digne de celui du Joker) assurent le spectacle. Les tubes s’enchaînent : « Timekiller », « Alpha Omega », « IO » ou encore « Conjure ». De quoi déclencher l’un ou l’autre pogo. Mais le point d’orgue du concert est atteint lors du duo échangé avec Sven Friedrich (Solar Fake) sur « The Dividing Line». Et la prestation de s’achever par « Requiem » et le langoureux « Souls ».
Editors assure la tête d’affiche. Alternant grandes et petites salles (NDR : du Palais 12 au Grand Mix, par exemple), tout au long de la tournée hivernale, le groupe anglais semble utiliser la même méthode lors des festivals. Après avoir foulé la grande scène de Werchter, il se produit aujourd’hui devant quelques milliers de personnes, à peine. Pour notre plus grand bonheur, ne le cachons pas. Inutile d’arriver une heure à l’avance pour être bien placés à devant l’estrade. « No harm » ouvre le set en douceur. Le show monte en puissance dès « Life is a fear » (NDR : une plage également issue du dernier album). Un spectacle pro jusqu’au bout des ongles, à défaut de se révéler le plus original du festival. Le son est parfait. Et la foule se met à gigoter tout au long de « An end has a start », « Munich » ou encore « Papillon ».
Par contre, il y a énormément de peuple pour participer à l’after party sous la Theater Stage. Comme si festivaliers ne voulaient pas que cette grande fête se termine. L’édition 2016 de l’Amphi a drainé plus de 12 000 personnes et les organisateurs ont d’ores et déjà communiqué les dates pour la prochaine. Ce sera les 22 et 23 juillet 2017. Il est même possible de gagner 5x2 tickets VIP en communiquant votre poll là
(Organisation : Amphi Festival)
Visiter la cathédrale gothique de Cologne le temps d’un week-end ! Oui, mais il n’y a pas que ce monument qui est gothique, mais également le festival Amphi. Aussi, pour la circonstance, les ‘corbeaux’ pullulent par dizaine de milliers dans la ville. Vous en croisez à chaque coin de rue et même aux terrasses de bistrots ; vous en rencontrez dans le couloirs de votre hôtel ou attablés au restaurant que vous fréquentez. Un défilé de mode digne du carnaval de Venise. Malgré la température caniculaire, ils portent des vêtements en cuir, ‘fetish’, médiévaux, militaires et on en passe… Et tout ce beau monde s’est donné rendez-vous au Tanzbrunnen.
Après avoir opéré une escale, l’an dernier, à la Lanxess Arena, le festival est à nouveau de retour sur ce superbe emplacement, en bordure de Rhin. Innovation, la répartition des scènes a été modifiée. Si la Main Stage a été maintenue au même endroit, et en plein air, La ‘Theater stage’ a pris ses quartiers en indoor, à l’entrée du site (NDR : là se déroulait uniquement les ‘after-party’, les années précédentes). Vu les récents attentats qui ont touché Munich, les mesures de sécurité ont été renforcées. Et la file pour entrer dans cette Theater Stage peut s’allonger sur une centaine de mètres. Néanmoins, les gardes et membres de sécurité sont bien plus sympathiques qu’ailleurs (NDR : l’état de Rhénanie-du-Nord-Westphalie a la réputation de recenser la population la plus chaleureuse d’Allemagne).
Le nouveau podium ‘Orbit’ a été aménagé sur un bateau. Il est visible depuis son balcon dont le pont sert de terrasse romantique donnant vue sur la cathédrale ! C’est au sein de ce superbe endroit que notre soirée débute, en compagnie des revenants Nosferatu. Un groupe issu d’Outre-manche qui fêtera bientôt ses trente années d’existence, nonobstant quelques pauses et changements de line up. Fin des nineties, il avait publié un très bon elpee, « Reflections Through A Darker Glass » ; un disque enregistré au sous-sol du club Cactus (NDR : à l’origine de l’organisation et du festival). Pour info, il bosse actuellement sur un tout nouvel opus. Le set accuse un peu de retard, lorsqu’il démarre. Faut dire que lors du soundcheck, le band est confronté à de nombreux problèmes techniques. Et puis, en début de parcours, le public est clairsemé. Malgré son look de vampire et son flegme bien britannique, Damien Deville (NDR : guitariste, c’est le dernier membre originel) charme par son attitude sympathique. Chanteur, Tim Vic a conservé sa rituelle dégaine de rockeur, à mi-chemin entre celle de Wayne Hussey et Len Liggins. Malheureusement, il est victime de trous de mémoire et son prompteur –défaillant– semble ne lui être d’aucun secours. Ce qui oblige le combo à improviser les morceaux dans des versions davantage instrumentales. Le navire est constamment au bord du naufrage, mais les musicos font le max pour éviter qu’il ne sombre. C’est d’ailleurs tout à leur honneur. N’empêche, il serait sans doute judicieux de revoir la formation, sous un jour meilleur ; quoique ses apparitions se révèlent de plus en plus rares…
La file d’attente résorbée devant la Theater Stage, on assiste à la fin du concert de Front Line Assembly. Eux aussi célébreront bientôt leurs 3 décennies d’existence. Ex-Skinny Puppy, Bill Leeb (NDR : c’est le frontman) semble ne pas avoir vieilli. Sans doute que l’air canadien lui fait le plus grand bien. Le light show et les fumigènes entretiennent un climat brumeux. D’ailleurs on distingue à peine les images qui défilent, sur l’écran vidéo, en front de scène. Tout comme le batteur et les deux claviéristes. Les morceaux proposés oscillent de l’EBM à la techno dansante que propose, en général, Letfield. A l’instar du titre final du spectacle, « Mindphaser », compo qui lorgne quand même vers le « Tragedy for you » de Front 242.
La programmation du festival est quand même curieuse ; et pour cause, les trois derniers groupes sont programmés tôt, soit à 20h45, et simultanément. Donc difficile de s’autoriser un zapping, à l’instar des autres festivals. Blutengel se produit sur l’estrade principale. Un groupe berlinois né en 1998. La foule réunit des spectateurs plus jeunes, dont des cyber-goths aux cheveux fluo. Les compos sont davantage pop. La voix de Chris Pohl est monocorde. S’il n’y avait celle d’Ulrike Goldmann (NDR : c’est la choriste), la musique le serait tout autant. Son timbre est d’ailleurs aussi éclatant que sa chevelure, de couleur rouge. Il n’est même pas 22 heures, et il n’y a plus rien à se mettre sous la dent (NDR : dans le creux de l’oreille ?) Bref, demain on a intérêt à débarquer bien plus tôt afin d’assister à davantage de concerts…
(Organisation : Amphi Festival)
Lors de cette édition 2016 du Boomtown, de nombreux concerts se déroulent à l’Opéra de Gand, une salle somptueuse au sein de laquelle le son est vraiment nickel. Et puis particulièrement confortable. Votre serviteur ne s’en plaindra pas. Ce vendredi 22 juillet, le festival accueille Gabriel Rios. Pas de supporting act.
Gantois d’adoption, Gabriel Rios est considéré comme le plus belge des Portoricains. Il est particulièrement populaire au Nord du pays. Son dernier elpee, « This Marauder's Midnight », remonte à 2014. En fait, il avait compilé tous les singles, gravés depuis l’automne 2013, à raison d’un exemplaire chaque troisième lundi du mois.
Depuis quelques années, il tourne au sein d’un trio acoustique. Il est ainsi soutenu par la contrebassiste Ruben Samama et la violoncelliste Amber Docters Van Leeuwen. Mais pas seulement, puisque le line up est régulièrement renforcé par un trio de cuivres (bugle, cor de chasse, trombone à coulisse) et un percussionniste. Ce dernier est même particulièrement sémillant. Musiczine avait déjà pu le constater lors de l’avant-dernière édition du Cactus et puis l’an dernier, au sein d’un Cirque Royal plein à craquer. Chaque musico apporte sa contribution à une musique classieuse et empreinte d’émotion. Gabriel Rios communique beaucoup avec l’auditoire et semble transcendé par la configuration des lieux.
Evidemment, le public féminin craque face à la gueule d’ange de Rios. Tiens, le set ne s’ouvre pas par la reprise du « Voodoo Chile » de Jimi Hendrix. En fait Gabriel débarque seul, sur l’estrade, pour interpréter une nouvelle compo. D’ailleurs, la set list va mêler ancien et nouveau répertoire. Ruben fait son apparition avant « Straight Song » (« The Dangerous Return »). Il empoigne et relève dignement sa contrebasse. Il a constamment le sourire aux lèvres. Rios et Samana tapotent subtilement sur la caisse de leur instru en guise de percus. Ce duo à deux voix et quatre mains ravit un public déjà conquis. Amber les rejoint pour la troisième chanson. Toujours aussi jolie et souriante, elle a coiffé ses cheveux en chignon. Elle s’installe sur son siège haut, derrière son violoncelle. Des spots blancs illuminent les artistes tout au long de « Skip The Intro », un morceau dont le feeling mélancolique est entretenu par le violoncelle, avant qu’elle ne s’autorise un bel envol, en fin de parcours.
Les nouvelles compos sont douces. Lorsque le percussionniste débarque, c’est pour frapper sur une calebasse retournée en bois. Et dans cet exercice, il est vraiment brillant. Les interventions du trio de cuivres sont remarquables. Au cours des 90 minutes de concert, on aura bien sûr droit aux inévitables « Gold » et « Police Sounds ».
En rappel, la troupe va notamment nous réserver « El Raton » et « El Carretero », deux titres particulièrement latino. Un final qui m’a fait penser, à un certain moment, à Buena Vista Social Club. Quelle belle soirée !
(Organisation : Boomtown Festival)
Gabriel Rios
Katel a déjà pas mal bourlingué. Jusqu'en 2002, elle était une des deux chanteuses du groupe Dune Leia. Puis elle a décidé d’embrasser une carrière solo. Après avoir gravé un premier Ep 8 titres intitulé « Raides à la ville », en 2006, elle aligne les albums. En 2013, elle rejoint Marc Huyghens (ex-Venus) au sein de Joy et participe aux sessions du long playing « All The Battles ». Elle a depuis collaboré à différents projets et monté son propre label ‘A L'Aphélie’ (NDR : signé sous licence chez At(h)ome). Et le résumé est succinct…
Karen Lohier, aka Katel, a enregistré « Elégie », toute seule chez elle. C’est l’aboutissement de 4 longues années de travail.
Elle y exploite sa voix tel un instrument. Une voix fascinante, envoûtante, éthérée et d’une rare richesse. D’ailleurs, elle assure également les chœurs.
Le thème principal de son 3ème LP s’inspire d’une rupture amoureuse, mais aussi et surtout du décès de sa maman.
Les vocaux de « Voûtes » ont été enregistrés au sein d’une église. Sur cette plage, Katel a bénéficié de la participation de Nathalie Réaux, Diane Sorel, Skye et Claire Joseph (Sirius Plan), aux chœurs. Et leur concours est précieux. La structure mélodique et instrumentale est également sophistiquée.
« Cyclones » est déjà paru en single. Il a également fait l’objet d’un clip réunissant des images d'archives familiales montées par Robi. Jouée sur deux accords, il s’agit de la première chanson écrite par l’artiste, après la mort de sa mère. Entretenu par un clavecin et parsemé de bruitages, le climat est baroque. ‘Devant le futur impérial des armées de journées debout, ne me dites pas que je suis seule!’. Le destin est parfois tragique.
« A L'Aphélie » (nom du label, on vous le rappelle), reflète le cri désespéré d'un enfant qui revient vers l'adulte quand il se sent abandonné. Katel reste focalisée sur ses disparus (« Saisons »). Elle est hantée par leur absence (« Au Large »). Tempétueux ou paisible, le chant est versatile. Une quête intérieure perpétuelle d'où surgit soudainement la voix de Marguerite Yourcenar pour le mystérieux et magnifique « Danse Sur le Lac De Contance ». Empreint d'une grande mélancolie, c'est la narration d'un chevalier allemand qui traverse le lac gelé de nuit. Arrivé de l'autre côté, il tombe de cheval. Il a failli mourir.
Des chœurs atmosphériques envahissent « Hors-Foule »… « Ralentis » permet de reprendre son souffle. L'oiseau associé rappelle les chansons de Robert Wyatt qui ont bercé la jeunesse de Katel. Amorcé par des accords d’ivoire, « Echos » met en exergue sa voix claire et limpide, qui lorgne ici vers Björk voire Kate Bush. Le voyage se poursuit dans les stratosphères de l'âme torturée et pleine de passion. « De l’ombre » s’écoute religieusement.
Au sein du studio de John Parrish, le piano droit sur lequel PJ Harvey avait joué, inspire Katel. Elle a conservé l'enregistrement et a complété le reste par la suite. Et le résultat est « Elégie », le titre maître qui achève l’opus. Un hommage à sa mère qui était fan de PJ Harvey.
Vu les textes à la fois torturés et authentiques, on ne peut s’empêcher de penser au dernier album de Bowie, une œuvre à la fois morbide, glaciale, mais géniale. « Elégie » épanche une semblable mélancolie susceptible d’entraîner la transe introspective. Mais cette œuvre est traversée de brillants rayons de soleil tourné vers un furieux désir de vivre. Plusieurs écoutes sont cependant nécessaires, pour apprécier ce disque à sa juste valeur…
Rien que le générique de l’album annonce la couleur : il y aura de l’amour et de l’adolescence. Des intentions reflétées à travers sa musique qui sera sucrée et lumineuse ! Emmené par les 3 sœurs Lieberson, TEEN est un groupe issu de Brooklyn. Et « Love Yes » constitue son troisième long playing (NDR : on ne parle donc pas des Eps). Un elpee dont les compos électro/pop un brin cérébrale sont boostées par des sonorités synth-pop réminiscentes des 80’s (« Example »). Jouissant déjà d’une belle expérience, le combo yankee a décidé de s’autoriser une totale liberté de ton en nous réservant des airs de valse contemporaine (« Tokyo »), des morceaux parcourus de jazzy crapuleux (« Superhuman ») ou sculptés dans des harmonies subtiles (« Gone For Good ») pour aborder des thèmes tels que leur sexualité, leurs amours, le sexisme ambiant ou les diktats du monde moderne… le tout sous une forme dansante. Un cocktail qui agrège le divertissement purement frivole et une certaine dose d’exigence et de modernité que l’on a déjà vu chez Chairlift… ‘Love’ ? Yes’ !
Chanteuse de blues et de soul, Kyla Brox est âgée de 36 ans. C’est la fille d'Annette et Victor Brox. Ce dernier se consacrait au vocaux chez Aynsley Dunbar Retaliation, l'un des groupes-phares issu du British Blues Boom, qui a marqué la fin des sixties. Il jouait aussi de l'orgue, de l'harmonica et du cornet. Son épouse, Annette Reis, était également chanteuse, pianiste et saxophoniste. Le couple a donné naissance à 5 filles. Toutes vocalistes. Mais seule Kyla, la cadette, a rencontré le succès. Elle n'a que 13 ans lorsqu’elle se produit en ‘live’, au sein du groupe de son paternel, Blues Train. Le bassiste Danny Blomeley est du même âge et Phil Considine, le batteur, ne compte alors que 19 printemps. Elle fonde finalement son Kyla Brox Band en 2001, ne conservant que le bassiste, Blomeley. Qu’elle va épouser en 2008. Deux enfants sont nés de cette union. La discographie de Kyla est conséquente, mais n’a jamais bénéficié d’une distribution digne de ce nom. Kyla Brox se produit en duo, en compagnie de son mari ou de son band. Pour enregistrer cet elpee, aux Pays-Bas, le couple a reçu le concours du guitariste Paul Farr et du drummer Pablo Leoni.
Kyla entame "If you see him" a cappella. Superbe, sa voix est puissante et profonde. Elle est ensuite rejointe par ses musiciens pour ce blues lent qui baigne au sein d’un climat solennel et dépouillé. Un chant qui ressemble à une caresse, tout au long du blues lent "Lifting The Blues". Kyla double également à la flûte. Dans ce contexte minimaliste et dépouillé, les interventions de Paul Farr à la gratte sont à la fois parcimonieuses et judicieuses. Un cadre au sein duquel, il semble s’épanouir. Tapissé par l’orgue Hammond de John Ellis, "Beautiful day" élève le tempo. Et les interventions de Paul sont toujours aussi créatives. Manifestement, Miss Brox aime les climats intimistes. Discret, en toile de fond, l’orgue souligne à peine la voix chaleureuse, si proche de Miss Brox, sur le blues lent "When we're alone". Un timbre qui monte en puissance sur le plus funky "Choose me". "Road home" est une ballade empreinte de douceur et de délicatesse. L’enlevé "Run our home" permet à Kyle de briller à la flûte. Sculpté dans la country, "Ain't got time" est imprimé sur un tempo nerveux, digne de Jimmy Reed. L’exercice de style vocal est classieux alors que Farr joue en picking. Son feeling fait à nouveau merveille sur un autre blues lent, "Change your mind". La voix est épanouie face à l'orgue Hammond. "Song for the lonely" pénètre dans l’intimité d’un cabaret, voire d’un night-club. Un titre de jazz fluide mais incandescent… Kyle shoute son amour sur "Lovin' your love", une piste balisée par une rythmique funk et caractérisée par l’omniprésence de l'orgue Hammond. Dernier blues lent, "Honestly blues" agrège douceur, décontraction, tendresse et pureté, une ambiance qui permet au gratteur d’exploiter au maximum son style tout en économie de notes. "365" relance le rythme. 365, c’est le nombre de jours par an au cours desquels la femme est exploitée ! Sa voix puissante rappelle une de ses influences majeures, Etta James. D’excellente facture, cet LP s’achève par un autre titre d’une grande sobriété, "I will love you more", un message d'amour adressé à ses enfants, Sadie et Sonny.
Mais à quelle substance carbure l’ex-maître de l’horreur ? Plus rien ne semble arrêter John Carpenter… A une effroyable cadence, le pape de l’épouvante nous propose déjà un second volet à ses « Lost Themes », enregistrés en compagnie de son fils Cody et de Daniel Alves, dans la cave familiale. Et… miracle : ce nouvel opus est aussi impeccable que le premier épisode : des morceaux aux ambiances –bien entendu cinématographiques– à la fois menaçantes, angoissantes et kitsch entretenues par des nappes de claviers, lorgnant vers les années 80, souvent lourds et atteignant le point culminant sur le climax d’« Utopian Facade », mais aussi sur « White Pulse » aux réminiscences Nine Inch Nails.
Pas de baisse de régime comme on en rencontre pourtant souvent lors de suites cinématographiques… mais n’oubliez pas que ‘Le Parrain 2’ était bien meilleur que le premier épisode ! Et vu que John Carpenter est le parrain d’un genre en soi…
« Happy Machine » constitue déjà le 7ème elpee de Dubioza Kolektiv, un groupe bosniaque qui pratique une musique festive, délirante, déjantée, dans l’esprit de Shaka Ponk voire de Sla P. Un melting pot au sein duquel entre en lice rock balkanique, ska, reggae, electro swing, dub, metal, hip hop, ragga et punk. En ‘live’, ces joyeux lurons comblent les spectateurs qui ne demandent qu’à danser et s'éclater. Et leur bonne humeur y est communicative. Ils jouissent de cette flatteuse notoriété dans leur patrie, mais également au sein des pays limitrophes. Leur prochain objectif : se forger un nom sur la scène internationale.
Pour enregistrer ce nouvel elpee, le collectif a reçu le concours de quelques invités de marque. Et tout particulièrement Manu Chao, Benji Webbe (Skindred), Roy Paci (NDR : cet Italien se consacre au chant et à la trompette), Punjabi Bee2 (NDR : ce vocaliste milite au sein du groupe catalan de ska/rumba, La Pagatina) ainsi que Dzambo Agusev (NDR : cet autre trompettiste est macédonien).
Accrocheur, « All Equal » s’ouvre dans une world music de type arabisante avant d’embrayer dans le rock balkanique. « No Escape (From Balkan) » est paru en single. Et il déchire. Alliant simplicité et efficacité, cette plage est vraiment idéale pour la scène. Tout comme les très cuivrés « One More Time » et le ska nerveux « Red Carpet », une compo à laquelle participe Manu Chao. Plus paisible « Alarm Song » agrège ska/punk, drum’n’bass et dubstep.
« Free MP3, The Pirate Bay Song » compte plus de trois millions de vue sur la toile. Elle relate 'histoire du site 'Thepiratebay.org’, condamné pour ses ‘crimes digitaux'. Les artistes remettent toute la toile en question, aussi bien les droits d'auteurs, la vie privée que la liberté d'information.
Si « Boom! » lorgne vers Shaka Ponk, l’ombre de Sean Paul y plane.
Skindred (Benji Webbe) se consacre à la gratte sur le métallique « Riot Fire ». La Pegatina apporte sa coloration catalane à « Hay Liberdad », un peu dans l’esprit de La Mano Negra.
Le long playing s’achève par l’excellent « 24 000 Baci », que chante dans la langue de Dante, Roy Paci.
En espérant bientôt voir ce collectif sur les planches.
Originaire du Massachusetts, Jaye Bartell vit aujourd’hui à Brooklyn. En explorant la toile, on apprend qu’il s’est produit en première partie de Kevin Morby ; et puis qu’il a sévi au sein de différents groupes qui n’ont rencontré qu’un succès plus que relatif…
C’est à New York qu’il a composé les chansons de ce « Light Enough ». Faut croire que ce changement de décor a fortement influencé son écriture. Ce qui arrive finalement souvent chez les artistes folk qui se sont installés dans la Grosse Pomme pour y fouler ses trottoirs. Tout au long de cet elpee, on ne peut s’empêcher de penser à Leonard Cohen, qui lui aussi avait quitté Canada natal pour émigrer vers la City. On y pense d’autant plus que la voix de Bartell est aussi monocorde et caverneuse que celle de l’auteur-compositeur-interprète montréalais. Et puis que son folk est aussi minimaliste et chargé de feeling. Hormis le concours circonstanciel d’une voix féminine ou d’un orgue, Jaye s’accompagne uniquement à la sèche.
A première écoute, les compos qui figurent sur ce « Light Enough » semblent glaciales et mornes. Mais on fil des écoutes, on se laisse séduire. Et pour cause, le songwriter parvient injecter une telle dose de sensibilité dans ses chansons, qu’elle parviennent à atteindre leur cible. Et sans le moindre artifice…
Karpatt roule sa bosse depuis plus de 20 ans. De bars en salles, à travers l'Hexagone, le trio a fini par parcourir le monde. Son dernier opus, « Sur Le Quai », remonte déjà à 2011. « Angora », c’est un estaminet sis à Paris, où les 13 chansons de cet album sont nées.
Le line up du band est inchangé depuis le départ. Il réunit le compositeur Fred Rollat (chant, guitare, accordéon), Hervé Jegousso (basse, contrebasse, porte-voix) et Gaétan Lerat (guitare, banjo, percussions).
A son actif, 6 elpees studio, dont le deuxième, « Dans Le Caillou », publié en 2004, avait bénéficié du concours de Richard Lorca et Manu Solo ; un disque qui correspondait à leur période manouche.
« Salvador » s’inspire de voyages accomplis en Amérique latine et Centrale. « J'suis mort » nous entraîne plutôt au cœur de l’Extrême-Orient. Et « Ecarteleur » nous transporte en Afrique, un morceau sucré qui raconte l’histoire d'une famille de bourreaux de père en fils. Irrésistible tant dans les mots que le rythme.
Les histoires racontées sont tantôt tristes, nostalgiques ou joyeuses, à l’instar de « Un jeu » ou d’« Amours d’été ». Plus paisibles, « Péniche » et « Encombrants » traitent de la vie et de tout ce qui l’entoure. « Pupuseria » est illuminé par son envol de cordes… et elles finissent par vous emporter dans leur élan.
Cordes et clochettes alimentent un « Partage » entre les musicos et ses aficionados, dans un climat à la fois tendre, léger et dépouillé.
« Chez Toi » en revient au jazz manouche, une compo qui aurait pu figurer au répertoire de Thomas Dutronc.
« Pétales » ou dites le avec des fleurs. Elles piquent. Elles sont offertes aussi, quand on aime un peu, passionnément ou à la folie. Tant qu'elles sentent bon, il faut en profiter.
Rock et électro sont passés à la « Moulinette » et « Cordes » s’inscrit davantage dans l’esprit de Brassens, voire de Moustaki, avant qu’« Un jeu » de mots à la Toni Melvil n’achève la plaque…
Danny Marks est un vétéran de la scène blues canadienne. Au cours des sixties, il militait déjà au sein d’un groupe répondant au patronyme d’Edward Bear. Il anime, depuis belle lurette, une émission de blues à la radio ; ce qui ne l’empêche pas de continuer à se produire dans les clubs. Sa discographie solo n’est pas très riche. On lui connaît "Guitarcheology" et "True". Et plus récemment, "Big Town boy" et "A friend in the blues". "Cities in blue" ne serait que son cinquième elpee publié en solitaire.
Un titre d’album judicieux qui nous entraîne dans un périple entre les grandes cités des USA. Danny prend la route de "Houston to L.A", soit entre le Texas et la Californie, trajet accompli, il y a bien longtemps, par le légendaire T Bone Walker. Une plage chargée de swing et de jump. La voix est empreinte d’une grande sérénité. Les interventions de guitare sont excellentes. Caractérisé par les sonorités métalliques de la Resonator, "Belt line blues" est une piste particulièrement roots. "Once I was crazy" baigne dans le dixieland de la Nouvelle Orléans. Une impression accentuée par les interventions de la mandoline de Ken Whiteley et la trompette feutrée de Chris Whiteley. Les cuivres et les sonorités immaculées dispensées par Julian Fauth servent d’appel au "Kansas City shout". Excellent southern R&B, "Memphis got soul" est amorcé par des accents électriques réminiscents de BB King, avant de libérer des sonorités Stax familières à la grande ville du Tennessee. Mr Marks nous invite alors à vagabonder au sein des rues animées de la Nouvelle Orléans tout au long de "Heading down to New Orleans", théâtre d'un jazz traditionnel et suranné, que met en scène le piano de Jonathan Goldsmith. Un tel voyage ne peut être accompli, sans faire une escale à Chicago, la cité qui a tant apporté au blues urbain. Les interventions vaporeuses de la slide, mais également du piano de Julian Fauth et d'harmonica de David Rotundo entretiennent "Blues came to Chicago", un blues de bonne facture. Une pause s’impose. Ce sera dans le Mississippi. Un retour aux racines reflété via "Going down the road", dans une ambiance créée par un jug band, impliquant mandoline, harmonica, percussions et voix multiples, qui soulignent le chant de Danny. Le trip musical échoue à New York, la Big Apple, pour une des meilleures compos de l’opus, un morceau dominé par l'orgue de Goldsmith et les cordes électriques du leader. "Land where blues began" opère un nouveau détour par le delta, une piste au cours de laquelle Robert Piltch démontre son savoir-faire au bottleneck. Le long playing recèle encore un bonus instrumental intitulé "Lights out". On soulignera encore l’excellente production réalisée par d'Alec Fraser, dont la carte de visite mentionne des mises en forme pour Snooky Pryor, Billy Boy Arnold, Pinetop Perkins et Jeff Healey. Elles de datent pas d’hier, mais elles ont le mérite d’exister. Excellent!
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