La musique de ce chanteur/guitariste/compositeur macère dans le blues/rock californien. L'an dernier, il avait gravé un elpee de toute bonne facture, "Blues thunder". Brad est tout à fait à l'aise sur les planches. Il multiplie d’ailleurs les concerts, tant en Californie qu’en Europe. C’est d’ailleurs la raison pour laquelle il a décidé de publier ce "Power Blues Guitar Live", flanqué de son Rollin' Blues Thunder Band. Au menu, treize plages, parmi lesquelles figurent reprises et compositions personnelles.
En guise d’échauffement, le combo adapte un des plus célèbres titres de Muddy Waters, "Got my mojo working". Chaude, la voix de Wilson tient la route ; mais c’est surtout sur sa Fender Stratocaster qu’il se distingue. Il ne tient pas en place et profite de la moindre occasion pour mettre le feu. "I'm tore down" est imprimé sur un tempo semblable, une compo popularisée –il y a belle lurette– par le géant Freddie King. Dès qu’il en a l’opportunité, Brad se réserve des billets de sortie afin de maltraiter son instrument. Le rythme retombe tout au long du long blues lent "I can't quit you baby", un morceau issu de la plume de Willie Dixon, pour lequel Otis Rush avait décroché son premier succès en 1956. Les interventions de gratte sont gémissantes, mais elles ne suscitent jamais l’ennui. Chouette blues/rock, "All kinds of a fool" semble hanté par feu l’Irlandais Rory Gallagher. Brad nous réserve quelques covers de titres notoires. Dont "Born under a bad sign", un hit d’Albert King qui date de 1967, et l'inévitable "Sweet home Chicago" de Robert Johnson. Mais également une excellent version du "I just want to make love to you" de Willie Dixon, mais imprimée sur un mid tempo. Et manifestement sur cette piste, il est inspiré par Jimmy Page. Une dextérité qu’il démontre de nouveau sur "She moves me". Encore un titre de Dixon : "Spoonful". Mais il est abordé sous la forme d’un medley. Une plage qui met bien en exergue le talent du batteur (Thaxter Daggs ou Kofi Baker?) Signé Muddy Waters, "Standing around crying" constitue le second blues lent, un morceau qui libère beaucoup d'intensité dramatique. En fin de concert, Brad nous réserve un dernier slow blues, en l’occurrence le classique de T-Bone Walker, "Stormy Monday", une compo tapissée par l’orgue de Kirk Nelson. Bref, en accordant cet excellent set, par ailleurs particulièrement énergique, Wilson a démontré la large palette de son potentiel, face au public.
L’elpee recèle un bonus track. Une compo indolente signée par le Californien, "I'm still breathing" (NDR : elle figure sur l’album "Hands on the wheel"). Nelson se consacre au piano électrique et Joe Robb au saxophone.
Depuis la sortie de son premier LP, "Ride Your Heart", en 2013, les événements se sont bousculés dans l’existence des frangines Clavin. Elles ont vécu des expériences difficiles. L’une a été virée de chez elle et l’autre a souffert d’une relation amoureuse (trop) fusionnelle. Des épreuves qui fatalement finissent par marquer la musique des Californiennes (NDR : elles sont originaires de Los Angeles). Le duo a également élargi son line up, puisqu’il a également accueilli une bassiste, Micayla Grace.
Produit par Joe Chiccarelli (Morrissey, The Strokes, Elton John), "Welcome the Worns" se révèle bien plus garage que le précédent long playing. Un peu dans l’esprit des 90’s. Déjà que Bleached est un patronyme qui se réfère clairement à Kurt Cobain. Et pour cause, paru chez Sub Pop, "Bleach" est le titre du premier elpee de Nirvana. D’ailleurs, le trio pourrait signer sur ce label, où il serait plus à l’aise que chez Dead Oceans (The Tallest Man on Earth, Kevin Morby, Destroyer, Phosphorescent, ...), écurie davantage focalisée sur les artistes folk.
"Welcome the worms" s’ouvre par deux excellents titres de punk/garage aux refrains accrocheurs. Soit "Trying to lose myself again" et "Keep On Keepin'On", dont les riffs de gratte se révèlent d’une redoutable efficacité. "Wednesday Night Melody" adopte un profil davantage pop, lorgnant même vers Weezer. Bref, une mise à feu à la fois jouissive et rythmée, tout en demeurant accessible. Et on ressent même un brin de nostalgie à l’écoute de ces premiers morceaux. Mais progressivement, Bleached commence à tourner en rond. Et finit par sonner creux, à l’instar de l'insupportable "Sour Candy", caractérisé par refrain moelleux. Dommage ! Le départ était tonitruant, mais la suite nous a laissé sur notre faim…
Ce chanteur/guitariste a déjà fait du chemin. Où est le temps quand, âgé à peine de douze ans, il ouvrait pour la légende BB King ? Il en a aujourd'hui 39 et compte une quinzaine d'albums à son actif. Son tout premier, "A new day yesterday", remonte à l'an 2000.
"Blues of desperation" a été enregistré sous la houlette de son fidèle producteur Kevin Shirley. Et ses nouvelle compos, il les a écrites à Nashville, où il s’était retiré. Quant aux sessions, elles se sont déroulées au studio Grand Victor Sound. Pour la circonstance, il a bénéficié de la collaboration du claviériste Reese Wynans, du bassiste Michael Rhodes ainsi que des drummers Anton Fig et Greg Morrow. Sans oublier quelques cuivres et les choristes.
Imprimé sur un tempo rapide, "This Train" ouvre l’elpee. La présence simultanée de deux batteurs confère une solidité particulière à la section rythmique. Soutenue par les interventions fringantes du piano de Wynans, la voix de Joe est puissante. La guitare libère toute son intensité dans un style très rock! Blues/rock, "Mountain climbing" est découpé par un riff réminiscent du Free de la grande époque, alors que la voix de Joe est enrobée par les chœurs féminins. La sonorité de gratte rappelle d’ailleurs celle d’un grand artisan de la ‘Gibson Les Paul’, en l’occurrence le regretté Paul Kossoff. Face aux percussions exotiques et aux cordes semi-acoustiques, la voix est chargée de passion, tout au long de "Drive", une roots song empreinte de tendresse ; mais lorsque les cordes se chargent d’électricité, c’est pour rendre un vibrant hommage au "Black Magic Woman" de Peter Green. Autre blues, "No good place for the lonely" est une ballade qui bénéficie d’arrangements ambitieux. Joe voue un grand respect aux anciens maîtres anglais du style. Et de grande classe, son envol rappelle Gary Moore. Rockin' blues complexe, le titre maître lorgne vers le Led Zeppelin, sans la voix de Plant, bien entendu. Mais le spectre de Jimmy Page plane quand même. "You left me nothin' but the bill and the blues" est un blues rapide et nerveux, mais attaqué sereinement, à la manière d'Albert Collins. Joe se délecte en se déchaînant sur ses cordes. "Distant lonesome train" baigne dans le Delta du Mississippi, mais dans une version revue et corrigée par Bonamassa. La conjugaison entre les grattes et les drums est géniale. Perso, il s’agit du sommet de cet LP ! "How deep this river runs" est également une excellente plage. La voix est hantée par Paul Rogers et la tonalité de gratte, par Paul Kossoff. "Livin' easy" trempe dans le jazz roots. Le swing est naturel. Dépouillée, la compo est entretenue par le saxophone et le piano. En final, "What I"ve known for a very long time" rend manifestement un hommage à la légende disparue, BB King. Un blues lent somptueux, délicatement cuivré, dans l’esprit de Memphis.
Ne croyez surtout pas que cet album ait une quelconque corrélation avec les Van Cau, Spirous, Magnette et autres histoires carolorégiennes ; en fait, il s’agit plus simplement d’une ode à la ville natale de la grand-mère de William Fitzsimmons, également baptisée Charleroi. Elle a été fondée par les colons belges sur les rives de la rivière Monongahela…
« Charleroi : Pittsburgh, Vol.2 » constitue le second volet d’une parenthèse ouverte en 2015 par l’Ep « Pittsburgh ». Et le 7ème opus du troubadour folk à la barbe de hipster (NDR : n’aurait-il pas d’ailleurs lancé la mode ?) ‘« Pittsburgh » parlait de la grand-mère que je connaissais. « Charleroi » parle de celle que je n’ai jamais connue’, indique l’artiste. L’univers de Fitzsimmons est minimaliste : une guitare acoustique, quelques notes au piano ou de discrètes cordes… mais surtout une voix splendide et céleste. Hormis celle de Sufjan Stevens, il n’en n’existe que très peu d’aussi pure pour conter ces histoires familiales, véritables allégories de celle des Etats-Unis au XXème siècle. Si vous aimez le folk intemporel, je vous invite à découvrir d’urgence, les 6 titres de cet LP.
Amies et amis fans de bon Rock’n’roll gras et sans prise de tête, posez ce que vous avez en main, asseyez-vous, prenez ce verre de whisky qu’on vous tend, allumez-vous une clope et détendez-vous… Vous êtes désormais en condition idéale pour profiter de « Corduroy », dernier album des Texans de Honky. Neuf morceaux chaleureux susceptibles de vous mettre de bonne humeur et qui baignent dans une ambiance Rock dont il est difficile de s’extirper. Fermez les yeux, imaginez-vous dans un film de Tarantino, au volant d’une vieille Mustang, roulant à tombeau ouvert sur une route sablonneuse, à la recherche de ce bar tant attendu afin d’oublier les vingt-quatre dernières heures harassantes. Vous la sentez l’ambiance, là ?
Un travelling vers les artistes permet de comprendre que Honky n’est pas simplement qu’un terme péjoratif –signifiant bastringue en français– mais surtout un trio réunissant Bobby Landgraf au chant et à la gratte (NDR : il milite également chez Down), Jeff Pinkus à la basse (lui au sein de The Melvins) et le Trinidad Leal (de Dixie Witch). Le genre de gars à qui on ne la fait pas. Plus rien à démontrer, il n’y a qu’à se faire plaisir. Quelques bruits enregistrés par le frottement d’un vieux vinyle préludent le rock’n’rollesque « Corduroy », le titre maître de cet LP. Le cadre est posé, les riffs de Bobby sont habités par l’âme de ZZ Top. Tout coule de source. C’est terriblement efficace. Une belle rampe de lancement qui est décuplée sur « Outta Season », un morceau désormais enrichi par des passages à la trompette, jazzyfiants à souhait. Le band, alors qu’il aurait très bien pu se contenter de ses sonorités rock, préfère y incorporer, comme par magie, d’autres influences, à travers ces souffles brûlants de Blues sur « Bad Stones » ou encore « I Don’t Care », sans compter la hargne Heavy injectée sur « Double Fine ».
« Corduroy », c’est le passage par l’ampoule à décanter de l’idée fantasmée qu’on peut se faire du Rock’n’roll. Honky parvient ici en quelques morceaux à nous transmettre un héritage considérable de sonorités, réalisant sans que ce soit expressément voulu une synthèse du rock, des premiers jours à aujourd’hui. Un dépaysement jouissif assuré, les pieds sur la table.
‘In layman terms’ se traduit par ‘En d'autres termes’ ou ‘Pour simplifier’. C’est le patronyme choisi par le clan Layman. Issu de Williamsburg, en Virginie. Une véritable affaire de famille, vous vous en doutez ! Cole et Logan Layman, sont frère et sœur. Ils n'ont pas encore vingt ans. Miss Logan chante et joue de la basse. Elle a été élue ‘Blues Kid of the Year’, en 2013. Cole se sert de toute une panoplie de guitares. Et pour couronner le tout, la maman, Sandy Layman, vient parfois leur filer un coup de main, aux drums et percussions. Le premier elpee de Tangled est éponyme. Lors des sessions, le band a reçu le concours de quelques amis, mais également du drummer/multi-instrumentiste Ron Lower Jr. Qui se charge également de la production.
Largement cuivré, le titre maître ouvre l’opus. C’est r&b. Funk même. Une plage au cours de laquelle Brian Kloppenburg siège derrière l’orgue pour en extraire des sonorités chaleureuses. Qui alimentent également "Fake it 'til I make it", un excellent blues lent que chante Logan d’une voix très harmonieuse. Déjà très affûté, Cole en profite pour s’autoriser son premier envol. Il passe à la slide pour le nerveux et séduisant "Don't even try". Dans un style qui rappelle Derek Trucks, musicien qu’il apprécie tout particulièrement. Une plage au cours de laquelle les qualités vocales de Logan sont bien mises relief alors que les interventions à l’orgue de Brian apportent une touche d’authenticité à l’ensemble. Solide compo, "Heartbroken" est imprimé sur un rythme hypnotique familier à Howlin' Wolf. Cole Layman semble hanté par Hubert Sumlin pour épauler sa sœur. Et toute en subtilité, sa sortie est excellente. Le lent "I'm not ready" ainsi que "Don't even try" sont issus de la plume de la chanteuse/bassiste/compositrice Holly Montgomery. La voix de Logan est chargée de passion tout au long de ce titre. "Smokestack lightning", classique de Howlin' Wolf, adopte un profil très roots. A cause des cordes acoustiques, des accès de basse et des frêles percussions. La voix féminine se révèle authentique sur cette piste que conclut brillamment Jack Campbell sur son harmonica. "Won't let it" élève le tempo. Brian est revenu à l'orgue. Cole sort le grand jeu et signe une sortie impeccable. "Karma" est un titre largement inspiré par le Delta. Cole joue de la guitare ‘Cigar box’, dont le son est primaire, sale et ravageur. Superbe ! De toute bonne facture, cet LP s’achève par la reprise du célèbre "Move over" de Janis Joplin. La version déménage. Logan adapte parfaitement sa voix, sans la forcer, alors que Ron Lowder Sr signe une belle envolée sur son sax ténor.
Lust for Youth n’en est pas à son coup d’essai. Et pour cause, « Compassion » constitue son quatrième album. En six ans, le trio danois (NDR : il est originaire de Copenhague) est déjà parvenu à se forger une certaine notoriété auprès des nostalgiques de la musique issue des 80’s.
Dès les premiers accords, on retrouve l’univers spécifique à Lust for Youth. Ténébreux, glacial, atmosphérique, il est encore et toujours hanté par New Order et Depeche Mode. Cependant, mélodieuses, les compos ne manquent jamais d’accroche, des morceaux sur lesquelles Hannes Norrvide vient poser sa voix désenchantée. Les claviers sont omniprésents. Les sonorités, scintillantes. Elles sont cadencées par une boîte à rythmes. Et de nombreux titres sont d’ailleurs bien dansants ; à l’instar de l’excellent « Sudden Ambitions ».
En une demi-heure pour huit pistes, la formation scandinave démontre son aptitude à remuer les tripes du mélomane, à l’aide d’une musique paradoxalement sombre…
On est loin de la pop ou d’une impression d’entrer au « Paradise » à l’écoute de Pop. 1280… « The Horror », le titre de son premier elpee, reflétait mieux les climats sombres et industriels du groupe américain, a contrario de ce paradis (perdu ?) promis au générique de son 3ème essai !
Depuis Brooklyn, le très énervé Chris Bug et ses acolytes ne sont pas venus pour rigoler mais asséner leurs brûlots tour à tour chargés de no wave (« Phantom Freighter ») ou de rock indus (« USS ISS »), lorsqu’ils ne réalisent pas un mix tranchant entre Killing Joke (ces claviers !) et Joy Division (la dimension martiale), mais en prenant soin de faire macérer l’ensemble dans un climat propice à l’invective, digne de The Fall. Davantage à la recherche de l’impact auriculaire plutôt que véritablement mélodique, Pop. 1280 nous balance des morceaux féroces et claustrophobes balisés par le quasi ‘spoken-word’ de Bug. Acides, les textes traitent des dérives du monde contemporain rongé par les technologies. Pas de single à l’horizon mais une série de compos aux titres explicites, tels que « The Last Undertaker » ou le poisseux « Rain Song ». Un opus chargé de désespoir, mais intriguant, pour ne pas dire bizarre...
Ivor S.K., c'est Ivor Simpson-Kennedy, un jeune chanteur/guitariste de 24 ans. Originaire de Sidney, en Australie, il a décidé de tenter sa chance aux Etats-Unis, pays du blues par excellence. Et tout particulièrement dans sa capitale musicale, la Nouvelle-Orléans. "Delta Pines" constitue son premier Ep, un disque découpé en 5 plages acoustiques.
"Help poor me" ouvre la plaque. La voix d’Ivor est étonnante, accrocheuse, ravagée, mais tellement présente et envoûtante. Il s'accompagne très simplement à la rythmique et à la gratte. La prise de son est impeccable. En extrapolant, on imagine facilement un tel musicien se produire au cours des années 30, pour interpréter son propre blues.
Tout au long de "Missus green", Ivor propage quelques fragiles percussions. Le toucher de cordes est d'une clarté, d'une limpidité, belle à pleurer. Instrumental immaculé, "Pelican" bénéficie de la technique du re-recording. Ce qui se traduit par une texture au cours de laquelle le flux de cordes acoustiques et les quelques autres délicatement amplifiées, s'entremêlent. Et le résultat est vraiment superbe ! Original, "I like the way" est un blues classique, qui nous entraîne sur les routes du Delta, jadis empruntées par les légendes Robert Johnson et Son House. Et la voix s’y révèle de nouveau pénétrante. "Delta Pines" baigne encore dans le delta du Mississippi, une plage authentique, étonnante, caractérisée par la pureté du son ; et lorsque Ivor joue du bottleneck, on aimerait marcher à ses côtés, sur la route de Clarksdale. Vraiment excellent!
Thao et ses ‘Get Down Stay Down’ (quel nom !) mènent, depuis plus de 10 ans, une carrière paisible dans le monde fascinant de l’indie rock américain, depuis leur base arrière, sise dans la baie de San Francisco. A la tête du combo, une certaine Thao (of course !) Nguyen mais aussi Adam Thompson. Ce dernier incarne aujourd’hui à lui seul les Get Down Stay Down. Bref, le duo vient de publier « A Man Alive ! », un magnifique 4ème opus. Et ce petit concentré de ‘feelgood music’ a été produit par Merrill Garbus, mieux connue comme la très inspirée/siphonnée tête pensante de tUnE-yArDs.
Cette dernière apporte d’ailleurs un grain de folie aux sucreries pop-rock de Thao et de son acolyte rappelant parfois les Breeders voire… tUnE-yArDs (« Meticulous Bird »). Si les sonorités se révèlent parfois expérimentales (« Fool Forever ») ou reposent sur des rythmiques ascétiques (« Give Me Peace »), la forme n’oublie jamais d’être avant tout mélodique. Entre hymne ‘anthémique’ imparable (« Nobody Dies »), morceau pop aux accents afrobeat et funkysants (« The Evening »), ballade empreinte de charme (« Millionnaire ») et piste aux réminiscences dub (« Endless Love »), l’album ne souffre d’aucune faiblesse et brille par ses variations de styles, malgré des textes qui abordent principalement le thème de l’abandon par son père, dont Thao a été victime, lorsqu’elle était enfant (‘I sent all of it and then you send it all back to me ... All my life, won't you come for me? / I got love to give, too scared to leave.’) « A Man Alive ! » constitue l’œuvre… d’une femme en vie, maîtrisant plus que jamais sa fertile inspiration !
James Blake vient de publier un superbe nouvel elpee. Mais surtout, il n’en finit plus de faire des émules… Après Sohn, Chet Faker ou Ry-X, place à son compatriote Ed Tullett qui, lui aussi, mixe des sonorités électro au cœur d’une expression sonore à l’âme résolument soul. Agé de 22 printemps, ce jeune Britannique (NDR : il est issu d’Oxford) nous propose son premier opus, « Fiancé », une œuvre qui baigne au sein d’une sorte de r&b futuriste. Vaporeuses ou quasi-expérimentales, les sonorités émanent de synthés hantés. Et puis, il y a le falsetto de Tullett qui épanche tout son lyrisme romantique.
Même si (trop ?) marqué par l’esprit de Sir Blake, l’album de l’aspirant Tullett regorge de pépites telles que l’inaugural « Irredeemer », caractérisé par ses harmonies délirantes ou encore le plus déviant mais toutefois pop « Saint », un morceau particulièrement convainquant qui lorgne carrément vers Sigur Rós. Si notre mariage auditif est acté auprès de Blake, nous sommes enchantés d’être déjà « Fiancé » avec Ed Tullett, dont le talent saute aux oreilles…
Le rock hispanique des années 60 semble être un terreau tellement inépuisable que Vampisoul a décidé de nous réserver un second volet à ces sauvages mélomanes (‘Algo Salvajes’ se traduit par ‘Quelque chose de sauvage’), des groupes ‘garage’ espagnols qui ont sévi sous la dictature franquiste. En parallèle à d’inoffensives ritournelles pop diffusées sur les ondes à l’époque, une culture underground s’était développée sous les yeux et aux oreilles des censeurs. Une culture rock’n’roll aux accents psyché (Grupo 15, Los Relampagos), garage (Los Gatos Negros, Smash) ou quasi-soul (Los Crich), fortement influencée par le Merseybeat (NDR : soit la scène liverpulienne qui a marqué les sixties) et dont les chansons étaient le plus souvent interprétées en anglais, mais aussi en espagnol. Les 28 titres résument à merveille la rage adolescente de ces jeunes Espagnols dans un contexte si particulier… tout en n’oubliant pas d’épingler quelques pépites rock aux mélodies parfois tout bonnement irrésistibles, dont le « Lamento De Gallas » de Los Archiduques et le « Liar, Liar » de Los Sonadores...
Ce matin, c’est le bonheur : je suis invité à boire un café chez An Pierlé. Elle habite en plein centre de Gand, dans une maison sise à deux pas de l'église Sint-Jacobs, en compagnie de son partenaire Koen Gisen. J'ai toujours beaucoup aimé cette artiste flamande, mais son tout nouvel album, ‘Arches’, paru chez [PIAS], a touché une corde sensible, voire même plusieurs cordes sensibles au plus profond de mon être. Il est plus sombre, plus mystique que ses précédents opus, surtout grâce aux grandes orgues, omniprésentes, et aux compositions 'dark' et sensuelles qu'il recèle.
Nous rentrons dans la salle de séjour, une grande pièce de type loft qui ressemble à un gentil capharnaüm. Entre les jouets de la fille d'An, Isadora, les peaux de serpent et les vieux meubles vintage, on découvre un magnifique piano à queue de couleur noire. Ne résistant pas à la tentation d'en jouer, j'égrène les premières notes de ‘Wuthering Heights’. An chantonne la mélodie en préparant le café et me lance : ‘Wow: tu joues bien! Il faudrait que je travaille les accords de ce morceau!’
Ce qui frappe chez An Pierlé, c'est son incroyable simplicité. Elle a cette façon si chaleureuse de sourire et de vous accueillir que l'on se sent immédiatement à l'aise, comme si on appartenait à sa famille.
Tout naturellement, nous entamons la conversation en parlant des années 70 et 80, l'âge d'or de la musique, qui nous a tous les deux tellement marqués. J'aimerais savoir quelles sont les chansons qui ont provoqué un flash chez elle quand elle était jeune. "J'ai eu pas mal de flashs quand j'écoutais la radio. Il y avait une chanson qui passait et tout à coup, le monde s'arrêtait de tourner et j'étais comme fascinée. J'ai vécu cette sensation en écoutant ‘Such A Shame’ de Talk Talk, une chanson que j'ai d'ailleurs reprise par la suite. La même chose pour Gary Numan et son ‘Are Friends Electric?’ Notons au passage que c'est en adaptant ce titre-phare de la new wave qu'An s'est fait connaître lors du Humo Rock Rally, en 1996. "Il y avait aussi ‘The Cold Song’, de Klaus Nomi et, bien sûr, Kate Bush. J'aimais aussi Siouxsie, Jona Lewie ainsi que Men Without Hats, et notamment la vidéo de ‘Safety Dance’. Ces chansons étaient pour moi comme des films, des univers dans lesquels je pouvais me plonger. Les années 'new wave' ont façonné ma culture musicale."
On retrouve toutes ces influences dans les six elpees que l'artiste d'origine anversoise a publiés à ce jour ; de ‘Mud Stories’, paru en 1999 à ‘Arches’, en 2016. Mais sa tout dernière production marque une évolution assez remarquable au niveau des compositions, des arrangements et des atmosphères. Comment ce processus s'est-il mis en place? "C'est venu naturellement. J'ai été choisie comme compositrice officielle de la ville de Gand ; ce qui m'a plongée dans l'univers des musiques d'église et m'a incitée à m’intéresser aux grandes orgues. Ces paramètres ont poussé lentement, comme des petites graines. On a bénéficié de pas mal de temps pour écrire… deux ou trois ans. C'est la raison pour laquelle l'album est plutôt de nature ‘classique’, articulé autour de l'orgue et qu’il baigne dans une ambiance assez solennelle."
Le titre qui frappe le plus sur ‘Arches’ est sans conteste ‘Birds Love Wires’. La mélodie est captivante et séduit dès la première écoute. Une ambiance romantique, médiévale, enveloppe cette compo. Mais quel en est le thème? "C'est une chanson qui part d'une vision : les oiseaux sur les fils téléphoniques. C'est une vision d'enfance car, de nos jours, ces câbles sont tous souterrains. J'ai associé cette vision avec celle, très crue, des femmes qui sont persécutées dans certains pays orientaux. Là-bas, ils pendent les femmes même pour des fautes insignifiante". C'est donc une approche de la composition visuelle, plutôt cinématographique? "Oui, ce sont toujours des images qui me traversent l’esprit, surtout quand je vais me promener dehors. Ou alors, ce sont des mélodies que j’imagine derrière mon piano. ‘Birds Love Wire’, je l'ai élaborée lors du soundcheck quand on s’était produit au festival Boombal. J'avais déjà quelques idées mais là, j'ai profité des circonstances. Tout était installé et l'ingé-son enregistrait pour improviser la chanson complète. Et lorsque je l'ai fait écouter à Koen, il a dit que c'était parfait, qu'il n'y avait rien à changer et ça, ça n'arrive pas très souvent!" (rires)
En parlant de Koen, An décide de m'emmener un étage plus bas, dans le studio, où son partenaire travaille en compagnie d’un groupe local, North. Ici, l'ambiance est feutrée, étouffée par les tapis orientaux disposés à terre et sur les murs. Les vieux Revox et les amplis à lampes côtoient les ordinateurs équipés de 'Pro-Tools'. Nous discutons des productions du label du couple : Helicopter, qui impliquent des formations flamandes talentueuses comme Kiss The Anus Of A Black Cat, The Black Heart Rebellion ou The Bony King of Nowhere. Koen explique le défi qu'a représenté l'enregistrement des orgues de l'église Sint-Jacobs pour l'album ‘Arches’. "On enregistrait la nuit pour éviter les bruits de la ville. Il a aussi fallu intégrer ce son énorme, chargé de réverbération, dans la structure sonore des chansons. Tout un travail sur les fréquences, les effets et le positionnement." Le résultat est, inutile de le rappeler, parfait.
Nous revenons dans le living, car An me réserve une très belle surprise. ‘Cluster’, le mini-album qui servira de seconde partie au diptyque ‘Arches/Cluster’, est déjà bien avancé et j'ai droit à un 'preview' des enregistrements! ‘Road To Nowhere’, qu'elle avait déjà interprété aux Nuits Bota, fait à nouveau forte impression. C'est une lente incantation qui se développe dans une progression lancinante et quasi dissonante. Les autres titres sont dans la lignée de ‘Arches’ mais ouvrent également une dimension plus expérimentale. Un album 'sequel' qui promet! Il devrait sortir en septembre mais comme le 'release' de ‘Arches’ en France a été reporté, le planning pourrait être décalé.
La conversation se poursuit. An me dévoile ses coups de coeur et, notamment Wovenhand. C'est d'ailleurs chez elle que Pascal Humbert a préparé le ciné-concert des Nuits Bota consacré au film de Bouli Lanners ‘Les Premiers, Les Derniers’. An indique également qu'elle a assuré la première partie de 16 Horsepower aux Pays-Bas. Elle évoque Mensen Blaffen, la formation athoise de post-punk qu'elle aimait dans les années 80 sans imaginer que son saxophoniste allait devenir l'homme de sa vie. Malheureusement, après plus de 2 heures, notre interview arrive à son terme, car la belle soit s'occuper de la B.O. du spectacle pour enfants auquel sa fille va participer.
Je remercie mes hôtes et je prends congé. En marchant sur les trottoirs de Gand, je me rends compte que je n'ai pas seulement réalisé une très belle interview d'une artiste tout aussi douée qu'attachante. J'ai fait encore mieux : j'ai rencontré quelqu'un qui, je l'espère, sera à l'avenir une véritable amie.
Ne manquez pas les prochains concerts d'An Pierlé:
23 juillet: Boomtown (Gand)
7 août: Festival Dranouter
13 août: BSF (salle de La Madeleine)
8 septembre: De Roma (Anvers)
10 septembre: CU Festival (Liège)
23 septembre: Muziekgieterij (Maastricht - NL)
29 septembre: Orgelfestival (St Niklaas)
5 octobre: Eglise Saint Eustache (Paris - FR)
22 octobre: Sint-Jacobs (Gand)
Pour lire le compte-rendu du concert d'An Pierlé dans l'Eglise des Dominicains (Nuits Bota), voir ici
Pour visioner la vidéo de ‘Birds Love Wire’, réalisée par la fille de Jaco Van Dormael, Juliette Van Dormael, c’est là
Gonzo est un groupe éphémère réunissant le Montois Baptiste Lalieux (Saule), Geoffroy Heyne (A Mute), Simon Bériaux (Hibou, Le Yeti), Vincent Lontie (Fugu Mango, Bikinians) et Nicolas Vandeweyer (Eleven). Suivant la bio, la formation pratiquerait une musique à la croisée des chemins de Weezer, Bloodhound Gang, Beastie Boys et The Presidents of The United States of America. Avant le concert accordé à l'Alhambra de Mons, Geoffrey et Baptiste on accepté de répondre aux questions de Musiczine. En toute décontraction…
Pourquoi avoir baptisé votre groupe Gonzo ? Est-ce une référence au Muppet Show ou au porno ? (Rires)
J : Du porno ? Nous n’en avons pas seulement consommé au cours de notre jeunesse ! Et puis, nous sommes encore jeunes ! Il faut le souligner. Non, en fait, Gonzo, c’est bien inspiré du délire Muppet, l’homme-canon. Ensuite, on s’est rendu compte qu’il avait plusieurs significations et que toutes nous collaient un peu à la peau.
B : En italien, le terme se traduit par ‘stupide’. Et il nous parle.
Vous avez prévu d’inviter Charlie ?
B : Ce n’est pas dans le cahier des charges. Mais comme il est assez ouvert d’esprit, ce n’est pas exclu qu’il vienne ajouter son grain de folie, dans Gonzo. Nous sommes tous les deux spontanés. Donc si un jour on l’appelle, il est très susceptible d’accepter.
Vous êtes tous impliqués dans d’autres projets. Alors Gonzo, est-ce une aventure dite ‘éphémère’ ou durable ? Avez-vous l’intention de lui consacrer un long playing ?
Geoffroy (Jo) : Oui, dans le courant de l’année prochaine ; on va s’y mettre tout doucement. A mon avis, on va commencer à enregistrer l’été prochain, mais de toute façon, cet album ne paraîtra pas avant 2017.
Baptiste : Parce que nous avons tous des projets en chantier. Perso, celui de Saule débouchera bientôt sur un nouveau cd.
Votre Ep recèle 5 plages. Comment s’est déroulée l’écriture des morceaux. Et dans quelle ambiance ?
J : Pour déconner, on a accordé un concert de reprises pour des potes, alors qu’à l’époque on jouait du punk. Ensemble. On s’est vraiment bien éclaté. Puis on en a conclu qu’on recommencerait bien l’expérience. Et puis on a fondé Gonzo. Baptiste s’était pété la jambe ; donc il avait eu du temps pour composer presque tous les titres qui figurent aujourd’hui dans notre répertoire. On a lancé le projet, puis le cours des événements a repris ses droits. On a fait quelques dates, ensuite on a tourné la page. Cet épisode remonte d’ailleurs à plusieurs années.
B : Il y a sept ans qu’on a enregistré ces titres. A l’origine, ils n’étaient pas du tout destinés à se retrouver sur iTunes. C’était plus une démo qui n’avait aucun objectif commercial. On avait enregistré ces morceaux pour nous. Et lorsque l’agenda a commencé à se remplir, notre manager nous a conseillé de le sortir. Or le son était garage. On l’avait enregistré en prise directe, ‘rough’. Et en fait, tous ceux en compagnie desquels on bossait, ainsi que notre attaché de presse, nous ont rassurés par leur argumentation. Il s’agissait de notre son, il était super et il fallait le reproduire tel quel. On a juste masterisé. Mais le plus curieux, c’est de voir cet Ep sortir après tant d’années…
J : On a enregistré en prise directe !
B : On a ainsi pu conserver l’énergie du groupe.
J : Tout est allé tellement vite. On n’a pas trop pris le temps de réfléchir ; et finalement le résultat traduit bien nos prestations sur scène, aussi.
J’ai lu, dans une interview, que tu avais l’intention d’inviter Giacomo de Romano Nervoso, lors des sessions d’enregistrement de ce futur elpee ?
B : Giacomo, je l’ai déjà croisé à deux ou trois reprises, et je l’apprécie. J’aime son attitude rock’n’roll, sincère et brute de décoffrage. Notre manager nous a rapporté que Romano souhaitait que nous partions en tournée avec son groupe. Mais je dois enchaîner par un autre projet, un conte musical, que j’ai écrit pour Mons 2015. Et donc le timing ne collait pas. Un journaliste m’a demandé si j’avais l’intention de poursuivre cette aventure de super-groupe, en engageant des musicos issus d’horizons divers. Et puis, quel artiste je souhaitais inviter en studio, pour chanter avec moi. J’ai immédiatement pensé à Giacomo.
J : Le délire est toujours aussi anti-conventionnel.
Quand on vient d’univers musicaux différents, comment faire prendre la mayonnaise ?
B : C’est le fameux ‘un peu de tout’ à la belge. Il y a des tas d’influences un peu différentes. Et même du punk. On partage tous un dénominateur commun, c’est celui d’avoir joué beaucoup de rock et de continuer à l’apprécier. Le punk/rock tout particulièrement. Gonzo, c’est un peu un mélange de tout ça. Certains titres sont un peu plus reggae, d’autres davantage acoustiques. Notre répertoire recèle deux morceaux country ; et pourtant, au départ, la country n’était pas du tout notre truc.
J : Que ce soit de la country ou du reggae, on cherche simplement à s’éclater. On y injecte une dose de punk, on mélange, et hop c’est parti…
B : Honnêtement, je n’ai pas de recette. Je pense que chez Gonzo, elle appartient à tout le monde. Il n’y a pas de patron. Chacun ramène vraiment sa personnalité, contrairement à Saule où je suis plus au front. Ici, il existe une vraie énergie collective. C’est assez chouette de vivre ces moments, de s’observer quand on joue. Aujourd’hui on a accordé un set plus court, mais Jo, normalement, défend sa chanson. Nous somme trois ‘lead vocalists’. Il n’y a pas vraiment une recette. Aussi quand on se produit un dimanche à 17 heures, sur une énorme scène, devant public très familial, et que celui-ci adore ; et bien, on a le droit d’être satisfait. Car le ‘live’, c’est un mix entre la sincérité, la générosité et l’aspect festif.
J : C’est ainsi qu’on l’a également imaginé. Et on l’a créé pour s’amuser, se marrer même. Notre attitude le montre. La réaction du public également. C’est communicatif.
En live, lorsque vous interprétez « Girls », vous invitez les filles à grimper sur le podium. Est-ce par délire ou est-ce voulu ?
B : On n’a jamais pécho une meuf.
J : Que veux tu dire par ‘c’est voulu’ ?
Intentionnel ! Lorsque vous vous être produits dans le cadre du BSF, sur l’estrade, vous en avez invité une belle fournée ; mais il y avait de tout : des belles, des moches, des vieilles, des jeunes.
J : Et ce soir, tu as maté un peu ?
Bof, il y avait de tout aussi.
J : Il y avait de la caille.
B : En fait, le morceau parle d’un gars qui se dit ‘Mais pourquoi quand je marche dans la rue, il n’y a aucune nana qui me regarde ?’ J’ai écrit les paroles en pensant à ces donzelles qui te toisent un peu ainsi en disant ‘Mais à quoi tu ressembleras quand t’auras septante ans, toi qui crâne devant nous ?’
J : Tu vois, même sur scène, elles ne nous regardent pas.
B : Oui, même sur scène. Je leur tourne le dos, déjà. C’est un peu un morceau humoristique qui traite de ce sujet. Il est vrai qu’on aime bien faire monter des filles sur les planches.
J : C’est sympa et en même temps génial, d’inviter plein de monde sur l’estrade. Que ce soit des filles ou des mecs. C’est idéal pour mettre l’ambiance. Tu sens les planches qui vibrent. Et il y a toujours un moment dans le morceau au cours duquel ils s’excitent tous. Ils ne savent pas trop à quoi s’attendre, et au départ, il y en a qui ne bougent pas en se disant certainement, ‘Mais qu’est-ce que j’ai fait, pourquoi suis-je monté sur le podium ?’ Mais d’autres ne veulent plus en redescendre.
Toujours dans le cadre du BSF, lorsque vous avez interprété « Gay », une partie de la foule n’a vraiment pas apprécié…
B : Je pense que cette chanson est mal comprise. C’est intéressant que tu nous en parles, parce que notre attaché de presse est homo et au début, il a cru qu’on se foutait de la gueule des gays. Or, le message est totalement contraire. En fait, il raconte l’histoire d’un mec qui en a marre d’être jugé sur sa sexualité. Il l’assume. C’est une chanson pro-gay et pas du tout anti-gay. Mais comme on la chante en anglais sur de gros riffs de grattes, elle n’est pas facile à décrypter.
J : Elle a été mieux appréhendée lors de notre set accordé à Spa, car Baptiste l’a commentée préalablement. Du coup, le public était plus enthousiaste. Lorsque tu ne prépares pas le terrain, tu favorises les amalgames…
Vous adaptez le « Killing in the name » de Rage Against The Machine ; et franchement la version déchire. C’est un titre fétiche ?
B : Nous préparions la tournée des festivals d’été et il nous manquait quelques morceaux. J’avais encore en magasin deux ou trois compos qu’on n’avait pas encore intégrées dans le répertoire. Et on en a conclu qu’il serait chouette d’y insérer une cover, mais pas qui ressemble à l’originale. Sinon, elle n’aurait aucun intérêt. Et c’est lors d’une répète, qu’on a décidé d’attaquer une reprise de Rage Against the Machine, mais en version folk, country et bluegrass. A l’aide de nos grattes en délire. Et comme on a trouvé le résultat sympa, on a décidé le conserver. Et il est vrai que sa transposition ‘live’ marche plutôt bien.
Jo, pendant « Mister Woodman », tu es victime de ta timidité ou c’est de la comédie ?
B : Tu évoques son attitude, lorsqu’il chante sur la reprise de NOXF ?
J : Oui je suis timide. En fait, je ne suis pas chanteur. Mais ce choix relève du délire de Gonzo. On a pensé qu’il serait intéressant d’insérer un passage complètement dingue aux claviers, de plus de 10 minutes, pendant que je distribue des pralines. Puis on a décidé de passer à l’acte. Génial, on va le faire. Et on l’a fait. Au début, je chiais dans mon froc ; et puis finalement, j’y ai pris goût.
B : C’est un moment qu’on adore car on y casse toutes les conventions. Le batteur devient chanteur. Une sorte de crooner à la Sinatra sur un morceau punk pur et dur. Le claviériste exécute un solo de trois notes, les mêmes pendant une minute. Dans notre local, la formule nous faisait bien rire ; aussi, on voulait voir si elle allait avoir le même effet sur le public, en live. Et il a adoré ! Jo se pointe et distribue des bonbons comme si c’était Saint-Nicolas.
Vous avez l’intention de vous produire à l’étranger ?
B : Oui, on a l’ambition de dépasser nos frontières.
J : Bertrand a des contacts en France. Il y a manifestement de l’intérêt. Mais pour l’instant, il est préférable de calmer les ardeurs, au vu du contrat…
Partants donc pour vous produire ‘unplugged’ ?
B : À ce jour, on n’a accordé qu’un seul set dans le style. Mais si on grave un album, on devra accorder des des showcases. Donc en version acoustique. Et il ne devrait y avoir aucun problème, car nos compositions sont basées sur les harmonies vocales. On devra les adapter, mais je suis convaincu que le résultat sera probant.
Lors de votre concert, j’ai constaté l’absence de Vincent. Qui l’a remplacé ?
J : Au départ, il était convenu que certains membres du groupe étaient interchangeables. Il ne faut pas oublier que Gonzo est, à la base, un side project. Certains sont plus difficiles à remplacer que d’autres. Mais Vincent a un agenda particulièrement chargé. Il a donc décidé d’écoler un petit jeune, Max. Il a parfaitement rempli son rôle et il devrait continuer cet intérim, car le projet est en constante évolution...
Baptiste, ton jeu de guitare semble marqué par la country et le bluegrass ?
B : Absolument. Mais il existe des tas d’autres styles musicaux qui m’inspirent. J’aime l’aspect rugueux, direct, ‘plug and play’ de la country et du bluegrass. J’ai assisté à plusieurs shows de Bob Log. C’est le genre de mec qui débarque sur le podium, coiffé d’une espèce de casque d’aviateur. Il dispose d’une grosse caisse, d’une gratte et d’un bottleneck et il commence à jouer du blues hyper speed. C’est un ovni. J’adore ce type d’extraterrestre, parce qu’il injecte un feeling un peu punk là-dedans. Un côté ‘je me plug et j’y vais’. Le son est dégueu ; mais en même temps, c’est ce qui fait sa force.
Quel soin apportez-vous au sens mélodique ?
B : La mélodie, c’est ce qui est le plus important pour moi, quand j’écris une chanson. Je baigne dans la musique depuis longtemps ; et pourtant, lors de projets précédents, il m’est déjà arrivé de proposer des morceaux dont la mélodie n’était pas top. Ce que me reprochaient certains collaborateurs. Il a fallu que je prenne du recul, mais finalement, je l’ai reconnu. La mélodie, c’est le b.a.-ba d’une chanson. Et chez Gonzo, on accorde beaucoup d’importance au sens mélodique.
J : Une bonne chanson, on doit pouvoir la jouer à la sèche. Gonzo, c’est du punk/rock, ça rentre dedans, mais le répertoire est constitué avant tout de chansons.
Apparemment, les States vous inspirent ? Mais êtes vous davantage ‘années punk’ ou ‘années grunge’ ?
J : On est ‘années punk’, mais à l’époque du grunge. C’est-à-dire le skate à roulettes, Bad Religion, NOFX, Pennywise. Le punk qui rentrait… Green Day, c’est la même époque que Nirvana. Perso, je n’aimais pas le grunge. Aujourd’hui, j’ai changé d’avis. Mais ce n’était pas mes premières influences.
B : Oui, c’est vraiment le rock des années 90. On parlait tout à l’heure de Weezer. J’appréciais beaucoup les Presidents of The United Sates. Des trucs plus durs aussi. Deftones, Korn, … et ce type de groupes qui nous ont marqués très fort dans les nineties. Et il est vrai qu’aujourd’hui –on l’a déjà répété lors des interviews, mais c’est un constat– le rock est plus lisse, plus produit, mais dans le mauvais sens du terme. Il a perdu ce côté énergique et crade qui nous plait. Même les artistes qu’on adorait à l’époque, ont fini par sophistiquer leur son.
Plutôt Nirvana ou Pearl Jam ?
B : Je suis fasciné par le personnage d’Eddie Vedder. Nirvana était –je pense– à l’époque, un phénomène de mode. Mais après avoir vu le documentaire vraiment fabuleux consacré à Kurt Cobain, et en me replongeant dans la discographie de ce groupe, je me suis rendu compte qu’il y avait des trucs de dingue. Et d’un point de vue musical. Ta question est difficile. Finalement, les deux formations méritent autant de crédit. Aussi bien pour la face spirituelle d’Eddie Vedder que celle spontanée et crade de Nirvana.
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