En général, Chris Cohen préfère l'ombre à la lumière. En effet, ce Californien (NDR : il est originaire de Los Angeles) jouit déjà d’un sérieux background musical ; et pourtant, il n’est guère notoire. Enfin presque. Car il a milité au sein de l'emblématique Deerhoof. En outre, ce multi-instrumentiste a également tourné en compagnie de Cass McCombs ainsi que d’Ariel Pink. Il n’a, cependant, enregistré son premier elpee solo, "Overgrown Path", qu’en 2012. Et sur le label new-yorkais en vogue, Captured Track (Mac De Marco, DIIV, Wild Nothing). Un disque qui a rencontré un joli succès outre-Atlantique. Mais est passé carrément inaperçu sur le Vieux Continent.
Quatre ans plus tard, Chris Cohen nous propose son second elpee, une œuvre qui suscite, quand même, davantage d’intérêt auprès de la critique. Et franchement, "As if Apart" le mérite amplement. Un disque découpé en une dizaine de plages psyché/rock bien torchées et contagieuses. Lorsqu’elle traverse les nappes de claviers, la guitare libère ses sonorités étincelantes, bourdonnantes ou réverbérées. Et quand les compos deviennent plus légères et paisibles, on ne peut s’empêcher de penser aux Byrds. Un titre comme « Drink From a Silver Cup » en est certainement le plus bel exemple.
Une seule condition pour apprécier « As If Apart » à sa juste valeur/saveur (NDR : sans biffer la mention inutile ? Le réécouter à plusieurs reprises. Tout simplement.
Transparent, ce vinyle rappelle certains bootlegs gravés au cours des seventies. Faut dire aussi que La Muerte pratique un heavy rock alternatif qui n’aurait pas fait tâche d’huile à cette époque ; d’autant plus que ses sources majeures d’inspiration sont puisées chez les Stooges et Motörhead. Un media anglo-saxon a même décrit son blues/rock maniaco-dépressif comme extrême, putride, susceptible de projeter des images de mort, d’addiction et de violence urbaine. Pourquoi pas !
« Murder machine » réunit trois titres sur une seule face, pour une durée de 14 minutes. C’est le groupe qui assure la production, alors que la masterisation a de nouveau été confiée à Aland Douches (Motörhead, Dillinger Escape Plan, Sepultura, etc.)
Marc de Marais affiche trois palettes de son chant sur les trois morceaux. Sa voix est ainsi tour à tour écorchée, démoniaque ou chargée de reverb. Hormis sur une partie de « Je suis le destructeur », les drums sont arides. Quand aux interventions de guitares, elles sont complémentaires. Sur l’échevelé « Whack this guy », l’une crée le riff alors que l’autre s’autorise les soli. « Je suis le destructeur » porte parfaitement son titre. Le riff basique est particulièrement meurtrier et instinctivement, on a envie de taper du pied, alors que la seconde gratte pénètre davantage dans l’univers du psychédélisme voire dans la noisy, tout au long de « Get whipped », une plage imprimée sur un mid tempo.
Mac McCaughan est surtout notoire pour son projet Superchunk, qu’il dirige depuis 1989. Il en a aussi monté un autre, au cours des 90’s, Portastatic. Mais à ce jour, il n’avait jamais encore publié d’album sous son propre nom. « Non-believers » constitue donc son premier véritable elpee solo. Au départ, ce disque devait réunir des inédits, des raretés et des fonds de tiroirs ; mais l’artiste, se rendant compte que ces compos tenaient la route, a décidé de les remodeler, puis d’en ajouter des nouvelles. Avant de les graver sur ce disque. Qui recèle 10 pistes.
Première surprise, ce n’est pas la guitare qui est au centre du jeu de quilles. McCaughan lui a préféré les synthés et la boîte à rythmes. Un peu dans l’esprit de New Order, OMD, Depeche Mode, des groupes qui ont inévitablement marqué sa jeunesse. Et paradoxalement, sur « Lost again », ses arpèges de gratte rappellent ceux dispensés par la basse de Peter Hook. Haut perchée, sa voix colle parfaitement à la musique. Les mélodies sont bien torchées. Et puis le ton est résolument optimiste. Ce qui change radicalement de ses références majeures. Mais c’est lorsque la guitare reprend la main que les plages passent mieux la rampe. A l’instar du bien électrique « Box Batteries ». Plus proche de Superchunk que jamais. Encore que l’ombre de U2 circa « Boys » semble y planer. Ce qui n’empêche pas certaines plages synthétiques de briller. Notamment lorsqu’elles sont très proches de l’esprit d’un Brian Eno (« Your hologram », « Real darkness ») ; mais en général, lorsqu’elles se révèlent trop semblables, elles laissent plutôt sur sa faim…
Les sessions d’enregistrement de « Three men and a baby » ne datent pas d’hier. Flash-back ! Nous sommes en 1998. A l’époque, Mike Kunka milite au sein de GodheadSilo, un duo basse/batterie qui pratique une forme de musique noisy. Alors que la formation est sur le point de se séparer, les Melvins invitent Kunka à les accompagner lors de sa tournée. La collaboration est fructueuse. A tel point que la bande à Buzz Osborne décide de mettre en boîte une dizaine de titres, l’année suivante. La suite de l’histoire est bien plus nébuleuse. Pour une raison inconnue, les morceaux ne sont gravés sur aucun support. Et l’idée semble abandonnée. Alors que les Melvins poursuivent leur route et publient régulièrement leurs propres albums, Mike Kunka participe à différents projets (Dead Low Tide, Enemymine, Smoke and Smoke).
Ce n’est qu’en 2015 que Mike reprend contact avec Les Melvins. L’album est enfin mixé et Sub Pop qui avait financé l’enregistrement à l’époque accepte de sortir « Three men and a baby », 17 ans plus tard.
Dès le premier titre, « Chicken’ndump », on est surpris par l’accessibilité de leur noise/rock/metal. Mike and the Melvins envoie du lourd, ce n’est pas une surprise. La ligne de basse est omniprésente. Ecrasante aussi. Mais les riffs sont accrocheurs. Et puis, surprise, les compos ont concédé de l’espace aux refrains. A l’instar de « Bummer Conversation ». L’elpee recèle des titres plus complexes, comme « Dead Canaries », mais également dispensables, tels « A friend in need's a friend you don't need » ou encore « Art School fight song ». Mais les albums concoctés par la bande à Buzz Osborne sont souvent de la même trempe, soufflant à la fois le chaud et le froid.
Mais finalement, exhumer ce « Three men and a baby » était une bonne idée. Même après autant de temps d’attente. D’ailleurs, il n’a pas pris une ride.
Au cours des eighties, des artistes comme Morrissey ou Edwyn Collins considérait déjà The Monochrome Set comme une influence majeure. Graham Coxon (Blur) et Neil Hannon (The Divine Comedy) le reconnaissent également. L’histoire de ce groupe –un peu intello quand même et drivé par Bid, un véritable Indien– fondé à Londres peut se découper en trois phases. La première entre 78 et 85, la deuxième entre 90 et 98, et suite à une réunion ponctuelle pour accorder un concert unique en 2008, depuis 2010, année à laquelle il s’est reformé. Oscillant entre new wave, post punk, surf, cabaret et pop sixties, sa musique a toujours été un peu atypique. Et souvent même très humoristique. Pourtant particulièrement mélodieuse, elle n’a jamais récolté de véritable succès. Faut dire aussi que les musicos étaient –ou sont encore– des dandys excentriques, dans l’esprit de la célèbre série télévisée ‘Chapeau Melon et Bottes de Cuir’, voire de Monty Python. Références aux images de la TV en noir et blanc, of course !
« Volume, contrast, Brillance… Vol. 2 Unreleased & rare », c’est la suite d’une première compile baptisée « Volume, Contrast, Brilliance : Sessions & Singles », parue en 1983. Elle réunit bien évidemment des démos, des inédits et des raretés, enregistrés entre 1978 et 1991. La pseudo prière bouddhiste « Wisteria » ainsi que « Jack » sont sans doute les plages les plus marquantes de l’opus. Cette dernière, très électrique, mais aux réminiscences britpop, semble hantée par les Doors, nonobstant l’intervention très free jazz du saxophone. Le titre date de 1991, mais la version est tout bonnement époustouflante. Et le reste du long playing vaut vraiment son pesant de cacahuètes.
Il s’agit déjà du 16ème opus de Renaud. Et il est éponyme. Mais il a bien secoué la blogosphère, avant qu’il ne soit publié.
Considéré comme un des artistes les plus prolifiques de sa génération, Renaud avait quitté sa tanière provençale, il y a quelques mois, suite à l’invitation de Grand Corps Malade. Ce qui avait débouché sur la sortie de « Ta batterie », compo qui figure d’ailleurs sur le nouvel elpee.
De quoi évidemment laisser présager un retour du Parisien, dans le creux de la vague, depuis un bon bout de temps.
C’est par « Toujours debout », un titre à la fois vindicatif et à contre-courant, que le chanteur a choisi d’inonder les ondes radiophoniques.
Baignant dans une mélodie très pop dans son approche, il clamait alors haut et fort sa résurrection (une énième) tout en réglant au passage ses comptes avec des paparazzis qui, jamais, ne l’ont épargné.
Le texte, mollasson à souhait, pouvait laissait craindre un contenu du même acabit !
Il n’en est heureusement rien ! Si certaines chansons restent effectivement décevantes comme « La nuit en taule » ou encore « Mon anniv’ », le gaillard n’a pas perdu pour autant de sa verve légendaire pour dépeindre les aspérités de la vie et l’ignominie humaine.
Notamment lorsqu’il dénonce les évènements tragiques récents liés aux mouvements intégristes. A l’instar de « J’ai embrassé un flic » au cours duquel il évoque l’après attentat dont a été victime la rédaction de Charlie Hebdo, à travers la marche du 11 janvier 2015 et « Hyper Casher » qui retrace l’attaque de Vincennes. Les mots rappellent combien le peuple tout entier a souffert de l’imbécillité d’une minorité !
Les faits sociétaux sont dépeints avec autant d’amertume que de mélancolie. La jolie « Petite fille slave » révèle la prostitution à laquelle des filles issue de l’Europe de l’Est doivent se soumettre.
Meurtri au plus profond de sa chair, l’homme affiche une sensibilité à fleur de peau lorsqu’il évoque les siens dans le rétroviseur de la vie. En particulier son fils Malone Séchan sur « Petit bonhomme » (une très jolie ballade) et sa petite fille (« Heloïse »).
De toute évidence très attendu, tant par les fans que la critique, l’album, certes inégal, est de bonne facture !!
Les dix ans de galère qu’il a traversés, contre vents et marrées, n’ont certainement pas altéré son talent !
Contrasté, ce dernier format ne manque pas de piment et marque le retour d’une icône. Même si on l’a connu plus touché et plus inspiré dans le passé ! Le combat est différent, plus timoré ! Et l’ennemi a changé !
Tantôt soutenu par un accordéon, un piano ou une guitare, il chante d’une voix particulièrement fragile. Signe du temps qui trahit des excès en tout genre !
Mais cette imperfection vient à point et renforce davantage le spleen qui coule dans les veines du Sieur. Ce qui rend encore plus bouleversant l’écoute de cette (ultime ?) œuvre !
Alors ‘Docteur Renaud, Mister faiblard’ ? De toute évidence, toujours debout !
Songs for Walter, c’est le projet solo de Laurie Hulme, un Britannique (NDR : il est né à Garstang, mais vit aujourd’hui à Manchester) dont le premier opus éponyme fait suite à deux Eps. Il avoue pour influences majeures Nick Drake, Bill Callahan (Smog), Will Oldham, mais également Sebadoh, Pavement, Neil Young, Sonic Youth, Guided By Voices et même Smashing Pumpkins. Cependant, dans sa musique, ce sont surtout les artistes les plus folk qui semblent inspirer le plus sa musique. Hormis les plus électriques « Useless », le gémissant « The three legged rale » et surtout le sauvage « Dunkirk », c’est flagrant sur le reste de l’opus. La plupart du temps, il joue de la sèche. Et en picking, il se révèle particulièrement brillant. Mais si certaines plages sont pastorales, d’autres sont entretenues par une instrumentation pop/rock conventionnelle. Lo-fi, le plus souvent. Normal, puisque les compos ont été enregistrées entre une chambre à coucher, une salle de bains, un corridor et une cave. Sa voix est haut perchée, aiguë, campant un hybride entre celle de Bon Iver et de Wayne Coyne. Ecrites à la première personne du singulier, ses chansons sont inévitablement autobiographiques. Il parle ainsi souvent de son passé, sur un ton nostalgique (son grand-père, ses souvenirs de vacances, la rencontre de sa future épouse, etc.) Exception qui confirme la règle, « Flowers on the windowsill », qui lorgne carrément vers They Might Be Giants. « Find project » constitue un superbe épilogue. Il y a des cordes électriques. Pas trop, mais suffisamment pour communiquer du peps à la compo. Mais ce sont surtout les cordes acoustiques qui font la différence. Vibrantes, elles échafaudent une véritable ritournelle hypnotique. Un chouette album !
Royal Headache se produisait ce dimanche soir dans la Rotonde du Botanique. Responsable d’un deuxième album baptisé « High », disque plébiscité par la critique, les quatre rockeurs australiens étaient attendus au tournant par les quelques 250 personnes rassemblées dans la coquette salle bruxelloise.
The Animen sert d’apéritif. Un quatuor suisse qui n’hésite pas à colorer son rock’n’roll de country & western, mais aussi d’une touche british (NDR : probablement empruntée à Arctic Monkeys). En ‘live’, le combo libère énormément de puissance. Les musicos sont aussi à l’aise sur leurs instruments respectifs, que dans la communication. Et pendant la quarantaine de minutes qui leur sont allouées, ils vont faire étalage de toute leur classe. Même la sortie est soignée. Une bien jolie découverte…
Royal Headache entre en piste à 21h10. Issu de Sydney, le quartet est réputé pour son punk/rock/garage particulièrement nerveux. Derrière son micro, Shogun est un fameux personnage. Durant l’heure de concert, il va parcourir une distance impressionnante en voyageant de gauche à droite sur l’estrade, spécialement aménagée pour ce qui ressemble à un TOC. En outre, il semble complètement dans le cake. A cause du décalage horaire ou de la consommation excessive de certaines substances ? Difficile à dire. En tout cas, quand il essaye de communiquer avec le public, c’est incompréhensible. Et ce n’est pas seulement dû à l’accent océanien.
Les morceaux s’enchaînent rapidement. C’est une particularité du groupe, il est rare d’entendre des plages de plus de deux minutes trente. L’esprit garage en quelque sorte. Assez tôt dans le concert, « Carolina » résonne dans la serre bruxelloise. Véritable tube issu de son dernier opus, il est repris en chœur par un public peu nombreux mais connaisseur. Le noyau dur des aficionados commence même à se bousculer dès les premières notes d’« Electric Shock ». Le show est lancé.
Royal Headache se balade entre ses deux albums sans réellement suivre un fil conducteur. Heureusement, les compositions restent toutes fidèles à l’attitude belliqueuse du combo.
« Garbage » et « Another World » continuent d’exciter le public avant un entracte imprévu. Le guitariste casse en effet une de ses cordes et il lui faut plusieurs minutes pour la changer. Pendant se temps, les trois autres membres, impuissants, improvisent une chanson. Mais limité à la basse et à la batterie, ce n’est pas une franche réussite. Shogun l’avait de toute façon annoncé.
La gratte réparée, le concert peut se poursuivre au cœur d’une atmosphère de plus en plus festive. Lorsque l’auditoire est constitué de véritables fans, c’est tout de suite bien plus entraînant.
En rappel, le band nous réserve deux morceaux, dont l’explosif « Pity », dernière plage de son premier LP. Les spectateurs en réclament davantage, mais Royal Headache ne cède pas à la pression, estimant sans doute l’heure de prestation suffisante.
Sans faire plus que le nécessaire, Royal Headache a exécuté, ce soir, un show de bonne facture. On aimerait cependant que les musiciens soient un peu plus sympathiques et surtout cohérents. Jouer pour soi ne suffit pas, il faut également penser à son public. Un conseil que la formation aurait intérêt à suivre, s’il veut passer en division supérieure…
The Animen + Royal Headache
(Organisation : Botanique)
Ce samedi 28 mai, se déroule un petit concert sympa, pas trop loin du domicile de votre serviteur. Ce n'est donc pas à dédaigner. Un trajet d’une petite dizaine de minutes en voiture, et il débarque à La Grange. C’est à Casteau. Coffee Or Not revient d’une tournée triomphale, mais épuisante, accomplie en Allemagne et en Italie. C'est sa dernière date.
L’endroit, qui porte bien son nom, a été aménagé en salle de fête par l’ASBL 'C'est Casteau'. Il sert également de local pour les scouts. Y sont concentrées des tas d’activités destinées à redynamiser le village. Des concerts, bien sûr, mais également des ballades à vélo et/ou culinaires, des marches ADEPS ; des brocantes et autres repas caritatifs. Les maigres bénéfices réalisés sont consacrés à l’exécution de quelques travaux dans la salle. Cosy et intimiste, elle peut accueillir une soixantaine de personnes. Le son y est excellent. L’ambiance, familiale, à cause de la proximité entre les artistes et le public. Le début du spectacle est prévu pour 20h30. Il accuse cependant une demi-heure de retard sur l’horaire. En attendant, le public, assis, peut siroter un bon verre.
Coffee Or Not est un trio bruxellois. Il réunit la jolie Soho Grant (chant, claviers, machines), Ranaud Versteegen (guitare, drums, vocaux) et Frédéric Renaux (basse). Le power trio est venu défendre son quatrième elpee, « Everything Is Falling Down », dans son intégralité, un disque paru en janvier dernier.
Coffee Or Not ouvre le set par « A Different Light ». Un timide riff de gratte ouvre la compo. Soho se consacre aux ivoires et au micro. Et remarquable, son chant domine déjà les débats. Lorsqu’il n’est pas préposé aux fûts, Renaud se concentre sur sa six cordes, pour laquelle, il se sert d’un looper. Il passe d’ailleurs d’un instrument à l’autre avec une facilité déconcertante. Et lorsqu’il conjugue sa voix à celle de Mrs Grant, les harmonies deviennent atmosphériques.
Cependant, les compos sont toujours susceptibles de glisser dans l’expérimentation. « Winter Night » (« So Re »), est un titre de plus de 6 minutes. Pas de sèche pour la circonstance, mais une gratte électrique aux accents mélancoliques. Les interventions vocales s’y révèlent davantage profondes. Renaud triture ses pédales. Etonnant, le climat devient de plus en plus ténébreux.
Avant d’attaquer « May I Lay Down ? », le nouveau single Soho signale que le clip vidéo qui lui est consacré a exigé énormément de boulot. Mais que le résultat est vraiment désopilant. Talonnée par les claviers, la guitare, dont les sonorités sont reproduites par la loop, s’emballe. Les deux voix sont bien en phase. Renaud revient derrière la batterie. « Are You Afraid ? » constitue un retour au calme. Avant la tempête ? Les accès de basse dispensés, tout au long de « The Day She Locked Herself Away », deviennent de plus en plus écrasants et poisseux. La ligne de conduite devient manifestement fluctuante. Expérimentale, également. L’ambiance froide, glaciale même. Heureusement, les interventions de Soho aux ivoires, ainsi que sa voix éthérée, finissent pas apaiser l’expression sonore.
Après un interlude de 26 secondes (« All The Voices Disappeared »), « Nottingham » nous replonge dans le spleen. Une atmosphère au sein de laquelle baigne manifestement le nouvel opus. Un elpee moins dansant et plus aventureux. Ce qui ne semble pas déplaire à l’auditoire.
Les deux versions de « Lightweight » se succèdent. Un drone ( ? Hélico ?) atterit dans la salle. La musique épouse un profil à nouveau expérimental et torturé. De nouveau, la gratte ainsi que les claviers s'enflamment. Et on a parfois l’impression de frôler l'univers tourmenté et obscur d’Archive (NDR : pas étonnant que Soho voue un grand respect au collectif londonien). Et « What Took You So Long ? » clôt le concert. Enfin, pas tout à fait, puisque le band va nous accorder deux rappels au cours desquels, il va notamment accorder le radiophonique « Lush » (« SoRe ») ainsi que « City Burning ».
Coffer or Not ne se produit pas souvent en Belgique. D’ailleurs, dès septembre, il repart en tournée à l’étranger. Sans doute que le café y est encore plus corsé…
(Organisation : C'est Casteau A.S.B.L)
Deux semaines après la sortie de son deuxième album studio, Eagulls est venu le défendre, au VK de Bruxelles. Toujours ancré dans le post-punk, les nouvelles plages d’« Ullages » sont plus mélodiques mais moins énergiques qu’auparavant. Si ce changement témoigne clairement d’une plus grande maturité, la réussite d’une épreuve en ‘live’ confirmerait ces excellentes dispositions. Ce sont les deux cents personnes réunies au sein de la coquette salle de Molenbeek qui en seront les seuls juges.
99 Watts assure le supporting act. Agé d’une quarantaine d’années, l’artiste monte sur les planches. Il est seul et ne s’aide que d’une guitare et d’un synthé. Apparemment, ce serait le chauffeur du van de la formation de Leeds. Pendant une trentaine de minutes, il va proposer une musique d’ambiance sans réel intérêt, si ce n’est de préparer l’invasion des aigles…
A 21h10, les cinq compères d’Eagulls grimpent sur l’estrade. Ils affichent un look plutôt sobre, quoiqu’un peu old school. Les premiers coups de batterie amorcent « Lemontrees », premier single du dernier elpee. Le rythme est assez entraînant et le refrain efficace. Le son est dense. Une recette qui fonctionne toujours bien. La voix caverneuse de George Mitchell nous plonge dans un climat spécifique aux nuits underground qui ont marqué les années 70-80. D’ailleurs, le fantôme de Ian Curtis doit certainement rôder dans la salle.
Morceau phare du premier effort du band, « Tough Luck » ne nous accorde guère de répit. Le micro en main, Mitchell semble vaciller. Serait-ce dû à la bouteille de vin presque vide qu’il a dans l’autre ? Possible, mais quoique âgé de 27 ans, le chanteur semble vraiment débarquer d’une autre époque. Extrêmement mince, il est vêtu d’un long manteau brun et un pantalon légèrement trop étroit. Un personnage à part, mais qui possède une voix en or.
Trois chansons plus tard, le groupe lance les premières notes de guitare de « My Life In Rewind », un autre single. Plus proche cette fois-ci des Smiths que de Joy Division, le titre parcourt des horizons jusque là inexplorés par le groupe. La ballade est plus nerveuse que sur disque et satisfait complètement alors qu’elle parait parfois un peu trop paisible dans les écouteurs. Le choix d’enchaîner par « Euphoria » est parfait. Après le calme (relatif…) vient la tempête ; et elle sera particulièrement ravageuse. Certainement le sommet d’« Ullages », ce titre secoue complètement l’assistance grâce à la ligne de basse percutante et au refrain héroïque.
Jolie surprise, le combo s’attaque à la reprise du « Seconds » de The Human League. Un morceau iconique du début des eighties qu’il s’est complètement réapproprié en le rendant plus sombre mais également plus complexe. Une belle réussite qui a le don de plaire aux mélomanes nostalgiques, qui peuplent le VK.
Après quelques extraits d’« Ullages », le concert s’achève par le morceau le plus notoire du quatuor, « Possessed ». Quelques réminiscences pop jaillissent du refrain basique de cette composition entonnée par une grande partie de l’auditoire (‘I’m possessed’). Il est connaisseur ce soir ; certaines personnes sont même venues de Suisse pour l’occasion ! Après un dernier hurlement expulsé par Mitchell, le band vide les lieux ; et, malgré plusieurs minutes passées par la foule à le réclamer en rappel, il ne reviendra pas.
Considéré par votre serviteur comme le meilleur groupe de post-punk actuel, Eagulls n’a pas déçu en ‘live’. Bien sûr il n’y a guère d’interaction entre les musicos et le public ; mais la formation insulaire parvient à créer une atmosphère tellement particulière qu’elle semble hors du temps. Les esprits chagrins lui reprocheront certainement d’avoir négligé certaines chansons majeures comme « Footsteps » ou « Amber Veins » ; mais il faut reconnaître que la barre était placée très haut lors de ce concert. En espérant de pouvoir vivre d’autres aventures de ce genre…
Setlist :
Lemontrees
Tough Luck
Yellow Eyes
Nerve Endings
Heads or TailsMy Life In Rewind
Euphoria
Seconds (The Human League cover)
Skipping
Velvet
Blume
Possessed
(Organisation : Vk)
Quelle galère pour se rendre à Anvers en voiture ! Ce mardi 24 mai, de Grand-Bigard à Anvers, on enregistre pas moins de 2h30 de bouchons. Mais votre serviteur n’est pas au bout de ses peines. Et pour cause, le parking du Sportpaleis est réservé aux VIP. Or les autres sont fermés. Les automobilistes sont donc refoulés à plus de 4km du point de chute prévu. Sous les arches de l'autoroute. Et à l’issue du concert, en reprenant sa voiture, il faudra encore patienter deux longues heures avant de pouvoir reprendre la route.
Bref, en rentrant dans l’immense hangar, on est épuisé mais satisfait de pouvoir enfin vivre le concert de Mumford and Sons, actuellement en tournée mondiale. Et il est sold out comme pratiquement toutes les autres dates.
La bande à Marcus est venue défendre son troisième opus, « Wilder Mind », paru l'année dernière. Le groupe va nous y présenter de larges extraits de cet LP, mais également des deux précédents, « Sigh No More » (2009) et « Babel » (2012).
Bill Ryder Jones est chargé du supporting act. Né en 1983, cet artiste est originaire de West Kirby Liverpool. Il vient nous présenter son nouvel elpee « West Kirby County Primary », paru en novembre 2015. Entre 1996 et 2008, il drivait The Coral, un combo qu'il a quitté pour embrasser une carrière solo. Ce jeune prodige est chanteur/compositeur. Mais surtout multi-instrumentiste. Il joue aussi bien de la gratte, du piano, de la basse, de la batterie, du violon, de la trompette, du ukulélé, du glockenspiel que de l'harmonium. Ce soir, il se contentera du chant et de la guitare. Sur les planches il est flanqué d’un second sixcordiste, d’un bassiste, d’un drummer et d'un préposé aux ivoires.
Folk/rock, sa musique est –ma foi– plutôt traditionnelle. Bill tente de communiquer ses émotions à travers sa voix, mais elle est trop étouffée par l’instrumentation. Déjà que le son est rarement irréprochable au Sportpaleis, mais quand il s’agit des premières parties, il se révèle le plus souvent pitoyable. Bref, vu le talent de cet artiste, il serait intéressant de le revoir dans des conditions un peu plus décentes… (pour les photos c’est ici)
Après tout, le peuple est venu participer à la fête organisée par Marcus Mumford et ses acolytes. Mumford and Sons est un groupe de folk/rock londonien, fondé en 2007. Le groupe réunit Marcus Mumford (chant, gratte électrique ou acoustique, drums), Ben Lovett (voix, clavier, piano, synthétiseur), Winston Marshall (voix, guitare électrique, banjo) et Ted Dwane (voix, basse, contrebasse). Le combo a publié son premier LP, « Sigh No More », en 2009, disque qui lui a permis de décrocher un gros succès tant au Royaume-Uni qu’aux Etats-Unis. Et puis d’enchaîner les concerts. Il est également apparu dans plusieurs émissions TV célèbres, comme ‘The Late Show’ de David Letterman. Et ses chansons servent d’ailleurs de B.O. pour différentes séries télévisées.
Evidement, le show s’ouvre par « Snake Eyes », un extrait du dernier elpee. Et dès « Little Lion Man » (« Sigh No More »), l’ambiance monte d’un cran. La foule reprend en choeur le refrain en compagnie des artistes. Des claviers introduisent en douceur « Below My Feet ». La voix de Marcus est caverneuse. Il se déchaîne sur sa semi-acoustique. Quand il ne frappe pas dans les mains, le public se lève et commence déjà à jumper. Finalement, on retrouve le même engouement qu’en 2013, au même endroit. Le son est au top. C’est une bonne nouvelle. Le light show est grandiose. Et de couleur bleue, il enveloppe les musicos, tout au long de « Wilder Mind », le titre maître du nouvel LP.
La foule est à nouveau debout pour reprendre en chœur le refrain de « Lover Of The Light » (« Babel »). Marcus est monté sur une estrade pour siéger derrière ses fûts. Winston –un chevelu– a empoigné son banjo. Des cuivres s’installent à droite du podium. Et un violoniste vient compléter la troupe pour accentuer l’aspect mélancolique de la chanson. Winston a repris sa gratte électrique et s’autorise des riffs dignes de The Edge sur « Tompkins Square Park ». Et pour « Believe », Marcus troque sa sèche contre une électrique. Lorsqu’elle est plus rock, la musique de Mumford & Sons lorgne manifestement vers celle de Bruce Springsteen. Marcus arpente régulièrement les planches de gauche à droite (NDR : ou de droite à gauche, selon !)…
Country/folk, « The Cave » (« Sigh No More ») met en exergue le banjo. A cet instant la foule a définitivement des fourmis dans les jambes. Pendant « Ditmas », Marcus prend un solide bain de foule. Il traverse même la fosse de long en large. Il serre les mains des spectateurs aux balcons avant de revenir sur les planches. Et le set de s’achever par « Dust Bowl Dance » (« Sigh No More »), un morceau illuminé par les ivoires. Marcus a repris place derrière la batterie. Le banjo de Winston est magique. Une belle soirée qui ne fait que commencer.
Et pour cause ; la formation va nous réserver un rappel de 7 titres ! D’abord a capella. Pour « Timshel » et « Cold Arms ». Et sans amplification ! Sur une petite estrade placée derrière la table de mixage, en station debout. Un intermède au cours duquel le quatuor est éclairé par des lumières de couleur blanche émanant du plafond. Sans doute le meilleur moment du set. Le band revient sur le podium à partir de « Hot Gates » (« Wilder Mind »), un folk indolent. Une nouvelle compo : « Forever ». Avant que ne débarquent le groupe Bill Ryder Jones au complet pour la reprise du « You Really Got Me » des Kinks. Une version à faire pâlir de jalousie le Boss. Le public est en délire quand la formation nous réserve « I Will Wait » ; et le show prend définitivement fin sur « Wolf ». Ne reste plus qu’à penser à la longue route du retour. Cette soirée, votre serviteur l’attendait depuis trois longues années. Et il n’a pas été déçu, même si « Wona » ne figurait pas dans la set list. Faut dire que Baaba Maal ne s’était pas déplacé à Anvers pour participer à la fête... (pour les photos, c’est là)
(Organisation : Live Nation)
Les Nuits Botanique 2016 se sont refermées –enfin presque, car en vérité, elles vont jouer sporadiquement les prolongations jusqu’au 7 juin– ce mardi soir lors d’un spectacle devenu quasi-traditionnel : le concert accordé dans le cadre solennel de la cathédrale des Saints Michel et Gudule. Cette coproduction Botanique / Le Manège.mons / Musiques Nouvelles traduit la volonté des initiateurs du projet, Paul-Henri Wauters (Botanique) et Jean-Paul Dessy (Musique Nouvelles), de permettre la rencontre entre artistes issus de mondes différents, autour de la musique classique.
Un imposant podium a été installé à l'avant de l'hôtel, en plein centre de la cathédrale. Dès que les instruments à cordes prennent leur envol, l’auditoire est plongé au cœur d’un univers magique, celui de Roland de Lassus. Ce Montois, honoré ce soir, était un des musiciens européens les plus notoires, au XVIème siècle. C'était même une véritable ‘star’, dont les chansons se sont transformées en ‘hits’, à l'époque. Sonic Lassus cherche à restituer sa musique telle qu'elle était jouée et chantée de son vivant ; mais aussi, et à l’aide d’arrangements contemporains, la rend disponible auprès d'artistes issus du monde de la pop. Créé à Mons le 4 octobre dernier, ce spectacle trouve ici un nouvel écrin –et quel écrin !– dans la sublime cathédrale gothique.
C'est d'abord Mina Tindle, une chanteuse française, qui s'avance au devant de la scène pour interpréter « La Nuit froide et sombre » soutenue par l'ensemble. De son vrai nom Pauline de Lassus, elle nous confiera après le concert être en effet une descendante en ligne directe du maître : ‘C'est en partie pour cette raison que les coordinateurs du projet m'ont contactée’. Très belle et douce, sa voix évoque Cat Power. Et on tombe sous son charme. Les harmonies et le chant affichent un petit coté médiéval, qui est renforcé par le son si caractéristique du luth.
C’est ensuite au tour de Daan, chanteur flamand bien connu au Nord de la Belgique, de donner corps à une chanson de Lassus : « Qui dort ici ». Affublé de ses inséparables Ray-Ban, Daan s'agrippe au micro à l’aide de ses mains, concentré sur une mélodie qui ne correspond pas vraiment à sa voix plutôt ‘rock’. Par contre, celle –fragile, plaintive, enchanteresse– de Laetitia Sheriff, une chanteuse/bassiste française, émerveille tout au long de « Qui Veut d'amour ». Tel un jeune choriste timide, celle de Baptiste Lalieu, alias Saule, se révèle limpide et touchante sur « Fleur de 15 ans ». Fùgù Mango clôture la première série de chansons en proposant une version rythmée de « Je l'aime bien ». Les frères Lontie et Anne Fidalgo ont entraîné leur batteur, l'excellent Sam Gysel, dans l’aventure ; et c’est devenu une bonne habitude –à l’instar de leur set accordé sous le Chapiteau des Nuits Bota– les Bruxellois mettent l'ambiance, ici à travers un madrigal aux accents tribaux! Irrésistible !
Retour au calme grâce aux harmonies vocales de l'ensemble français Ludus Modalis, suivies par un slam étonnant du Belge d'origine congolaise, Pitcho. Sur « Psalmi Poenitentialis », il a écrit un texte bouleversant, qui résonne comme un cri dans les travées de l'église. Encore un moment fort du spectacle.
Les premières notes diffusées par les grandes orgues de la cathédrale ont de quoi faire sursauter. Il faut lever la tête, car ces orgues sont accrochées à la paroi, au-dessus de la nef. L'organiste, Xavier Deprez, improvise sur « Principium » et « Suzanne Un Jour ». Un véritable tour de force, mettant en valeur toutes les sonorités de l'instrument, jusqu'aux dissonances les plus étonnantes (NDR : elles ne manqueront d’ailleurs pas d’amuser les musiciens sur scène).
Après un nouvel a capella, le programme se poursuit et au moment de « Parents sans amis », interprété par Daan, on sent que le dénouement est proche. Le rythme des violons enfle et le carillon tubulaire du percussionniste résonne. Tous les chanteurs, qui étaient assis derrière l'ensemble, se lèvent et chantent à tue-tête lors d’un final collectif époustouflant. Jean-Paul Dessy murmure ensuite en souriant : ‘C'est fini !’.
De retour sur terre, on a bien conscience d'avoir assisté à un spectacle exceptionnel, non seulement parce qu'il s'agit d'une création belge quasi-unique mais aussi parce qu'il transcende les frontières entre les musiques. Concert liturgique, multiple et incantatoire, Sonic Lassus nous a permis de vivre un superbe voyage sonore, doublé d’un florilège musical mystique…
Jean-Paul Dessy nous a confié être en contact avec des organisateurs et des programmateurs pour donner une suite à ces concerts exceptionnels. Qui sait, peut-être, pour vivre une tournée des cathédrales françaises ? A bon entendeur....
(Organisation : Botanique / Le Manège.mons / Musiques Nouvelles / ADAMI / Fondation Mons 2015 / De Concert ! / Festival de Wallonie-Hainaut)
Lieutenant est un groupe issu de la Cité Ardente. Un quintet drivé par le chanteur/guitariste, Laurent Van Ngoc. Le line up est complété par le clarinettiste Vincent Hargot, le drummer Pierre Mulder et la violoniste Anne-Claude Dejasse, qui a remplacé Pauline Van Ngoc depuis juillet 2014. En ‘live’, le combo implique trois autres instrumentistes : la violoncelliste Aurélie Potty ainsi que les violonistes Damien Chierici et Arno Polet (alto). De quoi former une solide section de cordes. Le band a publié un premier Ep, début 2013.
En gravant « Au Coeur de L'Arène », Lieutenant a voulu faire un tir groupé, puisque douze compos de l’elpee (NDR : dont les dessins illustrant le livret ont été réalisés par le drummer, Pierre Mulder) sont répercutées à travers un bouquin réunissant autant de chapitres, signé par Philippe Lecrenier et illustré par Pierre Mulder, à travers le même nombre de peintures. Les musiciens s'intéressent vivement à toutes les formes d'art (littérature, cinéma et arts plastiques) ; ce qui constitue une source constante d'inspiration. Un projet autant ambitieux qu'audacieux. Mathias Malzieu, le leader de Dyonisos, monte régulièrement ce type de projet.
A l'origine, la formation puisait ses influences dans le folk et la pop acoustique. Et notamment chez Belle and Sebastian ainsi que King of Convenience. Simon and Garfunkel également, mais eux sont américains. Les lyrics étaient alors torchés dans la langue de Shakespeare. Mais au fil du temps, c’est celle de Molière qui a pris le dessus. Afin de mettre des mots pour marquer les émotions et donner un sens à l'ensemble. Et puis, l’expression sonore s’est également teintée de jazz et de classique…
Découpé en 13 pistes, l’elpee a bénéficié du concours de Thomas Belhom (Tindersticks, Calexico) à la mise en forme. Le disque ressemble à une bande dessinée : un montage et une succession de petites histoires racontées comme un 'Marvel Comics' réaliste, qui traitent de sujets comme l'isolement, le désespoir, la solitude ou la peur. Conceptuel, « Au Coeur de L'Arène » est un peu une fable contemporaine qui raconte l'histoire de Victor, un marionnettiste, ivre de liberté, vivant dans un monde imaginé par Georges Orwell.
Contrebasse ronflante, clochette et accords d’ivoires agressifs alimentent « Paradis Perdus », la plage qui ouvre le long playing, avant que la basse n’impose toute sa gravité.
La fumée envahit le cerveau comme une fumée de cigarette. Nous sommes « En tête à tête ». Une question se pose 'Est-ce que tu veux jouer le jeu ? '
Sur fond de gratte, « Ecume » est exécuté en slam. Superbe !
C’est « L'Ame En Bandouilière » que le capitaine de vaisseau conduit l'embarcation pour la suite du voyage, de plus en plus torturé...
« Tout Est Ecrit » baigne au sein d’un climat à la fois manouche et balkanique. Cordes imposantes et chœurs mettent le cap vers l’Est. Soudain, un combat éclate entre ces cordes et la clarinette, mais personne n'en sort finalement vainqueur. Un conflit qui reprend sur « Océan de pluie ». A cause des percus sauvages. Avant que le violoncelle ne remette de l’ordre dans un univers sonore plutôt symphonique.
Nous sommes au bord du précipice sur « Manège De Fin Du Monde », peut-être afin de tomber sur l’« L'Epine Au fond Du Coeur » léguée par un certain Serge Gainsbourg.
Des sonorités distordues envahissent « Interlude ». Le spectre de Bertold Brecht rôde. Les ivoires entretiennent une atmosphère propice à la « Peur ». Avant de reprendre la route des Balkans.
« Millions De Corps Solitaires » est une compo qui remonte à plus de 5 ans. Et elle figurait sur l’Ep d’un projet précédent, baptisé We Have Souls. Ecrite dans la langue de Shakespeare, elle a été traduite en français.
Une lueur d’espoir renaît. On aurait retrouvé le « Paradis Perdus Acte II ». Avant de revenir vers « Le Coeur De l'Arène », dénouement de ce concept album.
Feu Walter Shakey Horton est surtout connu sous son sobriquet ‘Big Walter’. Il est considéré comme un des plus grands harmonicistes de blues. Originaire du Mississippi, il a vécu de nombreuses années à Memphis, dans le Tennessee. Il avait enregistré pour le label Sun de Sam Phillips. Dans les années 50, il s’est établi à Chicago, la capitale du blues urbain. Les responsables du label de Washington, Ellersoul Records, ont pris l'excellente initiative de publier un recueil pour rendre hommage à ce musicien talentueux. Et il s’intitule "Blues for Big Walter". De nombreux musiciens ont participé aux sessions d’enregistrement de cette compile. Certains sont notoires, quelques uns le sont un peu moins, et d’autres encore sont franchement méconnus. Né en 1921, Walter Horton est décédé en 1981. Il était à peine âgé de 60 ans.
"Someday" est une ouverture royale, un shuffle torride alimenté Kim Wilson à l'harmonica, Bill Stuve à la basse, Bob Welsh au piano ainsi que le jeune Jon Atkinson (NDR : c’est le leader des Silver Kings), au chant et à la guitare. Excellent ! Deux plages témoignent du passé glorieux de Walter ; et elles sont exécutées par Bob Corritore, harmoniciste issu de Phoenix. "She loves another man" remonte à 1992. C’est Jimmy Rogers, le mythique guitariste du Muddy Waters Band qui y chante et joue de la guitare. Dans le même rôle, Robert Lockwood, le contemporain de Robert Johnson, se réserve "Rambling on my mind". Le vétéran Henry Gray siège derrière le piano, pour cette plage qui date de 2001. Mark Wenner, le leader intemporel des Nighthawks de Washington se consacre au micro sur les classiques "Worried life" et "Walking by myself". Il souffle comme lorsqu’il était au sommet de son art. Un bel hommage ! Steve Guyger (NDR : originaire de Philadelphie, cet harmoniciste a régulièrement côtoyé Jimmy Rogers ; et même jusque sa mort, en 1987) adapte deux plages. Tout d’abord "If it ain't me", puisé au sein de sessions réalisées en Finlande. Puis "Little Boy Blue", au cours de laquelle sa voix manifeste énormément de vécu. Natif de San Francisco, Mark Hummel est un des harmonicistes contemporains les plus talentueux. Il se révèle bouleversant tout au long de "Hard hearted woman", pour lequel il reçoit le concours de Bob Welsh au piano, et l'instrumental "Easy", de Sue Foley et Shorty Lenoir, aux guitares. Le « Sugar Ray medley » constitue certainement le plat de résistance de cette compilation. 18 minutes quand même ! Sugar Ray Norcia est préposé au chant et à l’harmonica, Anthony Geraci au piano et Mike Welsh à la guitare. Et le résultat est tout bonnement brillant ! Inconnu au bataillon, Andrew Alli est un jeune musicien qui nous vient de Richmond, en Virginie. Agé de 27 ans, il drive son groupe Mainline. Il excelle tout au long de "Evening shuffle" et "Easy II". Li'l Ronnie Owens est l’harmoniciste maison du label Ellersoul. Il participe à trois pistes, dont l’incontournable "Need my baby". Et soutenu par le gratteur Terry Garland, il se montre intenable sur "Think Big"…
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