Lorsqu’un soir, votre serviteur annonce à sa compagne ‘Chérie, je te laisse ... je vais voir Queen à Bruxelles’, elle a du mal a vous croire. Et pourtant, c’est bien ce qui s’est produit ce mercredi 15 juin. Enfin, afin de ne pas froisser les puristes, qui estiment que la nouvelle formule fait pâle figure, il faut préciser que l’affiche spécifie quand même que ce qui reste de la légende est renforcé par la présence d’Adam Lambert.
Mais qui est cet Adam Lambert ? Un chanteur qui a tapé dans l’oreille de Brian May, lorsqu’il avait adapté le classique "Bohemian Rapsody ", dans le cadre de l’émission télévisée ‘American Idol’ (NDR : c’est dans le style de ‘Nouvelle star’ !), au cours de laquelle il était candidat, en 2009. A l’âge de 33 balais (NDR : l’âge du Christ !) Ce qui lui permet aujourd’hui d'accompagner les deux membres originels de Queen, Brian May et Roger Taylor. Qui bénéficient, en outre, du concours du fils de ce dernier, Rufus Tiger Taylor (percussions), de Neil Fairclough (basse) et Spike Edney (claviers).
Et pour ne pas se voir reprocher d’usurper le patronyme de Queen, May et Taylor ont pris soin de baptiser la tournée, ‘Queen + Adam Lambert’. Qui aurait déjà dû passer au même endroit l’an dernier, mais dont le spectacle avait été annulé, pour cause de… grippe. Ce soir, toute l’équipe est bien décidée à offrir au public, multigénérationnel, un concert haut en couleurs et en émotions.
Tout au long du set, vous vous en doutez, le spectre de Freddie Mercury va planer. Car régulièrement, le regretté va (ré)apparaître sur un écran géant, et tout particulièrement durant le somptueux "Love Of My Life" ainsi que l'intemporel "Bohemian Rapsody".
Sir Brian May, dont la crinière devient de plus en plus grisonnante, prend la parole à de nombreuses reprises. Et il s’exprime dans un français presque parfait ! Le concert va parcourir la monumentale carrière de Queen en une vingtaine de morceaux, dont la plupart figurent sur la dernière compilation "Queen Forever", parue en novembre 2014. Une set list dont on épinglera "Somebody to love", "Love Of my Life" (voir la video ici), "Save Me" ainsi que "Crazy Little Thing Called Love".
La scène est immense. Des passerelles donnent accès à une seconde estrade au centre de la fosse. Tout est mis en œuvre pour en mettre plein les mirettes aux 15 000 spectateurs. L'écran géant (NDR : et le mot est faible !) diffuse également des images en direct. Des images qui ne sont pas avares en effets spéciaux. Sans oublier le light show (NDR : impressionnant, vous vous en doutez également), la fumée, les lasers etc. Et le son est quasi-parfait. Adam Lambert change de tenue à plusieurs reprises (veste brillante et cloutée, bottes hautes à talons dorés). Il met tout en œuvre pour séduire l’auditoire. Et s’il n'a certes ni la carrure, ni le charisme de Freddie, force est de constater que sa voix androgyne assure sur une grande majorité des morceaux, même si son rôle est à double tranchant.
Aucun temps mort durant les 2h20 d’un spectacle qui, a contrario de ce qu’on aurait pu penser, se veut moderne dans son approche du répertoire classique de Queen.
Chaque musicien aura droit à son moment de gloire. Brian May, à la guitare, bien sûr. Mais malgré son doigté légendaire, il trahit quand même quelques petits dérapages (in)contrôlés. N’empêche, nonobstant ses 67 ans, sa maîtrise est encore toujours aussi spectaculaire. On assistera également à une ‘battle’ entre le père et le fils Taylor aux drums. Un duel qui précède l’incontournable "Under Pressure", au cours duquel Roger va se réserver les parties de David Bowie, aux côtés d'Adam Lambert campant Mercury.
Un May qui attaque le "Love Of My Life" en solo, en compagnie du public, mais aussi de Mercury, qui apparaît sur l’écran géant, comme par enchantement. Roger Taylor, 65 balais, barbe blanche et Ray-Ban s’impose enfin en chantant "It's a Kind Of Magic", dont il est l'auteur/compositeur.
Pendant "Who Wants To Live Forever" une splendide boule à facettes descend progressivement sur le deuxième podium, sous Adam et Brian, propageant des lasers à travers tout le Palais12.
Place au rappel. Les lumières restent allumées. Comme en début de spectacle, l'emblème de Queen squatte les écrans. Adam Lambert et les musiciens reviennent quelques minutes plus tard. Ce dernier, à l’instar de Freddy Mercury –lorsqu’il était encore de ce monde– est coiffé d’une couronne. Une manière de rendre un ultime hommage au roi. "We Will Rock you" et "We are The Champions" terminent le show sous une pluie de confettis.
Ce concert était tellement attendu, aussi bien par les jeunes que les moins jeunes ; et il pourrait bien s’avérer l’ultime accordé par Queen en Belgique.
(Org: Next-Step - AJA concerts)
Le Sludge est un dérivé du Metal. Il emprunte des sonorités au Doom, au Punk ainsi qu’aux premiers jours du Hardcore et du Grunge. Un style lourd, lent, incroyablement puissant et au feeling mélancolique. Mais quand on s’intéresse au Sludge, on ne peut s’empêcher de penser à Crowbar, un des pères du mouvement. La formation néo-orléanaise sillonne régulièrement les routes américaines et européennes ; et sa dernière tournée transitait par la Belgique. Un périple destiné à célébrer le vingtième anniversaire de la parution de son elpee, ‘Broking Glass’. L’occasion de rencontrer Kirk Windstein, la figure de proue de Crowbar, afin d’aborder l’actualité du groupe, son passé et ses perspectives futures.
Une certitude : les Américains ont emporté dans leur sillage, en ce mois de mai, la chaleur de la Louisiane. C’est donc sous un soleil de plomb, en plein quartier industriel d’Hasselt, face au Muziekodroom, que nous nous sommes donné rendez-vous avec le manager du groupe. À l’heure pile, un homme à la carrure impressionnante, casquette vissée sur le crâne et chaussé de lunettes fumées (NDR : de rigueur), vient à ma rencontre et m’entraîne à travers les dédales du club. Nous débarquons finalement dans une salle entourée de murs en briques, meublée d’une table centrale, autour de laquelle se restaurent une dizaine de personnes. Certainement des roadies. Kirk Windstein se retourne, me tend la main et m’invite à prendre place à ses côtés. « N’hésite pas à parler fort », me confie-t-il, « Je suis un peu sourd de l’oreille gauche et il y a beaucoup de monde ».
En vingt-sept ans de carrière, Crowbar a publié pas moins de dix albums studio ; et le dernier en date, ‘Symmetry in Black’, remonte à 2014. Y aurait-il du neuf dans le pipeline ? « En effet, aujourd’hui nous disposons de dix nouveaux morceaux. La musique a déjà été entièrement mise en boîte ; et il ne reste plus qu’à écrire les paroles », explique Kirk, avant de poursuivre : « Quand on rentrera de la tournée, je me poserai quelques jours, puis je rentrerai en studio afin d’enregistrer les parties vocales. On pourra ensuite mixer le tout. Je pense que le disque devrait être disponible vers le 30 septembre. On est vraiment impatient de le voir sortir… »
Une carrière musicale, dont la longueur n’est pas synonyme de statu quo, mais bien d’une perpétuelle remise en question. Tant et si bien que, ‘The Lord of Riff’ (NDR : c’est également son surnom) confesse au sujet de ce nouvel LP : « On peut s’attendre à quelque chose de plus old-school que sur les précédents. De plus dénudé, de plus concret. Une sorte de version moderne de sonorités de ce style. Tu sais, on a pas mal évolué au fil du temps. J’ai dernièrement réécouté nos plus anciens morceaux, mais également des groupes qui nous ont influencés à l’époque, comme Type O Negative, The Melvins, Carnival in Coal, Trouble, etc. Ce qui m’a mis en condition pour écrire des compositions plus old-school, comme je te le signalais. Je suis vraiment impatient de voir ce que ça va donner ! »
Bien que le combo ait, au départ, affiché plusieurs patronymes (Shell Shock, Aftershock, Wrequiem, The Slugs), avant d’opter définitivement pour celui de Crowbar, Kirk Windstein a toujours été l’homme aux manettes. C’est son band ; et les musiciens qui l’entourent, aussi interchangeables soient-ils, se contentent de l’accompagner. Une création musicale qu’il a pu, au fur et à mesure, imprégner d’une empreinte facilement reconnaissable. « J’écris aussi les paroles, mais je les ajoute toujours en fin de processus », explique-t-il. « Je me focalise généralement sur les sessions d’enregistrement des instruments. Jusqu’au jour où je me rends compte que –merde !– j’ai encore des lyrics à me taper. Les paroles sont très spontanées ; ce sont les idées qui me préoccupent au moment même. Et comme toujours, dans ces périodes de rush, ma femme se tient prête à prendre note des idées qui me traversent l’esprit », admet-t-il, en adressant un clin d’œil à Robin, son épouse, qui nous a rejoints depuis quelques minutes. S’il fallait retracer l’histoire de Crowbar, la rencontre des deux metalheads serait certainement à marquer d’une pierre blanche. « Ma vie a beaucoup changé depuis que j’ai croisé Robin ». C’est notamment ce coup de foudre qui a motivé son départ du supergroupe Down, il y a maintenant trois ans. Une décision mûrement réfléchie, ne souffrant pas d’une ombre de regret de sa part : « J’apprécie encore plus la vie qu’auparavant. Je nous donne simplement plus de temps et j’évite d’être sans cesse sur la route. On a trouvé un équilibre qui fonctionne assez bien. Tu sais, notre formation bourlingue quand même pas mal, et accumule donc des tas de concerts. Vivre en tournée, c’est un job en soi. Actuellement on est en plein dedans, et on récolte un peu d’argent grâce à ces spectacles ainsi qu’au merchandising. Un peu comme si c’était du ‘family business’ ; et il fonctionne bien ».
Sans grande surprise, il paraît que Down imposait aux musicos un rythme de croisière assez éreintant. « Je sentais bien que mon départ allait de toute façon arriver. On n’arrêtait pas de tourner et on n’avait plus aucun moment de répit. C’est peut-être ce qu’ont ressenti également d’autres gars du groupe : Pepper Keenan est aujourd’hui de retour dans Corrosion of Conformity, Jimmy Bower roule sa bosse chez EyeHateGod et Phil Anselmo recommence son projet Superjoint ». L’occasion ici de revenir sur le cas ‘Anselmo’. En effet, fin janvier 2016, l’ex-homme fort de Pantera, passablement éméché, s’était autorisé, en clôture de sa prestation, d’un salut nazi suivi d’un ‘White Power’ fort peu élogieux. Un triste évènement qui a marqué la scène Metal. Reconnaissant ne pas avoir été dans son état normal lors de ce dérapage, Anselmo a finalement pris la décision de faire un pas de côté, pendant quelque temps. « Tu sais j’aime beaucoup Phil et c’est un bon ami à moi et… [Kirk paraît très embarrassé]. Personnellement, je le connais depuis ses quatorze ans et ce mec n’est pas un raciste. Je ne comprends pas très bien pourquoi il a dérapé… [Robin mime à côté de nous quelqu’un qui boit une bouteille au goulot]. Ouais ça doit surtout provenir de là… Mais bon j’évite de parler de cet épisode. Il était apparemment saoul, mais ce n’est pas une excuse. En tout cas, ce comportement ne ressemble pas au mec que je connais et je ne peux l’admettre… » Il n’en dira pas plus à ce sujet.
Crowbar appartient à cette catégorie de formations pas spécialement connues, mais néanmoins reconnues dans le milieu. Considéré comme un des fondateurs du Sludge, The Riff Lord ne se réclame pourtant pas spécialement de ce style : « Ce n’est évidemment pas nous qui avons inventé ce terme. Crowbar joue de la Heavy Music. Ce sont les médias qui ont commencé à nous étiqueter ‘Sludge’. Au final, on ne fait tous que du rock’n’roll. Tous les bands qui ont permis la naissance du Heavy Metal, comme Black Sabbath ou Judas Priest, ne pratiquaient finalement que du rock’n’roll plus dur et plus rapide. Et encore, si on creuse dans le passé, le Rock n’est qu’une forme dérivée du Blues. Tout ce que Crowbar propose depuis ses débuts est basé sur du rock’n’roll et du Heavy Metal des premiers jours ».
Un statut prestigieux, accepté en toute modestie, mais qui ne permet pourtant pas au combo de se produire dans les plus grosses salles ni de figurer en tête d’affiche des festivals. « Je ne sais pas trop comment expliquer pourquoi… On a toujours fonctionné pas à pas. Et plus le temps passe, plus ma philosophie se résume à ‘celui qui va lentement, va sûrement’. Si tu te casses le cul lors de chacun de tes shows, tu ne pourras que progresser. Petit à petit. Je n’ai pas besoin d’être riche et connu. Ce n’est pas mon intention. Je m’investis dans la musique, parce que c’est ce que j’aime. Perso, arriver à en vivre confortablement, c’est tout simplement un rêve qui devient réalité. Et je ne suis pas prêt d’arrêter… »
Outre son statut de talentueux musico, Kirk est avant tout un passionné de musique. L’occasion de lui soumettre quelques choix cornéliens. Brian Johnson ou Axl Rose ? « Bien sûr, je choisis Brian Johnson. Mais j’ai lu un article aujourd’hui à propos de son remplacement. Si Brian Johnson a fait un pas de côté, s’il l’a fait de son propre gré, alors au final pourquoi en effet ne pas le remplacer par Axl ? Il semble bien faire le boulot ! Je n’ai pas envie de trop spéculer, mais bon… des premiers jours, il ne reste plus qu’Angus. C’est lui le patron. Il a peut-être eu aussi envie de continuer cette aventure dix ans de plus et Brian allait peut-être commencer à compromettre son projet à cause de ses problèmes de surdité. Quand j’ai vu la première fois les Guns, c’était à Hollywood, dans les années 80. Ils étaient encore dans leur local de répétition. J’ai tout de suite accroché à leur musique, sentiment qui s’est amplifié en écoutant l’album ‘Appetite For Destruction’. Pour ma part, c’est un incontournable. Je n’attache pas trop d’attention à ce que racontent les médias au sujet des membres du band ; par contre, j’ai lu les livres de Slash et Duff McKagan. Ce sont des mecs bien. Mais pour en revenir à ACDC, oui, c’est peut-être un nouveau futur avec Axl ».
Autre choix difficile : les Beatles ou les Rolling Stones ? « Autrefois j’aurais répondu sans hésitation : les Rolling Stones. Mais maintenant… je dirais les Beatles. Beaucoup de mes compositeurs préférés, comme Peter Steele de Typo O Negative, Bruce Franklin et Rick Wartell de Trouble ou encore Randy Jackson de Zebra m’ont permis de réaliser combien les Beatles étaient bons. J’ai énormément écouté les Stones. Ils sont bons également ; mais… c’est différent. Je m’en fous un peu des premiers jours des Beatles, des elpees du début de leur carrière. Je préfère de loin ce qu’ils ont réalisé par la suite, lorsqu’il se sont diversifiés, et sont devenus plus sombres et plus lourds. C’est un peu leur face démoniaque… »
Pour en revenir au Metal : Iron Maiden ou Judas Priest ? « Je dirais Priest, seulement parce que … [il hésite et cherche ses mots] en fait, quand Bruce Dickinson a rejoint Iron Maiden, ce groupe était mon préféré à l’époque. Son premier album est génial, il m’a rendu complètement fou lorsqu’il est sorti. J’aime beaucoup les anciens morceaux de Maiden, mais après ‘Powerslave’, la formation a commencé à se répéter et à se répéter. Et puis, tant mieux pour eux, mais Iron Maiden est devenu très populaire. Et paradoxalement, c’est également à ce moment-là que Bruce Dickinson et Adrian Smith ont décidé de partir… Bon, Bruce est revenu depuis lors, mais je pense que ça veut dire quelque chose. Bien que ce soit génial pour eux : au départ, ils jouaient dans des petits clubs et maintenant, ils sont devenus un des bands les plus notoires, sur la planète ! Mais depuis la moitié des années 80, à l’une ou l’autre exception près, je n’ai plus beaucoup accroché à Maiden. Si tu prends un peu de recul, tu te rends compte que ‘British Steel’ de Judas Priest représente bien mieux ce qu’incarne le Heavy Metal ».
Et quant aux groupes beaucoup plus contemporains, Five Finger Death Punch ou Baby Metal ? « Baby Metal… [Kirk a l’air surpris et interrogatif] ? Ah ah ! Ouais j’ai entendu parler d’eux… mais je ne les ai jamais écoutés… »
Allez, une dernière question pour la route, non plus d’un point de musical, mais qui traite de l’actualité : Trump, Clinton ou Sanders ? « Ils sont tous mauvais ! Sanders n’est plus dans la course, il est dépassé depuis un petit temps. Aux États-Unis, notre démocratie est basée sur un principe libertaire… et c’est un socialiste ! Et personnellement, je n’ai pas envie que le socialisme soit importé aux États-Unis ! La seule chose que j’apprécie chez Trump, c’est qu’il a fait lui-même sa fortune. Clinton a consacré sa carrière à la politique. Sa femme est dans les coulisses du pouvoir depuis un petit temps… Mais au bout du compte : lui c’est un foutu lunatique, il change souvent d’avis ; et elle, c’est une vraie idiote… donc qu’ils aillent tous se faire voir ».
Considéré par la presse spécialisée, comme le futur sauveur du rock, Parquet Courts avait frappé un grand coup dès 2012, en publiant « Light Up Gold », un album nerveux, rageur et racé, s’érigeant en véritable classique du style. Tout en maîtrisant parfaitement les codes et grâce à leur aisance mélodique, Andrew Savage et ses sbires étaient parvenus à nous bluffer. On y retrouvait même la morgue des Strokes et l’esprit ‘slacker’ de Pavement. Difficile de faire mieux, aurait-on pu conclure hâtivement. Et bien non, car « Human Performance » est encore meilleur. En travaillant davantage sur la mise en forme (NDR : dans le passé, que ce soit au sein de Parquer Courts ou Parquay Quarts, leur autre projet, les sessions ne duraient que quelques jours), un travail opéré dans le studio chicagoan de Jeff Tweedy (Wilco), les musicos sont parvenus à s’émanciper de leurs références (NDR : une performance surhumaine, pour le jeune combo texan !).
Du tracklisting on épinglera « One Man, No City », dont les sonorités de guitares orientales et les congas conduisent à un final en forme de jam épique, « Captive in the Sun » et « Berlin Got Blurry », deux plages quasi pop et instantanées, le plus basiquement punk « Paraphrased », le très Modern Lovers « Dust » et un « Human Performance » hanté par Jonathan Richman.
Parquet Courts ne figure définitivement plus dans la catégorie ‘espoirs’, mais s’est installé durablement, grâce à ce « Human Performance », dans le camp des incontournables. Avant, peut-être, de devenir une référence, dans l’histoire du rock !
C’est en 1999 que votre serviteur a découvert Atari Teenage Riot, dans le cadre du festival de Dour, et sous une chaleur étouffante. Et il reconnaît avoir pris une claque monstrueuse…
Peu après, la seconde choriste, Hanin Elias, avait tiré sa révérence. Mais c’est surtout le décès de Carl Crack, dans des conditions obscures, qui avait remis l’aventure du band en question. Cependant, malgré un long hiatus traversé jusqu’en 2010, il a continué sa route, de manière intermittente. Et tout particulièrement sur les planches, ne publiant qu’un seul elpee studio, en 2001, « Is this hyperreal ? ».
Le duo charismatique Alec Empire et Nic Endo a donc gravé un nouvel opus, en 2015, « Reset », tout en continuant à enflammer les scènes. Une œuvre découpée en 10 pistes qui entretient la flamme du digital hardcore.
D’entrée « J1M1 » démontre que non, non rien n’a changé, mais tout a évolué. Les beats numériques cognent toujours aussi dur. Dans l’esprit de leurs cousins germains Scooter ou encore des Insulaires The Prodigy. Surtout en ce qui concerne le rythme breakbeat. Les guitares sont perpétuellement tranchantes et c’est le backing vocal de Nic qui vient booster l’ensemble.
Le titre maître du long playing rappelle que l’engagement sociopolitique du combo est intact (‘Nous vivons dans une décennie au cours de laquelle la violence engendre davantage de violence. Les forces destructives sont au travail ! Il est temps de se poser les bonnes questions. Prenez votre destin en main’).
Certains morceaux semblent avoir été enregistrés en public ou carrément au milieu d’un centre urbain (« Modern liars »).
L’énergie est palpable tout au long de cet album, et il a fort à parier que ces compos devraient prendre davantage d’ampleur en ‘live’. Atari Teenage Riot se produira d’ailleurs dans le cadre de l’Ieper Fest, ce 13 août 2016.
Autobahn est un patronyme qui trahit une connotation ‘ossi’, c’est-à-dire relative à l’ex-Allemagne de l’Est du début des eighties. Et pourtant, ce combo n’est pas germanique, mais britannique. Issu de Leeds, très exactement. Un groupe post/punk qui s’est forgé une solide notoriété sur la scène alternative.
« Dissemble » s’ouvre par le subtil « Missing in action ». La rythmique accélère progressivement, tel un train qui prend de la vitesse avant d’atteindre celle dite de croisière. « Immaterial man » embraie. Paru en single, cette piste baigne au sein d’un climat particulièrement ténébreux. A cause de cette ligne de basse très années 80, mais surtout de la voix du leader, Craig Johnson, qui n’est pas sans rappeler feu Ian Curtis. Une voix nasillarde, chargée de spleen, qui vient systématiquement contrebalancer cette rythmique. Faut dire que tout aussi sombres, les lyrics ne sont pas propices à la bonne humeur. Et un titre comme « Beautiful place to die » en est certainement le plus bel exemple.
A l’instar de The Horrors et d’Eagulls, Autobahn entretient une forme de revivalisme qui séduit les nostalgiques de la fin des 70’s et début des 80’s. Et tout particulièrement ceux qui vouaient un culte à Cabaret Voltaire et Chameleons, dont il incarne probablement le chaînon manquant. Quand au mélomane lambda, tout dépendra de savoir s’il estime le tempo hypnotique ou répétitif.
La scène électro/pop française ne se limite pas à Air et M83. Hello Bye Bye en est un bel exemple. Outre le style susmentionné, le combo intègre également dans son expression sonore influences indé et tout particulièrement psychédéliques voire shoegaze. Mais cette structure hybride sert de base de travail à leur Dj (Moule). Qui parvient à trouver un subtil équilibre entre électronique, à la fois dansante (NDR : ces beats hypnotiques !) et planante, instrumentation organique, envolées vocales et mélodies contagieuses.
Imaginez un peu un mix entre The Kills, Ting Tings (surtout pour l’enthousiasme de la chanteuse, qui rappelle Katie White), Metronomy, LCD Soundsystem ainsi que les Chemicals Brothers, et vous aurez une idée plus ou moins exacte de la musique proposée par Hello Bye Bye.
Rey Villalobos –aka House of Wolves– avait publié un premier elpee en tous points remarquable. « Fold In The Wind » était même parvenu à toucher en plein cœur les trop rares mélomanes qui avaient pris la peine de l’écouter. Caractérisé par ses compos aux mélodies crève-cœur véhiculant des émotions à fleur de peau, cet LP n’avait pas rencontré le succès mérité…
Pour sortir son second elpee, cet Américain a bénéficié du concours de la charmante structure française Microcultures, basée sur le ‘crowdfunding’. Digne successeur d’Elliott Smith (« Daughter of the Sea ») voire de Perfume Genius (« Beautiful Things »), il nous relate ses déboires amoureux et autres joyeusetés du genre qu’il chante d’une voix douce et mélancolique en s’accompagnant simplement d’un orgue aquatique ou d’une guitare acoustique… Tout au long de « Daughter of the Sea », son second opus (NDR : dont les sessions se sont déroulées en Irlande, au sein d’un studio qu’on pourrait qualifier de ‘home made’), cet adepte du ‘less is more’ nous propose des morceaux intimistes (NDR : on a parfois l’impression qu’il chuchote à notre oreille) et universels à la fois, mais bouleversants de pudeur. Le recours à la ‘reverb’ sur la voix confère, en outre, une légère touche cotonneuse et mystérieuse à l’ensemble…
A tout juste quarante ans, Christophe Mae peut se targuer d’avoir déjà accompli un joli parcours musical !
En à peine une décennie, il est parvenu à vendre quatre millions d’albums et accordé plus de quatre cent dates de concerts, pour le plus grand bonheur de deux millions de spectateurs.
Propulsé par le single « Il est où le bonheur », l’artiste revient sur le devant de la scène après trois longues années d’absence.
Le quatrième effort studio de l’artiste constitue une rétrospective éclair sur sa vie, entre rêveries (« L’attrape rêves »), mélancolie (« 40 ans demain »), et espièglerie (« Les Amis »), le tout couché sur un lit de mélodies pop accrocheuses.
Davantage introspectif que sur ses opus précédents, le néo-quadra signe une œuvre intimiste, mais sans doute la plus aboutie. Suivant la formule consacrée, on pourrait dire, l’album de la maturité.
Mae n’hésite pas à se mettre à nu, surtout lorsqu’il chante pour son fils « Marcel » (accompagné par Jules, le cadet) et pour sa bien-aimée, Nadège Sarron, tout au long de la magnifique déclaration d’amour, « Ballerine ».
Le bonhomme sait aussi faire saigner sa plume lorsqu’il s’agit de dénoncer la cruauté barbare de l’Homme. Le texte époustouflant de Paul Ecole, « Lampedusa », relate l’histoire de ces migrants qui, tentant de trouver un havre de paix, finissent par périr en mer, dans l’indifférence quasi-générale !
Ecrit, composé et réalisé par ses soins, son dernier né oscille entre accomplissement de soi et quête inespérée de bonheur.
Rafraîchissantes, touchantes, parfois cruelles, ses compos sont interprétées avec une sincérité profonde, de cette voix rocailleuse, identifiable entre mille…
Les nombreux aficionados devraient être ravis de retrouver ce talentueux artiste, au sommet de sa forme.
Le chapiteau et les différents stands ont été démontés, depuis quelque temps, mais les Nuits Botanique jouent les prolongations. On peut légitimement se demander pourquoi le concert de ce soir s’inscrit dans le cadre du festival. Le complexe culturel est quasi-vide. Un seul spectacle y est programmé. Celui de Liima, soit les trois rescapés d’Efterklang associés au percussionniste finlandais Tatu Rönkkö. Le combo danois est venu présenter son premier elpee, sobrement intitulé « ii ». Une œuvre conceptuelle, écrite entre Berlin, Istanbul et Madère, qui a été plus ou moins bien accueillie par la critique.
Anna B Savage assure le supporting act. Cette Anglaise a publié son premier Ep, l’an dernier. Elle monte sur l’estrade, peu après 20 heures. Seule, armée de sa gratte. Mais elle ne semble pas intimidée. Le public est plus que clairsemé. Le rock minimaliste de cette Londonienne est littéralement habité. Car elle vit pleinement ses morceaux. Elle déverse ses textes en caressant ses cordes. Le premier quart d’heure suscite l’intérêt de l’auditoire, mais progressivement, il s’estompe. Une bonne demi-heure plus tard, elle vide les lieux sans avoir réellement démérité ; mais sans jamais être parvenue à mettre l’assistance dans sa poche.
Vers 21 heures, les lumières s’éteignent. La foule est un peu plus conséquente. Une partie s’est concentrée dans la fosse et le reste a choisi de s’asseoir sur les marches. Première constatation, il n’y a pas de batterie sur le podium. Surprenant ! On n’y aperçoit qu’une basse, des micros, un synthé et des gadgets électroniques en tout genre. Quand ils débarquent sur scène, les Scandinaves semblent apparemment décontractés, à l’instar du chanteur Casper Clausen, vêtu d’un short aux couleurs vives et coiffé d’une casquette. Tout au long du set, il va prendre plaisir à déformer sa voix. Ce qui ne va pas l’empêcher d’arpenter les planches d’un côté à l’autre. Tatu Rönkkö est un fameux percussionniste. Que ce soit pour frapper sur des couvercles métalliques à l’aide de baguettes, tapoter sur une boîte à rythmes ou sur un bocal en verre ! C’est la basse de Rasmus Stolberg qui sert de fil conducteur aux morceaux. S’il se trémousse, Mads Bauer est plus effacé ; parfois on a l’impression qu’il se cache derrière ses claviers et sa touffe de cheveux.
Dès les premières notes, le groupe indique la couleur. Bien qu’éclectique, la musique baigne dans l’électro/pop. Certains titres creusent dans la même veine qu’Efterklang, lors de la fin de son aventure. D’autres sont imprimés sur des rythmes réminiscents des 80’s. Et les moins inspirés sont contaminés par la techno. Mais peu importe les styles, Liima parvient à garder le cap et surtout à entretenir une ambiance constante, grâce à des compos particulièrement excitantes, boostée par un light show bien rôdé. Les spectateurs dans la fosse n’ont d’ailleurs de cesse de remuer.
Franchement, on aimerait passer l’‘after’ d’un festival en leur compagnie. Ce qui changerait des DJ habituels souvent en mal d’inspiration…
Liima + Anna B Savage
(Organisation : Botanique)
Les Nuits Botanique touchent à leur fin et en ce 1er juin, elles accueillent Ty Segall et ses Muggers, dont le nouvel album, « Emotional Mugger », est paru en janvier dernier. Prolifique, Ty n’en est pas à un projet près. Mais pour ce dernier, il a décidé de se lancer dans une longue tournée internationale, pour le défendre. Et elle récolte un succès certain, car ce soir, le concert est sold out. Faut dire que si l’artiste ne bénéficie guère de crédit dans le business, il peut compter sur une solide base d’aficionados.
Le supporting act est assuré par le duo montois La Jungle. Responsable d’un math/kraut/noisy/rock, la paire réunit un drummer et un gratteur. Ce dernier se sert de quelques pédales et épisodiquement d’un mini clavier. Il ne chante pas, mais émet ponctuellement quelques onomatopées. En extrapolant, on pourrait imaginer qu’ils émanent du fond de la jungle. A moins que ce ne soit pour imiter le chant d’un Amérindien sur le point de déterrer la hache de guerre. Les deux musicos sont trempés de sueur au bout de quelques minutes. Tout en se contorsionnant, le gratteur se multiplie en digressions électriques alors que le préposé aux fûts épate par sa technique. Il s’y révèle même époustouflant. Un bémol, mais il est de taille, la prestation relève davantage de la performance que de la musique. On a beau chercher un fil mélodique, il n’y en a pas. A réserver aux inconditionnels du style (pour les photos, c’est ici).
Les Muggers ne sont pas nés de la dernière pluie, puisque ces musicos participent à différents projets, sur la scène alternative californienne. Segall y est même parfois impliqué. Y militent donc le fidèle bassiste/saxophoniste Mikal Cronin, les gratteurs Kyle Thomas (alias King Tuff) et Emmett Kelly (The Cairo), le claviériste/guitariste Cory Hanson (Wand) ainsi que le drummer Evan Burrows. Emmett et Mikal sont vêtus de costards noirs et de chemises blanches, sans cravate, mais avec boutons de manchettes. Celui de Cory est de teinte beige. Tout comme son pull à col roulé. Chaussé de lunettes teintées, il campe un croisement entre Tom Cruise et Sylvester Stallone. Lorsqu’ils étaient jeunes, bien sûr. Evan porte un sweat-shirt, trop grand pour lui, et un short blanc. Enfin, le plus pittoresque, c’est certainement Kyle. Il aurait sa place dans le 'kop' des supporters néerlandais (NDR : oui, on sait, l’équipe batave est privée de championnat d’Europe). Et pour cause, il est habillé, de la tête aux pieds de couleur orange Sa casquette à visières et à volets. Sa salopette. Et même sa guitare !
Quand Ty grimpe sur l’estrade, la formation est déjà en place. Il a aussi enfilé une salopette, mais en jeans. Son visage est dissimulé sous un masque en caoutchouc représentant un nouveau-né chauve. En fait, sous ce déguisement, il ressemble plutôt à un Olmèque. Le band attaque « Squealer ». Le volume sonore est déjà ‘limite’. Et rapidement, il va la dépasser amplement. Dès « California Hills », Segall ôte son masque, et le jette derrière lui. Tout au long de ce morceau, les harmonies vocales à quatre voix sont superbes. Ce soir, il ne touchera pas une seule fois à une gratte. Etonnant ! Il se réserve le micro. Et va faire le show. Au cours duquel il va multiplier les attitudes. Il appuie son pied sur l’épaule d’un spectateur pendant « Emotional Mugger/Leopard Priestess », feint de subtiliser le sac d’une spectatrice qui l’avait laissé traîner au bord de l’estrade, avant de lui ramener goguenard, entame une marche sur la foule, comme Jésus l’aurait fait sur l’eau ou pointe du doigt certaines filles. Il les regarde fixement d’un air culpabilisateur. Il joue avec son pied de micro, se penche au dessus de l’auditoire ou l’harangue, raconte des inepties, comme ‘J’adore le petit déjeuner’, avant d’aborder « Breakfast eggs » ou ‘J’aime les enfants’ préalablement à « Baby big man (I want a Mommy) »). Il incite le public à pogoter ou a surfer. Ce qui va fatalement se produire. Bref grâce à (ou à cause de) son comportement, il va finir par mettre le souk. A tel point qu’en fin de set, certains spectateurs vont emporter deux pieds de micro. Qu’ils vont malgré tout restituer au roadie, avant le rappel.
La musique de Ty Segall & The Muggers oscille entre garage, psyché, glam, punk et heavy metal (Black Sabbath ?) Elle n’est pas toujours très rigoureuse, mais elle déménage. Lors de « Candy Sam », probablement un hommage à T.Rex, Mikal vient souffler dans un saxophone, alors qu’Emmett reprend la basse à son compte. Cory pose souvent comme un dandy, ne se servant que d’une seule main pour pianoter sur son clavier tout en laissant l’autre sur sa hanche. Sauf lorsqu’il passe à la six cordes. Moments au cours desquels l’intensité électrique est à son apogée. Et les corps sont en sudation. Mais Ty va être surpris par un type qui s’invite sur l’estrade. Cet hurluberlu enfile le fameux masque, puis tombe pantalon et calebar pour exhiber sa bijouterie de famille. Il se rhabille aussi vite et retourne dans la fosse, sous le regard hilare de Segall, et médusé des spectatrices…
Il y aura bien sûr un rappel. De folie ! Et le mot est faible. Finalement, ce concert m’a, quelque part, rappelé ceux immortalisés par les Stooges, à une certaine époque. Mais ce soir, ce n’est pas le leader qui a baissé son froc… (pour les photos, c’est là)
Ty Segall & The Muggers + La Jungle
Set list
Squealer
California Hills
Emotional Mugger/Leopard Priestess
Diversion
Breakfast Eggs
Baby Big Man (I Want a Mommy)
Mandy Cream
Candy Sam
Squealer Two
The Magazine
Thank God for Sinners
They Told Me Too
You're the Doctor
Spiders
Manipulator
Feel
Encore:
Finger
The Feels
(Organisation : Botanique)
Quatre ans après leur dernier passage dans la capitale belge, les rois du Neo Metal étaient de retour ce 30 mai, et de nouveau à l’Ancienne Belgique. Le concert affiche complet depuis de nombreux mois et malgré les énormes embarras de circulation, la salle est pleine à craquer pour accueillir les Californiens. Retour sur une soirée qui a fait plus que tenir ses promesses.
N’allons pas trop vite en besogne, et attardons-nous d’abord quelques instants sur la première partie assurée par les Allemands de Beyond The Black. Évoluant dans un style radicalement différent de la tête d’affiche, les Teutons –dont on peut qualifier la musique de Metal Symphonique– sont venus nous présenter leurs deux opus gravés à ce jour. Emmené par la talentueuse chanteuse Jennifer Haben, le groupe nous propose un show pas vraiment inoubliable, mais loin d’être de mauvaise facture. Leurs différents titres reposent sur des bases solides et carrées, quoique sans véritable éclat ni originalité. Si les intros et refrains regorgent de subtiles nuances et de bonnes trouvailles, les morceaux ont tendance à s’aplatir durant les couplets. Une première partie sympathique, mais qu’on oubliera finalement assez rapidement.
Place maintenant aux stars du soir, tout droits venus de Bakersfield. Accoutrés comme à la grande époque du Neo Metal, nos 6 acolytes débarquent sur le podium d’un air assez nonchalant. Exit l’habituel « Blind », le band entame les hostilités sur « Right Now » et embraie par « Here to Stay ». Il n’en faut pas beaucoup plus pour déchaîner la fosse, qui se transformera en une véritable cocote-minute durant une grosse partie du show.
« Somebody Someone » et « Narcissic Cannibal » installent l’auditoire dans l’ambiance du set. Entre les morceaux, la formation se montre plutôt discrète et meuble les quelques ‘blancs’ par des jeux de lumières, des nappes de claviers atmosphériques et de petites vagues de batterie. Assez anodine en apparence, cette technique permet au public de ne jamais lâcher prise et de rester à tout moment présent dans ce climat pesant dont le band a le secret.
Après le classique « Falling Away from me » et « Coming Undone », Jonathan Davis s’arme de sa cornemuse. Tout fan qui se respecte sait que le moment est venu pour « Shoot and Ladders », monument du premier elpee, conclu par un petit bout du classique de chez classique, « One » de Metallica. Les titres suivants font retomber légèrement l’atmosphère, sans pour autant la refroidir totalement. Un petit solo de batterie suivi de l’instant de folie « Twist » permet au spectacle de repasser à la vitesse supérieure.
Ray Luzier aux fûts et le bon vieux Fieldy à la basse accomplissent un superbe travail de l’ombre en construisant une ossature solide aux compos Ce n’est pourtant pas une surprise. Cependant, celui qui impressionne encore le plus, c’est le frontman Jonathan Davis. Vocalement au top, le chanteur semble presque dans son état normal, loin de son époque torturée et déchirante.
Après une petite séance de gros mots (« Y’all Want a Single ») ainsi que sa rituelle et énergique cover de Pink Floyd (« Another Brick in the Wall »), Korn quitte la scène sous les cris d’un public enchanté. Quelques longs instants plus tard, ils sont de retour pour nous proposer un véritable enchaînement destructeur réunissant « Blind », « Got the Life » et « Freak on a Leash ». Rien que ça !
Le public est K.O. et le sextuor jubile, car il est de nouveau parvenu à prouver qu’il n’est pas un des empereurs du Néo Metal pour rien. Tout au long de la soirée, hormis peut-être Brian Welsh, visiblement agacé par quelques petits pépins techniques, le combo a donné le max pour nous communiquer toute sa hargne et sa folie.
Une soirée pareille, on en redemande volontiers ; en espérant ne pas devoir encore attendre quatre ans, un autre concert en salle, là où il peut vraiment nous montrer ce dont il est capable (voir aussi notre section photos ici)
Julien Sterckx (Suricate)
Organisation : Ancienne Belgique
Néo-zélandaise, Tamaryn vit aujourd’hui à New York. A son actif, quelques Eps et trois elpees, dont ce « Cranekiss », paru en 2015. Manifestement, elle a été marquée par la musique des eighties et tout particulièrement par les artistes qui militaient alors sur les labels 4AD, Mute et Beggars Banquet. Et tout particulièrement Cocteau Twins, Xmal Deutschland, Clan of Wymox, Chapterhouse, mais surtout This Mortal Coil. On retrouve d’ailleurs dans la voix éthérée de Tamaryn, certaines inflexions empruntées à Elizabeth Frazer.
Gros changement cependant, par rapport aux deux premiers opus, elle a privilégié les synthés, machines et autres boîtes à rythmes au détriment de l’instrumentation organique. Mais son tour de force, c’est de ne pas avoir dénaturé son expression sonore, ni de l’avoir rendue linéaire. Une leçon d’efficacité à tous ces groupes contemporains qui, pour être dans l’air du temps, ont recours l’électronique, sans parvenir à en tirer le moindre avantage. Un avantage qui se transforme même, le plus souvent, en désavantage.
Il émane une intensité sonique phénoménale de ces chansons, même quand elles demeurent simplement dream pop ou shoegaze.
Carrément cold wave, mais sur fond d’orgasme féminin, l’excellent « Softcore » nous renvoie carrément aux débuts de The Cure (NDR : pensez à « A forest »), même si en fin de parcours, la boîte à rythmes semble tourner dans le vide, sans trop savoir pourquoi. Une boîte à rythmes un peu trop répétitive voire binaire sur le final « Intruder (Waking you up »), probablement la plage la plus dispensable du long playing. M’enfin, sur 10 pistes, ce n’est certainement pas une tare !
Avant de se lancer en solitaire, Eric Bachmann était un mec très occupé. Début des 90’s, cet Américain (NDR : il est originaire de la Caroline du Nord) avait fondé Archers of Loaf, un combo indie-rock. Au cours de cette aventure, le band a publié 4 albums avant de se séparer ; des disques réédités en 2011 par le label Merge. Dans la foulée, il monte un projet baptisé Crooked Fingers, pour lequel il alimente régulièrement la discographie. Mais en même temps se multiplie au cœur de différentes collaborations ; que ce soit pour Azure Ray, Micah P.Hinson, Spoon ou encore Damien Jurado. Ce n’est qu’en 2002, qu’il décide d’entamer sa carrière solo. Il sort alors son premier opus.
Ce nouvel essai est éponyme, un disque tout au long duquel Bachmann se met à nu. L’image de l’enfant qui illustre la pochette (certainement Bachmann) en est certainement la parfaite illustration. Pour mettre en musique ce concept, Eric Bachmann a troqué sa guitare contre un piano et nous livre des morceaux pop/folk au format classique mais surtout classieux. Et les chœurs qui enrichissent la plupart des compos ainsi que le soin apporté au sens mélodique en sont une belle démonstration. Le songwriter jette un regard dans le rétroviseur afin de nous balancer des compos déchirées entre nostalgie, gratitude (« Belong to You », le superbe « Mercy ») et parfois de regret (« Separation Fright »). Encore que certaines pistes adoptent un ton plus allègre, nonobstant les lyrics qui le sont nettement moins, à l’instar de « Modern Drug ». Et pour que l’info soit complète sachez que Liz Durrett, la nièce de feu Vic Chesnutt, signe un titre du long playing, « Carolina ».
Chastity Belt est un quatuor établi à Walla Walla, dans l’état de Washington, depuis 2013, année au cours de laquelle il avait publié son premier elpee, « No regerts ». « Time to go home » constitue donc son deuxième essai.
Déjà sur son LP précédent, le band s’était distingué par ses lyrics ; des textes humoristiques, sarcastiques, nés d’une attitude punk visionnaire. On peut d’ailleurs qualifier sa musique de post punk, même si elle concède des réminiscences pop, noisy et rock. Les textes du nouvel opus traitent davantage de la liberté et du respect des relations humaines. Mais sont encore abordés avec le même esprit ironique, parfois même proche de l’autodérision. Des paroles chantées par Julia Shapiro, d’une voix haut-perchée, mais volontairement monocorde. Mais ce sont les sonorités des deux grattes qui apportent la spécificité à l’expression sonore. Tintinambulantes, surf, filandreuses, frénétiques ou discordantes, mais toujours savoureuses, elles évoquent tour à tour Sonic Youth (l’excellent « On the floor »), Pixies (« The thing ») voire Throwing Muses (NDR : sur « Lydia », la voix rappelle immanquablement celle de Kristin Hersh). Les mélodies sont superbes mais, il est vrai, propices à la mélancolie. La ligne de basse est sobre et efficace. Les drums sont particulièrement amples. Une jolie surprise !
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