Colosseum est une formation qui a participé activement à la révolution musicale insulaire de la fin des 60’s. Elle mêlait blues, jazz et rock. Créative, elle réunissait d’excellents instrumentistes. Sa naissance est la conséquence d’un changement de line up, au sein des Bluesbreakers de John Mayall. Et il y en a eu un nombre incalculable. En fait Jon Hiseman (drummer) avait entraîné dans une nouvelle aventure le bassiste Tony Reeves et le saxophoniste Dick Heckstall-Smith ; un projet qu’il avait baptisé le Jon Hiseman's Colosseum et dont le line up avait été rejoint par l'organiste Dave Greenslade ainsi que les guitaristes James Roche et James Litherland. Des gratteurs qui vont ensuite céder leur place à Dave Clempson. Le second elpee de Colosseum, "Valentyne Suite", paraît chez Vertigo, un nouveau label qui se lance dans l’aventure. En 1970, Mark Clarke opte pour la basse et un chanteur est engagé, Chris Farlowe. Le vaisseau largue ses amarres et va nous régaler au cours du début des seventies. Mais la pression devient insupportable et le split est inévitable. On retrouve alors ces musicos chez Humble Pie, Atomic Rooster, Greenslade, Tempest ou encore une seconde mouture de Colosseum. Des combos qui vont, à des degrés divers, entrer dans l’histoire du rock. Demeuré populaire, surtout en Allemagne, Colosseum se reforme en 1994, en compagnie des mêmes membres. Malheureusement, le talentueux saxophoniste Dick Heckstall Smith décède en 2004. Il est alors remplacé par l'épouse de John Hiseman, Barbara Thompson, également brillante sur cet instrument. Le dernier elpee studio, "Tomorrow's blues", remonte à 2003! Et l’équipe est à nouveau au complet pour enregistrer « Time on our side », le nouvel elpee. La musique n’a pas changé. Jon Hiseman y veille. En outre, il a sollicité Pete Brown pour écrire les lyrics de 6 plages. Un poète et parolier qui a beaucoup apporté son concours à Jack Bruce. Il a également drivé Piblokto et Battered Ornaments, fin des sixties, début des 70’s.
Issue de la plume de Barbara Thompson, "Safe as houses" est une excellente compo. La voix de Chris Farlowe est rapidement identifiable. Barbara démontre tout son talent de souffleuse, qu’elle exerce dans l'esprit de feu Dick Heckstall-Smith. Classieux, "Blues to Music" est un titre issu de la plume d’Ana Gracey, soit la fille de Jon Hiseman et Barbara, une piste au cours de laquelle elle accorde une superbe réplique vocale à Farlowe, alors que le saxophone continue d’enchanter. Clempson signe "The way you waves goodbye", un morceau élaboré, caractérisé par une superbe sortie à la guitare et tapissé par l’orgue bien spécifique de Greenslade. Ballade jazz, "Dick's licks" rend hommage au regretté Heckstall-Smith. "City of love" est un titre qui colle parfaitement à l’esprit du Colosseum. La voix de Farlowe est grave et emphatique. Les instruments sont bien en place ; et en particulier les cordes de Clem, irréprochables. "Nowhere to be found" est compo empreinte de tendresse, harmonieuse, agréable et de toute bonne facture. Un sens de l’esthétisme qui alimente "New day". "Anno Domini" devait être le titre maître du long playing. Le choix s’est porté sur "Time on our side". Pourtant cette composition reflète parfaitement l’identité du band. Signée Greenslade, la mélodie est par balisée par l’orgue. L’LP recèle un bonus track, "Morning story". Une piste issue de la plume de Jack Bruce qui vient juste de nous quitter. Mark Clarke en assure le lead vocal. Bien sûr, cet opus ne restitue pas la créativité de la formation, quand elle vivait son âge d'or, mais elle tient parfaitement la route…
Les histoires d'amour finissent mal en général. Mais elles inspirent souvent de bien jolies créations. Christian Pinchbeck et Amelia Rivas se rencontrent dans une house party en 2010. Une romance débute entre le natif de Bristol et la ténébreuse Française que le couple va très vite essayer de traduire en musique. Quatre ans plus tard, la relation a pris fin mais leur idylle a donné naissance à un adorable bambin, le présent "Sky Swimming".
Les premiers morceaux, composés sur un Casio acheté pour une croûte de pain dans une boutique de charité, séduisent Memphis Industries. Après trois maxis sur ce label, que l'on retrouve en partie sur l'album, c'est le coup de maître. "Sky Scraper", un des meilleurs singles de dream-pop de ces dernières années, va squatter les ondes des radios les plus branchées.
On retrouve les atmosphères rétro de ce titre tout au long de "Sky Swimming". La seule réserve que l'on pourrait émettre serait justement cette uniformité de ton. Mais les mélodies sont tellement charmantes qu'on leur pardonnera facilement. On pointera dans les grandes réussites, les délicieux "Assembly", "TV Dinner" et "Shapeshifter".
La principale qualité de cet LP est le juste équilibre entre le côté homemade et les arrangements classieux du producteur Andy Dragazis. Ce dernier, ingé-son pour la télévision et le cinéma, a en effet transformé les compos trip-hop de bar du duo en une musique de bal féerique. Un remarquable travail sur les cordes notamment qui fait parfois songer à Angelo Badalamenti.
Il y a eu pléthore de sorties dream-pop ces dernières années, mais celle-ci fait certainement partie des plus réussies. Les différents groupes auxquels on peut lier Elephant sont donc nombreux. Les tauliers du style, Beach House, bien évidemment mais aussi Camera Obscura pour le côté retro-pop, Daughter pour l'évanescence, les premiers Julia Holter, les morceaux soul 60's de Cults ou JJ en plus vintage et en moins kitsch.
Sky Swimming évoque les remous d'une relation amoureuse dans des atmosphères de films hollywoodiens des années 50. On rentre dans l'intimité d'une relation comme si un couple d'amis se confiait en chansons. Ce qu'ils racontent est parfois un peu redondant mais la confession nous touche par sa sincérité. Et l'art, une nouvelle fois, est là pour sublimer les vicissitudes de la vie.
« The Three Poisons » constitue le troisième opus d’Elephant Stone, un trio canadien qui pratique une forme de rock psychédélique à coloration orientale. Et pour cause, il a également recours à des instruments issus de la musique traditionnelle indienne, comme le sitar, le tabla ou le dilruba. Le trio réunit Rishi Dhir (chant, basse et sitar), Miles Dupire (drums) et Gabriel Lampert (guitares et choeurs). En ajoutant un peu de patchouli, quelques volutes de ganja et beaucoup de fleurs, on pourrait se croire revenu en 1970, sur la côte Ouest des States. Encore que le combo évoque plutôt les Black Angels, Brian Jonestown Massacre et même Stone Roses, comme références majeures. Solides, il faut le reconnaître. La naissance d’Elephant Stone remonte à 2008/2009. Rishi Dhir venait de quitter The High Dials pour monter ce nouveau projet. A ce jour, le band a publié deux long playings, « The Seven Seas » en 2009 et « Elephant Stone » en 2013.
Tout au long de « The Three Poisons », le son est clair, limpide et soyeux. Le sitar constitue le fil conducteur de l’œuvre. Il supplante rapidement le riff de guitare sur « Motherless (Love's Not For War) » et se révèle souverain sur le grisant « Child Of Nature (Om Nava Shivaya) ».
Enrobés de chœurs, le titre maître et « All Is Burning » libèrent un excellent groove. « Wayward Son » est hanté par John Lennon. « Echo & The Machine » adopte un profil plus contemporain. Si « Worlds Don't Begin And End With You » manque un peu de puissance, il constitue une invitation à rejoindre la piste de danse en compagnie de votre partenaire.
Manifestement, ces musicos sont doués et ont bien assimilé les références de leurs maîtres es psychédélisme. Les esprits chagrins les taxeront probablement de revivalistes ; mais perso, j’estime que leur approche est finalement bien dans l’air du temps, évoquant même parfois en mon for intérieur la formation belge, Moaning Cities…
Profitant de la mise en veille de Super Furry Animals, Guto Pryce, le bassiste du band gallois, s'est lancé, au cours des deux dernières années, dans un nouveau projet : Gulp. Une aventure qu'il partage en compagnie de son épouse Lindsey Leven et du guitariste Gid Goundrey. La batterie est tour à tour confiée à Gwion Llewelyn (ex-Race Horses) ou à son vieux comparse Dafydd Ieuan. Un autre SFA est également de la partie puisque Cian Ciaran se charge du mixage.
Comme beaucoup de sorties actuelles, "Season Sun" puise pas mal de ses influences dans le psychédélisme des sixties et du début des seventies. Synthés analogiques, guitares et basses fuzz confèrent un délicieux charme vintage à cette estivale ballade pastorale. Cet univers rétro est un parfait écrin pour la voix suave de Lindsey Leven. On pourrait la situer entre Alison Goldfrapp et Trish Keenan même si les intonations de l'Ecossaise sont souvent plus folk que ses consoeurs. La pureté de son chant sur "Game Love" peut même évoquer Vashti Bunyan.
"Vast Love", le morceau le plus rythmé de l'album, pourrait très bien avoir été composé par Django Django et mériterait de devenir un tube indie. Tout comme l'hypnotique "Clean & Serene", une perfection synth-pop à la rythmique motorik. D'autres tracks lorgnent davantage vers le psych-folk des sixties comme le délicat "Grey Area". Et l'on retrouve encore cette époque sur "Let's Grow", "Seasoned Sun" et "Play" qui ne sont pas sans rappeler Love. Les sonorités de la basse de monsieur Pryce y sont sans doute pour beaucoup.
Bref, "Season Sun" ne manque pas de qualité. Ses mélodies accrocheuses se découvrent avec grand plaisir et se réécoutent sans lassitude. Les nombreuses interventions du farfisa et autres synthés analogiques sont un régal pour l'amateur de sonorités vintage. Ces atmosphères nonchalamment psychédéliques devraient sans doute parler aux amateurs de Broadcast, Stereolab et des trop méconnus Soundcarriers. Elles ont en tout cas convaincu le jury du Welsh Music Prize, les victoires de la musique galloise, organisées par la BBC. L'album y sera en compétition avec ceux, entre autre, de Manic Street Preachers, Cate Le Bon, Future of The Left, Joanna Gruesome et d'une vieille connaissance, un certain Gruff Rhys...
Gulp est donc bien la bouffée d'air frais promise. Et "Season Sun", un album particulièrement agréable. Léger mais revivifiant comme un rayon de soleil sur le mont Snowdon.
Ce collectif implique 9 musicos issus de la région de Rochefort et de Bruxelles : Maxime Bocahut (trombone et clavier), Martin Chemin (grosse caisse, percussion et chant), Gaëtan Dardenne (clarinette), Emmanuel Haessig (saxophones alto et baryton), Thibault Jungers (caisse claire), Gilles Kremer (hélicon et clavier), Luc Lambert (trompette), Simon Menot (saxophones soprano et ténor) et enfin Maxime Tirtiaux (banjoline et basse). En 8 années d’existence, le band wallifornien a accordé plus de 500 concerts. Donc les planches, il connaît bien.
Le team s’adapte constamment aux circonstances. Imprévisible, il peut se produire au coin d’une rue, lors d'une festivité locale, au sein d’une salle de spectacle, dans le cadre d’un festival des Arts urbains, une kermesse au boudin ou à l'entrée d'un supermarché. Il se proclame première fanfare frigotartinable de Belgique. Elle est également taxée de ‘Fanfare de l'E411’, car elle est constituée d’anciens membres issus d’un collectif de promotion des arts de la rue à Louvain-la-Neuve. Ses musiciens sont aujourd’hui éparpillés le long de l'axe Nord-Sud de la Wallonie, et c’est la raison pour laquelle elle a reçu cette appellation.
KermesZ à l'Est privilégie avant tout, l’aspect festif de la musique. Une musique énergique et dansante. Née essentiellement de la rencontre entre musique traditionnelle klezmer (soit d’origine juive et pratiquée en Europe centrale et de l'Est), balkanique et rock. Et le résultat proposé sur ce premier Ep est détonnant. Il déménage et invite à danser. Si vous appréciez en même temps le trash metal, le bal musette et la musique manouche, vous allez adorer. « Zumkid » et « Papazov » incitent à vous remuer le popotin sur. Pot-pourri festif, « Rampi Rampi » agrège world music, musique manouche et slave. Cet Ep est exclusivement instrumental. « Sadovzko » est dominé par les cuivres. Plus expérimental, « La Noire » sort du cadre de cet Ep. Court, « La Blanche » s’ouvre dans un climat de bal musette. Pourtant, il s’agit de la dernière composition de cet essai parfaitement réussi.
Une fanfare d’un tel calibre est toujours impressionnante lorsqu’elle se produit en ‘live’. Et pour cause, pour faire partie d'un tel collectif, il faut être de fameux musiciens. Et ceux de KermesZ A L'Est le sont tout particulièrement…
Un peu d’histoire pour commencer. En 1969, alors que les derniers hippies rentrent de Woodstock, heureux d’avoir vécu 3 jours (sans doute plus) de paix, d’amour, et d’allégresse, se prépare un des épisodes les plus sombres l’histoire. Et il surviendra en novembre. En Californie. Dans le cadre de ‘The Altamont Speedway Free Festival’. Les organisateurs ont eu la mauvaise idée d’engager des Hells Angels pour assurer la sécurité. Et l’un d’entre eux va poignarder un spectateur, pendant le concert des Rolling Stones. Il succombera à ses blessures. Quatre personnes vont d’ailleurs trouver la mort pendant ce festival. Un événement devenu tristement célèbre que, trente ans plus tard, quelques musiciens ont voulu commémorer.
The Lords of Altamont est une formation née en 1999. Elle est fondée par des ex-membres des Cramps et des Fuzztones. Depuis sa formation, le line up a connu de multiples changements. Seule la figure de proue, le chanteur Jack the Preacher Cavaliere, est toujours au poste. Quinze ans plus tard, le groupe californien (issu de Los Angeles, très exactement) publie son quatrième album intitulé « Lords take Altamont ». Il est donc destiné à rendre hommage aux victimes du festival. Et le combo a décidé d’interpréter des morceaux joués par différents groupes qui y avaient participé. Bien sûr, à sa manière. Soit dans un style rock’n’roll garage. Dont les inévitables « Sympathy for the devil » et « Stray Cat Blues » des Stones ainsi que « The other side of this life » et « 3/5 of mile in 10 seconds » du Jefferson Airplane.
Si le concept est louable, les adaptations n’apportent strictement rien de neuf. Elles se révèlent même finalement anecdotiques. Dommage que le combo n’ait pas osé se fendre de versions plus audacieuses…
Un duo mixte drive Low Society : la chanteuse Mandy Lemons et le guitariste Sturgis Nikides. Originaire de Houston, Mandy est depuis contaminée, depuis bien longtemps par la musique des racines, le Texas Blues et le Memphis rock'n'soul. Guitariste et producteur, Sturgis possède une fameuse expérience sur la scène musicale. Ce New-yorkais a ainsi accompagné John Cale, du Velvet Underground. De leur rencontre est né un mélange de hillbilly et de blues du Delta et ainsi que du Texas, le tout épicé d’une bonne dose de rock underground des seventies, pratiqué alors à NYC. Le band avait déjà publié un album en 2011, "High time". Le duo est soutenu par une section rythmique réunissant le drummer Mike Munn et le bassiste Nick Dodson. Les sessions se sont déroulées à l'American Recording Studio de Memphis.
"Crammed & jammed" prend un excellent départ. La slide de Sturgis impose une rythmique lancinante. Très vite, la voix Mandy entre en scène. Rageuse, déterminée, elle émane du fond de la gorge et rappelle une chanteuse mythique texane, feu Janis Joplin. Invité, Rick Steff (NDR : un membre du groupe local Lucero) se charge des parties d’orgue. Le "Voodoo woman" de Koko Taylor est une superbe cover. Un blues ‘à l'arraché’, marqué par les coups de griffes assénés par la slide. La voix de Miss Lemons semble possédée. Sur les planches, elle doit certainement devenir une vraie bête de scène. Pas étonnant qu’elle avoue être une disciple de Koko Taylor. Et Dr Herman Green intervient au saxophone, un vétéran du jazz qui a joué auprès d’une multitude de musicos, dont BB King. "Need yer love" change complètement de style. Une sorte de valse roots pour laquelle Steff est passé à l'accordéon ; une chanson qui pourrait facilement relever du répertoire d’Arno Hintjens. Compo singulière, "Son House says" bénéficie du concours d'une des légendes du blues du Delta, Mr Son House. Encore une bonne roots song qui démontre la richesse du répertoire du combo et l’amplitude vocale de la chanteuse. En outre, la guitare et l'orgue tirent parfaitement leur épingle du jeu, au sein de cette atmosphère plutôt cool. Le piano de Steff talonne la voix autoritaire de Mandy, tout au long de "You can't keep a good woman down", un roadhouse blues bien nerveux. Empreint de douceur, "This heart of mine" est un long blues lent qui permet de bien mettre en exergue le talent des deux leaders. Enrichi de chœurs "Up in your grave" s’inscrit davantage dans la tradition du gospel. Bien sudiste, la compo est enflammée par le bottleneck de Stugis. "Let me ride" est un blues plus traditionnel. Le climat évoque une époque au cours de laquelle les chanteuses commençaient à se frotter au blues. Dans les années 1920, pour être plus précis. Une piste soulignée par les cordes acoustiques de Mr Nikides et les accords du pianiste de jazz issu de Memphis, John Shaw. Mike Munn imprime le rythme du chemin de fer à "No money down", une plage country que colore Nikki de sa guitare steel. "You got a right" est un bon Memphis blues à coloration R&B. L’orgue domine le sujet, alors qu’on assiste à un nouvel envol de la slide! "El diablo" est une ballade roots aux accents traditionnels. La voix est sereine face à un ballet de cordes acoustiques. "Should've known better" est un shuffle à la texane. Lors de cette finale, la section rythmique donne bien l’impulsion nécessaire à l'ensemble. La voix de Mandy est à nouveau souveraine, alors que pour la dernière fois, le saxophone d'Herman Green s’immisce dans le décor sonore. Un excellent album!
Présent sur la scène pop/rock depuis près de 30 ans, les vétérans gallois de Manic Street Preachers ne semblent pourtant pas blasés pour autant… « Futurology », leur nouvel essai, succède déjà à l’inégal « Rewind the Cause » sorti il y a à peine un an et également enregistré à Berlin ! Une écriture débordante au détriment de la qualité des compositions ? C’est à nouveau le cas sur 12ème elpee ? Quelques pistes sont même carrément pénibles. A l’instar de « Sex, Power, Love & Money » qu’on croirait chanté par Dexter Holland d’Offspring ! Ou d’« Europa Geht Durch Mich », une plage électro inconsistante à laquelle participe l’actrice allemande Nina Hoss, bien plus convaincante à l’écran que derrière le micro. Certes les ‘Manics’ possède toujours ce style si reconnaissable et cette urgence qui leur est propre. Une fougue doublée de textes engagés qui ont le mérite de paraître en cette période d’instabilité politique ou de montée des extrémismes… « Futurology » n’est cependant pas un album de mauvaise facture ; d’ailleurs certaines plages sortent du lot comme l’instrumental « Dreaming a City (Hugheskova) », « Misguided Missile », caractérisé par un intriguant crescendo stimulé par la ligne de basse, ainsi que le titre maître, un morceau chargé de passion. Green Gartside de Scritti Politti apporte également sa participation, sur le mollasson « Between the Clock and the Bed ». Il aurait pu s’abstenir…
James Dean Bradfield, Nicky Wire et Sean Moore seraient peut-être bien inspirés de s’accorder un peu de repos, histoire de recharger leurs batteries ; car on ne doute pas une seconde de leurs facultés à trouver les ressources pour se régénérer dans le futur !
Le dernier elpee d’Eugene MacGuinness, je l’ai découvert il y a peu. Et je l’ai franchement savouré. Aussi, mon appétit gourmand de pépites pop/rock ne pouvait passer à côté du nouvel essai de l’artiste britannique…
« The Invitation to the Voyage » recelait une myriade de tubes sucrés (« Japanese Cars », « Sugarplum », etc.) « Chroma » creuse un même sillon, livrant de véritables perles au charme indiscutable. L’influence de la pop anglaise des 60’s est toujours bien présente. A l’instar du titre qui ouvre l’elpee, « Godiva », qui doit tout aux Beatles et à leur « Day Tripper ». De plus, a contrario du parfois décevant Miles Kane dont il est d’ailleurs le guitariste en tournée, McGuinness n’oublie pas d’alléger ses mélodies, pour les rendre réellement contagieuses, comme sur « I Drink Your Milkshake » dont le refrain semble piqué aux Kinks. Moins focalisé sur les synthés que le précédent opus, « Chroma » s’avère encore plus accessible à travers sa palette de couleurs résolument pop. Et un titre comme « She Paints House » devrait lui permettre de se faire une place au soleil auprès de The Coral et The Last Shadow Puppets, qui partagent une même passion rétro-futuriste du rock anglais que notre cher Eugene…
Etienne Villeminot, aka Tony Melvil, est né en 1982 à Dijon. Tony entame sa carrière en 2002, au sein de différentes formations lilloises, notamment auprès du chanteur Lulu au sein du groupe de rue Tchobello. Violoniste de formation classique, il passe rapidement à la guitare et au chant et enchaîne de nombreuses expériences de spectacle pour lesquelles il est tour à tour violoniste, guitariste, comédien, choriste, compositeur, figurant, roadie, mais aussi chargé d'administration ou comptable.
En 2009, poussé par Thibauld Defever (Presque Oui) et Romain Delebarre (Delbi), il se lance en solo sous le pseudo de Tony Melvil et teste ses propres chansons sur scène. Thibauld Defever le conseille pour l'écriture et pose un oeil expérimenté à ses concerts. Quant à Delbi, il prend en charge les arrangements. Repéré par 'Tour de Chauffe' en 2010, puis par ‘Domaine Musiques’ en 2011, il enregistre automne de la même année « Tentative d'évasion », un premier Ep 7 titres, arrangé et réalisé par Delbi.
En mars dernier, Tony publiait son second Ep « La Cavale ». Chez At(home) un label qui ne se contente donc pas de signer des artistes de rock alternatif ou de métal. La chanson française à textes, surtout si elle est doublée par une attitude rock’n’roll a également voix au chapitre. A l’instar de ses prestations ‘live’ qu’il accorde en formule trio, Tony Melvil se consacre à la guitare, au violon et au chant. Il est épaulé par Delbi au dobro et aux claviers ainsi que Maxence Doussot à la batterie et aux percussions.
« On M'A Dit » ouvre le disque. Tony y parle de la vie et signale que tout ira mieux... un autre jour. Tony est d’abord violoniste, un instrument avec lequel il fait corps depuis l'âge de 4 ans. Et il nous le rappelle tout au long de « Les Miroirs A L'Envers », une chanson qui baigne dans un climat particulièrement mélancolique.
Pour « L'Esprit Aventurier », les paroles sont à prendre au second degré. Elles ne manquent pas d'humour et reflète son esprit aventurier. Une aptitude qu'il développe particulièrement bien sur disque, mais encore mieux en 'live'. C'est la raison pour laquelle je souhaitais absolument assister à un des concerts de cet asticot (NDR : pardon, dans la chanson il parle plutôt du papillon ou de la libellule). « Sans Langue Sans Visage » est la chanson la plus rock de cet Ep. Elle engage directement à se rendre sur le dancefloor. « Bien Avant » termine très bien ce second Ep. On attend avec enthousiasme et intérêt son troisième, actuellement en chantier. Tony est un artiste éclectique. Parallèlement à sa carrière solo, il tente un tas d'expérimentations, notamment au sein de sa Compagnie Illimitée qu'il a créée en 2012, afin de monter des représentations pluridisciplinaires sur base de chansons. Destiné au jeune public, son spectacle baptisé 'Quand je serai petit' sera mis en scène par Marie Levavasseur (Cie Tourneboulé). Il s'y produira en duo en compagnie du musicien/producteur lillois Usmar, à partir de la fin décembre 2014.
Sinéad O'Connor vient donc de publier son dixième elpee, « I'm Not Bossy, I'm The Boss ». Après avoir transité par une période mystique, opéré un retour –parfois réussi– vers les racines celtiques et reggae (NDR : malgré son titre interminable, « She Who Dwells in The Secret Place Of The Most High Shall Abide Under The Shadow Of The Almighty » constitue certainement une de ses œuvres les plus abouties ; et elle remonte à 2003), Sinéad O'Connor a brusquement décidé de revenir à un style pop/rock plus conventionnel. Soit à ses premiers amours. En 2012, elle grave « How About I Be Me (And You Be You) ? », un disque qui lui permet de retrouver une certaine popularité auprès des aficionados de la première heure, même si le long playing n’atteint pas l’excellence de « The Lion And The Cobra » (1987) ou de « I Do Not Want What I Haven't Got » (1990), opus qui recelait le succès planétaire « Nothing Compares 2 U », écrit par Prince.
Mais penchons nous sur « I'm Not Bossy, I'm The Boss ». En observant l’image reproduite sur la pochette, on a l’impression que quelque chose cloche. En fait, Sinéad O'Connor est représentée comme un hybride entre Suzi Quatro et Miley Cyrus. Serait-ce une caricature destinée à tromper l'ennemi ? Probable, car Sinéad O'Connor est devenue, au cours des dernières années, une fervente féministe.
L’album s’ouvre par deux chouettes titres pop. Tout d’abord un très 90’s « How About I Be Me » et puis « 8 Good Reasons ». Insignifiante, « Dense Water Deeper Down » prend pourtant une autre dimension en live. Ce titre est davantage country, americana, même. Dommage que ce ne soit pas cette version qui figure sur le cd. « The Vishnu Room » est une jolie ballade bien ficelée. « The Voice Of My Doctor » lorgne vers le blues du Delta. Agréable à l’écoute, « Harbour » ne manque pas de charme. Seun Kuti, le fils de Fela, se réserve le saxophone tout au long de « James Brown ». Et son intervention est brillante. Sculpté dans le rock par les guitares, « Take Me To Church » est une compo de bonne facture. C’est également le single qui préludait la sortie du long playing. Et Sinéad semble y avoir retrouvé une certaine énergie juvénile. Soulignée par des accords de piano, « Streetcars » est une plage empreinte de douceur. Encore un morceau magnifié en public. Bref, si on a retrouvé sur son nouvel elpee, la voix hantée et frémissante d’O’Connor, il faut reconnaître qu’on aurait aimé quand même qu’elle prenne un minimum de risques. D’autant qu’elle a pu bénéficier du concours d’un backing group de classe.
Le parcours étonnant de Gabriel Rios débute en 1998. Il participe au Humo's Rock Rally, en compagnie du groupe The Nothing Bastards. C'est en 2004 que Gabriel publie son premier album solo, « Ghostboy ». Après avoir rencontré Jo Bogaert (Technotronic). Le single « Broad Daylight » rencontre un immense succès et permet à Rios de dépasser les frontières de la Belgique. Musicien talentueux, chic et sexy, Gabriel séduit aussi bien sûr disque que sur scène. Faut dire que, fruit d'un mélange détonant de swing, de rock et de funk et parfois de jazz, sa musique ne manque pas de charme. Il décroche de nombreuses récompenses belges et internationales. En 2007 il grave son deuxième opus, « Angelhead », qui squatte à nouveau la tête des charts, durant de longues semaines. Devenu alors une star de la pop, il décide d'en revenir à une formule plus intimiste. En solitaire ou en se limitant à un minimum de collaborateurs, comme Jef Neve et Kobe Proesmans.
Il y a 14 mois, le Belgo-portoricain commence à poster, tous les mois (NDR : très exactement chaque troisième lundi), une nouvelle compo sur son site. Un projet qui va aboutir, septembre 2014, par la réunion de ces 12 titres sur un nouvel album qu’il intitule « This Marauder's Midnight ». Il s’agit de son quatrième.
L’elpee a été minutieusement mis en boîte à New York (Chinatown). Pour la circonstance, l’artiste a reçu le concours de deux musiciens néerlandais de formation classique, Ruben Samama à la contrebasse et Amber Docters van Leeuwen au violoncelle. Et le courant est passé instantanément entre les différents intervenants. Toutes les chansons ont été écrites en une semaine. Et enregistrées pour moitié dans une petite église de Woodstock, et l’autre au sein d’anciens studios sis aux Pays-Bas et en Belgique. Gabriel a privilégié l'utilisation d'instruments athentiques et en bois, afin d'obtenir un son chaleureux et naturel. Le plus naturel possible. Gabriel a également bénéficié de la participation de cuivres ; soit Matt Holman et Sam Vloeimans aux trompettes, Tom Verschoore et Nick Grinder aux trombones, enfin John Morgan Bush et Peter Van Montfort aux cors français.
L’elpee possède un son exceptionnellement clair et chaleureux, entretenu par la voix latino de Rios ainsi que les instruments basiques. Pour la circonstance, Gabriel est uniquement armé d’une sèche. Le climat est dépouillé. La structure des compos est simple, afin de les rendre les plus intemporelles possibles. Contagieuses, elles peuvent se siffloter aisément sous la douche. Lorsqu’il a écrit les chansons, Gabriel a reconnu avoir éprouvé certaines difficultés pour élaborer les arrangements et trouver les mots justes.
« Gold », c’est son premier single. Gabriel ne s'attendait pas à un tel succès auprès des radios. A ce jour, c'est devenu son plus grand hit en Belgique.
« This Marauder's Midnight » constitue certainement le meilleur album de Gabriel Rios. Il a d’ailleurs été unanimement salué par la critique. Et a séduit de nombreux mélomanes avertis. Un album 5 étoiles !
Cd1 : « Gold » / « Madstone » / « Apprentice » / « Police Sounds » / « City Song » / « Burning Song » / « Song n°7» / « Work Song » / « Your Gods » / « Skip The Intro » / « All Is Fair » / « Swing Low ».
Les mêmes compos figurent sur le second compact disc, mais en version ‘live’. Un tracklisting enrichi d’un bonus track, « World Of Sex »
Mélancolique mais terriblement addictif...
Le duo new-yorkais The Ropes mérite vraiment qu’on manifeste davantage d’intérêt à son égard. Il approche la décennie d’existence et ne jouit pas encore la notoriété qu’il mérite. Parmi ses faits d’armes, on épinglera des premières parties pour Imagines Dragons ou Crocodiles. Tricky a même samplé son single « Does It ».
Fin octobre, les deux Américains publient un Ep de trois chansons intitulé « Sadness Is The Rich Man’s Drug ». A la lecture de ce titre, pas la peine de s’attendre à des morceaux très optimistes. Mais ce n’est pas ce qu’on espère de cette formation de dreampop. Car sa musique est froide, pas forcément très accessible mais terriblement addictive.
L’ouverture s’effectue sur le titre éponyme et plonge tout de suite le mélomane dans une ambiance atmosphérique. Le son y est très dense et la voix de Sharon Shy colle parfaitement aux émotions que souhaite communiquer le duo. Le chant androgyne rappelle immédiatement Victoria Legrand de Beach House. « Maiden Claiming » accélère le rythme grâce à une batterie plus régulière. Le refrain est plus puissant ; nous montons clairement dans les tours.
Cette impression est confirmée par « I Am The Last Getto ». La mélancolie est toujours bien présente mais elle prend une autre forme. Le son se rapproche plus de la new wave. Ce n’est pas surprenant, la formation cite souvent le mouvement français des années 50 comme inspiration. Néanmoins, la présence de ce chant froid est déroutante et vraiment magnifique. Un vrai plaisir pour l’oreille.
Vous l’avez compris, « Sadness Is The Rich Man’s Drug » est un gros coup de coeur. L’Ep est très (trop) court mais ne possède aucune faiblesse. Les trois pistes s’enchaînent et se complètent à merveille. Si vous êtes amateur de dreampop, vous passerez cet Ep en boucle très régulièrement. Le tout est disponible en téléchargement au prix que vous souhaitez (voir ci-dessous). L’occasion est trop belle, ne la laissez pas passer !
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Originaire de Fort Lauderdale, en Floride, ce guitariste de blues/rock est âgé de 43 ans. C’est un spécialiste du bottleneck et de la guitare slide. Vu sa manière de chanter et de gratter, on l'a souvent comparé au regretté Johnny Winter. Malgré la génération d’écart, il possède une même dégaine ; et puis des cheveux de braise alors que ceux de Winter étaient blancs. Eric a entamé son parcours, alors que celui de Winter était plutôt confidentiel. Sa discographie n’est pas très conséquente. Son premier elpee, "Treat me right" remonte à 1999. Il a publié "Devil's train" en 2001, "Black pearls" en 2003, "Eric Sardinas & Big Motor" en 2008 et "Sticks and stones" en 2011.
Sardinas se produit sous la forme d’un trio. Il est épaulé par le bassiste Levell Price, dont la barbe est plutôt imposante, et le drummer Bryan Killing. Eric amorce "Run devil run" à la guitare Resonator, qu’il amplifie rapidement. La batterie imprime un rythme tribal. A la poursuite du diable, la voix de Sardinas communique sa fureur et son travail sur les cordes est impressionnant. Rock’n’roll, "Boomerang" est imprimé sur un tempo très enlevé. Les musicos assurent les backing vocaux pour leur leader qui vocifère à la manière d’un jeune Johnny Winter. Matt Gruber a accompli un remarquable boulot à la production. Et il tire un maximum du trio. Plus lente, "Tell me you're mine" est une plage interprétée d’une voix frémissante, alors que les percus entretiennent un climat de folie permanente. Les sonorités métalliques du dobro acoustique ouvrent "Morning glory". Les vocaux affrontent les claquements de mains et les accords hallucinants de guitare. La version du "Bad boy blues" d'Eddie Taylor est classique et plutôt primaire. Plus subtil, "If you don't love me" est un blues rock bien équilibré qui ne manque pas de charme. Signé par la célèbre paire Leiber & Stoller, "Trouble" est un blues lent bien ficelé, dont le rythme change radicalement en cours de route, servant alors de tremplin idéal à l’envol décisif de la guitare slide. Caractérisé par ses excellentes interventions de six cordes, "Long gone" revient au rock'n'roll. La cover du "How many more years" de Howlin' Wolf colle parfaitement au style de Sardinas. Et ce n’est pas étonnant. Eric est dans son élément, la voix convaincante et la guitare demeurant constamment aux abois. Baignant dans le delta blues, "Heavy loaded" clôt l’elpee. La guitare Resonator et le kazoo du Hilo Boy Honorady Brigade participent à la folie collective. Sans surprise, cet opus est dédié à la mémoire du regretté Johnny Winter.
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