L’identité musicale francophone a toujours éprouvé certaines difficultés face à l’hégémonie anglo-saxonne.
Enfin, c’était l’évidence, il y a quelques années.
On ne compte plus les groupes ou artistes qui ont tenté de se convertir au rock insulaire, en utilisant, au mieux, la langue de Voltaire comme lien salutaire (ou salivaire, c’est selon), et au pire un accent franglais qui faisait sourire, dans le meilleur des cas.
À côté de ces nombreux échecs cuisants, on discerne néanmoins quelques magnifiques exceptions, groupes frondeurs qui ont ouvert la brèche à la nouvelle génération.
Aujourd’hui, plus question de s’incliner respectueusement ou révérencieusement devant les pontes d’outre-Manche ou issus du Nouveau Continent.
Et de cette époque trouble et pourtant pas si lointaine, subsistent encore quelques fiers représentants.
Daytona, groupe lyonnais actif depuis 1990, appartient à cette race d’intègres défenseurs d’une identité propre, malgré de solides références étrangères.
Une Pop variée, non avariée, loin de la variétoche, en somme.
Dans cette mouvance initiée pat Noir Désir, Diabologum, Les Thugs ou encore Sloy, ramant à contre-courant, le pied enfoncé dans la fourmilière, il n’était pas toujours aisé de faire son trou.
En résulte une carrière en dents de scie pour Daytona, qui nous revient aujourd’hui sous un nouveau line up, mais en affichant une même et farouche intégrité.
Si le succès n’est pas une donnée scientifique sur laquelle on peut miser à coup sûr, ils n’en reste pas moins que les cinq titres de “Morceaux De Lune” ont le potentiel pour se démarquer du mælström musical actuel.
Poésie Pop et ouverture musicale, mélodies accrocheuses et riffs efficaces.
Tels sont quelques uns des ingrédients présents d’un bout à l’autre de ce disque.
Ma systématique réserve face à la langue de Molière, héritée de ces années citées en tête d’article ne semble pas avoir altéré mon jugement. Preuve de l’équilibre de l’ensemble.
Le phrasé lui-même s’avérant une arme de séduction redoutable (principalement à mon sens sur “Comment”).
Toute introspection n’est cependant pas exclue, car on se retrouve plongé dans un monologue cinématographique intriguant sur le palpitant “Ce Soir Là”, caractérisé par son accent ‘Mogwaien’ à couper au couteau.
Bref, oubliant toute appréhension passéiste, je découvre ce groupe avec grand plaisir et vous invite à faire de même.
Car outre l’évidence de morceaux hyper efficaces, on rencontre ici une certaine intelligence dans le propos qui rend cet Ep indispensable.
Et le premier qui fait référence à Indochine prend mon pied au c** !
La finale du Concours-Circuit se déroulait ce samedi 20 décembre au Botanique de Bruxelles, occupant alternativement l’Orangerie et la Rotonde. Cette fois encore, le concours a permis à des groupes débutants de présenter leur musique à un public composé de professionnels, de journalistes et de curieux. Vu l’indisponibilité de notre rédacteur en chef, c'est votre serviteur qui a eu l'honneur de représenter Musiczine au sein du jury. Court-Circuit, l'ASBL organisatrice, a maintenant laissé tomber l'appellation 'Pop Rock' pour s'ouvrir encore davantage aux différents styles de musique. Les cinq finalistes, Alaska Gold Rush, Forest Bath, Mambo, MAW//SIT//SI et Thyself, reflètent bien cette diversité et espèrent tous pouvoir succéder aux lauréats précédents : Kiss & Drive en 2010 et Billions of Comrades en 2012. Il y a beaucoup de monde et il faut parfois se bousculer pour pouvoir accéder à Rotonde, où débutent les hostilités, à 20h tapantes.
En lever de rideau, Forest Bath, un projet de l’illustratrice bruxelloise Joanna Lorho. Elle se consacre au chant et au piano et est accompagnée d'un violoncelliste ainsi que d'un batteur/guitariste/trompettiste. La musique évolue dans un univers très intimiste et aussi mélancolique. La voix fait penser à Agnès Obel, Lisa Gerrard, Joanna Newsom ou Jana Hunter. Les arrangements sont discrets mais fouillés et les compositions, parfaitement en place. Seuls petits bémols, la prononciation anglaise est parfois un peu hésitante ; en outre, après 4 à 5 morceaux le set se révèle quelque peu monotone. Mais dans l'ensemble, on a été ému par la sensibilité à fleur de peau de Joanna Lorho. Un projet à suivre !
Le programme se poursuit au sein de l'Orangerie dans un tout autre style, très cross-over, de MAW//SITT//SII. Le patronyme de ce groupe issu de Braine l'Alleud est plutôt bizarre, mais en surfant sur Google, on découvre qu'il se réfère probablement à Maw-Sit-Sit, une pierre précieuse que l'on trouve en Birmanie. Articulée autour du chanteur Christophe Willems (qui milite chez From Kissing), MAW//SITT//SII (auparavant Lady Crazy Madrid), propose un mélange de rock alternatif, de post-rock et de psyché. On pense surtout à M83, surtout en raison des voix haut perchées et des passages atmosphériques. Il y a aussi un côté clairement tribal dans les cris scandés de Willems, mais surtout dans les percussions qu’on pourrait également qualifier d’hypnotiques. Seul problème, luxuriante, l’expression sonore est desservie par un son criard. On reste donc sur sa faim même si le projet recèle un véritable potentiel.
Retour dans la Rotonde pour une leçon de mathématiques. On y découvre Mambo, une formation liégeoise de 'math-rock'. Pour ceux qui l’ignorent, le math-rock est caractérisé par des signatures rythmiques atypiques, telles que 7/8, 11/8, 13/8 etc. C'est cette complexité ‘mathématique’ qui donne son nom au genre. Les influences sont puisées dans le metal, le rock progressif, l'indie et même le punk. Fan fan de 'prog', je ne peux que me réjouir de voir des jeunes pousses embrasser les complexités infinies de la musique avec une telle virtuosité. Les deux guitaristes, Julien Conti et Matthieu Charray, sont véritablement époustouflants et l'ensemble est très cohérent. On pense à Yes, Captain Beefheart, Redneck Manifesto, Honey for Petzi mais aussi à Rage Against The Machine pour les moments plus 'metal'. C'est 100% instrumental, frénétique, nerveux, inventif et toujours surprenant. Ils recueillent un joli succès auprès d'un public assez médusé. Incontestablement la prestation la plus originale de la soirée !
On croit avoir trouvé les lauréats de la finale mais c'est sans compter sur la prestation de Thyself, qui est venu semer le doute dans nos esprits. Réunissant quatre jeunes ingénieurs du son, ce combo namurois a présenté le set le plus 'professionnel' de la soirée. Leur indie-rock teinté de touches trip-hop/prog évoque Radiohead, Coldplay, Muse voire Archive. Les mélodies vocales de Florestan Thiry sont très belles, et les orchestrations, très subtiles. Bizarrement, ce qui devrait être un atout est ici plutôt ressenti comme un désavantage. C'est peut-être trop 'mainstream' pour un concours comme celui-ci ? En tout cas, une prestation en tous points impressionnante ; incontestablement notre coup de coeur de la soirée.
Clôturant le concours, Alaska Gold Rush a bénéficié de l'effet du dernier en lice, susceptible de mettre tout le monde d'accord. Dans une Rotonde bourrée à craquer, Renaud Ledru et Alexandre De Bueger ont démontré que la sincérité et la fraîcheur sont des facteurs décisifs. Ici, pas d'esbroufe, juste un chanteur/guitariste et un batteur pour dispenser un folk-rock indie on ne peut plus efficace. Leur musique américaine sent la poussière, le blues, le rock'n'roll de Jerry Lee Lewis, le folk de Ramblin’ Jack Elliott et le songwriting est même hanté par Bruce Springsteen. On pense ainsi à War On Drugs, Fleet Foxes, Sun Kil Moon, mais en plus musclé. Evidemment, le côté 'Americana' peut faire sourire, voire même agacer, mais la simplicité du propos et l'authenticité des musiciens ont quelque chose de désarmant. Le public présent leur réserve un triomphe et on sent bien qu'il sera difficile de ne pas couronner cette dernière vague déferlante...
Nous rejoignons ensuite le jury dans la salle du Witloof Bar pour une délibération qui se révélera être très rapide, tant les avis convergent vers Alaska Gold Rush. La formation bruxelloise remporte donc le premier prix, qui comprend une aide de la Fédération Wallonie-Bruxelles d’une valeur de 2000€, une session live offerte par Sabam For Culture, un accompagnement médiatique et un enregistrement studio de 2 jours accordé par Noise Factory. Le second prix est décerné à Mambo. Les Prix ‘Coup de Cœur’ ont également été attribués par les différents partenaires. Ils comprennent notamment la participation à différents festivals (Les Ardentes, Dour, Les Aralunaires, ...), mais aussi une programmation dans différentes salles et notamment, celles appartenant au Club Plasma (Belvédère/Namur, Rockerill/Charleroi, Alhambra/Mons).
(Voir aussi notre section photos ici)
Le palmarès complet:
Premier prix : ALASKA GOLD RUSH
Prix de la Fédération Wallonie-Bruxelles (2000€)
Prix Sabam For Culture : une session live réalisée par «Bruxelles Ma Belle»
Un accompagnement médiatique offert par This Side Up
Le studio Noise Factory offre un prix studio composé de :
2 jours d’enregistrement
la mise à disposition d’un ingénieur son
la possibilité de loger sur place
Deuxième prix : MAMBO
Prix de la Fédération Wallonie-Bruxelles (1000€)
Prix Coup de Coeur
Prix Club Plasma : ALASKA GOLD RUSH
(750€ offert à un groupe choisi par les programmateurs représentant le réseau)
Prix Pure FM : EPK (une interview+ session « live ») : ALASKA GOLD RUSH
Prix Ça Balance : MAMBO
(1 jour d’enregistrement / 1 jour de mixage / la mise à disposition d’un ingénieur son)
Prix Roland : ALASKA GOLD RUSH
(Un bon d’une valeur de 400€ pour n’importe quel article de la marque Roland)
Prix Musictown : ALASKA GOLD RUSH
(Mise à disposition d’un studio de répétition - durée 30h)
Prix VNYL+Biplan : ALASKA GOLD RUSH
(Une tournée de 4 dates dans le Nord-Pas-de-Calais pour un groupe choisi par VNYL et Le Biplan)
Prix salles de concerts et festivals (programmation en 2015)
Dour Festival : ALASKA GOLD RUSH
Les Ardentes : ALASKA GOLD RUSH
Les Aralunaires : THYSELF
Lasemo Festival : MAMBO
Bucolique Festival : ALASKA GOLD RUSH
Alhambra/Mons: MAMBO et ALASKA GOLD RUSH
Belvédère/Namur : THYSELF
Rockerill/Charleroi : MAMBO
Eden/Charleroi : ALASKA GOLD RUSH
Bruxelles Les Bains: MAMBO et ALASKA GOLD RUSH
Prix T-Heater
T-Heater a offert aux 5 finalistes une résidence d’un week-end à La Marlagne durant le mois de novembre.
T-Heater offre également la présence d’un des groupes à l’affiche du Trix Anvers: MAW//SITT//SII
Compilation
Tous les finalistes sont présents sur une compilation pressée en collaboration avec Wolfpack United et masterisée par Angstrom Mastering.
Pour écoutez la compilation, c’est par ici
Retrouvez Court-Circuit :
https://www.facebook.com/courtcircuitasbl?fref=ts
https://twitter.com/Court_Circuit
et sur le site www.court-circuit.be
Imaginé par l’équipe qui organise le festival de Dour, ‘Le Père Noël est Un Rockeur’ a fait pas mal d’émules, tant en Belgique que dans le Nord de la France. Il en est d’ailleurs à sa quatorzième édition. Et en 2014, il s’étale sur 3 jours, dans trois villes différentes de la région du Centre et du Borinage. Et c’est la salle de Sports douroise qui accueille le dernier, celui auquel vos serviteurs ont assisté. Pour rappel, le principe est simple, l’entrée est fixée à un jouet d’une valeur minimale de 10 €. Et un enfant défavorisé en recevra un exemplaire. De quoi lui donner un peu de bonheur. Cette année 8 000 enfants sont concernés. Et autant de jouets ont été récoltés. En outre, au fil du temps, les artistes se bousculent pour participer à ce festival caritatif, organisé par les ASBL GO GO GO, ARC Borinage/Hauts-Pays et le Festival de Dour, auxquels collaborent de nombreux bénévoles.
Lemon Strow ouvre les hostilités. Malheureusement, je n’ai pu assister qu’à leur toute fin de set. C’est donc partie remise…
Fùgù Mango, je l’avais découvert en supporting act de Puggy, à Mouscron. Le line up réunit deux frères qui militent également chez les Bikinians (NDR : dont un nouvel album est prévu pour 2015), Jean-Yves aux synthés et au chant ainsi que Vincent Lontie à la basse. Sans oublier le drummer, Franck Baya. Pas un néophyte ! Et pour cause, il milite au sein d’une multitude de projets. Il a ainsi prêté son concours à Coffee Or Not, Sarah Carlier, Clare Louise et bien d'autres. En Belgique, quand on veut faire de la musique son métier, il faut être capable de se diversifier. Et c’est le cas des artistes de ce band. Outre les fûts, des timbales, congas et autres cymbales sont disposés sur l’estrade.
« Floaréa » ouvre leur set. Plutôt jolie, la chanteuse/guitariste se démène sur les planches. La musique évoque immédiatement Vampire Weekend. A cause de ce cocktail subtil entre synthés, percussions tribales et harmonies vocales. Leur indie rock est à la fois métissé, coloré et particulièrement sucré. Fùgù Mango ne dispose que de 30 minutes pour défendre son « JùJù ». Pourtant, malgré le peu de temps imparti, il va nous réserver une prestation de bonne facture. Et pas de problème pour chauffer l'auditoire, vu la température ambiante... Plus électro, « Kylie's Dream » est une invitation à rejoindre le dancefloor. Le public commence à affluer… Une reprise : le « Golden Brown » des Stranglers (NDR : 32 ans déjà, un bail !) A la sauce Fùgù, elle est plutôt déroutante. Franck brille derrière ses fûts. Afro, world, latino, rien ne l’effraie. Le concert s’achève par le succulent « Mango Chicks ». Fùgù Mango se produira aux Nuits Botanique 2015. Qu’on se le dise !
Un changement de matos plus tard, place à Recorders. A leur actif, trois Eps et un premier elpee prometteur paru en septembre, « Above The Tide », un disque qui a été mixé par Tony Hoffer (M83, Phoenix, Air, Beck, The Fratellis), à Los Angeles. En outre, le band a pas mal tourné en festival et assuré de prestigieuses premières parties pour des artistes insulaires. Une demi-heure est également réservée au quintet : Gordon Delacroix, Alexandre Meeus, Arnaud de Ghellinck, Pierrick Destrebecq et Florian Donnet. Ils ont le visage peinturluré. Pas comme Kiss, quand même. Deux immenses triangles lumineux sont placés derrière eux.
De facture plutôt classique, mais aux accents très américains, le pop/rock de Recorders est stimulé par des beats électro. Perfectionniste du son, ce groupe belge est amoureux des belles mélodies. Sa musique me fait parfois penser à celle de Stereo Grand. « Kelly » ouvre le bal. Les notes de synthé sont atmosphériques. Très dansant, « 85MPH » invite au dancefloor. Il y a de plus en plus de monde ; notamment devant l’estrade. Les percus et les guitares tirent leur épingle du jeu sur « Wolf Drums », un compo élaborée, plus cold wave, mais particulièrement incisive. « Someone Else's Memory » est hanté par MGMT. Superbe ! Hormis le plus paisible « Under The Waves », la suite du concert est de plus en plus excitante. Boostées par l’électro, les trois dernières compos (« Colorimetic », « Purple And Gold » et « Beatch ») sont même terriblement dansantes. Recorders est en concert ce 7 février 2015 à la Rotonde du Botanique. A ne pas manquer !
C’est Adrien qui s’est chargé du compte-rendu de la prestation de BRNS…
Assister à un concert de BRNS, c’est l’assurance de repartir satisfait. Les Bruxellois ont, en effet, la réputation d’être l’un des meilleurs groupes live de la scène belge. Le quatuor avait une nouvelle occasion de le prouver à Dour. Votre serviteur avait déjà assisté à une de leur épatante représentation lors du festival Ward’in Rock, début septembre. Il me tardait donc de découvrir ce que nous réservait une prestation dans une petite salle. La configuration du band sur les planches est particulière. C’est le batteur qui assure le chant et il est donc mis en avant. Une rare combinaison qui ne pénalise certainement pas les autres musicos, ajoutant une touche mystérieuse à l’ensemble. Car un morceau de BRNS, c’est une énigme que le public à l’impression de résoudre en compagnie des jeunes hommes. Chaque titre est construit crescendo pour finalement se révéler par une explosion jouissive pour le mélomane. Durant ce court show d’un peu moins de 40 minutes, ce sont les chansons de l’EP « Wounded » qui retiennent le plus l’attention. Ce disque est vraiment un bijou et le plaisir est immédiat dans le tube « Mexico » mais également lors de « Our Lights », qui clôture le concert. Dans les bacs depuis cet automne, l’album « Platine » s’est révélé légèrement décevant par rapport au précédent essai. Néanmoins, il prend une autre dimension sur scène. La recette miracle marche également. Caractérisé par ses sonorités atmosphériques, « My Head Is Into You» et « Void » transportent les 500 personnes présentes avant de les ramener sur terre lors du déchaînement final.
BRNS est déjà une valeur sûre si l’on souhaite passer un bon moment musical. L’énergie libérée par les Bruxellois en ‘live’ est communicative et donne l’envie de danser à quiconque se trouve à portée sonore. Avec eux pas de doute, le Père Noël est bel et bien un rockeur ! (A.M.)
Je fais l’impasse sur le collectif rap La Smala, afin de me restaurer et de visiter les stands annexes. Celui de la ‘Vie En Rock’ rappelle que leur second festival se déroulera ce 28 mars 2015. Un événement destiné à financer la recherche dans le domaine du cancer.
Le clou de la soirée, sera enfoncé par Black Tartan Clan. Un autre groupe bien de chez nous. 50 % wallon et 50 % flamand. Mais qui pratique du punk/rock celtique. Un peu comme les Dropkick Murphys. Ou alors dans l’esprit des Pogues. Fondé en 2008, il a la réputation de mettre le souk ! Mac Touche se consacre au micro, sa voix est aussi écorchée que Shane McGowan, Mac Pië à la basse, Mac Marsh à la guitare, Mac Hoze Jr. à la cornemuse ou au fifre, Mac Aël aux drums et enfin Mac Hoze Jr au djembé, snare, bouzouki et banjo. Les musicos sont torse nus, tatoués et portent le kilt.
Et on est parti pour une immense pogo provoqué par les aficionados du combo, mais à laquelle participe une bonne partie de l’auditoire. Débordant d’énergie, le band lui communique sa bonne humeur. La bière coule à flots. C’est le bordel, mais bon enfant. Et finalement, il faut le voir pour le croire. On en a ainsi eu plein les yeux et les oreilles…
(Organisation : Dour Festival)
Black Tartan Clan + La Smala + BRNS + Recorders + Fùgù Mango
Forcément, à cette période de l’année, difficile d’échapper à cet album promis à moult éloges et classements dithyrambiques en hauts des charts récapitulatifs de cette mouture deux mille quatorze.
Une excellente raison en soi d’enfoncer le clou et de revenir sur ce bijou qui d’emblée s’annonçait comme le digne successeur de « The Fool ».
Placé en éclaireur fin deux mille treize, « Love Is To Die » n’annonçait il pas la couleur chatoyante de cet opus éponyme ?
Vu la qualité des dix autres titres, on ne peut que louer le second album (seulement) de ce groupe féminin aussi subtil dans son approche musicale que direct dans son impact émotionnel.
Si l’elpee regorge de détails qui apparaissent encore après de multiples écoutes, le pouvoir de séduction de chacun de ses titres réside essentiellement dans les textures qui enrobent des mélodies. Mélodies, qui semblent moins évidentes que jadis, mais s’imposent néanmoins immédiatement à l’esprit.
Pas convaincu qu’un flot de mots insignifiants décrivent les diverses sensations rencontrées au fil des écoutes de ce plaisir gravé sur sillon, je ne peux donc que vous encourager à y replonger sans modération ou à le découvrir si ce n’était déjà fait.
Oubliez toute référence, tout pont abscons entre mouvances ou autres styles musicaux, Warpaint se distingue suffisamment du reste de la mêlée que pour échapper aux étiquettes.
Et pour ceux convaincus qu’un album sorti trop tôt dans l’année risque l’oubli au moment des bilans, j’engage les paris (sans trop me mouiller) qu’ils en seront pour leurs frais.
Après le succès des derniers albums d’IAM (« Arts Martiens » et… « IAM »), Akhenaton nous propose son cinquième album solo. Enregistré en seulement 6 mois et inspiré de l’histoire du samouraï japonais Miyamoto Musashi, ce nouvel opus est sans aucun doute le plus personnel du leader d’IAM. Empruntant des sonorités proches du jazz et de la soul, Akhenaton aborde tout au long de l’LP les différents sujets qui ont marqué sa vie en évoquant le temps qui passe (« Tempus Fugit »), épanche une belle sensibilité lorsqu’il conseille sa fille sur « Souris, encore… » tout en affichant une certaine nostalgie et fierté par rapport à ses origines italiennes et son appartenance aux oriundi dispersés aux quatre coins du monde. AKH n’oublie pas pour autant de dénoncer le racisme ambiant en France, les nombreuses discriminations raciales ou religieuses ainsi que la montée du Front National et le côté fasciste d’Eric Zemmour sur « Etranges Fruits », très largement inspiré du « Strange Fruit » de Billie Holiday qui dénonce le lynchage racial perpétré aux Etats-Unis, dès 1880, tout en le comparant à notre société actuelle.
Le rappeur marseillais a invité principalement des artistes qui lui sont proches (R.E.D.K., Veust Lyricist, Faf Larage, Perso) dont son binôme d’IAM, Shurik’n. Ensemble, ils évoquent leur amour réciproque pour le rap (« J’aime le rap et le rap m’aime »).
Coproduit par le compositeur et pianiste Sébastien Damiani, ce nouveau projet est musicalement très abouti, balayant à peu près toutes les influences du hip-hop. Le travail d’écriture n’est pas en reste pour autant et les exercices de style sont nombreux. A 46 printemps, le cœur plein de rustines –comme il le dit sur le titre éponyme de l’album (en featuring avec Tyler Woods)– Akhenaton nous démontre en 19 morceaux que le bon rap est toujours, lui aussi, bien en vie…
Rêche et sèche, cette robe épouse des formes pourtant bien féminines.
Versant PJ Harvey et son « Dry » incendiaire.
Un versant baigné d’une lumière crépusculaire.
C’est sombre, inquiétant et le titre de cet album se réfère lui-même à une tragédie (le suicide de l’écrivain Romain Gary, souligné par les lyrics du titre maître).
Musicalement, au-delà du côté abrupt de cette imposante façade austère, on décèle des pans de lumière froide, contrastant habilement avec le feu qui couve ci-dessous.
On soulignera la présence de Tony Barber (The Buzzcocks) derrière les manettes, la complicité d’Eve Libertine et Penny Rimbaud au micro (sur respectivement « Victory » et « The Lit Light ») ; mais surtout on retiendra l’impressionnante maturité de cet elpee, le deuxième pour Diabolita (aka Dominique Van Cappellen-Waldoc), qui suit l’excellent « No Fear », publié en 2011.
Outre les ambiances que vous devinez plombées, les relents d’une Noise industrielle abandonnent des traces de souffre qu’un vent mauvais vient balayer de plage en plage.
Un frisson parcours l’échine (« Sunrise With sea Monsters »), la bave apparaît à la commissure des lèvres, petites et grandes (« The perfect Dress ») ou l’acide dévore les tissus cutanés (« Cold »).
Si le duo Diabolita / Cha a splitté après l’enregistrement de ce disque, les fûts ont été repris entre-temps par Alinovsky (Tuxedo Moon, Durutti Column, Digital Dance) ; ce qui augure bien d’autres plaisirs futurs.
Mention spéciale à l’illustration d’Alice Smith dans un artwork splendide et magnifié par une pochette cartonnée très respectueuse du contenu audio.
Il y a un bout de temps que ce disque traîne dans la pile de cds à chroniquer. Il faut avouer que la pochette du « Gran Veta » de Betunizer n’est pas très sexy. Ce bout de viande sanglant n’est vraiment pas très appétissant. Puis, au fil du temps, il a bien fallu passer outre mon aversion. Première surprise, le groupe est espagnol, et nous vient de Valence. On ne peut pas dire que les artistes ibériques soient légion sur la scène pop/rock.
Après avoir écouté cet LP, on pourrait imaginer que le trio a vécu dans la banlieue de Chicago, au début des 90’s, en côtoyant la bande à Steve Albini. En effet, leur musique est tout aussi brute de décoffrage et saccadée que celle de Shellac ou d’Unsane. Ici, malgré les textes exprimés dans la langue de Cervantès, peu de place est laissée à l'exotisme. De la Noise pure est dure ! A l’instar des références susvisées, le rôle de la basse est primordial. Elle est lourde et canalise le reste de l’instrumentation. Les titres se succèdent sans la moindre relâche et pour mon plus grand bonheur ; car franchement il n'y a rien à jeter sur cet album.
Certes, rien de bien neuf sous les tropiques, mais beaucoup de jubilation! On ne se privera donc pas de ce petit bonheur…
Dirty Sound Magnet nous vient de Fribourg (NDR : sis quelque part entre Lausanne et Berne), en Suisse. "The Blood" constitue son tout premier cd. Un Ep ou alors un mini album, car il ne contient que 6 morceaux pour 23 minutes.
Ces Helvètes pratiquent un rock dit ‘classique’ teinté de références orientales. Caractérisé par la présence d’un barzouki et d’un sitar, « Sunday Drama » y trempe manifestement. Et à l’écoute de « Chocolate Woman » et « 21st Century Witch » on pense inévitablement à Led Zeppelin, voire à Robert Plant.
Bref, rien de neuf à l’horizon. Un disque sympathique mais qui manque de piment. Neutre, si vous préférez. Suisse quoi…
Cette jeune formation belgo-hollandaise compte à peine trois années d'existence! Un trio qui réunit d’excellents musiciens. Wouter Celis, alias Doghouse Sam, en est le leader. Il est pourtant considéré comme un vétéran dans le milieu du blues belge. Chanteur, compositeur, guitariste et harmoniciste, il a milité chez les Rhythm Bombs, band qui a tourné à travers toute l’Europe. Son backing group, les Magnatones, est constitué d’une section rythmique. Soit l’ex-Seatsniffers, ex-Wild Ones, Jack ‘Fire’ o'Roonie, à la double basse, et Frankie Gomez, à la batterie, un Néerlandais considéré comme le meilleur drummer aux Pays-Bas! Le trio avait publié un premier opus en 2012, "Buddah Blue". "Knock Knock" est donc le second. Et il est excellent. Les prises de son ont été réalisées au studio Yland, à Amsterdam, en juillet dernier. La production a été confiée à l'artiste local Mischa den Haring, ex-leader de T99.
L’opus réunit douze compositions signées Wouter et l'énigmatique "Ce qui est fait, est fait", un titre écrit par Frank Coumans alias Frankie Gomez. "Somethings wrong" démarre en force. Un morceau largement teinté de rockabilly. La cohésion entre les trois musiciens impressionne déjà. Sam a la voix de sa musique. Il a la guitare dans la peau. Sa technique à la slide est offensive et irréprochable. Et, la section rythmique est vraiment extraordinaire. "Kings & Queens" swingue. Bas Janssen siège derrière son piano honky tonk, tout au long de ce blues dynamique au style West Coast. Le titre maître évoque la rencontre improbable avec le diable. Pas de baisse de rythme. Ce savant dosage entre blues et rockabilly me fait parfois penser aux Paladins. Le son vintage de la guitare à caisse creuse balaye tout sur son passage. Bas Janssen est passé à l'orgue et Frankie imprime bien le rythme du cheval au galop sur "Road", une piste de country/rock/roots. Un Janssen dont les interventions au piano sont spasmodiques, sur "All it takes" ; une compo au cours de laquelle la conjugaison opérée entre les accords de la lourde basse acoustique et les interventions à la batterie, produit un swing permanent. Redoutable, "All I need outta you" concède des accents métalliques empruntés au Delta. Les sonorités de gratte sont primaires et dramatiques. Wouter double à l'harmonica, un instrument qu'il maîtrise tout en préservant son originalité. La voix est saisissante, quasi hypnotique. Un grand moment ! Le leader souffle en puissance dans son harmo sur "Doghouse boogie", une plage instrumentale détonante, au cours de laquelle Micha den Haring se consacre à la guitare rythmique. Indolent, "Time takes care" semble se prélasser dans l'atmosphère torride et étouffante des marais louisianais. Les différents arrangements sont parfaitement dosés. Les percus de Frankie entretiennent à la perfection ce climat. La voix transpire de vécu. Des marais à la Nouvelle Orléans, il n'y a que quelques pas. Frankie nous emmène dans le carré français pour "Ce qui est fait, est fait'. Cette street parade irrésistible constitue une invitation à la danse et aux trémoussements joyeux. Chargée de reverb, la guitare nous entraîne au cœur d’un swamp boogie vivifiant, tout au long de "Scratch a lie". "You snooze you lose" maintient le cap. Un jump boogie constant. La guitare est d'une efficacité rare et Jack s’autorise un instant de bonheur sur sa basse. Rockabilly cinq étoiles, "Fine ain't good enough" véhicule des accents orientaux. Le bottleneck communique un son métallique aux cordes en souffrance. Doghouse Sam achève l’elpee par un titre a cappella : "Tell a tale". Remarquable ! Le meilleur opus blues/roots européen gravé en 2014 !
Opération à cœur ouvert.
Bref mais incisif, cet album constitue une bonne surprise.
Qu’on n’attendait plus.
Mais fallait-il que son géniteur endure les pires tourments pour arriver à tel résultat ?
Peut-être.
Quoi qu’il en soit, ce « Heartbreak » est criant d’intégrité et de vérité.
Mais ce ne sont pas ses seules qualités.
Si ces compositions lorgnent toujours vers une Indie Pop matinée d’underground nineties (Catherine Wheel plutôt que Ride, vous voyez ?), Gabriel Dozin semble ici abandonner la casaque du looser sympathique pour endosser une armure qui, si elle dissimule mal les fêlures et cicatrices palpables à la surface de son âme, reflète suffisamment d’éclat que pour impressionner dès la première écoute.
Cette puissance placée d’emblée sur « Closer », titre audacieusement long qui ouvre l’album est cependant habilement contrebalancée par le suivant, « V12 », une compo caractérisée par ses arpèges mélodieux qui baignent dans une aura Shoegaze parfumée de chœurs optimistes.
L’opus est court et laisse sur sa faim, ce qui n’est pas nécessairement un inconvénient.
L’introspectif « Long Distance » parcourt des miles et des miles sur des versants qu’on jurerait écossais, quand les battements renversés de « Heartbreak » suspendent le temps aux accords de guitares saturées.
Enfin, passé l’introduction mastodonte, la testostérone grésille dans l’Asphalt », plantant le décor sans jamais se fondre dans l’ambiance.
La production rend fidèlement justice aux chansons en évitant d’en remettre une couche, laissant aux chansons la place pour s’exprimer.
Bref, « Heartbreak » soulève mon enthousiasme, ce que les précédents projets de notre homme (Championship Manager, Hypodrome ou Sealane bien avant) n’étaient pas encore parvenus à réaliser.
Opération réussie.
Aka William Johnson, Holly Johnson est né à Liverpool, le 9 février 1960. Chanteur et compositeur britannique, il est surtout connu pour avoir drivé Big In Japan et Frankie Goes To Hollywood. Issu de la mouvance punk rock/new wave, il joue d'abord de la basse au sein du premier. Et publie deux singles en solitaire. En 1982, il passe chez le second comme chanteur et parolier. L’année suivant FGTH grave son premier single : « Relax ». Les lyrics, la pochette et la vidéo soulèvent l’indignation. Et la censure de la BBC. Ce qui va contribuer à la notoriété du combo. C’est à cette occasion qu'Holly Johnson et Paul Rutherford, un autre membre du groupe, révèlent leur homosexualité. FGTW va aligner toute une série de tubes : « Two Tribes », « The Power Of Love », « Welcome To The Pleasuredome », « Rage Hard », jusqu'en 1987. Après une tournée européenne, le band se sépare. A l’instar des autres membres de la formation, Holly Johnson se lance dans une carrière solo. Il décroche une nouvelle fois un numéro 1 en Angleterre, grâce au titre « Blast ».
En 1991, Holly Johnson apprend qu'il est séropositif. Il se retire du monde musical et rend public le diagnostic, deux ans plus tard. Depuis, il se consacre essentiellement à la peinture. Il expose ses œuvres même. Mais en 1994, il publie une autobiographie encensée par la critique. Après plus de 15 ans d’absence, il est de retour sur son propre label Pleasuredome, pour ce nouvel opus, un disque produit par Mark Ralph (Hot Chip, Franz Ferdinand).
« Follow Your Heart » ouvre l’elpee. C’est le single qui préludait sa sortie. Les eighties sont de retour ! Pas mal ! Mais pas percutant, non plus. Il y manque la magie. Une plage inoffensive parsemée de quelques sonorités électroniques. « In And Out Of Love », « Heaven's Eyes », « So Much It Hurts » passent correctement la rampe. Empreint de tendresse, « Dancing With No Fear » est une invitation à rejoindre le dancefloor. « Europa » et « Glorious » constituent certainement les meilleures plages du long playing, mais elles nécessitent plusieurs écoutes avant d’être appréciées à leur juste valeur. « Hold On Tight », « Lonesome Town », « You're In My Dreams Tonight » et « The Sun Will Shine Again» repassent les plats. Bref, j’espérais un come-back flamboyant. Espoirs déçus. La version de luxe recèle deux bonus tracks, « Europa » (Original Version) et « So Much It Hurts » (Piano Version). Une déception !
John F Klaver est chanteur, compositeur et guitariste de blues. Ce Batave a accompli des études musicales conséquentes aux Pays-Bas et aux Etats-Unis. Il revendique l'héritage musical de Gary Moore, Robben Ford et Jimi Hendrix. Pourquoi pas! C'est en 2007 qu'il monte le John F. Klaver Trio devenu depuis le John F. Klaver Band. Son premier opus, "Jet pepper" paraît en 2008. Il est suivi par "Coming back for more", en 2011, promu meilleur album de blues chez les ‘Oranje’, la même année. Fin 2012, il publie "Wheels in motion", LP pour lequel il reçoit le concours de l'harmoniciste Big Pete Vanderpluym et d'Evan Jenkins du Matt Schofield Band. Le JFK Band est responsable d’un blues très moderne et aussi fort personnel. Le backing group de John réunit Eric Dilisse à la batterie, Iris Sigtermans à la basse et Bob Fridzema à l'orgue Hammond B3 ainsi qu’au piano électrique. Un orgue qu’il cède à Pascal Lanslots pour quatre pistes.
"You make me feel so alive" est une plage prometteuse. Une solide ouverture. La voix de John est harmonieuse. L'orgue Hammond densifie l’expression sonore. Le changement de tempo est judicieux. Et la chanteuse Inge Ingwersen donne la réplique à John, avant qu’il ne s'envole sur ses cordes! Swing et jazz dominent "Just for kicks". Klaver semble hanté par Robben Ford. Les échanges entre cordes et l'orgue de Lanslots sont excellents. "Save me" est amorcé en douceur. L’orgue apporte une coloration à la fois progressive et originale à ce morceau. Une douceur qu’on retrouve sur l’indolent "When everything falls", titre au cours duquel l’envol de John est empreint d’une grande sensibilité. Exercice de style instrumental, "Micha ain't no bitch" adopte un format funky. Les changements de rythme sont opérés par la guitare. "Skip a beat" est une compo qui déménage pas mal. La six cordes du leader et l'orgue Hammond de Fridzema font à nouveau bon ménage. "Make it so" est subtilement jazzyfiant. Une atmosphère qui sied parfaitement au style de Klaver. Colosseum n’est pas loin. A cause des échanges instrumentaux complexes. Puis de la présence du saxophone d'Efraim Trujillo. Une piste au cours de laquelle les différents acteurs interviennent à tour de rôle! John et Miss Wies se partagent le chant tout au long d’"I still believe", un blues lent, au cours duquel notre gratteur s’autorise des interventions de gratte subtiles, parcimonieuses et raffinées. Remarquable ! La reprise du "32/20 blues" de Robert Johnson est très personnelle, et bénéficie encore du concours de l'orgue de Fridzema. Un orgue que se réserve alors Pascal Lanslots sur l’instrumental "Kempner", un autre blues lent. Et franchement, le musicien est particulièrement doué et créatif. Le JFK Band adapte le "Maydell" de Johnny Neel et Warren Haynes du Allman Brothers Band, un titre qui figurait sur "Wake up call", un elpee de John Mayall flanqué de ses Bluesbreakers, et notamment de Coco Montoya à la guitare. C’était en 1993 ! Dernier blues lent, "Heartful of blues" bénéficie de la participation de l’harmoniciste Boy Vielvoye, du groupe local Sugar Boy and the Sinners. Les tonalités écorchées soufflées par Boy me rappellent le grand Charlie Musselwhite. D’excellente facture, cet LP s’achève par "The edge", un titre puissant, assez carré, caractérisé par un riff de guitare porteur avant qu’elle ne s’autorise une dernière escapade assez majestueuse.
Insipide et incolore, malgré les promesses de son artwork, ce projet recèle en soi autant de bonnes idées que d’occasions maladroites de les plomber.
À commencer par le chant ultra conventionnel de son égérie qui devra peut-être son salut par la grâce d’un quelconque télé-crochet organisé outre-Manche, si la chance s’en mêle.
« Low », le deuxième titre, évoque vaguement un souvenir ; mais je serais bien incapable de le déterminer. Et pour dire vrai, l’effort me paraît vain.
Comme entrée en matière, le site du band annonce : ‘Described as chiming vocal-led post-rock, Midas Fall have carved a unique sound’. Conclusion : l’identité de ce groupe repose sur un confetti.
C’est donc disculpé, que je m’en vais le ranger dans le fond d’un placard.
Les compositions du quinzième opus de Pink Floyd ont été puisées parmi les bandes inédites des sessions de « The Division Bell », sorti il y a très exactement 20 ans. C’est dire l’impatience des fans… Et il y en avait pour une vingtaine d’heures.
« The Endless River » était donc un événement lorsqu’on sait que la formation insulaire a vendu plus de 200 millions d’albums depuis sa naissance, en 1965. Souvenez-vous du mythique « Dark Side of the Moon », resté 740 semaines dans le top 200 américain. Des chiffres qui donnent le tournis ! Qui peut se targuer aujourd’hui d’en faire autant ?
Nick Mason et David Gilmour, deux des trois membres encore en vie, ont voulu rendre un bel hommage à leur pote Richard Wright, décédé en 2008, des suites d’une longue maladie. La patte du regretté claviériste est omniprésente. Cette ‘Rivière sans fin’ s’étale sur dix-huit plages et nous plonge dans une ambiance feutrée et hypnotique, tapissée d’accords de guitare incisifs.
On notera la participation de l'astrophysicien paralysé Stephen Hawking, s'exprimant à l'aide de la technique de synthèse vocale. Il avait été invité à faire de même sur le précédent LP pour le morceau « Keep Talking ».
Les aficionados post « Dark side of the moon » devraient être ravis. A contrario, la génération actuelle risque fort de taxer cette œuvre de peu accessible, ronflante et sans grand relief.
Une exception qui confirme la règle, le percussif « Skins », abordé dans l’esprit de l’album « More », œuvre trop souvent ignorée chez le Floyd…
Bref, on est quand même loin de l’excellentissime « Wish You Were Here », gravé en 1975, un long playing au cours duquel certains passages font référence à Syd Barrett (1946 - † 2006), membre fondateur qui a commencé à sombrer dans la folie, à partir de 1968, suite à une surconsommation de LSD.
Franchement, j’aurais préféré déborder d’enthousiasme après avoir écouté l’album d’un groupe mythique qui compte presque un demi-siècle d’existence ; mais il n’en est rien. Triste mise à la retraite ! Une semi victoire pour l’ennemi juré Roger Waters !
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