Le concert prévu à l’Orangerie du Botanique, ce dimanche 30 novembre est presque sold out. Votre serviteur débarque plus tôt que prévu et se farcit le soundcheck du supporting act : Kiko King And Creativemaze. Le son est beaucoup trop puissant. Les structures métalliques du Botanique en tremblent. Je crains donc le pire… Le plus important, ce sera ensuite. C’est-à-dire le set de GusGus, une formation islandaise (NDR : de Reykjavik, très exactement), dont la naissance remonte à 1995 ; et qui après s’être consacré à la musique de film, a décidé de passer à la musique électronique. Il s’est même forgé une belle notoriété à travers 9 albums studio, coulés dans une électro-house unique en son genre.
Un DJ vient se planter derrière les machines pour y tripoter des boutons et des curseurs, alors qu’un chanteur arpente l’estrade de long en large. Kiko King And Creativemaze ouvre la soirée. Le son est médiocre. Je me déplace vers la table de mixage. Ce n’est pas mieux. Je regarde la console et constate que les 120 décibels sont déjà atteints. Inadmissible ! Je tiens à conserver mes tympans intacts afin de pouvoir continuer à apprécier d’autres concerts, dans le futur. Je déserte les lieux en attendant que le massacre soit terminé.
Près de 20 ans déjà que GusGus sévit sur la scène musicale. Un collectif qui a vécu une multitude de changements de line up. A une certaine époque, il comptait même une dizaine de musicos. Hafdis Huld et une certaine Emiliana Torrini y ont même milité. Il ne compte plus aujourd’hui que 4 membres actifs : President Bongo, Biggi Veira, Daníel Ágúst et Högni Egilsson.
Deux Dj's montent sur le podium, et vont s’installer derrières les machines. Je me place de nouveau à hauteur de la console au fond de la salle. Le son est potable. Il y a mieux, mais aussi pire (Kiko King And Creativemaze). Un chanteur/danseur se présente sur la scène. Il est suivi par un second vocaliste aux longs cheveux blonds. Manifestement, ils ont de superbes voix ; et l’auditoire semble apprécier. Ils ne sont que quatre sur l’estrade. Malheureusement, les Dj’s manquent cruellement d’inspiration. Ils assurent le mixing. Point barre. Le light show est discret. Un peu trop même à mon goût, alors qu’il aurait pu donner davantage de relief à la prestation des musicos. Les lyrics sont exclusivement interprétés dans la langue de Shakespeare. Manque d’audace ? Chez Sigur Rós, par exemple, le recours, même circonstanciel, à la langue natale apporte une autre dimension à leur musique.
Bref, j’ignore si c’est dû à l’énervement causé par la première partie ou parce que la veille, j’ai assisté au spectacle fantastique d’EZ3kiel, à l’Aéronef de Lille, mais un profond ennui commence à m’envahir. J’avoue que je connais très mal le band islandais. Je ne parviens pas à accrocher au set. Et je subis les événements. Si bien qu’après 30 minutes, je tire ma révérence.
(Organisation : Botanique)
Un spectacle d’EZ3kiel est censé nous en mettre plein les oreilles et la vue. Sa tournée passait par le Rockhal, au Luxembourg, et l’Aéronef de Lille. Votre serviteur a choisi la métropole nordiste, et il ne va pas le regretter. L’accueil est chaleureux. La salle est superbe. Pour la circonstance elle a été adaptée en configuration Box, comme à l'AB. Les rideaux son tirés et isolent l’auditoire du premier étage et du balcon. Le concert est sold out. L'ouverture des portes est programmée à 20h00 précises. Le supporting act entamera son set 35 minutes plus tard et l’achèvera à 21h05. EZ3kiel monte sur les planches à 21h30 et va nous livrer un show de 90 minutes.
Dorian And The Dawn Riders assure donc la première partie. Il vient de signer sur le label bordelais Animal Factory. Vu le matos sur l’estrade, quelle surprise de voir débouler un gaillard barbu, coiffé d’un chapeau de cow-boy et affublé de dreadlocks. Le Bordelais serait-il un adepte du reggae ? Pas du tout. Il est armé d’une gratte et se sert de machines pour créer des beats efficaces, imprimer des percus tribales et dispenser des sonorités en tous genres. Et puis il chante, quand même. Vocodée, sa voix est tour à tour singulière et lumineuse ou glaciale et ténébreuse. Trippante, sa musique baigne dans une pop alternative. Psychédélique et atmosphérique, surtout. Et le climat varie en fonction de tous ces paramètres. Des images sont projetées derrière l’artiste. Par exemple celle d’un grand-duc, dont l’envol est majestueux. Et l’ombre chinoise de Dorian, judicieusement reflétée sur cet écran est allégorique. Elle convie votre âme à se recueillir tout en suivant l’artiste dans son monde particulier. Qui me fait parfois penser à celui de Sigur Rós. Dorian n’est pas parvenu à chauffer la salle, il a tout simplement épaté la galerie, tout en nous préparant religieusement à la suite des événements. En attendant, il a été chaleureusement acclamé. Et c’est tout à fait mérité.
Mais avant de passer au set d’EZ3kiel, une présentation du groupe s’impose. A l’origine, il avait choisi le patronyme EZEKIEL, en référence au film « Pulp Fiction » de Quentin Tarantino. Après avoir publié l’album « Handle With Care », il crée son site internet ; cependant le nom de domaine ezekiel.com est déjà réservé, alors il décide de le transformer en EZ3kiel. Matthieu Fays et Yann Nguema en sont les fondateurs. Drummer, le premier a quitté le navire en mai 2012, après plus de vingt ans de navigation. Joan Guillon se charge aujourd’hui des claviers, machines, guitares et autres samplings. Au départ, Yann Nguema se consacrait à la basse et de tout ce qui touche à l’image. En 2012, il a abandonné la quatre cordes pour se concentrer uniquement sur cette dimension visuelle ainsi que la programmation.
Après avoir participé à l'enregistrement de l'album « Naphtaline » comme invité, Stéphane Babiaud a rejoint officiellement le line up en 2007, lors des sessions de « Battlefield. Multi-instrumentiste, il joue de la batterie, du vibraphone, du glockenspiel, de la basse et même des claviers. C’est également le chef d’orchestre du Naphtaline Orchestra, projet alternatif du groupe. Sylvain Joubert récupère ensuite cette basse délaissée par Yann Nguema, à partir de l’elpee l'album « LUX ». Il avait auparavant participé à la tournée Extended. « LUX », c’est bien sûr le dernier long playing d’EZ3kiel. Ce soir il est donc venu le défendre sur les planches.
Difficile de coller une étiquette sur la musique pratiquée par ce combo. Elle oscille constamment entre électro, dub, rock et classique. Et puis à chaque album, elle est différente, le band prenant le soin de proposer un projet novateur voire même en avance sur son époque…
En 2009, le groupe lance le Naphtaline Orchestra à Grenoble. Il s'agit de déclinaisons de morceaux, notamment de l'album « Naphtaline », exécutées en compagnie d’un orchestre symphonique. L'expérience est renouvelée en 2011, à Tours, pour trois nouvelles dates. En février 2012, le concept EZ3kiel Naphtaline Orchestra se produit au théâtre Sébastopol de Lille. Un événement retransmis en direct sur plusieurs sites internet. 7 000 internautes vont le suivre. Suite à ces expérimentations, EZ3kiel monte un autre projet, l’EZ3kiel Extended, en septembre 2012. Qui va accorder toute une série de concerts associant image et musique. Lors de ce périple, le combo implique Sylvain Joubert à la basse, Cyril Soufflet au piano, Gérald Bouvet à la guitare, Erick Pigeard au séraphin et aux percussions, Thomas Quinart au thérémine, au saxophone baryton et à la scie musicale, Bertrand Margelidon à la trompette et au bugle, Simon Dupire au trombone, Pierre Malle et Ombeline Collin aux violons, Anthony Chéneau au violon alto et Benjamin Garnier au violoncelle. C'est le cd et le dvd consacrés à cette aventure qui m’ont permis de découvrir EZ3kiel.
L’ouverture des tentures laisse apparaître 48 projecteurs équipés sur deux faces. Ecrans de projection d'un côté, lumières de l'autre, les deux dispositifs fusionnent dans des impressionnants mouvements rotatifs, générant en temps réel des explosions de couleurs, calibrées pour interagir avec la musique. Un dispositif scénique et technologique inédit qui place EZ3kiel parmi les pionniers d'un genre qui n'a pas de nom. Il faut rappeler que Yann Nguema contrôle les lasers, lumières, robots et des visuels au sein d’un même support de projection. Et lorsque le drummer se lance dans ses frasques, c’est pour participer à une course interactive avec ces lumières. Les trois musicos s'amusent sur scène et le public en prend plein les yeux et les oreilles.
L'album « Lux » sera intégralement interprété et prendra réellement vie sur scène. On ressent par la musique, les émotions des artistes qui sont à la fois torturées et vous entraînent dans un voyage intemporel. Ou carrément dans la troisième ou quatrième dimension. Le concept/concert qui se déroule devant nous pourrait même servir de bande originale du troisième millénaire pour une rencontre visuelle du troisième type. La musique, l'image et la lumière fusionnent, nous prouvant le savoir-faire du quatuor. Tel est le secret du nouveau support de la musique d'EZ3kiel.
Les guitares sont acérées et à la limite incendiaires sur « Born in Valhalla ». « L'Oeil Du Cyclone » est une ballade atmosphérique. « Lux », la plage éponyme vous entraîne sur le dancefloor d'une autre galaxie. Enfin, sur celui de la fosse également où règne un fameux remue-ménage. En fermant les yeux, « Dead in Valhalla » pourrait vous transporter du côté de la voie lactée. Mais il est préférable de les garder grands ouverts, afin d’apprécier le déluge de lumières et de lasers. « Anonymous » est un titre déconcertant. Caractérisé par la douceur de l’instrumentation, « Never Over » concède quelques minutes paisibles. La version ‘live’ de « Via Continum » (NDR : tirée de l’opus « Handle With Care ») est plus nerveuse que sur disque. L’expédition est plus aquatique, nous emportant dans les profondeurs de la grande bleue en compagnie du Capitaine Nemo, à bord de son Nautilius. La mélodie de « Zero » est particulièrement contagieuse. Et le set de s’achever par le jubilatoire « Versus », une compo à la fois tribale et éthérée. Pendant 1h30, les yeux des spectateurs ont pétillé de bonheur. Pas étonnant qu'EZ3kiel ait été applaudi pendant plus de sept minutes.
Et on aura même droit à un rappel d’enfer. Deux titres. « Antiloop ». Et puis surtout « Wagma », un morceau complexe, digne de la face la plus atmosphérique de Pink Floyd. Autrefois alchimistes du son et de l’image, EZ3kiel a aujourd’hui acquis une maîtrise totale de son art. Et ce concert exceptionnel en est la plus belle illustration.
(Organisation : Base Productions + Aéronef)
C'est dans une grange rénovée –et franchement elle a belle allure– de la cité castelloise que Coffee Or Not s’est produit. Un lieu bien convivial et comble pour l'occasion. Coffee or Not est un duo établi à Bruxelles. « SoRe » constitue son troisième opus, un disque sur lequel, il a abandonné les instruments acoustiques. « SoRe » (première syllabe des prénoms de protagonistes : Soho Grant et Renaud Versteegen) verse dans une électro-pop mélancolique, atmosphérique et parfois même ténébreuse. Chantée dans la langue de Shakespeare…
Le trio du jour, au travers de ce nouvel elpee, nous a offert son univers et imposé son savoir-faire qui, au nez, nous a éclaté.
Deux voix, un synthétiseur, une guitare, une basse et une batterie pour une performance inoubliable.
Du goût, de l'élégance, de la délicatesse et de l'harmonisation obtenue à travers les voix, les nappes de sons et les boucles de guitares.
Et quoi d'autre ?
Des séquences rythmiques, basse et/ou batterie, dignes de ce nom. Une vraie claque !
Nous sommes face à des musiciens soucieux du détail, mais dans sa discrétion.
Aucune démonstration, donc... au profit d'une grande musicalité.
"Simple is beautiful", serait la formule magique du groupe.
La maîtrise de l'exercice cache très bien la complexité de ce dernier. La complicité règne et s'avère être un atout majeur au sein du combo bruxellois.
Au vu de l'applaudimètre, c'est sûr, ce soir, Coffee Or Not a conquis les coeurs et vendu quelques albums au passage.
En quittant La Grange, « SoRe » en main, j'appréhendais moins la monotonie habituelle du dimanche matin.
La pochette est à l'instar du groupe : humble et originale à la fois.
(Organisation : La Grange)
La tournée ‘Never Say Die’ a pris un air de mini-festival Hardcore. Et pour cause, pas moins de sept groupes ont foulé, ce jeudi soir, les planches du Trix à Anvers. En tête d’affiche, Terror, un des flambeaux du style, tout droit venu de Los Angeles. Une formule intéressante permettant d’en avoir largement pour ses oreilles. Immersion.
Capsize avait la lourde tâche d’ouvrir les hostilités. Pas facile de jouer devant une salle aux trois-quarts vide. L’horaire particulier constitue certainement la principale cause. Arriver à destination dès 18 heures au Trix, est quasi impossible, vu les embarras de circulation qui gangrènent Anvers. Ce qui explique pourquoi je n’ai uniquement entendu que deux morceaux de la formation californienne. Ce laps de temps, certes court, est néanmoins suffisant pour se rendre compte que Capsize pratique un Hardcore ‘classique’, peut-être même un peu trop ; et qu’en outre, il faudra encore un peu de patience afin que le band n’acquière son identité propre.
No Bragging Rights s’approprie ensuite la scène. Pas de grande innovation non plus mais le public, de plus en plus nombreux, semble apprécier le show. Quelques envolées à la guitare viennent garantir le tampon ‘Hardcore Mélodique’ du groupe. Le set n’est pas trop long et permet donc d’apprécier le band sans susciter de lassitude. En effet, même si l’affiche réunit un nombre important de noms, la durée de l’ensemble du show reste néanmoins similaire à tout autre concert. Ce qui implique des prestations très courtes : 20 minutes pour le premier groupe, 25 pour les trois suivants, 35 pour les cinquième et sixième et finalement 40 minutes pour la tête d’affiche. Des timings qui ont parfois tendance à laisser un public sur sa faim.
More Than a Thousand monte à son tour sur l’estrade. Le combo portugais propose un Metalcore teinté ça et là de chants clairs, mais qui malheureusement sonnent souvent faux. Une appréciation mitigée ; autant certains morceaux sont monotones, autant d’autres sont véritablement recherchés et ne peuvent qu’entraîner le public, de plus en plus nombreux, à headbanguer et à les applaudir chaleureusement.
Le temps d’installer deux toiles tendues sur la scène, inspirées de l’artwork de leur dernier album, et c’est au tour d’Obey the Brave de fouler les planches anversoises pour y dispenser son Metalcore. Fait intéressant : le chanteur, Alex Erian, prend la peine d’introduire chaque morceau, et les plonge dans le contexte au sein duquel ils ont été écrits (situation familiale, économique, etc.) ; ce qui permet inévitablement de mieux accrocher aux compos et de mieux les ‘vivre’.
Les spectateurs sont maintenant présents en nombre et la température monte au fil des prestations. C’est donc une salle à point qui accueille Stick to your Guns. Une chose est certaine : vu le nombre de t-shirts et hoodies à l’effigie de la formation, le groupe californien est pour le moins attendu. Depuis la création du ‘Never Say Die Tour’ en 2008, reprenant chaque année plusieurs pointures de Hardcore et de Metal, c’est la seconde fois qu’il répond présent. Il a également participé au Festival de Dour, cette année. Autant dire que le public attiré par ce type de rendez-vous a pris l’habitude de venir à leur rencontre. Il suffit d’entendre les premières notes d’« Amber » pour que la foule lève les bras comme un seul homme et commence à s’enflammer. Les hochements de tête timides du début de soirée font maintenant place aux mosh pits musclés face à la scène. Une prestation très réussie, qui se clôturera par un « Against Them All » tant attendu, permettant aux coreux présents d’expulser le reste d’air présent dans leurs poumons afin d’entonner le refrain en compagnie du quintet.
Nouvelle montée en puissance dès l’arrivée de Comeback Kid. Il avait également mis le feu au Festival de Dour, mais en 2013. En outre, il avait accordé une très belle prestation, il y a quelques mois, dans le cadre du Graspop Metal Meeting. Le band canadien figurait également parmi les groupes les plus attendus en cette journée. Pas de fioriture : ne disposant que de 35 minutes, les petits plats sont directement mis dans les grands. Il commence par le pêchu « G.M. Vincent and I ». Telle une traînée de poudre, le feu prend directement et le public présent aux premiers rangs, se rue en direction du podium pour s’époumoner en compagnie d’Andrew Neufeld, le chanteur de la formation. Détail qui a toute son importance : la salle est dépourvue de grilles de sécurité et de stewards. L’accès est donc totalement libre à qui veut monter sur l’estrade ; ce que bon nombre d’aficionados vont accomplir tout au long de la soirée. Alors que les amateurs de ‘stage diving’ se font habituellement porter de l’arrière de la salle vers l’avant, c’est ici l’inverse. En un seul mouvement rapide, hommes comme femmes, se hissent sur la scène, slaloment entres les musiciens et se lancent dans la foule en euphorie, espérant pouvoir retomber sur quelqu’un. Certain(e)s n’y parviennent d’ailleurs pas et se prennent un ‘billet de par terre’ plus vite que prévu. Mais qu’importe, la musique sert d’analgésique et permet très vite oublier les éventuelles douleurs. Sans oublier qu’il s’agit ici d’un public Hardcore : c’est violent, certes, mais tout un chacun reste attentif à relever la personne qui serait au sol ou à aider celle qui ce serait pris un mauvais coup. Une ambivalence où exutoire physique et compassion se côtoient naturellement. Les Canadiens donnent ce qu’ils peuvent et égrènent en dix titres un mélange entre leurs classiques et des compositions de leur dernier elpee, « Die Knowing ». C’est par un magistral « Wake the Dead » (comptabilisant presque un million d’écoutes sur Spotify !) que Comeback Kid achève un set, une fois de plus, sans concession.
Pas besoin de dessin : plus de quatre heures après le début de cette édition 2014 du ‘Never Say Die’, les âmes présentes ce soir dans le Nord de la Belgique sont plus que prêtes à accueillir Terror. Devenu un véritable mythe au sein de la sphère Hardcore, le quintet de Los Angeles n’a pas l’habitude de servir de la soupe tiède. Scott Vogel, vocaliste, entre le premier sur scène, rapidement suivi par le reste du groupe. Le guitariste Martin Stewart entame les premières notes de « Your Ennemies are Mine » et le ‘la’ est directement donné. Le rond typique du moshpit se forme face au podium, bras et jambes s’envolent et la fièvre monte dans l’auditoire. Le combo enchaîne directement par « Stick Tight », autre grand morceau de l’album désormais devenu culte, « Keepers of the Faith ». Pas besoin de ‘surjouer’, tout est présent pour accorder un set 100% punk-hardcore pur jus. Les musiciens semblent contents d’être là, et plus particulièrement Scott Vogel qui incite les spectateurs à se rapprocher d’eux : ‘faites-moi plaisir, faites tous deux pas de plus vers nous. Allez, tout le monde, deux pas en plus !’. Il n’hésite pas non plus à aider les personnes qui voudraient monter sur l’estrade afin qu’ils puissent se relancer deux secondes plus tard dans la foule. Deux jeunes demoiselles, peut-être prises par le feu de l’action, s’embrassent face au public avant de tenter de débaucher les musiciens. Mais le vocaliste décline fermement l’invitation : ‘Désolé mais je suis marié et j’ai un jeune enfant’, adresse-t-il à la foule’. Eh oui, c’est aussi ça l’esprit Hardcore. Les morceaux s’enchaînent et le groupe prévient : ‘il ne reste plus que deux morceaux, profitez-en !’ « Keepers of the Faith » clôture en toute logique ce set puissant, qui flaire bon le hardcore old-school, tant par sa musique que son esprit. Cerise sur le gâteau, Jesse Barnett, vocaliste de Stick to Your Guns, est venu rejoindre Scott pour partager un duo tout au long de « Stick to Your Guns. Une soirée très riche pour tout amateur du genre, le tout dans une ambiance de fête où le but était simplement de se faire plaisir, entre amateurs de musique. Il ne reste plus qu’à attendre la prochaine édition.
(Organisation: Heartbreaktunes + Trix Anvers)
Jo-Vaughn Scott est une usine à tubes à lui seul. Son nom d’artiste, Joey Bada$$, affiche deux ‘dollar signs’ bien à propos. Le rappeur bankable à mort était de passage ce jeudi 27 novembre au Botanique, dans une Orangerie bondée et bouillonnante pour y présenter « B4.DA.$$ » (lire ‘before the money’), un premier LP très attendu, après trois impeccables mixtapes qui ont mis l’eau à la bouche des aficionados d’excellent Hip Hop circa nineties.
Après un premier passage sur les planches belges l’été dernier à Dour, le rappeur originaire de Bed Stuy, à Brooklyn –quartier d’origine de nombreux artistes tels que Jay-Z, Mac DeMarco, Norah Jones, Mos Def ou les regrettés Notorious B.I.G. et Aaliyah– revenait mettre le feu en Belgique pour la seconde fois en moins de 5 mois.
Le concert, sold-out depuis plusieurs semaines, réunit principalement un public jeune et chaud bouillant. Pile à l’heure, Bada$$ investit la scène, précédé par une surprise de taille puisque c’est le DJ et producteur Statik Selektah qui est en charge des beats ce soir. Dès l’entame, le parterre est déjà conquis à la cause du MC, qui parcourt à la même mesure ses deux mixtapes principales « 1999 » et « Summer Knights » ainsi que le premier LP ‘officiel’, « B4.DA.$$ » à paraître en janvier 2015.
Les tubes se suivent et ne se ressemblent jamais. Le flow de Joey Bada$$ est limpide et n’a rien à envier à des Method Man ou autres Jay-Z. Le public connaît tous les hits du bonhomme, scandés d’une seule voix, des énormes « Waves », « Christ Conscious » et « Big Dusty » aux frémissants « Snakes », « Sweet Dreams », « On & On » et « Unorthodox ». Kirk Knight est le seul membre du collectif Pro Era, auquel appartient Bada$$, à accompagner son collègue sur les planches. Le temps de mettre le feu sur deux ou trois morceaux ainsi que sur les courtes reprises du « Simon Says » de Pharoahe Monch et « Ante Up » de M.O.P., qui vont déclencher l’hystérie dans le parterre. D’autant que le jeune homme, âgé de 19 balais à peine, n’hésite pas à se jeter dans la foule, histoire de mettre de l’huile sur un feu déjà ardent.
Joey Bada$$, Statik Selektah et Kirk Knight sont, ce soir, les parfaits ambassadeurs de la ‘Beast Coast’, une East Coast nouvelle génération qui ne cesse de surprendre en s’appropriant et réinventant un Hip Hop Old School qui avait disparu des radars depuis le début des années 2000. En une heure à peine, l’acteur principal de la soirée est parvenu à asseoir sa réputation sans le moindre effort. Enorme ambiance, playlist parfaite. On a déjà hâte de retrouver les prochains représentants de la ‘Beast Coast’ effectuer un passage dans nos contrées. En l’occurrence il s’agira des Flatbush Zombies et The Underachievers, qui passeront par le VK* le 23 mars prochain. Le rendez-vous est pris.
(Organisation : Botanique)
Il s’agit déjà du dixième album solo de Plant, depuis qu’il a quitté Led Zeppelin. Plant s'affranchit définitivement de l'ombre du groupe légendaire qui l'a rendu célèbre. Ce n'est pas le cas de Page, qui faute de mieux, semble condamné à célébrer son oeuvre passée en rééditant les uns après les autres les albums du dirigeable, enrichis de quelques bonus. Il faut évoluer avec son temps Mr Page. Le passé, c’est le passé. Bob a 66 berges. Et depuis 1982, il va de l’avant. Bien sûr, il n’a plus la voix perçante des débuts. Il a donc décidé d’adapter sa musique à son timbre et ses inflexions actuels. Elle est devenue plus douce. Une évolution qu’on peut juger positive.
« Lullaby And... The Caeseless Roar » constitue le premier long playing réunissant des compositions originales depuis « Mighty ReArranger », publié en 2005. Entre-temps, Plant ne s’est pas tourné les pouces. Il a revisité la musique d’autres artistes, dont Alison Krauss, en 2007, à travers « Raising Sand ». Puis au sein du projet Band Of Joy, en 2010. Robert signe ici son premier LP sur son nouveau label, Nonesuch. Il en a assuré la production et a confié le mixing à Tchad Blake et Tim Oliver. Les sessions se sont déroulées en Angleterre, au Helium Studios, dans le Wiltshire, et au Real World de Bath.
Plutôt blues et raisonnablement rock, ce long playing est balayé d’influences orientales, celtiques et même électroniques. Il recèle neuf pistes signées par Plant, une adaptation d'un blues traditionnel (« Little Maggie ») et un morceau issu de la plume du bluesman américain Lead Belly, « Poor Howard ».
Depuis « Mighty ReArranger », l’artiste enregistre ses albums en compagnie d’un nouveau groupe. Pour la circonstance, il l’a baptisé The Sensational Space Shifters. Au sein du line up, le guitariste Justin Adams est également préposé au bendir (NDR : Justin a bossé en compagnie du combo touareg Tinariwen et Peter Gabriel. Puis le claviériste John Baggott, un proche de Massive Attack et de Portishead. Ensuite, le bassiste Billy Fuller (NDR : aux gènes plus rock) et le drummer Dave Smith (NDR : formé à l'école jazz). Adams et Baggott formaient déjà la section rythmique en 2002, pour « Dreamland ». Et enfin le Gambien Juldeh Camara, un virtuose du violon, préposé au peul ou ritti (violon à une corde).
Plant ouvre l’elpee par la version du classique folk « Little Maggie ». Une compo qui a déjà fait l’objet d’une multitude de reprises. Dylan en tête. Le folk britannique, la country et la world music constituent trois des influences majeures chez Robert. Il les agrège ici à la perfection, en leur inoculant des rythmes électroniques. De l’électro dispensée tout au long d’« Up On The Hollow Hill (Understanding Arthur) ». Légèrement prog/rock, « Pocketful Of Golden » nous replonge apparemment dans le passé. Mais le concours des percus et du fifre irlandais, démontre qu’il cherche un chemin alternatif…
Robert Plant aime la world, ce n’est un secret pour personne. Et il adore en explorer toutes les facettes. Une expérimentation qu’il a remis au cœur de cet elpee, invoquant les énergies des transes du désert saharien sur plusieurs titres. A l’instar de « Rainbow », une compo qui puise ses lyrics dans un poème de William Morris, intitulé « Love Is Enough ».
Plant s’intéresse également au patrimoine celtique. Pour lui, le folklore anglo-saxon et breton a une base commune. Il estime même qu’il existe un fil conducteur commun entre toutes les musiques traditionnelles d'Europe, d'Amérique et d'Afrique. « Poor Howard », une piste détournée du « Po' Howard » de Lead Belly en est la parfaite démonstration. Le duo banjo/violon y mène la danse.
« Embrace Another Fall », « Turn It Up » et « Arbaden (Maggie's Babby) » conjuguent harmonieusement rythmes métalliques et percussions orientales. Plant cède le micro à Julie Murphy sur « Embrace Another Fall ». Tendres, les accords de gratte ne sont pas sans rappeler ceux dispensés par Page sur « Somebody There » et « Turn It Up ». « House Of Love » se distingue par sa mélodie contagieuse. Tout comme « A Stolen Kiss », dont les écoutes répétées finissent par vous transcender l'âme. C'est beau et mélancolique à la fois.
Un très bel album pour cet artiste incontournable qui ne souhaite plus reprendre un quelconque envol à bord d’un vieux dirigeable…
Ce guitariste new-yorkais jouit d’une belle notoriété sur la scène internationale. Agé de 54 balais, cet homme de poids est issu du Bronx. Son blues, il l’a toujours largement teinté de rock. Il est extrêmement populaire en France. Son premier elpee, "It's Chubby time", remonte à 1991. Et depuis, il a gravé un nombre impressionnant d’albums. I'm feelin' lucky" célèbre ses 25 de carrière sous le pseudonyme de Popa Chubby. L'édition ‘Collector’ est enrichie d’un cd bonus réunissant des enregistrement rares, issus de son parcours pré-Popa ; et en particulier au sein de combos comme Noxcuse et Bloodclot. Les nouvelles plages ont été mises en boîte à New York. Lors des sessions, il a reçu le concours de fameux musiciens, dont le claviériste Dave Keyes, le drummer Chris Reddan et le bassiste Francesco Beccaro.
Dès "Three little words", on entre dans le vif du sujet. Puissante, la voix est au diapason du physique de l’artiste. Il triture ses sonorités de gratte à l’aide de ses pédales. Alimenté par un claviériste talentueux –qui double orgue et claviers– et la trompette de Tipitina Horowitz (NDR : la fille du Popa), ce morceau plutôt agréable est sculpté dans le rock. Un rock qui se révèle plus bluesy sur "I'm feelin' lucky", titre au cours duquel la guitare de Popa bénéficie d’une plus grande liberté de manœuvre. Gratteur créatif au doigté bien personnel, il cisèle ses accords sans relâche. Mike Zito a co-écrit "Rock on Bluesman", un blues à la fois indolent et majestueux de plus de 7 minutes. Les deux acolytes se partagent les vocaux et les soli de guitares. De superbes interventions, caractérisées par celles plus dramatiques de Zito. Cette plage rend hommage au New-yorkais Leslie West, un autre artiste corpulent qui a milité chez Mountain et West, Bruce & Laing. Irrésistible! "One leg at a time" évolue sur un tempo enlevé. Tout est bien en place. La voix est autoritaire. La section rythmique est solide et les cordes prennent crânement leur billet de sortie. "Rollin' and tumblin" est un illustre traditionnel du blues issu de la plume de Hambone Willie Newbern. Il date de 1929. Notre géant travaille sa gratte au bottleneck et nous accorde une relecture puissante de ce classique! Popa et Bob Keys cosignent "Come to me", un excellent blues/rock tapissé par l'orgue Hammond, au cours duquel Miss Dana Fuchs apporte son concours aux vocaux. Rappelant Janis Joplin, sa voix est même particulièrement bouleversante. "Save your own life" et "I'm a pitbull" sont deux pistes languissantes qui conjuguent parfaitement orgue et gratte. Omniprésente, chargé de feeling elle est même hantée par Leslie West… Ballade, "Too much information" est dominée par les sèches et le piano électrique. Roots/rock teinté de blues, "The way it is" clôt l’elpee ; une piste bien structurée et agréable à l’écoute. "I'm feelin' lucky" constitue probablement le meilleur opus de Popa Chubby.
Le Collector se penche surtout sur le passé de l’artiste. Il s’ouvre par Elemental time", une piste qui remonte à 1983. Interprétée sous la forme du power trio, elle implique Popa (alias Ted Horowiez) au chant et à la basse ainsi que Jerry Williams, à cette époque propriétaire du vieux théâtre abandonné qui servait de local de répétition, à la guitare. Et ses interventions sont particulièrement déjantées. Quoique trempées dans l’acide, "Snake break" et "Drop the beat" sont deux compos qui adoptent le rythme du dub/reggae. A ses débuts, Ted s’était produit dans des salles étiquetées ‘punk’. Notamment au CBGB's. Il monte alors un combo baptisé Noxcuse, qui ne revêt plus aujourd’hui qu’un intérêt historique. "Videdo Venus" immortalise un titre datant de cette période. De 1980 très exactement. Et la guitare s’y révèle aussi détonante que délirante. Le plus ancien morceau remonte à 1978. Il s’intitule "My relation". John Gullo partage le chant sur ce track bien punk dans l’esprit de l’époque. Le bonus cd nous réserve d’autres plages expérimentales. Dont "I can't fix you", un piste gravée en 1986, au cours de laquelle Ted se concentre en solo sur la programmation. Il épaule ensuite Joe Lobelle, un poète qui militait contre la drogue, à travers Mike the Cop", un morceau caractérisé par des accords de gratte nonchalants et bluesy. Ted Horowitz and Monster, un backing group composé de deux potes, attaquent "I'm giving up" et "Steef Jam", une jam de plus de 11'. Un seul témoignage contemporain ! Il est accordé par Popa Chubby and Street Docs, un duo de hip hop, pour "Popa Chubby is an old ass man". Pourquoi pas!
Thomas Ruf a fondé son propre label. Qu’il a baptisé ‘Ruf’. Il y a juste 20 ans. Spécialisé dans le domaine du blues/rock, il est devenu un des plus prolifiques en Europe, accordant leur chance aussi bien aux femmes qu'aux hommes. Les artistes sont, majoritairement blancs, américains ou anglais. Pour fêter le 20ème anniversaire de la boîte, le boss a décidé de publier un double compact disc. Intitulé "Girls with Guitars", le premier est consacré aux filles. Et le second, "Guys with guitars", aux hommes. Chez Ruf, la guitare est fondamentale. En outre, le patron adore envoyer ses artistes à travers le monde, par équipes même, au sein d’une aventure qu’il a brevetée, les ‘Blues Caravans’.
L'elpee réservé aux filles s’ouvre par une reprise dynamique du "Bitch" des Rolling Stones. Trois artistes y contribuent : Samantha Fish, Cassie Taylor et Dani Fuchs. Dana Fuchs incarne une réplique contemporaine de Janis Joplin. Manifestement, elle a de la personnalité et une présence impressionnante sur les planches. "Bliss Avenue" est une superbe compo. Joanne Shaw Taylor est l'artiste qui vend le plus de disques chez Ruf. Cette jolie Anglaise est âgée de 28 ans. Elle chante "Can't keep living like this", une plage mise en forme par Jim Gaines. Protégée de Mike Zito, Samantha Fish est encore plus jeune. Issue de de Kansas City, elle n’a que 25 printemps. Et elle chante "Down in the swamp". Autre insulaire, Dani Wilde est également une excellente chanteuse. Et elle le démontre sur "Shine". Ce qui avait permis de charmer le producteur emblématique Mike Vernon. Le Vieux Continent n’a pas été oublié. A l’instar de la Serbe Ana Popovic. La star féline attaque le funky "Love fever". Puis de l’Autrichienne Meena. Elle est au micro pour le "Try me" de James Brown. Ensuite l’Italienne Eliana Cargnelutti, dont le "Stranded in Memphis" est chargé de promesses. Et enfin la Finnoise Erja Lyytinen. Spécialiste du bottleneck, elle brille tout au long de "Skinny girl". Plusieurs Américaines sont bien sûr de la partie. Soutenue par sa gratteuse Laura Chavez, Miss Candye Kane nous réserve "Toughest girl alive". Sue Foley est séduisante, mais surtout sa voix de fausset est irrésistible sur "Show me". Il y a un bout de temps que je n’avais plus entendu parler de Joanna Connor. Qui me semble avoir pris du poids. Elle s’acquitte de "Never been rocked enough". Et la fête des filles s’achève en compagnie du trio Sue Foley/Deborah Coleman/Roxanne Potvin.
Place ensuite aux mâles ! Parmi lesquels on épinglera d’abord feu Luther Allison, dont la cover du "You can't always get what you want" des Stones est vraiment remarquable. Jeff Healey n’est également plus de ce monde. Sa version du "I'm torn down" est particulièrement enlevée. La grande famille néo-orléanaise est bien sûr mise en exergue. Tout d’abord le Royal Southern Brotherhood pour le remuant "Rock and roll". On y retrouve la voix de Cyril Neville ainsi que les guitares de Mike Zito et Devon Allman. Inépuisable, Zito se charge des vocaux sur "Voices in Dallas". Et il est impressionnant. Cyril Neville s’illustre tout au long du "Swamp funk" de Dr John, un titre parfaitement adapté. Devon Allman, le fils de Gregg, apporte sa touche personnelle sur "Homesick". Dans cette grande famille, il faut désormais intégrer Bart Walker, spécialiste du southern rock, qui vient de succéder à Mike Zito au sein du Royal Southern Brotherhood. Et il tire son épingle du jeu sur "Waitin' on daylight". Savoy Brown a toujours été un de mes groupes de blues anglais favoris. Kim Simmonds, son leader et guitariste, s’est établi aux USA depuis longtemps. Egal à il même, il rayonne au long d’"If you wanna live". La voix de Thorbjorn Risager est extraordinaire. Le Danois ouvre le second compact disc par "If you wanna live". Et au menu, il faut encore épingler le Yankee Walter Trout, les Britanniques Oli Brown, Laurence Jones, Aynsley Lister et Ian Parker, les Spin Doctors et le Floridien Albert Castiglia dont le blues lent "Bar Avenue" est particulièrement efficace. En espérant que le label Ruf soit encore à la pointe du mouvement blues, dans les dix prochaines années…
Il y a bien longtemps que votre serviteur n’a plus mis les pieds dans l'ancien temple dédié au rock'n'roll : Foret National. Pour assister au spectacle, vous avez le choix. Soit vous débarquez suffisamment tôt et allez vous coller contre les barrières du frontstage. Soit arrivez ‘pépère’ et vous vous installez assis, face à la scène, juste à côté de la table de mixage. Votre serviteur a choisi la seconde solution et il ne va pas regretter son choix.
Il revenait à Monster Truck d’assurer le supporting act. Pas vraiment un cadeau d’ouvrir pour un mythe comme Slash. La salle a été configurée en taille club. Elle est alors susceptible d’accueillir 4 000 spectateurs. Le combo est drivé par deux barbus. Jon Harvey et Jeremy Widerman. Ils se partagent les vocaux. Le premier se charge de la basse et le second de la guitare. Brandon Bliss, le claviériste, s’est planté à gauche. Il se sert le plus souvent d’un vieil Hammond. Et le drummer Steve Kiely, occupe une position centrale. A ce jour, le combo a publié deux Eps : « Monster Truck » en 2010 ainsi que « The Brown » l’année suivante ; et un premier elpee en 2013, « Furiosity ».
La musique de cette formation canadienne trempe dans le rock'n'roll. Le set s’ouvre par « The Lion », un démarrage sur les chapeaux de roues. Les riffs de gratte sont puissants et huileux. Les barbus arpentent toute la largeur du podium. Un peu à la manière du band australien, Airbourne. Les claviers ruissellent comme ceux de feu John Lord, lors des débuts de Deep Purple. Quel bonheur de revivre ce rock aussi musclé que mélodieux. « Furiosity » est le titre maître du dernier LP. Les riffs de gratte vous donnent envie de vous lever de votre siège et de rejoindre la fosse afin de participer à la fête. D’ailleurs, dès le deuxième morceau, c’est déjà le bordel, là-dessous. « Old Train » est un autre extrait du dernier opus. Le morceau est puissant, mais la mélodie est palpable et le refrain efficace. Wolfmother, AC/DC, Led Zeppelin, Airbourne et In Flames vous traversent l’esprit. « Sweet Mountain River » s’inscrit dans le même registre. Les sensations sont excellentes, d’autant plus que le son est irréprochable. « Swordest Beest » est une compo speedée et dynamique. Franchement, pour une première partie, Monster Truck a assuré grave. A revoir absolument comme tête d’affiche. En tout cas, il faut remercier Slash pour avoir emporté ce combo dans ces valises… (Pour les photos voir ici)
De son véritable nom Saul Hudson, Slash est né le 23 juillet 1965, dans le quartier de Hampstead, à Londres. Il a cependant grandi au sein d'un petit village répondant au nom de Burton. Le pseudo 'Slash' lui aurait été attribué par le père d'un ami lors d'une soirée. Depuis qu’il a quitté Guns N' Roses en 1995, le légendaire guitariste a multiplié les projets : Velvet Revolver, Slash’s Sankepit et une aventure solo ; des épisodes auxquels ont participé, selon les circonstances, de grosses pointures comme Ozzy Osbourne (Black Sabbath) et Lemmy Kilmister (Motörhead). Faut dire que l’artiste jouit quand même d’une solide notoriété. Son étoile brille d'ailleurs fièrement depuis quelques années sur le Walk Of Fame d'Hollywood. Pas étonnant, puisqu’il a aussi bossé en compagnie d’Iggy Pop, de Dave Grohl, de Chris Cornell, d’Alice Cooper et de Myles Kennedy.
Eponyme, le premier LP de Slash est paru en 2010. Le deuxième LP en solitaire, « Apocalyptic Love », remonte à 2012. « World On Fire » constitue donc son troisième. Une oeuvre pour laquelle il a de nouveau bénéficié du concours de Myles Kennedy flanqué de ses Conspirators. Compositeur et guitariste rythmique, Myles s’est forgé une fameuse réputation de vocaliste. Et pour cause, sa voix est susceptible de couvrir 4 octaves. Excusez du peu !
A contrario du show qu’il avait accordé à l'Ancienne Belgique, et tout au long duquel, je l’avais trouvé particulièrement statique, Slash –coiffé de son éternel haut de forme– ne tient pas en place. Hormis pendant un solo de guitare kilométrique qu’il réserve à « Rocket Queen ». Surdoué, il dégaine ses riffs avec une énergie sans faille. Tout au long du set, la part belle sera donnée à six reprises judicieusement choisies des Guns. A l’instar de son dernier opus, et comme il y a deux ans, à l'Ancienne Belgique, Slash est épaulé par Myles Kennedy, le brillant chanteur d'Alter Bridge, ainsi que de ses Conspirators. Soit le drummer Brent Fitz et le bassiste, ainsi que le gratteur Franck Sidoris, aux vocaux pour deux compos.
Le logo du dernier opus de Slash (NDR : un smiley !) trône en arrière plan. Le nom du band y est bien sûr associé. Et celui de Myles, en-dessous. Pour bien rappeler qu’il est de la partie ce soir. Ce smiley est également reproduit sur la face avant de la grosse caisse.
Après une intro digne d’une musique de cirque, le concert s’ouvre par « You're a Lie », un extrait du deuxième elpee, « Apocalypse Love ». Slash s’est planté à droite du podium. Myles a vraiment une voix remarquable. Et franchement je la préfère à celle d’Axl Rose, qui ne m’a vraiment jamais bottée. Ce qui ne va pas empêcher Slash de nous rappeler qu’il a sévi chez les Guns N' Roses. Et tout au long du set. Notamment à travers « Nightrain », « Mr. Brownstone », « Rocket Queen » et le splendide « Sweet Child O' Mine » (« Appetite for Destruction ») ainsi qu’une version percutante du « You Could Be Mine » (« Use Your Illusion II »).
La section rythmique est solide. La gratte de Slash est bien plus amplifiée que celle de Franck. Dès « Halo », Slash se dégourdit les jambes, arpente l’estrade de gauche à droite ou encore vient confronter le drummer. « Avalon » est imprimé sur un tempo rapide. Dans la fosse, la foule commence à jumper. Dispensées en ‘live’, les nouvelles compos passent bien la rampe.
Myles remercie le public. Slash fait une véritable démonstration sur sa Gibson, tout au long de « Back From Cali ». Il mérite manifestement son statut de guitar hero. « Automatic Overdrive » est également tiré du dernier long playing ! Le maître de cérémonie nous réserve un petit solo sur « Ghost », plage qui figurait sur l’opus éponyme de Slash. Myles prend un pause backstage et cède le micro à Todd Kerns pour les deux chansons suivantes : « Doctor Alibi » et « Out Ta Get Me », encore un titre des Guns, qui relève à nouveau d’« Appetite for Destruction ». Brent se fend d’un superbe solo de batterie pour introduire « Too Far Gone », moment choisi par Myles pour reprendre sa place aux vocaux. Après « Beneath the Savage Sun », les quelques instants de calme sont consacrés à une chouette ballade intitulée « Bent To Fly ». « World on Fire » redémarre en trombe. Myles y étale l’amplitude de sa voix. Tout au long d’« Anastasia », piste issue de son dernier LP, Slash se sert d’une Gibson à 12 cordes (NDR : de couleur verte !) et livre alors un exercice de style époustouflant de technique. Manifestement, il vient de marquer des points.
Et le show –qui a quand même duré deux heures– de s’achever par « Slither », une cover du Velvet Revolver, issue de l'album « Contraband ». Myles présente les musicos et remercie le public. Slash le remercie également. Il faudra attendre la fin du show avant qu’il ne place 3 mots.
Le rappel va se limiter à une ultime reprise de Guns N' Roses, « Paradise City ». En délire, la foule reprend le refrain en chœur. Une apothéose magnifiée par la pluie de confettis multicolores tirée par deux canons. Un remarquable concert pour un Slash des grands jours… Peut-être même le meilleur set post Guns N' Roses du Londonien auquel j’ai pu assister ! (Pour les photos voir là)
(Organisation : Live Nation)
Sabrina Weeks est originaire de la Colombie Britannique. Cette chanteuse canadienne se produit généralement sous la forme du duo boogie blues en compagnie de son ami guitariste Mike Hilliard. Les deux artistes apprécient également recevoir le concours d’un backing group. En l’occurrence, le Swing Cat Bounce, dont le line up implique le drummer Ed Hilliard, le bassiste Terry Strudwick et le guitariste rythmique Bill White. Le quintet a enregistré ces douze plages en public. Ce qui explique le titre de cet LP : "Live". Ce disque fait suite à deux long playings studio "Tales from Lenny's Dinner" et "Got my eye on you".
Il y a un auditoire, mais on il est plutôt discret. L’opus s’ouvre par "Bad boys", une piste issue de leur premier essai. Plus rock que blues, il déménage, et sert en quelque sorte d’échauffement. La voix de Sabrina est correcte. Mike remplit les espaces vides à l’aide de sa gratte bien amplifiée. Il commence à aligner quelques petits soli sur "Jimme Dee", un blues rock atmosphérique et efficace. Quoique un peu plus rock, "Slide over here" baigne dans un même climat. Et la six cordes s’y révèle de plus en plus passionnante… L’ambiance est de la même trempe sur "Roll it", même si le tempo adopte un profil davantage funky et R&B. Et on a encore droit à une cinquième plage du même tonneau d’affilée, "Happy home". Serait quand même temps que le combo change de registre… Le tempo s’adoucit pour la cover du "You can leave your hat on" de Randy Newman, un titre que Joe Cocker avait traduit en hit. Et enfin, la voix de Sabrina commence à prendre du relief. Le "Strange" d'Ike Turner retombe dans ses travers. Pas très original, il faut le reconnaître. Excellent par contre, "Tarentino" est une composition signée par le couple. Sabrina se montre offensive au micro et les interventions à la guitare sont recherchées. C'est dans cet espace là que le groupe doit s'engouffrer. La reprise de deux compositions du duo Leiber/Stoller confirme bien le Swing Cat Bounce dans le rocking blues dansant, "I can't hear a word you say" et le célèbre "Hound dog" (souvenez-vous des versions d'Elvis Presley et de Big Mama Thornton). "Big boss man", c'est bien entendu le succès universel de Jimmy Reed, en réalité composé par la paire Luther Dixon et Al Smith ; la version est ici totalement funky et donc personnelle, destinée à nouveau à la danse. Et, en finale, Mike se montre inspiré à la six cordes pour le bien enlevé "Got my eye on you". Une formation comme il en existe une kyrielle aux States et au Canada. Le potentiel est présent, mais leur répertoire manque cruellement d’originalité…
Afrikän Protoköl est une formation d'afro-jazz dirigée par le saxophoniste belge Guillaume Van Parys. Elle est née de la rencontre entre Guillaume et Moïse Ouattara, un drummer burkinabé. La musique intègre bien les rythmes traditionnels de l'Afrique de l'Ouest. Les musiciens se produisent à six, parfois sept et symbolisent la diversité multiethnique de cette partie du continent africain. La section rythmique réunit des musiciens issus du Burkina Faso. Soit Moïse, son frère Achille à la basse et Zouratie Kone aux percussions. La section de cuivres implique deux Belges : Guillaume au saxophone alto et Toine Thys aux saxophones soprano et ténor ainsi que l'ivoirien, Yizih également au saxophone ténor. Et parfois, Laurent Blondiau apporte son concours à la trompette.
Dès les premiers instants de "France Au Revoir", les musiciens burkinabés se libèrent déjà à la batterie, aux percussions et à la basse. Le trio de cuivres les rejoint ensuite pour cet afro-jazz inspiré de Fela Kuti. Une plage vivifiante, nerveuse, avant que le tempo ne ralentisse, afin de permettre à l’un ou l’autre instrument de sortir du collectif. D'abord, le saxophone ténor, sans doute de Yizih, rejoint lors de l’accalmie suivante, par le sax soprano de Toine. "On ne tue pas les idées" est issu du même moule, mais il est imprimé sur un autre tempo. Même s’il existe une forme de liberté pour s’exprimer dans l’univers du jazz, il faut reconnaître que tout est bien mis en place, plutôt structuré, surtout dans le chef des différents saxophones. Moïse Ouattara maîtrise parfaitement tous les éléments de ses drums. "African connection" évoque la relation entre un non africain et un africain. Le rythme est pour la circonstance propice au dialogue ; et suivant les ondulations d'une femme africaine, la trompette de Laurent Blondiau d'abord, puis les saxophones et la basse communiquent l'expression de leurs sentiments. "Ya foy" se traduit par ‘Il n'y a pas de problème’ et engage un dialogue entre le percussionniste griot (NDR : le griot africain est en effet le dépositaire de la culture orale) Zouratie Kone et les souffleurs. "I dansè" reflète l'accueil chaleureux accordé aux étrangers et constitue en même temps une invitation à la fête et aux danses. La piste est donc très animée, saccadée, rythmée. Tous les instruments entrent en fusion : percussions, basse, saxophones et trompette, dans un délire collectif! "Troubadou has gone" concerne la liberté du blanc qui peut aller où bon lui semble ; ce qui n'est pas le cas de l'Africain. L'atmosphère est ici calme, mais grave. La liberté a un prix. Les cuivres semblent se concerter et émergent l'un après l'autre, dans un climat très saharien. "Vitamine Z" est envahi par cette poussière ocre balayée par tous les vents qui souffle sur Ouagadougou. Elle est ensuite disséminée par les motos et autres véhicules, accentuant le phénomène de pollution qui rend la vie encore plus difficile. "Ca fait deux jours" et "Longtemps qu'on ne s'est plus vu" suggèrent les rencontres ainsi que les allées et venues des Africains. Les instruments déambulent, se rencontrent, se quittent et finissent par se retrouver. "Le passe-temps vite" met le doigt sur le mode de vie qui diffère entre les Africains et les Européens. Les premiers prennent le temps de vivre. Les seconds courent sans cesse après le temps. A contrario, la rythmique emprunte d’abord un chemin inverse. Les musicos semblent flâner avant de s'enflammer pour participer à une fête du rythme, célébrée tout au long de cet opus. Et "Do not disturb" met un terme à cette fresque colorée…
Nat Baldwin est le bassiste attitré de la formation new-yorkaise Dirty Projectors. Ce qui ne l’empêche pas de mener parallèlement une carrière en solitaire. Qu’il a entamée en 2003, par la publication de « Solo Contrabass ». Excellent musicien, Baldwin jouit également d’une voix envoûtante, qui rappelle, pour ceux qui connaissent, celle de Jude. Il possède donc toutes les aptitudes pour embrasser une aventure individuelle. Qu’il vient de ponctuer d’un cinquième elpee. Un disque qui s’intitule « In the Hollows ».
Baldwin s’est chargé, bien entendu, de l’écriture du chant et la basse. Lors des sessions, il a notamment reçu le concours du violoniste Rob Moose au violon (Anthony and The Johnsons, Bon Iver). Le violon et le violoncelle forgent d’ailleurs le fil conducteur de cet opus. Evidemment on pense immédiatement à Andrew Bird et Owen Pallett. D’ailleurs, la technique de Nat est irréprochable. Pas de quoi discuter ! Et vocalement, il parvient à maintenir le ton sur des rythmes que l’on imagine difficiles à dompter. Mais côté atmosphère, il faut bien reconnaître que la musique de l’Américain ne s’excite guère et ne nous excite que trop rarement. Hormis le morceau maître et « Cosmos Pose », on reste largement sur sa faim ; à tel point que, parfois la combinaison entre la voix et les cordes devient carrément assommante. Des pistes comme « Sharpshooter » ou encore « A Good Day to Die » sont, par exemple, capables d’endormir le plus incurable des hyperactifs.
Bref, si « In the Hollows » n’est pas de mauvaise facture, il manque clairement d’accroches et d’énergie. Dans le style, mais en plus pop, je vous invite à plutôt vous tourner vers Andrew Bird. Vous ne serez pas déçus.
L’Australie a souvent donné naissance à des artistes ou groupes qui ont acquis une notoriété internationale. Pensez à INXS, Midnight Oil, AC/DC, Nick Cave, John Butler Trio, Angus et Julia Stone. Boy And Bear devrait leur emboîter le pas. Aux pays des kangourous, leur popularité est acquise. La formation a donc décidé de s’attaquer au Vieux Continent. Originaire de Syndney, elle a publié un premier elpee en 2011, « Moonfire », un disque qui avait rencontré un franc succès dans son pays d'origine, récoltant par ailleurs plusieurs prix lors des 'Victoires de la Musique Australienne'. Elle s’était produite en avril dernier, en première partie de Noa Moon. Des musiciens ouverts et sympathiques qui ne refusent pas de dialoguer à bâtons rompus, même dans la langue de Molière…
Le combo a gravé son deuxième opus, « Harlequin Dream », une œuvre classieuse, qui fait la part belle aux guitares et aux chœurs, dans l’esprit de Fleetwood Mac, Band Of Horses ou Fleet Foxes, en sculptant ses compos dans un folk/pop/rock/bluegrass/americana indie qui fleure bon le début des seventies.
En 2009, Boy and Bear n’était alors que le projet solo de Dave Hosking. Et sa première chanson « The Storm » devient l’indicatif d'une station de radio australienne. Il rencontre alors le chanteur/compositeur/guitariste Killian Gavin, qui milite alors chez Ovell. Les deux compères décident de collaborer. Le line up est ensuite complété par Tim Hart, le drummer de Wintersound et son frère Jon Hart, qui se consacre aux claviers, au chant, à la mandoline et au banjo. Un team que rejoint encore l’ex-bassiste de Tripartisan Approach, Jake Tarasenko, qui sera ensuite remplacé par Dave Symes.
Les mélodies torchées par Boy & Bear, tout au long de cet LP, sont terriblement contagieuses. Les harmonies vocales (« Southern Sun ») évoquent tour à tour Crosby, Stills & Nash ou Mumford & Sons, une formation insulaire pour laquelle, il avait assuré le supporting act de leur dernière tournée. « Old Town Blues » évoque les grandes plaines du Far West. Et « Harlequin Dream », « Three Headed Woman » ainsi que « Bridges » prolongent le trip. Sucre et miel enrobent la confiserie « A Moment's Grace », une plage caractérisée par un lead vocal vraiment bouleversant. Une jolie envolée de guitare et une superbe intervention de banjo dispensée à la manière de Marcus Mumford fustigent « End Of The Line ». Et « Back Down The Black » est une compo visionnaire de 6 minutes, à écouter les yeux fermés…
« Cent Fois », premier morceau de cet Ep 3 titres, nous permet de découvrir un Cabadzi qui aurait pu être le petit frangin plein d’énergie de Fauve. Et rapidement, on déduit préférer sa compagnie à celle de son parfois pesant aîné… On est scotchés par cette instrumentation d’une fraîcheur irrésistible faite de sifflements, ce rythme euphorisant et ces textes drôles et mélancoliques à la fois. Malheureusement, sur les deux autres plages, « L’Odeur » et « Cancre Ultime », Cabadzi se contente de singer son grand frère. Et on en conclut alors que l’on préfère tout de même la rage et le désespoir original de celui-ci (même si les Nantais de Cabadzi semblent avoir entamé leur aventure avant les incontournables Parisiens…) ! J’adresserai donc un conseil à Cabadzi : trace ta propre voie magnifiquement entamée par le titre maître de cet Ep. On devrait en savoir plus lors de la découverte de l’album « Des Angles et des Epines », apparemment déjà paru, mais pas encore parvenu jusqu’à mes oreilles…
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