Alive Natural Sound est un label californien particulièrement dynamique. Au cours des deux dernières années, il a publié toute une série d’albums intéressants, dont ceux de Swamp Dogg, André Williams, Buffalo Killers, Plimsouls, T-Model Ford, Black Keys, Left Lane Cruiser et plus près de nous, John The Conqueror. Le plus souvent ses artistes pratiquent une musique alternative, fruit d’un cocktail de rock, de blues et de psychédélisme. Cette compile a été immortalisée en ‘live’, lors du Deep Blues Fest de Bayport (NDR : c’est dans le Minnesota) qui s’est déroulé au cours de l'été 2012. Un festival ‘underground’ qui réunissait notamment sept groupes ou artistes de l’écurie en question.
Relativement notoires, les Buffalo Killers ouvrent les hostilités. Leur son nous replonge dans les sixties. Les voix des frères Gabbard évoquent Steve Stills et Neil Young. Et "River rock" en est une belle illustration. Long blues, "It's a shame" est hanté par le Cream de Bruce, Clapton et Baker. Les musicos affichent une cohésion parfaite. La compo tient parfaitement la route. Mark ‘Porkshop’ Holder apporte sa teinte bleue, à l’aide de son harmo…
Le rock sans concession de Lee Beans III & The Glory Fires véhicule des accents punk. Dévastatrice, sauvage, métallique, la musique de ce combo issu de l’Alabama semble contaminée par la scène de Detroit issue des 60’s (Stooges, MC5). "There's bomb in Gilead" et surtout "The red, red dirt of home" en sont de belles illustrations…
Autrefois, Brian Olive sévissait comme guitariste chez les Greenhorns et Soledad Brothers. Il a décidé de se lancer dans une carrière individuelle. Son univers musical est passionnant. Il puise ses références dans le passé. Dans le rock, le southern soul de Stax et le blues, essentiellement. Mais il parvient à créer une mixture homogène. Rafraîchissante, habilement interprétée, elle s’appuie sur une section rythmique de choc, un orgue Farfisa aux sonorités délicieusement désuètes et une guitare bien sentie. Boogie, "Travelling" est imprimé sur un tempo haletant. Voix envoûtante et guitare au son ‘fuzz’ irrésistible alimentent le blues lent, "Bonelle"…
Le rock, le blues et le psychédélisme nourrissent Radio Moscow, une formation issue de l'Iowa. A la tête du combo, le chanteur/guitariste Parker Griggs. Il écrase ses pédales wah wah en pensant sans doute à Jimi Hendrix, n’hésitant pas à en remettre une couche. Son trio dévaste tout sur son passage. Son garage est hypnotique, acide, saturé de fuzz. Et la formation le démontre sur les deux plages qui lui sont réservées, "Hold on me" et "Little eyes".
Left Lane Cruiser nous vient de l’Indiana. Un duo responsable d’un boogie blues punk infernal. Il sort tout ce qu’il a dans le ventre pour attaquer "24 hour blues". Le tandem a invité deux potes pour nous asséner une version ‘décoiffante’ du classique "Ramblin' on my mend". Pas de doute, après avoir entendu ces deux titres, les pionniers du blues ont du se retourner dans leur tombe!
Un seul morceau pour John the Conqueror. Dommage, car le trio, en ‘live’ a vraiment la pêche. Son blues rock inspiré par le british blues du passé est excellent ; d’ailleurs l’impact causé par "Three more" est bien plus percutant que sur disque.
Aled et Brenning Clifford se chargent de la finale. Un duo de frangins gallois. Le premier se charge du chant et de la guitare, le second des percus. La paire est réputée pour ne faire aucune concession. Leur attaque est permanente et excellente. Exquis, "Be your own invention/Stranger dig" est un boogie digne de Rory Gallagher et ZZ Top. Rockin’ blues zeppelinesque, "Hanry's Funeral shoe", constitue leur morceau de référence.
Prince africain, John the Conqueror aurait été vendu comme esclave. Il est ainsi entré dans la légende afro-américaine. On l’associe à John the Conqueroo dont les pouvoirs magiques sont associés à la tradition hoodoo ; en fait, il s’agit de racines de plantes (ipomoea jalapa) aux vertus psychédéliques. Ce thème revient régulièrement dans les lyrics des bluesmen. John the Conqueror est également le patronyme choisi par deux cousins originaires de Jackson (NDR : c’est dans le Mississippi), Pierre Moore et Mike Gardner, pour leur formation. A l’origine, le band se limitait à un duo, Pierre aux guitares (NDR : c’est également le producteur et le principal compositeur) et Mike à la batterie. Ce n’est que bien plus tard que la paire va engager un bassiste, issu de Philadelphie, Ryan Lynn. Leur style ? Un cocktail de southern rock qui a bercé leur enfance, du punk qui a marqué leur adolescence, mais aussi de blues et de soul. Ils mettent en boîte deux EPs. De quoi attirer l’attention de Patrick Boiselle, le responsable d'Alive Natural Sound. Ce qui leur permet de graver leur premier long playing officiel.
"I just wanna" s’ouvre comme une work song. Des voix a capella sont soutenue par quelques percussions avant qu'une guitare largement amplifiée n’opère son entrée. Nous sommes alors plongés au sein d’un blues rock d'excellente facture, au cours duquel les percussions de Mike Gardner libèrent toute leur intensité, pendant que les conquérants chantent en chœur. Puissante, "Southern boy" est une plage caractérisée par des sonorités très électriques et des percussions tribales. Entraînants, les vocaux de Pierre dominent cependant le sujet. Imprimé sur un tempo lent, "Lucille" est une ballade découpée par une rythmique quasi reggae. La voix se détache nettement de l’ensemble, malgré le riff implacable. Blues rock classique, "All alone" évoque l'ancienne école anglaise, et tout particulièrement le Free de Paul Rodgers, même si Conqueror prépare le tout à sa propre sauce. Ballade soul, "Time to go" révèle des accents Stax. Un morceau dépouillé à l'extrême. La voix de Pierre est naturelle, limpide et empreinte d’une grande sensibilité. Mais soudainement, le rythme change et adopte le profil d’un rock/soul à la Faces. De bonne structure, "Say what you want" et "Come home with me" constituent des rockin' blues qui font mouche. Particulièrement originale, "Letter of intervention" est une compo sculptée dans le rock ou plus exactement le southern rock austère, presqu’écrasant. Un poids répercuté, en bonne mesure, sur "Passing time".
Totalement ignoré par la presse internationale, « Featherbrain », quatrième long-playing de la musicienne norvégienne, appartient certainement aux curiosités cachées de l’année 2012 et peut même être signalé comme l’un des albums pop-rock les plus surprenants de cet exercice.
Perdue dans un tourbillon musical scandinave qui ne cesse de produire de plus en plus d’artistes, Hanne Hukkleberg se distingue pourtant comme l’une des figures de proue de cette nouvelle génération de musiciens issu du Nord, depuis la sortie de son premier Ep en 2003 (« Cast Anchor ») et rapidement confirmé par un étonnant premier album en 2004 (« Little Things »).
En publiant cette cinquième réalisation, la chanteuse-compositrice norvégienne s’élève, cependant, au sommet de son art. Un douze titres sur lequel chaque microsillon s’enchevêtre parfaitement pour filer une toile d’une densité exceptionnelle de texture. Un ensemble riche, luxurieux, construit de mélopées mélancoliques et potentiellement infinies qui dérangent les tympans.
On pourrait se laisser glisser sur la pente de la facilité, succomber à la tentation des comparaisons convenues et raccrocher les compos de la jeune diplômée du conservatoire d’Oslo aux wagons Stina Nordenstan, Björk, Emiliana Torrini ou encore Soap&Skin. Pourtant, le monde de Hanne est bien incontestablement singulier et nous réjouit de solides compositions aux structures audacieuses. Une instrumentation dérangeante aux sons coupés, déchirés, qui parvient à tisser une atmosphère souvent inquiétante et imprévisible. Tout au long de ce disque, abondent, fourmillent, se télescopent, l'imagination, l’excentricité, la subtilité, l'audace et la délicatesse ; la noirceur et la vitalité, la retenue et l'exubérance.
Typiquement nordique dans ses ambiances, singulièrement expérimental, se jouant des styles et des conventions, chaque titre est unique. Les tonalités sont continuellement modifiées et il serait inutile de chercher deux chansons au même niveau d'intensité. Un quatrième essai sorti de l’imagination créative de l’artisane norvégienne qui se distingue par ses structures ingénieusement bricolées sur lesquelles elle n’hésite pas à user et d’abuser de sonorités incongrues : bruits de chandeliers, sonnettes de bicyclettes et autres ronronnements de chat...
« My Devils » sombre d’ailleurs rapidement dans des mélodies étranges, des airs entre insouciance et sérénité, nous rappelant sans cesse et sans concession, aux profondeurs de son identité nordique. Un morceau au chant parfumé de la robotique de Karin Andersson Dreijer (The Knife) et de la tessiture décontractée de Phil Elverum (The Microphones). Quant à « The Bigger Me », morceau qui aurait très bien pu être enregistré dans une cuisine, il s’agite d’un dépouillement bricolé et fait écho à des percussions de bocaux, de casseroles et à des sifflements de bouilloire. « Erik », piste de clôture, brille encore d’excentricité et contraste complètement avec le reste de l’album. Un titre qui nous offre un insolite et improbable duo chanté en norvégien par Hanne Hukkelberg et Erik Vister, illustre inconnu de 88 ans, et accompagné de quelques notes intemporelles sorties d’un vieux piano désaccordé. Un duo intergénérationnel surprenant.
Hanne Hukkelberg, une artiste qui n’a pas fini de nous étonner.
Réunion disparate de titres pour la plupart collectés sur leur propre site en offrande à leurs fans, cet opus des Londoniens suit le très jouissif « Judy Sucks A Lemon For Breakfast », paru en 2009.
Intervalle où le groupe s’est donc essayé avec plus ou moins de succès à différentes sauces, Talvin Singh son leader-chanteur ne prêtant sa voix qu’à de brèves occasions.
Collaborations multiples et éternelle insouciance face au fric business transforment donc ce recueil en un énième coup de pied (de leur part) aux us et coutumes d’un milieu se prenant trop souvent au sérieux.
Rois incontestés de l’Hindie Pop, Cornershop tâte donc aussi bien des tablas que du Disco Funk Baba Kool & The Gang avec panache et désinvolture.
Les titres soulignent la fantaisie Pythonesque de ce groupe hors norme (« Beacon Radio » par exemple) où les invités apportent cette petite pincée de sel qui fait prendre le curry (« Soko ») ou le rendent indigeste de second degré (Céleste sur l’improbable « Non Stop Radio »).
La démarche est louable, le résultat parfois laisse à désirer, mais l’esprit iconoclaste reste le maître mot de ces Paki du coin qui font la nique aux supermarchés.
Bien que nouveau groupe belge, The Bluesbones est né sur les cendres deux formations défuntes. Le chanteur Nico Decock et le guitariste Andy Aerts sont issus The Blues Conspiracy. Le bassiste Ronald Burssens et le batteur Dominique Christens de Cora Lee and No Trouble. Le line up a, en outre, intégré un tout jeune gratteur de moins de vingt ans, Stef Paglia. Quintet, The Bluesbones pratique un powerblues rock largement amplifié, dans l’esprit des Anglais de Danny Bryant Red Eye Band.
Superbe boogie, "Cruisin" est imprimé sur un tempo très rapide. Nico chante, mais les guitares ne lui laissent guère le temps de s'exprimer. Elles s'abattent comme un torrent de cordes… Long blues lent, le titre maître adopte un profil dramatique. A cause de la progression des six cordes, dont la montée en crescendo est chargée de sensibilité et d’intensité. Autre boogie, "Allergic to work" est une plage dynamique, propice à la transposition en live. Nico se lâche. Sa voix est grave. Il semble possédé… Encore un blues lent : "She's got the devil". Les riffs sont lourds. Dès que Nico s'éloigne du micro, le soliste récupère les événements. Il s'impose même. Ses interventions montent progressivement en puissance. Il dégote même les notes meurtrières, communiquant un climat tragique à l’ensemble. Et finalement, la voix parvient à reprendre le dialogue avec les riffs surpuissants. Une formule dont les Bones semblent s’accommoder. Pas question de délicatesse chez les Bluesbones. Ce n’est pas leur style ! Leur énergie est dévastatrice et leurs compos terriblement efficaces. Sur scène, leur prestation doit remuer les tripes. Rockin' blues, "Mr Highwayman" est issu de la plume de Howlin' Wolf. Une piste évoluant sur un mid tempo, mais particulièrement offensive. Si les musicos étaient américains, ils seraient certainement issus du Sud. "Believe me" donne un coup d'accélérateur. Indolente, très mélodieuse, cette plage lorgne à nouveau vers le southern rock de Danny Bryant. Conjuguées en harmonie, les grattes libèrent des sonorités limpides, dignes de Wishbone Ash. Ce qui n’empêche pas la voix de Mr De Cock de tirer son épingle du jeu. Percutant, "Depression" est balisé par la slide. Cette œuvre s’achève par une version ‘Symphonic’ (?!?!?) de leur "Believe me". Une adaptation empreinte de douceur, parcourue par des accords de piano paisibles. Les ivoires talonnent la voix de Nico qui s'épanouit dans ce climat où les cordes ne lui volent enfin plus la vedette.
Projet nébuleux et jadis bicéphale, Anstam est aujourd’hui ancré dans l’identité de Lars Stöwe et lui colle à la peau comme le beat au cœur de clubbers.
Etat des lieux d’un mouvement en perpétuelle évolution, « Stones And Woods » pose la question d’un renouveau dans le monde de l’Electronic et apporte son lot de réponses toutes plus pertinentes les unes que les autres.
Reflet d’une ville érigée en La Mecque du genre, cet album propose une descente vertigineuse dans les limbes d’un Berlin sombre et fascinant.
Démarche intellectuelle certes, mais sans une once d’ennui.
Les neuf titres ici présents offrent une vision remarquable et panoramique d’un genre multiple, qui du Dubstep à la Jungle minimale étend ses tentacules sur la mégapole souterraine.
Aucune texture ne sert ici de tape-à-l’œil, aucun son n’est gratuit. Un résultat qui marie la perfection clinique des machines aux émotions les plus humaines.
Un hybride qui loin d’être monstrueux, révèle ses parts de rêves.
The Alvaret Ensemble est un collectif réunissant des musiciens issus d’Angleterre et des Pays-Bas. Avant de monter ce projet les musicos avaient roulé leur bosse dans de nombreuses formations méconnues du grand public. Greg Haines (piano), Jan Kleefstra (voix), Romke Kleefstra (guitare) et Sytze Pruiksma (percussions) forment le noyau de cet ensemble. Pour enregistrer cet opus, ils ont invité quelques collaborateurs, dont Peter Broderick que l’on a notamment pu apercevoir aux côtés d’Efterklang.
Ce double album a été immortalisé dans une église berlinoise, en trois nuits. Ode au silence, la musique y est avant tout contemplative. Chaque musicien prend son temps pour venir placer sa ligne musicale. Les morceaux durent au minimum cinq minutes et, en général, le ton est plutôt monocorde. Puis au sein de cette ambiance paisible et lunaire, Jan Kleefstra vient réciter des poèmes récités en frison (langue pratiquée au Nord des Pays-Bas et un peu en Allemagne).
Ce type de création est destiné à un public averti. Soit elle vous paraîtra d’un ennui mortel, soit vous y trouverez une certaine sérénité. Dans le second cas, vous aurez l’impression d’entrer dans un univers où le temps semble s’être arrêté…
Josh Smith est âgé de 33 ans. Né dans le Connecticut, ce jeune bluesman a passé l'essentiel de sa vie sous le soleil de la Floride. Dès sa tendre enfance, il écoute le blues, celui de Muddy Waters, BB King et T-Bone Walker. A 13 ans, il rejoint les Rhino Cats, le groupe qui a élu résidence au club M de Fort Lauderdale. A 14 ans, il publie son premier elpee, "Born under a blue sign". Et un deuxième, l'année suivante, "Woodsheddin'". Dès 1997, il drive son propre trio, Josh Smith and the Frost. Le combo grave un album "Too damn cold", sous la houlette de Jim Gaines. A partir de 1999, il tourne à travers le monde et enregistre un nouvel opus, "Woman", toujours mis en forme par Gaines. Enfin, "Deep Roots" paraît en 2006 et "Inception" en 2009, une œuvre instrumentale.
En 2010, Josh est signé par le label allemand Crosscut. Ecurie pour laquelle, il vient de concocter « Don't give up on me ». Pour la première fois, Mr Smith se réserve l’intégralité de l’écriture et de la production. Lors des sessions d’enregistrement, il a quand même reçu le concours, du bassiste Calvin Turner, du drummer Carl Lemar Carter et de deux claviéristes, Charles Jones et Denis Hamm.
"Bad side" baigne dans une ambiance nonchalante, décontractée, laidback si vous préférez. Une atmosphère qu’on retrouve sur les derniers elpees d'Eric Clapton. Même la voix est un tantinet rocailleuse. Bien claire, la guitare est parfaitement adossée au chant. Malheureusement, les arrangements de cordes sont souvent trop chargés, voire totalement inutiles. Dommage, car la guitare prend un superbe envol, dans l'esprit de BB King. Soul, "Made for me" est une chanson caractérisée par la présence de voix féminines. Les interventions du clavier sont judicieuses et la six cordes bien présente. D’excellente facture, le titre maître met en exergue la voix sensuelle et évocatrice de Josh. La guitare emprunte à nouveau des motifs sonores à Lucille, l'instrument fétiche de BB King. "I've always been" baigne dans un climat funky ; mais on distingue d’abord en toile de fond, puis tout à fait distinctement, l'harmonica magique de Mr Kim Wilson. Homogène, cet opus trempe dans le laidback blues ; mais sa mise en forme est trop sophistiquée. Pourtant, il recèle de superbes plages comme "That ain"t me", "The middle" ou encore "Sneaky Jo Turner", un instrumental digne d’une bande sonore de film! "That ain't love" clôt l’elpee. Un chouette boogie dont l’impact irrésistible procède de son dépouillement. En fait, Josh est alors uniquement soutenu par sa seule section rythmique. Un choix qu’il aurait dû privilégier…
Psychanoïa est une formation française née en 2004, un quatuor responsable d’un rock metal progressif. C’est la même année qu’il publie un premier opus. Et il est éponyme. Le claviériste quitte alors le navire et est remplacé par un chanteur. Leur deuxième long playing, "Nemesis", paraît en 2008. Le nouveau vocaliste met à son tour la clef sous le paillasson ; et il faudra attendre fin 2010 pour voir débarquer un nouveau membre, le chanteur/claviériste, Ivan Jacquin. Le combo publie une démo 4 titre fin 2011, puis un Ep 3 titres, "The shadows in me", prélude à la sortie d’un nouvel elpee.
Issu de la Franche-Comté, le band réunit donc aujourd’hui le guitariste Olivier Gaudet, le bassiste Jean-Philippe Ciman, le drummer Thierry Charlet et le chanteur/claviériste Ivan Jacquin.
Un riff de guitare puissant ouvre "The shadows in me". Telle une anguille, la voix d'Ivan se faufile entre les engrenages formés par les cordes. Il a une bonne voix, naturellement puissante, capable de se dresser face aux riffs lourds assénés par Olivier. Si cette plage possède un potentiel indéniable, notamment la montée en crescendo de l’orgue véritablement salutaire, la sortie en solo des cordes me reste sur l’estomac. "Thin roads to nowhere" adopte un profil différent. Le style lorgne davantage vers la prog. Celle instituée par Marillion, Twelfth Night voire IQ. La structure des différents tableaux démontre un goût pour la complexité des arrangements. Les changements de tempo sont judicieux. "The letter" révèle une face encore différente de leur style. Une compo plus âpre, violente et métallique. De toute bonne facture, elle emprunte tour à tour à Dream Theater, Pink Floyd voire même, en cherchant bien, à King Crimson. On devrait en savoir davantage lors de la sortie du prochain album…
La nuit passe à vive allure, imprimant ça et là des images électriques sur la rétine bitumée d’une longue route se perdant au loin dans une obscurité d’encre. Cette même encre qui coule encore de veines illusions, de vaisseaux fracassés, d’artères estropiées.
Puis vient le jour, qui s’élargit en ondes sonores tout autour du silence.
Le soleil, implacablement situé à l’exacte horizontale de nos chefs découverts, brûle la pellicule de nos rêves abandonnés, éparpillés, décimés.
L’album concept se décline en deux volets.
Le désastre suit l’Amour, qui lui-même fait écho au désastre auquel Prairie semble avoir survécu.
Quelques bribes de monologue transparaissent dans la brume asséchée d’un matin calme (« Red To drive Me », « Black Snow »), comme issues d’un rêve cathodique, les sens encore engourdis par une nuit terrifiante.
« I’m So In Love… » est d’une noirceur confondante. A cause de ses transgressions bruitistes à glacer les sens, ses incursions dans le monde de l’angoisse, sa palette de couleurs oscillant entre l’outrageusement vif comme le sang et la livide teinte du pire cauchemar.
Les différentes influences cinématographiques ne manquent pas, littéraires et picturales aussi.
Musicalement, c’est du côté de The Third Eye Foundation que l’on peut toujours lorgner à la recherche de quelconques points de repères.
Mais de repères, en vérité, il n’y a pas. Pas plus que dans les songes hantés qui s’achèvent à l’orée de toute réalité.
Un must pour tous ceux qui adorent se faire Lyncher…
Indigestion nocturne n’est pas synonyme de terreur nocturne…
Salmigondis improbable de sonorités datées et surjouées, surmontées d’un theremin hanté par un fantôme de l’opéra tôt ou tard démasqué par Scoobidoo et sa bande, ce disque est simplement horrible.
« Monster » en plage d’ouverture, fruit d’une rencontre hasardeuse entre Kraftwerk et Jean Michel Jarre imbibé de naphtaline, se décline en trois versions, dont les Remixes de Ash Wednesday et d’Antoni Maiovvi’s sont sans nul doute les seules exceptions positives à retirer de cette plaque.
Il y a pourtant matière à s’interroger quand les premières mesures de « Laser For Eyes » se dévoilent. Mais l’incurable Miles Brown et ses solos abjects autour de son antenne transformée en diva de pacotille finissent très tôt de nous convaincre de passer rapidement à la plage suivante.
Déjà passablement excédée par quelques mélodies synthétiques dignes d’un ascenseur galactique, notre attention finit par s’écrouler définitivement quand le virtuose du theremin s’attelle à donner voix à des compositions passablement bancales.
Comme si Nagui invitait simultanément sur son plateau la Castafiore et l’OMD dernière mouture.
Le final de « Meteor Shower » en gerbe magnifique d’auto-complaisance et l’insipidité d’un « Somnabulist » guidé du bout du doigt par cet horrible organe anal(ogique) finissent de m’achever ; ainsi que je salue mon courage d’avoir tenu bon tout au long de ces trente-huit minutes d’infamie.
Contrairement à ce qu’indique son patronyme, Man From the South ne nous vient pas du Sud, mais bien des Pays-Bas, d’Eindhoven tout particulièrement. En fait, il s’agit du projet de Paul Van Hutten. « Koblenz » constitue son premier opus et il a failli ne jamais voir le jour. En effet, les neuf morceaux étaient demeurés à l’état de démo ; et c’est sous l’insistance de ses amis que le Batave s’est enfin décidé à le publier. Conseil éclairé, car il aurait dommage de ne pas découvrir l’elpee de ce barbu. Un excellent songwriter, qui a eu l’occasion de jouer en compagnie de Mr Howe Gelb et de Flying Horsemen. Belle carte de visite, en effet…
Man From the South cite comme influences majeures Bob Dylan, Townes Van Zandt, Eddie Vedder, mais également David Eugène Edward (Wovenhand, Sixteen Horsepower). On l’a donc compris, le Néerlandais regarde de l’autre côté de l’Atlantique. Son style oscille de l’americana au blues (« Hardy Man », « Life May Be Sweet »). Les morceaux sont dépouillés. Paul ne s’accompagne qu’à la guitare. Mais l’artiste a le bon goût d’avoir recours aux loops, pour étoffer sa solution sonore. Le ton est tantôt grave (« Something made The Streets Melt »), tantôt plus paisible (« Right On ») voire allègre (« Into the Gloom »). Mention spéciale à l’excellent « Goodbye Hawaii », dont la mélodie continue de trotter dans votre tête, quelques heures après son écoute.
Guy Verlinde, alias Lightnin' Guy, est un Brugeois âgé de 37 ans. Un bluesman belge qui chante, joue de l'harmonica et de la guitare. Il avait monté son premier groupe en 1993, les Smokin' Chilluns. Il rencontre alors Mario Noppe, le guitariste et leader de Maxwell Street. Ce dernier lui apprend la technique de la slide et l'invite à le rejoindre dans sa formation, band qui se rebaptise Mo' Rice. Guy se focalise ensuite sur l'harmonica. Il reconnaît alors pour maîtres, Sonny Boy Williamson II, James Cotton et le regretté Lester Butler. Devenu une valeur sûre du blues belge, Guy joue sur plusieurs tableaux. Il est le leader des Mighty Gators, en compagnie desquels il publie l’excellent opus "Live from the heart", en 2009. Il se réserve la guitare slide chez les House Rockers, une formation responsable de l’elpee "Lightnin' Guy plays Hound Dog Taylor", publié sur le label français Dixiefrog, en 2012. Enfin, il se produit également en solo.
Ce long playing aborde une facette de l'artiste qui n'avait pas encore été explorée. Guy signe douze des quatorze plages. Le disque s’ouvre par le titre maître. Lightnin' Guy est armé de sa resonator acoustique et souffle dans son harmo diatonique. Il chante en tapant du pied. Plutôt que de déesse indienne, cette plage baigne dans le delta du Mississippi. Le violoncelle de Toon Vierick amorce "99%", une ballade empreinte de douceur. Des backing vocaux soutiennent la voix de Guy. Les sonorités de ses cordes sont belles, pures, immaculées. Un doigté subtil qui caresse également "Yser", un hommage rendu à cette rivière flamande et "Against the grain". La voix colle bien au répertoire intimiste ; elle se met au service de chansons qui baignent davantage dans un registre folk que blues, à l’instar de "Don't you cry", caractérisé par la superbe voix de Miss Ibernice MacBean. "Enraciné dans le vent" est un bien joli intermède musical". L’elpee recèle deux covers. Tout d’abord une reprise majestueuse et bouleversante du célèbre "Voodoo Child" de Jimi Hendrix, une piste au cours de laquelle les cordes de sa Weissenborn sont limpides, tandis qu'il tape du pied sur sa valisette. Puis le "Bring it on home to me" de Sam Cooke, plage pour laquelle il a reçu le concours d’un invité à l’harmo, Steven Troch. Le blues n’est quand même pas négligé. Et nous révèle quelques moment exquis, au cœur de cette musique des racines, dont "Runnin' back to you" et "Reckonin' blues", illuminé par la Resonator. "Ovestrong revisited" bénéficie des interventions subtiles de mandoline, accordées par Willy Devleeschouwer et des accords de piano de Patrick Cuyvers. De toute bonne facture, cet album s’achève par "Boogie train", un boogie endiablé au cours duquel notre Guy se vide complètement les tripes...
Le festival ‘Les Nuits de l’Alligator’ permet à plusieurs groupes ou artistes, imprégnés à des degrés divers au blues/roots, de tourner à Paris et en province. Un festival itinérant qui en 2013, s’est arrêté 26 fois dans 23 villes différentes. Cette 8ème édition se déroulait du 5 au 26 février, et transitait notamment par le Grand mix à Tourcoing. Le 6, s’y produisait les revenants Gallon Drunk ; et ce 26 Motorama ainsi que Wovenhand.
Motorama ouvre les hostilités. Ce combo russe commence à prendre de l’envergure. Aux Pays-Bas, en Allemagne et en Angleterre, il s’est ainsi illustré dans des salles prestigieuses. En Belgique, il s’est produit au ‘trendy’ Madame Moustache de Bruxelles, un endroit plus intimiste. Dès les premiers accords, le band nous plonge dans son post punk revivaliste. Le début du set se révèle plutôt introspectif. Les lumières sont tamisées. Le baryton du leader me fait immédiatement penser à Matt Berninger, le chanteur de The National (NDR : coïncidence, les deux formations sont signées chez le même label, Talitres). Parfois, le spectre d’I Like Trains hante leurs compos. Bien maîtrisées, elles montent progressivement en crescendo. Les musicos viennent souvent au bord de l’estrade. En fin de parcours, le chanteur se lâche et entame quelques pas de danse saccadés, un peu comme s’il voulait pasticher Ian Curtis. Malgré toutes ces références, leur prestation tient parfaitement la route. Motorama est certainement à suivre de très près, d’autant qu’à ce jour, il n’a publié que deux albums et qu’il a encore une belle marge de progression devant lui…
En septembre dernier Wovenhand nous livrait un concert remarquable à l’Eden de Charleroi. J’avais donc vraiment envie de revivre ces moments privilégiés. Première constatation le line up est réduit à un trio. Gregory Garcia Jr a quitté le navire. Et Chuck French a troqué sa guitare contre une basse. Il y a donc une gratte en moins. Evidemment, la musique en devient moins électrique. Explosif, le dernier opus du band, « The laughing stalk », était davantage sculpté dans le rock que le folk. Ce soir, sa transposition en live –la set list se concentrant largement sur cet opus– est beaucoup moins percutante. « Sinking hands » et « A Holy measure » accentuent pourtant le feeling appalachien de l’expression sonore. De quoi permettre au charismatique David Eugene Edwards d’exprimer ses convictions religieuses. Mais j’éprouve énormément de difficultés à entrer dans l’univers de Wovenhand, ce soir. Mon fol enthousiasme est retombé. Pourquoi ? Pourquoi ai-je l’impression de ne pas vivre le meilleur concert du groupe ? L’enchaînement trop rapide des titres ? La durée du set ? Une heure et dix minutes, en tout ! Même le rappel me semble bâclé. « Whistling girl » est un titre sublime. Il est mentionné sur la setlist. Mais ne sera pas interprété. A la place, on a dû se contenter du très pâle « Kicking Bird »…
Wovenhand nous doit une revanche. Jugez plutôt ce que votre serviteur racontait de la prestation accordée à l’Eden de Charleroi ici, et vous comprendrez plus facilement la raison de ma déception.
Setlist
- Closer
- Maize
- In the Temple
- Sinking Hands
- Kingdom Of Ice
- Long horn
- As wool
- Good shepherd
- The Speaking Hands
- Holy Measure
- His Rest
- King o king
Rappel
- Whistling girl (NDLR : sur la setlist mais passé à la trappe !)
- Kicking Bird
Motorama + Wovenhand
(Organisation : Les Nuits de l'Alligator)
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