Buzz On Your Lips, organisateur de concerts et de soirées bruxelloises aux castings souvent alléchants, souffle élégamment ses six bougies. La fête d’anniversaire se déroulait ce dimanche 24 mars dans l’intimité du VK*, à Molenbeek. Et une fois n’est pas coutume, l’équipe de Buzz et le VK ont mis de grosses cerises sur le gâteau en invitant sur les planches le fleuron de ce qu’il faut désormais appeler le Glitch Hop : un mélange subtil d’électro, de bass music et d’abstract hip hop. A l’honneur ce soir, le label Brainfeeder de Flying Lotus et ses jeunes poulains. Et en tête de file, Nosaj Thing, dont la seconde petite perle, intitulée « Home », squatte les bacs depuis deux mois.
Petite structure qui ne cesse de prendre du grade, tant en notoriété qu’en qualité, Buzz on Your Lips a décidé de remercier ses fidèles et nouveaux adeptes en proposant une affiche séduisante, placée sous le signe du soleil de Los Angeles. L.A., demeure du label Brainfeeder, engendré par l’inépuisable Flying Lotus, dont on retrouve ce soir les plus grands espoirs : Jeremiah Jae, Mono/Poly et, comme figure de proue, Nosaj Thing. Ainsi que Free The Robots, seul artiste de la soirée à ne pas être (encore) signé chez FlyLo. Premier à se confronter à un parterre pris d’assaut dès 19h: Mono/Poly.
Charles Krog, alias Mono/Poly, lance les festivités sur un DJ set standard mais efficace, entre hip hop, électro, Bass music et un dubstep à mille lieues de celui de Skrillex et consorts. Pas de grosse surprise de la part du DJ, qui se contente d’enfiler ses disques les uns après les autres, gratifiant le public du sempiternel et fatigant « Harlem Shake » de Baauer.
Dès 20h10, la prestation est bouclée et l’homme cède sa place à Jeremiah Jae. Un Jae que j’avais hâte de découvrir en ‘live’, mais qui m’a malheureusement perdu en chemin. Caché derrière ses platines, le mec se contente également d’enchaîner les beats hip hop sans montée d’adrénaline et surtout sans déverser le flow qui fait la force de ses singles « Money », « Cat Fight » ou « $easons ». Il faudra attendre la mi-parcours pour l’entendre marmonner des mots inaudibles, sur quelques titres.
Free The Robots, de son vrai nom Chris Alfaro, prend la relève pour un set plutôt éclectique et moins mollasson que celui de son prédécesseur. De bon beats funky, jazzy et du breakbeat pour secouer la foule. La soirée se déroule à guichets fermés et ça se sent, tant l’espace confiné du VK ne permet pas vraiment, les soirs de très grosse affluence, de bouger comme il se doit. Je découvre ce soir un artiste aux talents de bidouillages remarquables, dont la discographie ne compte déjà pas moins de trois albums et cinq Eps. A surveiller de près.
Nosaj Thing prend la relève à son tour vers 22h. Jason Chung se lance dans une prestation dont on attendait beaucoup, nous réservant en guise mise en bouche quelques extraits de « Home », son deuxième et nouvel LP. Derrière lui, des projections diffusent invariablement les mêmes formes noires et blanches, tandis que son clip consacré à « Eclipse/Blue » promet bien plus que ce qu’il va nous réserver. Aux extraits de « Home » et « Drift » viennent se greffer quelques-uns de ses travaux de remixes, dont la version reliftée du « Island » de The Xx. Au bout d’une demi-heure, il faut se rendre à l’évidence. Le set de Nosaj Thing, plutôt downtempo, ne colle pas au cadre du VK*, d’autant qu’il est complètement noyé dans le brouhaha des conversations du dimanche soir. Manifestement, il aurait parfaitement trouvé sa place dans une salle du type Rotonde ou plus grand, l’AB version Flex. Chung quitte l’estrade au bout d’une heure tout pile sur le « Bitch Don’t Kill My Vibe » de Kendrick Lamar, à contre-courant du set proposé, mais qui fait son petit effet. A 23h10, la soirée est pliée. Une soirée en demi-teinte, en somme.
Joyeux anniversaire quand même !
(Organisation : VK*)
Disclosure, c'est la révélation hype de ce début 2013. Le genre de brol musical dont tout le monde, s'intéressant un tant soit peu à l'electro-rock, a entendu parler en termes superlatifs ; ‘the next big thing’ comme diraient nos voisins ‘british’. Il est vrai que les frères Lawrence ont tapé très fort dès le départ, matraquant l'Internet de l'excellentissime « What's in your head » dès le printemps 2012, suivi un peu plus tard dans l'année du tout aussi bon « Latch ».
Mais que valent réellement les deux Anglais ? Sommes-nous en présence d'une formation outrageusement surévaluée ? La planète tendance s'est-elle (trop) emballée, à tort ? Ou alors, les frangins méritent-ils la tonne de louanges qui s’est abattue de partout, depuis l'an nouveau ? Tentative de réponse pas toujours objective mais qui cherche à y parvenir...
Malgré une arrivée précoce sur le coup de 20h30, le Club est déjà bondé et les premiers beuglements annonciateurs d'une soirée trop arrosée se propagent… Se tortillant péniblement jusqu'au bar, votre serviteur est frappé par un premier constat : il se sent vieux. La moyenne d'âge doit avoisiner la majorité légale, et la scène rappelle plus un rassemblement de boy-scouts sous ‘exta’ de mauvaise qualité qu'un concert proposé un mercredi soir, en période scolaire. Seul côté rassurant de tout ce spectacle, cette génération (dont je fais partie) a peut-être un avenir quelconque loin du NRJ In the Park, qui sait...
Et alors que je me perdais dans mes pensées, Disclosure est venu me sortir de ma torpeur à grand coup de synthés et de rythmes syncopés. L'auditoire bondit, hurle, fracasse l'air de ses clappements de main, me repoussant à l'extrême gauche d'une salle dégoulinante de sueur adolescente. Les morceaux déferlent, insensiblement identiques, provoquant inlassablement la même réaction chez le public : cris, sauts, applaudissements, update de statut facebook et autres vidéos abominables.
Bien que ne déméritant pas, jamais le duo n’est jamais parvenu à totalement captiver mon attention. La faute à trop de mauvaises conditions réunies en si petit endroit.
Tout d'abord, un manque cruel d'originalité se ressent en concert ; là où il ne gênait nullement sur « Soundcloud », tous les morceaux (à l'exception des « Latch », « White Noise » et « What's in your Head ») sont structurés semblablement : batterie électronique rappelant parfois Booka Shade, voix remodelées à souhait, ligne de basse, montée oppressante et finish en apothéose.
Ensuite, et c'est parfaitement regrettable pour le groupe, je n'étais pas des mieux entouré durant la soirée. Coincé derrière un géant bouclé, calquant ses mouvements sur les miens, et un trentenaire passablement éméché s'amusant à filmer le concert à l’aide de son smartphone (sur ‘Youtube’ c'est chouette aussi), il était difficile d'apprécier totalement la prestation des deux Insulaires.
Ajoutons-y un perpétuel va et vient entre le bar, la sortie et le bord du podium des plus gênants. Sérieusement, est-ce si difficile de rester une heure plus ou moins en place sans constamment emmerder son voisin ?
Bref, c'est un peu la mort dans l'âme, déçu et malgré tout heureux d'avoir vu Disclosure, que je quitte la capitale, un gros quart d'heure avant la fin de la prestation. L'avenir est devant eux, le succès leur tend les bras et leur public est déjà totalement dévoué. Les frangins sont parvenus à surfer sur la vague au bon moment et en profiter pour se forger un joli nom en un temps record. Espérons juste pour eux qu'ils ne finissent pas noyés dans cet océan musical risquant de les engloutir à jamais, dès la moindre fausse note.
(Organisation AB)
Voir aussi notre section photos ici
« Lights Out » : un album oublié ! Lui, Kc Underwood, est américain. Elle, Alice Costelloe, anglaise. Et c’est à Londres qu’ils ont formé Big Deal. Sur ce premier album, le duo tranche sur la production courante par ses mélodies dépouillées, structurées autour de voix mixtes chaudes et sensuelles que viennent contrebalancer les sonorités abruptes des guitares.
Après avoir publié un Ep intitulé « Chair », « Lights Out » livre douze compositions folk aux accents pop et aux sonorités nineties. Toutes alignées sur une même ligne directrice, celle d’une tristesse nostalgique et contagieuse. Une peinture du monde de l’adolescence. Caractérisé par des textes simples ne requérant pas un haut niveau de maîtrise de la langue de Shakespeare, Alice manie le songwriting d’Underwood pour nous conter ses aventures émotionnelles d’adolescente, ses ‘passionnantes‘ journées scolaires romantiques… Bref, des ‘Historettes’ dignes des plus beaux ouvrages de Martine (NDR : pensez à Martine fait des gaufres). Paroles qui pourraient cependant toucher un certain public par leur légèreté ou leur mièvrerie (au choix !) Une visite guidée des frustrations adolescentes puisées dans les eaux un peu troubles des expériences personnelles de la lolita indie rock qui devraient intéresser un public plutôt restreint.
Le titre d’ouverture émarge à la pop électrique alliant le son saturé du grunge à une composition folk. Composition qui serait tout aussi plaisante en acoustique. « Lights out » s’imprègne largement des années 90 et du minimalisme américain largement diffusé durant cette décennie. Convention rock respectée : pas de batterie, pas de basse. Influences explicitement exprimées dès le troisième morceau : « Cool Like Kurt ». Un scénario digne d’un épisode de ‘Plus Belle la Vie’ qui raconterait le chagrin d’un jour éprouvé par une jeune fille trooop sensible et dont l’amour pour un garçon cool comme Kurt (Cobain) serait à sens unique. ‘Scenarii’ Kleenex franchement dispensables. Toutefois, « Swoon » et « Homework », mélodies bouleversantes naviguant sur des musiques sombres et dénuées, viennent fort heureusement sauver la mise.
Malheureusement, l’album tombe rapidement dans le cliché et frôle le pathétique sur « Talk ». La seconde partie de plaquette radote et chute finalement dans le dérisoire. Entre les riffs trop faciles de « With The World At My Feet » et l’insipidité de « Loked up », l’elpee s’enlise progressivement dans les marais de l’ennui.
Seul « Summer cold » échappe à ce naufrage final grâce à l’abondance des structures chaudes des guitares et l’apport de sons atypiques.
« Lights Out », un album surprenant et spontané… Une surprise et une spontanéité dont votre étagère à cds ne se chagrinera pas de l’absence.
L’écoute de ce nouvel album de Mutiny on the Bounty m’a laissé perplexe. Leur math-post-rock est toujours aussi puissant. Un style au sein duquel la formation luxembourgeoise excelle. Et elle l’a démontré sur les albums précédents. Véloces, les riffs de guitare exacerbent les rythmiques épileptiques. « Trials » incorpore des éléments électroniques dans son expression sonore, dans l’esprit d’un 65daysofstatic. A l’instar de l’intro du disque, dont la mélodie synthétique augure une suite intéressante, mais également le morceau intitulé « Myanmar » (NDR : le meilleur du long playing !) ou encore « North Korea » (NDR : faut croire que le combo rêve des dictatures asiatiques).
Mais, il y a un hic. Sur ce disque, le band luxembourgeois a voulu y greffer des vocaux. Pas vraiment une bonne idée. Dès « Artifacts », bonjour les dégâts. En fait, on se croirait revenu 10 ans en arrière. En pleine période émocore. La troisième vague, pour être plus précis ! Encore que parfois, ce chant me rappelle un certain Chester Bennington (Linkin Park). De quoi vous flanquer la frousse !
Conclusion, les meilleures plages de cet opus sont celles où il n’y a pas de chant. Dommage, car sans ces vocaux, cet album aurait été d’excellente facture.
Dans l’univers du country/folk américain, Townes Van Zandt est un artiste légendaire. Il n’a réellement jamais été très populaire auprès du grand public. Il était, par contre, très apprécié de ses pairs. Notamment Willie Nelson, Merle Haggard, Emmylou Harris, Steve Earle, pour ne citer qu’eux. Il a eu une existence assez compliquée. Introverti, il était accro à l'alcool et aux drogues. Ses problèmes psy est ses démons intérieurs, il les reflétait à travers des textes sombres. Il était né en 1944, au Texas. Musicalement, il sera d'abord influencé par le bluesman noir Lightnin' Hopkins et par Bob Dylan. De son vivant, il a publié une dizaine d'albums. Il est décédé à 52 ans, des suites d'une fracture de la hanche.
Trois artistes à la tête du label Neurot ont tenu à rendre cet hommage à l'artiste disparu. Un choix surprenant quand on sait qu’ils trempent surtout dans le metal. Scott Kelly est chanteur et guitariste chez Neurosis, Tribes of Neurot et Shrinebuilder, Steve Von Till, au sein de Neurosis et Tribes of Neurot et Scott ‘Wino’ Weinrich, de Saint-Vitus ainsi que Shrinebuilder. Ils défendent également une carrière individuelle. Ces collaborations croisées expliquent sans doute le partage de ce projet. Sur ce ‘tribute’, ils interprètent, à tour de rôle, trois compos de Van Zandt. Un projet institué par leur ami Ansgar Glade, responsable du label My Proud Mountain (NDR : le titre d’une chanson de Townes), créé pour la circonstance.
Steve Von Till chante "If I needed you". Sa voix est grave. L’atmosphère est sombre. Les cordes acoustiques sont subtilement ponctuées par des notes amplifiées qui se fondent dans l’ensemble. Steve interprète "Black Crow blues", d’une voix saturée d’émotion. Un superbe poème empreint d’une tristesse intense. Il adapte "The snake song" sous une forme particulièrement dépouillée au sein d’un décor électronique morbide. La voix de Scott Kelly est davantage adaptée au folk. Probablement forgée par les excès, elle évolue dans le même registre pour attaquer "St John the Gambler", une compo au cours de laquelle la pedal steel de Jesse Baldwin entretient discrètement ce climat lugubre. La voix de Kelly est déclamatoire tout au long de "Lungs", un folk blues hypnotique au cours duquel le motif rythmique est inlassablement répété devant la puissance électrique, pourtant tapissée en arrière-plan. Tegumsek Valley" est loin de baigner dans la félicité. Wino se réserve "Rake" d’un timbre moins grave, qu’il souligne de cordes qui collent au texte. Il embraie par "Nothin' et "A song for", des folk song typiques. Les performances de Kelly et Von Till me semblent les plus intéressantes ; néanmoins, il est nécessaire de bien comprendre les subtilités de la langue de Shakespeare pour apprécier pleinement cette œuvre…
Ce jeune guitariste/compositeur iranien vient à peine de fêter ses trente ans. Originaire de Téhéran, il pratique une musique qualifiée d’art-rock. Une expression sonore qui mêle rock, métal, prog ainsi que fusion jazz ; et au sein de laquelle on retrouve des traces de musique de chambre avant-gardiste. Il a milité chez Arashk, en compagnie duquel il a commis trois albums entre 2006 et 2008. Depuis, il a décidé d’embrasser une carrière individuelle et ce « Nano woman » constitue son troisième elpee personnel. Salim se charge de tout. Composition, production et instrumentation (NDR : guitare, basse, claviers et percussions). Les titres des neuf plages de cet elpee sont puisés dans les lettres du mot ‘Woman’.
"Namow" ouvre la plaque. La guitare est largement amplifiée. Un peu comme chez Jeff Beck. Interventions de basse, percus et cordes de violoncelle ainsi que de violon s’intègrent parfaitement à l’ensemble pour élaborer une musique de chambre expérimentale et complexe, riche en sonorités ésotériques. "Nam" embraie dans le même registre. Créative, sa musique se veut libre de toute contrainte, propice à l’improvisation, mais en même temps, et paradoxalement, respecte une structure bien établie. Les variations de cordes électriques prodiguées tout au long d’"Amo" semblent balisées par le reste de l’instrumentation. Une discipline élaborée, réminiscente des moments les plus exploratoires de Robert Fripp. Une rythmique rock s’invite sur "mow", avant de dériver vers l'Orient lointain, quelque part au cœur d’une médina cosmique. Les interventions de gratte sont partagées entre riffs denses et chapelets de notes libres. "Owo" défile lentement, subrepticement, telle une musique symphonique où les instruments prennent le relais sur fond de percussions. Réverbérés, aventureux, les accords de six cordes évoluent à la limite de la dissonance. "wom" baigne dans une forme de prog contemporaine. Les sonorités évoluent très lentement dans un climat dramatique. Ce tempo autorise un envol de cordes dans un style ‘beckien’. "oma" épouse d’abord un tempo aussi nonchalant que "wom", avant que la guitare métallique ne rugisse de fureur. Particulièrement dépouillé, "man" macère dans un climat orientaliste. La basse trace d’abord la voie, bien vite relayée par la guitare. Elle se fraie alors un chemin tortueux entre piano, cordes et percussions. Le spectre de Robert Fripp plane à nouveau. Cet étrange long playing s’achève par "Woman", fruit de la rencontre entre free jazz, rock âpre et world music. Une plage apparemment chaotique, mais parfaitement maîtrisée…
Circuit Bending.
Sous ce terme fantasmagorique se dissimule une âme d’enfant.
Cette petite flamme de curiosité brille dans les yeux du bébé qui décortique sa poupée ou démonte son jouet.
C’est un terme qu’on emploie pour désigner cette tendance à détourner les circuits électriques enfouis dans les jeux, pédales d’effets, et autres Casios d’une lointaine époque.
Recyclés, amalgamés, redirigés, assemblés, reprogrammés.
Monstres hybrides en circuits fermés.
Entre les mains de savants fous, de doux illuminés, de vrais passionnés.
Ainsi en va-t-il de Xavier Gazon, touche-à-tout de génie qui depuis deux mille six, mène le projet Playboy’s Bend (oui, Bend, comme Bending) du bout des rêves. De ses rêves. De nos rêves. Rêves éveillés. Rêves habités. Habités par une certaine Electro Pop aux vagues très eighties (Patrick Coutin, Taxi Girl, Plastic Bertrand, Lou & the Bananas, Fad Gadget, Kraftwerk, Liaisons Dangereuses, Android’s 80, Lio, et maintenant cherchez l’intrus).
‘J’ai quitté l’atmosphère de la terre à bord de mon vaisseau spatial’.
Le ton est donné.
Voyage ludique, empreint de nostalgie, entre univers enfantin et fantasmes adultes, « Game » est un album qui porte bien son nom et cache bien son… jeu.
Car il se moque des codes, des tendances, des modes et du temps.
Un univers décalé où l’on croise de jolis chœurs (Belleclose, Juliette Whatieu) qui accompagnent de facétieuses mélodies.
Mais contrairement à ce que l’on pourrait craindre, un univers loin d’être aseptisé.
Si l’humour est omniprésent, l’esprit et la gouaille de ce playboy qui tient plus du rusé renard que du lapin assure une homogénéité salvatrice à cet ensemble au final très cohérent.
Cette suite à l’Ep « Needs », dont on retrouve ici le titre éponyme, ainsi que « Caroline », s’avère donc la confirmation de tout le bien que j’en disais en ces même lignes, il y a quelque temps.
Un elpee pour enfants pas si sages…
La scène post-rock belge possède d’excellents représentants. A l’instar d’Ilydaen, formation liégeoise, responsable d’un premier opus, paru, fin de l’an dernier. La trame instrumentale de « Digressions » est découpée en 6 actes, à écouter, de préférence, d’une traite. De facture classique, leur post-rock baigne au sein d’un climat ténébreux, mélancolique, sis à la frontière du métal voire du hardcore. Pour être plus précis, quelque part entre Explosions in the Sky et Isis.
Au sein d’une niche où il s’avère difficile de se démarquer et à défaut d’afficher cette touche d’originalité qui fait la différence, Ilydaen offre toutefois d’intéressantes dispositions qui poussent à la réécoute. Et notamment un sens mélodique qui fait mouche. Prometteur !
Janie L Hendrix est la belle-sœur de feu Jimi ou plus exactement la fille adoptive du père du génie de la guitare, James Allen ‘Al’ Hendrix. C’est également la présidente de l’Experience Hendrix LLC, la société qui gère les droits d'auteur de Jimi, génératrice, vous vous en doutez, de revenus très confortables, même si la publication d’albums posthumes peuvent alimenter le souvenir et ravir les fans innombrables de plusieurs générations. Hendrix nous a quittés en septembre 1970 ; eh oui, il y a déjà plus de 42 ans. Il n'avait, de son vivant, gravé que quatre albums. Trois en studio chez Experience et un live pour Band of Gypsies.
Sorti en 2010, "Valleys of Neptunes" en 2010 se concentrait sur les derniers enregistrements studio. "People, hell and angels" nous restitue aussi des prises studio, mais produites et mixées par Eddie Kramer (et… Jimi lui-même). Pour rappel, Jimi cherchait à faire évoluer sa musique, au contact d’autres musiciens que ceux de l'Experience.
L’elpee s’ouvre par "Earth blues". Une plage enregistrée en décembre 1969, sous la formule trio du Band Of Gypsies, impliquant le drummer Buddy Miles et le bassiste Billy Cox, très peu de temps avant que groupe n’immortalise son set au Fillmore East. "Somewhere" constitue un très grand moment. Nous sommes en mars 1968, lors de la première tournée américaine de l’Experience. Jimi entre pourtant en studio, flanqué de Buddy Miles et Stephen Stills, à la basse. L'envol sur les cordes est totalement déjanté. Il multiplie les effets de distorsion sur la pédale wah wah. Il existe plusieurs versions de "Hear my train a comin'", un blues extraordinaire, joué lors d’une première séance, au cours de laquelle il était soutenu par Miles et Cox. A l’époque, cette musique était inédite et expérimentale. Le même jour, il nous propose sa vision du classique d'Elmore James, "Bleeding heart". Ses interventions sur les cordes sont lumineuses, face à une section rythmique qui libère un groove incroyable. Il partage une impitoyable tranche de R&B en compagnie du saxophoniste/chanteur Lonnie Youngblood, qu’il avait rencontré deux ans plus tôt, sur "Let me move you". "Izabella" et "Easy blues" ont été immortalisés à New York, le lendemain du festival de Woodstock. Jimi est épaulé par le Gypsy Sun & Rainbows, incluant un gratteur rythmique et deux percussionnistes. Plus atmosphériques et complexes, ces pistes sont davantage teintées de jazz. Très funky, "Crash landing" a été enrichi de percus, une opération réalisée en 1975, par les membres de Cherry People. "Mojo man" trempe également dans le funk. Albert Allen assure les vocaux, James Booker (NDR : il est issu de la Nouvelle Orleans) les ivoires, Muscle Shoals la section rythmique. Jimi double guitare et basse sur l’instrumental "Inside out" ; et il se révèle un redoutable quatre-cordiste, face aux coups de boutoir de Mitch Mitchell! Blues assez court, "Hey gypsy boy" est à la fois étincelant et relativement dépouillé. Jimi y chante sereinement devant son ami Buddy Miles. "Villanova Junction blues" clôt l’opus, un autre instrumental au cours duquel Miles et Cox semblent particulièrement cool. Sur ce long playing figurent donc quelques excellentes plages, qui nous rappellent que Jimi Hendrix était vraiment un guitariste de génie, mais également des pistes plus expérimentales, indicatives de ce qui pouvait l'intéresser…
Ben Harper a accompli du chemin, depuis qu’il a publié son premier opus, "Welcome to the cruel world", en 1994. Ce chanteur/auteur/compositeur/guitariste californien s’est ainsi forgé une belle notoriété. D’autant plus qu’il est capable, avec bonheur, de changer de style. Aussi bien le rock, le blues, le jazz, que le reggae ou le folk.
Enregistrée en compagnie de Relentless 7, sa dernière œuvre, "Give till it's gone", remontait à 2011. Pour enregistrer son douzième opus, il a reçu le concours du célèbre Charlie Musselwhite. A l’instar des bluesmen authentiques, ce dernier est issu du Mississippi. Né en 1944, il a passé son enfance et son adolescence à Memphis ; ce qui lui a valu le sobriquet de Memphis Charlie. Il y rencontre Elvis Presley et Jerry Lee Lewis. Mais sa passion, c'est le blues ; aussi il émigre à Chicago où les plus grands lui ouvrent les bras : Muddy Waters, Howlin' Wolf et John Lee Hooker, notamment. Fin des sixties, il s'établit en Californie où il vit d’ailleurs toujours aujourd'hui.
Charlie et Ben se connaissent fort bien depuis la fin des 90s ; mais ils n’avaient pas encore eu l’opportunité de concrétiser une collaboration. C’est chose faite. Pour concocter cet elpee passion, Ben est soutenu par ses musiciens de Relentless7, en l’occurrence le bassiste Jesse Ingalls, le guitariste Jason Mozersky et le drummer Jordan Richardson.
"Don't look twice" ouvre la plaque. Une compo acoustique particulièrement fragile. Ben chante d’un timbre très expressif, avant que Charlie ne vienne tapisser l’arrière-plan de ses interventions plaintives. Les autres musicos font leur apparition, à leur tour. Mais soudainement, Musselwhite déchire, lacère même, l’expression sonore. Un véritable coup de rasoir ! Le tempo s'emballe. Le ton monte, les percussions préludent "I'm in I'm out and I'm gone". Les lyrics ne prêtent pas à sourire. Le vieux souffleur brille de mille feux. Caractérisé par ses claquements de mains, "We can't end this way" baigne dans le gospel. A cause des chœurs qui répondent au chant de Ben. Il en profite pour libérer des sonorités écorchées de bottleneck. Une sacrée dose de rock est injectée à la compo "I don't believe a word you say". Proche de Beck à l’époque du Cream, la voix de Harper est puissante. Les riffs sont percutants. Jesse et Jordan triment à la section rythmique. Une formule reproduite sur "Blood side out". Un peu de quiétude envahit le dépouillé "You found another lover", une piste caractérisée par le chant plaintif, les cordes acoustiques et l’harmo discret. Superbe ballade roots blues, "I ride at down" disserte sur les méfaits causés par les guerres successives. La densité du climat est entretenue par la basse. Le chant est superbe. La slide s’infiltre délicatement, tout en douceur. Le titre maître campe un fort bon blues imprimé sur un mid tempo. Les interventions de basse sont remarquables. Charlie souffle parcimonieusement dans sa musique à bouche. Ben se réserve la slide. Ses incursions sont aussi peu démonstratives, mais empreintes d’une grande sensibilité et judicieuses. Eloquent et efficace, "She got kick" est un excellent blues. Une petite perle qui lorgne quelque peu vers Ike Turner. De toute bonne facture, cet elpee s’achève par le tendre et lumineux "All that matters now". Face au piano, à la guitare et à l’harmo de l'ami Charlie, la voix de Ben est divine. Cet opus est dédié à Solomon Burke et John Lee Hooker.
Le patronyme de cette formation est énigmatique. Tout comme sa musique, d’ailleurs, qui se dévoile lentement, sous une forme post rock. Mais que peut donc bien apporter ce duo, dans un genre ultra-balisé ? Et bien, les frères Harpagès, Julien et Antoine, que l’on a déjà connu au sein d’un projet baptisé L’OBJET, veulent rendre leur style le plus ‘ambient’ possible, en lui conférant des ambitions cinématographiques. Tout au long des 6 titres d’« Au Moment », la paire cherche donc à mettre nos sens en éveil, plutôt que de susciter la réflexion… Un concept qu’elle développe en faisant la part belle aux arpèges (Harpège ?) au cœur de climats shoegaze, légèrement teintés d’électro. Entre l’envoûtement et l’ennui, le mélomane devra choisir…
En 2010, le premier album de Cody (NDR : en référence à l’album de Mogwai « Come On Die Young »), avait laissé entrevoir un réel potentiel, chez le groupe. D’ailleurs, après la sortie de cet opus, il a eu l’opportunité d’ouvrir pour quelques pointures comme Band of Horses, Bonnie ‘Prince’ Billy ou encore The National. De quoi prendre de la bouteille…
« Fractures » constitue donc le deuxième long playing du groupe. En trois années, le son des Scandinaves s’est affiné. L’instrumentation est luxuriante. On y rencontre des violons, des claviers et même de la trompette… Tout est parfaitement mis en place. Emmenés par Kaspar Kaae, les sept musicos maîtrisent leur instrument et pèsent chaque note. Les envolées lyriques ne sont jamais loin. Et on pense le plus souvent à The National, même si la voix de Kaee n’est pas du même calibre que celle de Matt Berninger. Elle possède cependant ses spécificités, notamment cette forme de nonchalance qui colle bien aux compos du groupe. Et une plage comme « Caroline » en est certainement le plus bel exemple.
Une chose est sûre, Cody est digne de cette scène danoise en pleine expansion, une scène toujours emmenée par Efterklang, Slaraffenland ou encore Pinkunoizu. Pas de date en Belgique pour ce combo scandinave. Ce n’est cependant pas une raison pour passer à côté de ce « Fractures »…
Le label Ellersoul a eu le nez creux en demandant à quatre musiciens talentueux se réunir pour partager un même projet sous le patronyme des 4 Jacks. Les 4 As!
Anson Funderburgh est un guitariste texan. Chez ses contemporains, il est considéré comme un des meilleurs. Il a drivé, pendant trois décades The Rockets, une formation au sein de laquelle militait le chanteur/harmoniciste noir, Sam Myers. Cette véritable légende du blues est disparue en 2006.
Big Joe Maher est issu de Washington D.C. Batteur, chanteur et compositeur, c’est un maître du swing
Kevin McKendree est claviériste. Il a longtemps été chef d'orchestre de Delbert McClinton. Quant à la basse, elle est assurée par Steve Mackey.
Ils sont entrés dans le studio de McKendree, ‘The Rockhouse’ à Franklin (NDR : c’est dans le Tennessee) pour y enregistrer sous sa houlette.
Le titre maître ouvre le feu. Le son trempe dans le Memphis blues. Anson pince les cordes à la manière de Freddie King tandis que McKendree fait vibrer son orgue Hammond comme Booker T. Une excellente entrée en matière instrumentale. "Have ourselves a time" baigne dans le swing à l'état pur. Steve se démène sur sa basse acoustique. Kevin caresse ses ivoires sur le mode jazz. Big Joe dirige la manœuvre depuis ses fûts. Anson semble hanté par T-Bone Walker. La complicité musicale est manifeste. La cover du "I don't want to be president" de Percy Mayfield permet à Mr Funderburgh de faire la différence. Le niveau monte encore d'un cran sur "She ain't worth a dime", un Chicago shuffle au cours duquel McKendree fait exploser les 88 touches de son piano. Véritable joyau, "Love's like that" est issu de la plume de Maher. Anson est en toute grande forme. Son jeu est exceptionnel. Il évolue même dans le registre d'un Otis Rush au sommet de son art. La voix de Big Joe est irréprochable. Elle est même limpide sur "Bobcat woman", un swing au cours duquel chaque instrument trouve sa place. Blues lent de circonstance, "You turn to cry" adopte un profil dramatique. Un exercice de style qui semble naturel pour ces artistes ; et qu’on retrouve sur "Bad news baby". Rien n’est à jeter sur ce long playing. Funderburgh s'éclate sur "Thunder and lightning". Il échange un duel avec McKendree, sur l'instrumental "Texas twister". Enfin, les quatre musicos se défoulent tout au long d’"Ansonmypants", un boogie ludique. Pour votre serviteur, il s’agit du meilleur album de blues, paru depuis le début de l’année 2013. Un projet à suivre de très près !
50 Weapons of Choice #20-29 est une des compilations "50 Weapons" publiée par le label Monkeytown. Elle réunit des compos remixées par différents artistes, signés sur la maison de disques, tels que Dettmann, Addison Groove ou Anstam, pour les plus connus.
Vu le panel de Deejays concernés, on aurait pu espérer hériter d’un recueil brillantissime. Il n'en est rien. En effet, aucune des 10 pistes qui figurent sur ce cd ne sort de l’ordinaire. Pire encore, elles sont stériles et reflètent un manque total d’inspiration.
Si vous êtes fans des Djs, tournez-vous plutôt vers leurs travaux en solitaire ; ils sont nettement plus cohérents.
Nederlands 
Français 
