Dès les premières notes, on sent que Ian Parry a voulu donner un aspect plus heavy à son Consortium Project. La réédition du quatrième chapitre de son ambitieux projet est plus sombre, plus lourd et plus inquiétant que ses précédents essais. La voix de Parry constitue l’élément omniprésent de l’LP, et reste évidemment mélodique de bout en bout, mais l’ambiance se veut plus oppressante, laissant la part belle aux riffs gras plutôt qu’aux nappes de clavier éthérées.
En ce sens, « Children Of Tomorrow » est sans doute l’album le plus digeste de la collection (qui compte cinq volumes), le côté parfois monocorde du chanteur seyant à merveille à l’ambiance glauque qui prédomine. De plus, des chœurs féminins apportent un côté épique à l’ensemble du plus bel effet.
Côté histoire, Ian Parry utilise une fois de plus la science fiction pour parler de l’actualité, et imagine un futur où l’humanité, tentant d’en savoir plus sur son passé, afin de ne pas répéter ses erreurs, découvre ses origines véritables, loin de la planète Terre…
La réédition du deuxième opus du Consortium Project ne comporte que peu d’intérêt pour ceux qui l’ont écouté lors de sa sortie en 2001. Hormis deux bonus tracks, qui ne sont rien d’autre que des versions démo de deux titres de l’album, rien ne distingue cette mouture de l’originale, hormis un remastering anecdotique. Pour les autres, rappelons que le Consortium Project est un groupe mené par Ian Parry (Elegy, Crystal Tears), qui décline en cinq volumes, une histoire SF complexe sur laquelle s’appuie le frontman pour analyser son époque. Ce deuxième volet met en scène un monde régi par une nouvelle espèce exclusivement féminine appelée NEOFEMS, et y intègre des concepts proches de la société de 2001 : le réchauffement climatique, le clonage, la téléréalité, etc.
Si l’histoire est riche, musicalement, c’est une autre paire de manches. Le power metal éculé et bateau asséné tout au long de l’elpee présente peu d’intérêt, et ne sort que trop rarement la tête de l’eau. Linéaire, froid et sans consistance, il faut véritablement s’accrocher à la narration pour tenir le coup jusqu’en fin de parcours.
Autrefois, dans l’univers du blues, les ‘guitar heroes’ étaient légion. Souvenez-vous de Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jimmy Page, Jeff Beck, Alvin Lee, Peter Green ou encore Rory Gallagher. Alors jeunes, ces musiciens ne manquaient ni de charisme ni de compétences ; mais ils donnaient surtout envie à leurs fans de s’identifier à ces idoles. Depuis, ce phénomène est devenu plus rare. On recense encore Stevie Ray Vaughan disparu trop tôt, et plus près de nous, sur la scène du blues rock, Joe Bonamassa ; mais en général, ces sont des musicos à la peau blanche.
Exception qui confirme la règle, Gary Clark Jr. Un black qui a pris manifestement la bonne direction. Et pour cause, il s’inspire directement du dieu Hendrix et de l'ange Vaughan. Gary n'a que 29 ans. Il a parfaitement intégré les courants de la musique américaine : blues, rock'n'roll, soul, jazz, country. Ce Texan nous vient d'Austin, comme les frères Vaughan, Stevie Ray et Jimmy. Encore gosse à Austin, il avait séduit le vieux Clifford Antone qui hébergeait le meilleur club de blues de la capitale texane, l’‘Antone's’. Au cours des dernières années, il est monté régulièrement sur les planches en la compagnie de grosses pointures, telles que BB King, Buddy Guy, Eric Clapton et même les Rolling Stones. Dès 2004, il enregistre ses premiers albums et quelques Eps, qu’il autoproduit. En 2011, il tape dans l'oreille du label major Warner. L’écurie lui permet de publier l’Ep "The Bright Lights", qui bénéficiera d’une version australienne plus conséquente, l'année suivante. Il vient de graver son nouvel elpee. Il est éponyme et bénéficie enfin d’une large distribution.
"Ain't messing around" ouvre le feu. Nous sommes au cœur de Memphis. Soutenu par une section de cuivres, ce southern soul ranime ces sonorités Stax si excitantes, qui ont marqué les années 60 et 70! La première sortie à la six cordes ne manque pas de gouaille, mais le rythme adopte celui du galop ! La voix ne libère pas toute sa puissance, elle caresse même "When my train pulls in", un blues rock imprimé sur un mid tempo irrigué par l'orgue Hammond B3 de Zac Rae. Gary entame timidement un envol sur les cordes avant se libérer totalement. Mais ce déferlement, accentué par les effets de la pédale wah wah, sont parfaitement maîtrisés. Une incursion dans le psychédélisme, tout à fait exceptionnelle ! Gary a assimilé l'essentiel du testament de Hendrix. Plage soul, le titre maître emprunte au "Pieces of a man" de Gill Scott-Heron. "As the years go passing by" lorgne vers Albert King. "Bright lights" est un blues rock efficace. Tourmentées, torturées à l’extrême, les sonorités trempent dans le fuzz. Sculpté dans le rock’n’roll, "Travis county" est propulsé par la machine à percussions de J J Johnson. Gary puise toute l'énergie d'un Thorogood pour nous réserver un solo d'une rare efficacité. Deux pistes se révèlent plus dispensables. Tout d’abord, "The life". Une ballade soul hip hop sans grande consistance. Puis "Glitter ain't gold", un power blues rock un peu lourd. "Numb" est véritablement hanté par Hendrix. Une compo puissante, bien ficelée, au cours de laquelle sa voix musicale est talonnée par la guitare triturée et gémissante de Clark. Il s’agit peut-être du "Voodoo Chile de notre Junior ? "Third stone from the sun" rend un long et brillant hommage au même James Marshall. Cette réplique vivante poursuit dans le même registre, en nous proposant un nouveau voyage atmosphérique propice à la transe psychédélique, "You saved me". De toute bonne facture, cet elpee s’achève par "Next door neighbor blues", un blues acoustique inspiré par les pionniers du Delta.
Plusieurs écoutes sont nécessaires pour bien cerner le nouvel opus de Bowie. Vous avez certainement déjà eu le loisir d’entendre le single « Where are you now », sur l’une ou l’autre station radiophonique. Une compo mélancolique, dont les textes évoquent le séjour de Bowie et d’Iggy Pop à Berlin, en pleine cure de désintoxication. Un des deux slows de l’opus également. L’autre, empreint de lyrisme et intitulé « You feel so lonely you could die », est enrobé d’orchestrations, de chœurs et tout le St Tremblement. Mais le nouvel opus de Bowie marque surtout un retour à l’électricité. Pas comme chez Thin White Duke, mais la plupart des plages y sont généreusement alimentées. Depuis le morceau qui ouvre la plaque et titre maître, une piste aride, énergique, hymnique, caractérisée par ses interventions de gratte abrasives et les inflexions déclamatoires de Bowie, au final « I’ll take you there », vivifié par ses riffs bien sentis, en passant par le funk blanc lancinant « Dirty boys » et le plus métallique « (You will) set the world on fire » (NDR : référence au titre phare du « Heartbreak Hotel » de Presley ?) Le long playing recèle quelques pistes plus complexes. A l’instar d’« If you can see me », titre sous haute tension, évoluant quelque part entre drum’n’bass, prog et jazz rock, soit dans la lignée de « Earthling », l’instrumental bruitiste (« Berlin » ?) « Plan » et surtout le sombre et mystérieux « Heat », plutôt proche d’un David Sylvian, les interventions de basse mélodique lorgnant curieusement vers Mick Karn. Moins difficiles mais toujours élaborées voire syncopées (« Boss of me », dont le recours au saxophone baryton semble sous Morphine), les compos reposent sur ces fameux contrastes si spécifiques à l’artiste, entre refrains et couplets. Même les titres les plus pop. Soit le ‘beatlenesque « I’d rather be high », le plus glamour (Ziggy Stardust ?) mais un peu trop britrock « Valentine’s day ». Ou baignent dans le swing. Comme « Dancing out in space », dont les vocaux évoquent immédiatement « Golden year ». Et puis l’entraînant « The stars (are out tonight) », mais sous une forme plus subtile. Sans oublier « How does the grass grow ? » et ses ‘Ya ya ya ya’ calqués sur « Apache » des Shadows. Mon coup de cœur ? Il ira à « Love is lost », une plage hymnique, imprimée sur un tempo new wave, soulignée de chœurs emphatiques et colorée par des claviers vintage, fluides, rognés, digne d’un des deux premiers elpees de Simple Minds. Ben j’allais oublier l’essentiel, la voix de Bowie. Pas de souci, elle a conservé toute son amplitude.
Alors un bon album ? Oui, assurément. Pas le meilleur de l’artiste, mais largement supérieur à ses dernières productions.
Et pour que votre info soit complète, sachez que c’est le fidèle collaborateur, Tony Visconti, qui s’est chargé de la mise en forme.
Agée de 25 ans, Trixie s’est établie à Brooklyn, à deux pas de la ‘Grosse Pomme’. C’est la fille du regretté Chris Whitley. Elle est née à Gand. Musicien, Chris pratiquait du folk/blues. Il jouait de la slide, dans un style acéré, inspiré par Johnny Winter. Il était venu tenter sa chance en Belgique et avait épousé Hélène Gevaert, sœur d'Alan, membre de dEUS. C'est de cette union qu'est née Trixie. Son père est malheureusement disparu en 2005, victime d'un cancer du poumon foudroyant. Il n'avait que 45 ans.
Trixie a été élevée au sein d’un milieu artistique, partageant son existence entre les States et la Belgique. Elle s’intéresse très tôt à la musique, à la poésie et à la danse. Elle tourne notamment en compagnie des "Ballets C de la B". Elle enregistre son premier Ep, "Strong blood" en 2005. Elle est remarquée par le célèbre producteur Daniel Lanois qui l'invite à entrer dans l'école de musique Berkeley, à Boston. Le projet donne naissance à un super groupe, Black Dub, responsable d’un opus éponyme en 2010. Elle publie alors deux Eps personnels, "The Engine" et "Live at the Rockwood Music Hall". En 2012, elle entre en studio pour réaliser sa première œuvre majeure, "Fourth Corner", un disque enregistré sous la houlette de Thomas Bartlett. Cette jeune femme est particulièrement douée. Sa voix est profonde, sensuelle et envoûtante. Dans ses lyrics, elle décrit les choses de la vie à travers ses expériences, épanche ses émotions, toujours avec une approche positive. Ses compos débordent de sensibilité. Son style est à la fois unique et éclectique. Et pour cause elle puise autant dans le folk, le rock, le blues que le classique, pour créer des compos à la dimension subtilement pop.
Une atmosphère étrange prélude "Irene". Percussions et autres bruitages entretiennent une belle densité rythmique. Overdubbée, la voix de Trixie perce l’écran sonore. Plage minimaliste, "Pieces" bénéficie de superbes orchestrations de cordes. Sur "Need your love", la guitare amplifiée de Sam Cohen éclot au cœur des percussions, alors que la voix très rythmique est répercutée inlassablement. Le début de "Silent rebel Pt 2" baigne au sein d’un climat oriental. Et une forme de magie opère tout au long de ce blues d’un autre monde au cours duquel les arrangements de Stephen Barber sont au service de notre jeune héroïne… Limpide, son timbre atteint un sommet de solennité sur "Breathe you in my dreams", un cri d'amour répété à l'infini. Mais également une belle leçon d'efficacité destinée aux formations prog rock contemporaines. Un fracas de cordes amplifiées amorce "Hotel no name", une compo caractérisée par des sonorités rock plus âpres, mais toujours parfaitement maîtrisées. Autre très jolie ballade, le titre maître est parfumé d’arrangements délicats. Et les 4 bonus tracks sont tout aussi soignés, dont "Strongblood", une perle étincelante, palpitante même, qui bénéficie du concours du Black Dub, et tout particulièrement de Daniel Lanois à la guitare…
Prenez Dokken, retirez Don Dokken, et vous obtenez T&N ! Formé par trois membres légendaires du groupe de hard rock (George Lynch, Jeff Pilson et Mick Brown), le trio, autrefois connu sous le nom de Tooth & Nail, est né sur les cendres d’une reformation ratée de Dokken ; la faute à un agenda impossible à concilier entres les membres originels de la formation. Compréhensible quand les combos en question s’appellent Lynch Mob et Foreigner ! Le projet a en outre dû changer de patronyme pour des raisons légales, ce qui a encore retardé la sortie de l’album.
« Slave To The Empire » évolue logiquement dans la même veine heavy/hard rock FM qui a forgé le succès de Dokken. Les sept compositions originales de l’album se valent toutes. Jeff Pilson se charge du chant en l’absence de Don. Il se révèle un vocaliste parfait pour le genre. Malgré tout, ce n’est pas la performance vocale du bassiste qu’on retiendra, mais bien la brillante idée imaginée par le groupe de reprendre cinq classiques de Dokken, et d’inviter des chanteurs à en proposer leur version. Et pas n’importe quels chanteurs s’il vous plaît ! On retrouve Doug Pinnick (King’s X) sur « Tooth & Nail », Robert Mason (Lynch Mob) pour « It’s Not Love », Sebastian Bach (Skid Row) lors de la power ballad “Alone Again” et Tim ‘Ripper’ Owens (Judas Priest, Yngwie Malmsteen) tout au long de “Kiss Of Death” ; Pilson se réservant personnellement le micro sur “Into The Fire”, classique incontournable pour tous les fans de Freddy Krueger, qu’on entend dans le troisième film contant ses sanglantes aventures, « Les Griffes du Cauchemar ».
Don Dokken affirme à qui veut bien l’entendre que Dokken est mort et ne se reformera jamais, mais que les fans se rassurent, T&N est parfaitement à même d’assurer la continuité et l’héritage du groupe.
Bloody déroute. Le bordel annoncé n’a pas eu lieu. Ce mercredi, soit à peu près 3 ans après avoir fait trembler les murs de l’AB une première fois, Simone Cogo aka ‘Bob Cornelius Rifo’ et ses acolytes masqués de Bloody Beetroots revenaient sur les lieux du crime. Et autant dire que le second passage des Italiens sur la grande scène de l’Ancienne Belgique a plutôt eu l’effet d’un pétard mouillé.
Il est 21h lorsque les trois betteraves sanglantes se présentent sur les planches, pour un ‘vrai’ live. L’ambiance est à ce moment électrique. Il faut dire que les fans attendent beaucoup de la formation italienne, tant elle avait laissé l’assemblée sur les genoux lors de leur passage en 2010. Mais en lieu et place de l’explosion de BPMs et de riffs electropunk que The Bloody Beetroots avait servi en rafale à son public belge il y a trois ans, ce grand Cornelius s’est illustré par un manque flagrant de conviction tant sur scène qu’au niveau de la setlist.
Celle-ci était principalement, et bien évidemment, axée sur de nouveaux morceaux. Des morceaux d’une fadeur accablante (dont cet horrible single « Chronicles Of A Fallen Love »), très loin des beats tapageurs et putassiers dégoulinants de testostérone qui ont forgé le succès de l’homme et de sa bande. Au rayon vieilleries, les trois musiciens enchaînent même des versions tout aussi fadasses des extraits de « Romborama ». Comme ce « Talkin’ In My Sleep » complètement saccagé. Dans sa version originale, « Talkin’ In My Sleep » est une compo rageuse au sein de laquelle une Lisa Kekaula (The Bellrays) au top de sa forme use de toute sa puissance vocale pour faire trembler les conduits auditifs de son auditoire. Mais ce soir, la force des basses et du gosier de la demoiselle sont tant mis en sourdine qu’il est difficile d’y trouver un quelconque intérêt.
Le sursaut de BPMs purulents a bien eu lieu, en milieu de parcours, lorsque le trio a balancé son grand classique « Warp ». Probablement le seul morceau de la setlist qui a bien produit l’effet escompté, malgré sa fin charcutée. Heureusement, l’AB compte deux bars, de quoi noyer sa déception, un grand verre à la main et se rendre à l’évidence : The Bloody Beetroots s’est un peu trop assagi…
(Organisation : Live Nation)
Il y a quatre ans, Steven Wilson, le fondateur et cerveau de la formation anglaise de métal prog Porcupine Tree, s'est lancé dans un projet en solo pour donner libre cours à sa boulimie créatrice et étendre son horizon à d'autres styles musicaux comme le jazz-rock, le trip-hop, l'industriel, le dark ambient mais surtout la musique progressive des années 70 ; et en particulier l’univers de King Crimson, dont il a remixé les albums. Le premier opus de Wilson, "Insurgentes", constituait un effort à 100% solo. Après avoir publié la deuxième plaque, "Grace For Drowning", il décide de former un nouveau groupe et accomplit une première tournée en 2012, au cours de laquelle il accorde un concert exceptionnel à l'AB de Bruxelles. Lors de l’enregistrement de son troisième long playing, "The Raven Who Refused To Sing (And Other Stories)", il reçoit le concours de Monsieur Alan Parsons en personne. Il s’agit donc de la première production solo de Wilson créée pour un groupe et avec un groupe. Et franchement, c'est un vrai succès !
C'est donc avec une grande curiosité que nous attendons le début de ce concert, donné dans la magnifique salle Arenberg à Anvers. Après une introduction 'ambient' et la projection d'une vidéo inspirée du visuel lunaire de la pochette du dernier opus, qui contribuent déjà à créer une atmosphère sombre et mystérieuse, le combo monte sur les planches. Il réunit le batteur allemand Marco Minnemann, le bassiste Nick Beggs (NDR : il a joué pour Steve Hackett et... chez Kajagoogoo, le claviériste Adam Holzman (NDR : il a côtoyé Miles Davis), le flûtiste/saxophoniste/clarinettiste Theo Travis et un nouveau guitariste, Guthrie Govan. Dès la première chanson, "Luminol", les sons sont carrément jazz-prog et nous sommes replongés 30 ou 40 ans en arrière, à l'époque de King Crimson, Pink Floyd, Yes, Rush, Todd Rundgren (Utopia) et autres Van der Graaf Generator. Pieds nus suivant son habitude, Steven Wilson se plante au centre de son nouveau super-groupe tel un chef d'orchestre, soulignant les impulsions majeures et stimulant en permanence les musiciens. Ce premier morceau est un véritable tour de force qui mélange différents styles et ambiances avec une maîtrise étonnante.
Avant la deuxième chanson, Wilson salue le public et confie qu'il a eu peur de jouer dans une salle vide à cause de la neige! Il s'assied armé de sa guitare acoustique. Une ovation s’élève de l’auditoire, lorsqu’il attaque "Drive Home", un extrait de "The Raven ..." Cette douce ballade, caractérisée par son intro à la Camel, rappelle aussi Genesis ; mais à l’issue du break, la guitare jazzy et la clarinette lorgnent carrément vers Sting et Branford Marsalis. S'en suit un fantastique solo de guitare dispensé par Guthrie Govan. Son style est très fluide, un peu comme celui d'Alan Holdsworth, le légendaire guitariste du groupe insulaire.
Après "The Pin Drop", abordé dans l’esprit d’Anathema, et "Postcard", ‘une preuve que je peux aussi composer des chansons conventionnelles de moins de 5 minutes’, place au premier point culminant de la soirée: "Holy Drinker", une autre nouvelle compo accueillie par les acclamations du public. Et pour cause, ce chef-d'œuvre progressif est nourri de guitares puissantes et de séquences complexes qui évoluent vers un refrain psychédélique en accords mineurs joués au mellotron ; et son final tragique est soutenu par de sonorités de 'drones' ténébreuses et des riffs de guitare hypnotiques. Un grand moment. Ensuite, Adam Holzman entame au piano la magnifique intro de "Deform To Form A Star", tiré de "Grace For Drowning": des frissons nous parcourent l’échine durant cette superbe composition digne d’une perle oubliée sur un vinyle de King Crimson.
A ce moment, un voile transparent descend entre la scène et le public et une vidéo, reproduisant le visage d'un vieil homme, est projetée. La mise en scène est destinée à "Watchmaker". De beaux arpèges joués à la sèche, comme à l’époque du Genesis de l’Archange Gabriel, ouvrent cette chanson mélancolique. Ils se transforment en improvisation jazzy et s’achèvent dans une frénésie prog à la Yes. Le rideau ne disparaîtra d'ailleurs qu'après la chanson suivante, "Index". Le set embraie par deux compos relativement calmes du premier long playing. Tout d’abord "Insurgentes" et surtout "Harmony Korine", qui met en cause un metteur en scène américain que Wilson décrit comme ‘tordu’... L'enthousiasme du public est grand et non sans raison car il s'agit d'une chanson parfaite, presque ‘mainstream’. Malgré l’intro de guitare à la U2 et une mélodie réminiscente d’"Exit Music For A Film" de Radiohead, elle porte la marque indélébile de Wilson. Ici, comme c'est souvent le cas, l’adaptation live a beaucoup plus de punch que la version studio.
Après le bouleversant "No Part Of Me", Wilson exhorte ses musiciens à ‘explorer tout l'espace de la salle en se servant de leurs improvisations jazzy, mais pas trop jazzy’... Cette déclaration précède "Raider II", probablement le morceau le plus ambitieux écrit par Wilson. Un kaléidoscope musical consacré au tueur en série américain Dennis Rader Lynn (BTK pour "Bind Torture Kill"). Quelques notes très graves au piano, des bruits de film d'horreur joués en quadriphonie envahissent l’espace : l'atmosphère est sombre comme l'enfer et on entend les mouches voler. Puis, la chanson se développe pendant 20 minutes dans une succession d'ambiances oscillant du jazz au heavy metal en passant par le prog, le doom et le dark ambient. A nouveau, le final provoque une véritable explosion. Sur scène d'abord et, juste après, dans le public.
Changement total d'ambiance lors du dernier morceau. Une chanson douce. En l’occurrence le titre maître du dernier opus, "The Raven..." Wilson a révélé dans une interview que c'était probablement le plus beau morceau qu'il ait jamais composé ; et je suis tenté de lui donner raison. Lors de l'interprétation, un très beau film d'animation montre l'histoire déchirante d'un vieil homme qui a perdu sa petite sœur quand ils étaient jeunes (voir la vidéo ici ). L'ambiance dans la salle est tout simplement magique et pendant les dernières notes de piano, tout le monde se lève pour une ‘standing ovation’ qui va durer plus de 10 minutes.
Pendant le rappel, le groupe ne reprendra pas l’ancien morceau de Porcupine Tree, "Radioactive Toy", à l’instar des précédents spectacles de la tournée, mais jouera un très joli medley de deux chansons signées Wilson: "Remainder Of The Dog" et "No Twilight Within The Court Of The Sun". Ici encore, tous les avatars du prog-rock sont revisités de main de maître. L'intro hypnotique au piano évoque "Carousel" de Happy The Man et les guitares, "Voyage Of The Acolyte" de Steve Hackett, qui joue d'ailleurs sur l'enregistrement studio de "Remainder...".
Au sortir de ce véritable spectacle audiovisuel, il est clair que Wilson a formé autour de lui une équipe de grands virtuoses et que l'alchimie fonctionne à merveille. Wilson a confié dans une interview que deux ans au moins seront nécessaires avant qu'il n'envisage de reformer Porcupine Tree ; mais cette projection n'a plus guère d'importance pour votre serviteur. Cette nouvelle formation, très à l’aise pour interpréter les magnifiques compositions de Wilson, marque une évolution très positive tant sur disque qu'en concert. Ce n'est pas seulement une musique progressive, c'est aussi une musique qui progresse... Le "Roi Wilson" continuera d'être l'un des artistes les plus influents sur la scène rock et c'est ce qui compte après tout ... ‘Je gagnerai cette difficile bataille: chacun doit comprendre que ce n'est pas un 'side project', c'est la chose la plus importante que j'aie jamais faite.’ On ne peut être plus clair...
Setlist:
Luminol
Drive Home
The Pin Drop
Postcard
The Holy Drinker
Deform to Form a Star
The Watchmaker
Index
Insurgentes
Harmony Korine
No Part of Me
Raider II
The Raven That Refused to Sing
Rappel
Medley avec Remainder of The Black Dog et No Twilight Within The Court Of The Sun
Organisation: Arenberg (en collaboration avec Live Nation)
Ce lundi 11 mars 2013, au Club de l’Ancienne Belgique de Bruxelles, se produisait Metz, la formation qui monte dans l’univers du noise-grunge. Une popularité croissante confirmée par l’engouement suscité par ce concert, puisqu’il affichait sold out, en moins de temps qu’il ne fallait pour l’écrire. En outre, c’est sans doute une des dernières fois que la formation évolue dans une petite salle…
Ce soir, Blackup assure la première partie. Et dès 20 heures, l’auditorium est presque comble, lorsque le band monte sur l’estrade. Un ensemble né de la rencontre entre membres de Fifty Foot Combo et The Andrew Surfers & The Featers. Sauvage, leur punk rock est authentique. Pendant une grosse demi-heure, les musicos vont se livrer à fond. Les grattes crissent, les fûts sont pilonnés et le chanteur hurle à se détruire les cordes vocales. Rien de bien original, mais une bonne mise en bouche, avant le plat consistant…
Metz n’est pas un groupe lorrain, mais canadien. Issu de Toronto, très exactement. On leur prête comme influences majeures, Big Black, Melvins, Jesus Lizard, Nirvana, My Bloody Valentine, Jon Spencer, Sonic Youth et les Pixies. Entre autres. Signé chez Sub Pop (NDR : le label qui hébergeait à une certaine époque, la bande à feu Kurt Cobain), le combo a publié son premier elpee, en automne dernier. Un disque qui a carrément bluffé les fans de noise rock, malgré sa brièveté : 29 minutes !
Alex Edkins, Hayden Menzies et Chris Slorach débarquent sur les planches vers 21h30. Les boules Quiès sont indispensables, car le son est énorme. Le groupe enchaîne d’abord les morceaux de son elpee. Et on est littéralement soufflé par une tempête sonore de force 10. Marécageuse, la guitare gronde. Pulsante, la basse ronronne. Ces deux musicos font les cent pas sur l’estrade. Un tonnerre de drums secoue constamment les lieux (NDR : doit pas être normalement constitué, ce type, pour taper de cette manière sur ses fûts). Alex, le chanteur (NDR : c’est aussi le gratteur !) pousse des cris perçants. Tout au long du set, qui ne durera que 40 minutes, le trio va libérer une énergie qui ne faiblira jamais. Manifestement il a de l’endurance, même s’il n’a pas accordé de rappel…
De la fougue, des décibels et de la sueur. On se serait cru de retour, au début des 90’s, en plein nirvana du grunge…
(Organisation AB)
Le pouvoir d’un single fédérateur. C’est à cette règle que tient toute la notoriété des Islandais de Of Monsters and Men qui, un an après avoir squatté l’ABClub, multiplie son public par dix pour une prestation à guichets fermés dans la grande salle de l’AB. Une ascension fulgurante mais disproportionnée au regard de ce que la formation nous propose sur scène…
Sur le coup de 20h et des poussières, l’AB est déjà prise d’assaut. Les gradins sont déjà full, les premiers rangs difficilement accessibles, même pour se rendre au bar ; et les sièges, à l’étage, sont protégés vigoureusement par leurs occupants.
Un certain Mugison se charge de la mise en bouche. Une première partie insupportable s’il en est. Equipé de son laptop, l’homme hésite entre electronica, folk, et parfois même noise, le tout entrecoupé de deux rugissements Metal. En résulte une soupe indigeste qui se termine pour votre serviteur par un raid (NDLR: ?!?!?) vers le bar…
Dès 21h, c’est au tour du septuor nordique de faire son apparition sur scène derrière un rideau de fumée, au son de « Dirty Paws », la première ballade d’une longue série. Le ton est donc donné. Of Monsters and Men ne s’en écartera pas d’un iota. Ce soir, c’est toute leur première œuvre qui est passée en revue. Les mélopées de « My Head Is An Animal » se suivent et se ressemblent un peu. Les sept membres de l’équipée sont propres sur eux comme de parfaits petits boyscouts. Au bout de quelques morceaux, il devient évident que l’auditoire ne devra pas compter sur eux pour voir jaillir une petite étincelle de folie sur l’estrade. Les écarts de conduite ne sont définitivement pas permis ce soir.
Gentillet comme tout, Of Monsters and Men offre à son public une série de jolies compositions folky, forcément reprises en chœur par l’assemblée. La troupe se permet néanmoins un petit détour hors de sa discographie pour interpréter une cover des Yeah Yeah Yeahs. Et tandis que le combo new-yorkais possède à son actif une tripotée de tubes taillés pour secouer l’auditoire, les Islandais jettent leur dévolu sur « Skeletons », ballade mollassonne extraite de « It’s Blitz! ». Le collectif délivre cependant une version charmante, qui colle parfaitement au reste de la setlist. Mais il en faudrait bien plus pour me sortir de la torpeur dans laquelle la formation m’a plongé ce soir.
Le moment le plus amusant de la soirée sera celui où Nana, co-interprète de la bande, demande au public ‘I think you guys speak French and German in your country, right ?’ Et à la jeune femme de se prendre un énorme vague de ‘Noooo !’ et autres protestations dans la gueule. Sauf que, les gars, aux dernières nouvelles on ‘speak’ aussi ‘german’ en Belgique, non ? La pauvre demoiselle se confond alors en excuses et se fait pardonner son omission en demandant comment traduire ‘Love’ en néerlandais. Le ‘Liefde’ qu’elle balance est chaudement accueilli. S’ensuit un « Love Love Love » mou du genou (encore…), très rapidement suivi par le moment que toute la salle attendait : « Little Talks ». En haut, à droite, à gauche, tout le monde hurle jusqu’à la moindre virgule de la chanson.
Le climax de la soirée est atteint, sans aucun rebondissement. Un titre supplémentaire et un rappel de deux morceaux plus tard, les sept musiciens s’éclipsent, me laissant l’impression tenace d’avoir assisté au concert d’un Arcade Fire de grandes surfaces… Et en parlant de grandes surfaces, Of Monsters and Men sera également de passage cet été du côté de Rock Werchter (what else ?), le dimanche 7 juillet 2013.
(Organisation : Live Nation)
Voir aussi notre section photos ici
The Lumineers est une formation issue de Denver, dans le Colorado. Si la formation n’a publié qu’un seul elpee à ce jour, un opus éponyme paru en avril 2012, elle a surtout décroché un succès radiophonique étonnant, grâce à « Ho Hey », un single qui a même été disque de platine aux States et au Canada. Pas étonnant dès lors qu’elle ait rempli sans mal, le Grand Mix, ce samedi 9 mars, à Tourcoing.
Et lorsque le New-yorkais Langhorne Slim ouvre le bal, la salle est déjà comble. Des conditions pas nécessairement faciles pour un supporting act, quand il s’agit de chauffer l’ambiance. Et bien l’americana de ce vieux briscard yankee est parvenu à capter l’attention de l’auditoire. Enfin, lui et son backing band. Sa voix de crooner du Midwest couplées aux envolées irrésistibles du banjo a conquis, même les plus sceptiques…
La bande à Wesley Schultz (voix et guitare) et Jeremiah Fraites (batterie) implique également la charmante Neyla Pekarek (violon et voix), le plus énervé Stelth Ulvang (piano) ainsi que le très cool Ben Wahamaki (basse). Le combo va passer l’intégralité de son premier et unique album à la moulinette. Difficile de résister à leur americana hyper mélodique et entraînant. Le piano est joyeusement sautillant. La voix de Wesley Schutlz, savoureusement éraillée. Mais surtout, leur sens mélodique est irrésistible. Le combo parvient à transformer des morceaux de country rock éculés en véritables hits radio-friendly (NDR : n°2 au Billboard américain tout de même…) Les Mumfords & Sons n’ont qu’à bien se tenir ! Le band semble, en outre, être heureux de jouer ici, ce soir. L’énergie dispensée est communicative et malgré le succès rencontré aujourd’hui, les musicos restent simples. Parfois on a l’impression d’assister à un concert accordé par quelques pionniers de l’Ouest sauvage, après avoir poussé la porte d’un saloon… Des chansons comme « Ho Hey » et « Stubborn Love » donnent au public l’occasion de s’époumoner ; mais le reste de leur répertoire est suffisamment varié pour succomber à leur prestation. Le groupe va même s’autoriser une reprise de Bob Dylan. Le public est manifestement ravi. Et pour enfoncer le clou, The Lumineers va entamer son rappel a cappella. A cet instant, dans la fosse, règne un silence monacal. Avant de clôturer leur set par un final enthousiasmant, en compagnie de Langhorne Slim et sa troupe. Un réel ‘feelgood’ concert qui a permis de découvrir une formation taillée pour les festivals !
(Organisation Le Grand Mix)
Un peu plus de deux ans après avoir commis « Man Alive », un premier album dont ils ne sont pas particulièrement fiers, les Mancuniens d’Everything Everything reviennent aux affaires en publiant « Arc », un second LP d’art pop aussi bien foutue que… standard. En 2011, le quatuor effectuait un passage à guichets fermés sur la scène de l’ABClub. Ce 9 mars 2013, il pose ses valises sur celle de la Rotonde du Botanique, avec le même succès de foule.
Dès 20h15, Everything Everything apparaît sur scène flanqué, dans sa mouture live, d’un cinquième membre préposé aux synthés. Pas de chance pour les retardataires. Les Mancuniens ont l’air plutôt ravis d’être sur les planches. Plus particulièrement le chanteur, Jonathan Higgs, qui affiche un large sourire contagieux, à l’heure d’enfourcher sa guitare. Et le public ouvre ses oreilles, plein d’attente. Alors, Eveything Everything : énième buzz sans avenir ou formation sous-estimée?
Le quatuor se lance dans une déferlante d’art pop qui ne répond pas vraiment aux interrogations, malgré toute la motivation dont font preuve les cinq gars présents sur le podium de la Rotonde. Car leur set tient la route surtout grâce à ses morceaux les plus dynamiques de leur répertoire. Un peu à l’image de « Arc », leur nouvelle galette, qui se paie la plus grosse tranche de la setlist et dont les tubes potentiels sont éclipsés par l’omniprésence de ballades un peu trop sirupeuses.
Malgré l’aversion de leur leader pour « Man Alive », Eveything Everything propose tout de même quelques titres extraits du premier LP. « Schoolin’ » ou « Photoshop Handsome », par exemple, viennent relever la tête des membres de l’assistance qui piquent ponctuellement du nez. A la bonne heure. On est samedi soir. Le public a envie de danser. Il frétille sur des « Kemosabe » et « Radiant », se secoue sur la batterie syncopée de « Cough Cough », headbangue (un peu) sur « Suffragette Suffragette » ou « Photoshop Handsome » et sort même son iPad (si, si, ça commence…) pour filmer « Armourland ». A contrario, les « Final Form » ou « The Peaks » font retomber la pression. La minute-câlin s’éternise. Et on se contente de décompter les minutes avant le prochain soubresaut mélodique qui, lorsqu’il frappe, en est presque salvateur.
Les quatre gaillards d’Eveything Everything n’ont pas encore trouvé le bon équilibre, tant en studio que scéniquement. Higgs et consorts doivent parvenir à pondre un troisième essai plus complexe et rentre-dedans que cet « Arc » qui, d’ici peu, se classera certainement dans les sorties anecdotiques de 2013. Dommage !
(Organisation : Botanique)
Lorsqu'elle se décide à entamer la composition de son quatrième album, la Canadienne Elizabeth Shepherd découvre qu'elle est enceinte. Elle décide alors de modifier ses projets et de se consacrer à l’enregistrement d’un album de reprises. Lesquelles ? De morceaux qui l'ont marquée depuis l'enfance. La native de Toronto est loin d'être une inconnue pour les amateurs de jazz. En effet, son premier opus paru en 2006, « Start To Move », est désigné par les auditeurs du prestigieux Gilles Peterson Show comme l'un des meilleurs albums jazz de l'année. Les deux réalisations qui suivent recueillent également un solide succès critique et lui valent plusieurs nominations pour différents prix dans son pays d'origine. Elle est d'ailleurs la seule chanteuse de jazz qui ait concouru pour le Polaris Prize. Très vite, les plus grands festivals et les meilleures salles lui ouvrent leurs portes. Elle s'y produit soutenue par son trio, mais également en compagnie de pointures comme Branford Marsalis, Victor Wooten ou Christian McBride. Elle assure aussi régulièrement la première partie de Jamie Cullum.
Il faut reconnaître à cette pianiste émérite un vrai talent pour les arrangements que l'on peut encore mieux apprécier sur le présent « Rewind ». En effet, la plupart des morceaux sont d'énormes standards et l'on est très souvent conquis par la façon dont elle les revisite. Nancy Elizabeth n'est pas de ces jazzmen (NDLR : jazzwomen ?) qui surchargent leurs interprétations de mille fioritures et circonvolutions. Ici, il n'y a pas une note de trop, le ton est délibérément minimaliste et intimiste. Une sobriété que l'on retrouve également dans sa façon de chanter jamais démonstrative mais tout en nuances qui a suscité les comparaisons avec Joni Mitchell et Ricky Lee Jones. Il existe évidemment une énorme maîtrise technique derrière cette interprétation, mais on ne sent pas l'effort. Au contraire, l'atmosphère est décontractée, agréablement groovy.
« Rewind », plus que nous replonger dans le passé, nous entraîne dans l'intemporalité, malgré ces morceaux d'un autre âge signés Gershwin, Kurt Weil ou Cole Porter. Les minutes s'égrènent au son d'une guitare des îles puis se bousculent sur un solo de Wurlitzer ou de Hammond. On redécouvre aussi Brassens et ses ‘amoureux des bancs publics’ dans une version violon/contrebasse des plus réussies. Elizabeth Shepherd, qui a résidé quelques années en France, se lance même dans une version francophone de « Porque Te Vas » qu'on préfère quand même dans la langue de Cervantès. Et puis, il y a des moments plus enlevés comme le « Sack of Woe » de Cannonball Aderley et son groove diabolique mais surtout une version de « Feeling Good » mémorable ne fut-ce que par la performance de Colin Kingsmore, à la batterie. Bref, un disque maîtrisé de bout en bout, plein de maturité et de tendresse que l'on pourra ressortir de l'armoire ces dimanches paisibles où le temps se dilate.
The Rebel Assholes sont des mercenaires. Punk dans l’âme, ce quatuor n’a pas pour objectif de faire dans la dentelle, comme l’indique leur très raffiné patronyme…
Depuis 2003, ces amis de lycée multiplient les raids sonores, depuis leur QG provincial de Montbéliard. « Deactivated » constitue leur 3ème album en 10 ans de carrière. Un parcours au cours duquel, le groupe s’est forgé une place enviable au sein de la scène punk européenne, aux côtés, par exemple, des Allemands de Beatsteaks ou de leurs compatriotes de Burning Head (NDR : une influence majeure, en compagnie de laquelle il a d’ailleurs tourné). Leur power pop est chargé de riffs percutants mais mélodiques (« Grang My Hand »). Leur esprit sauvage (« Come in my Church ») est hanté par la scène californienne des nineties ; et en particulier des institutions comme Lagwagon, Bad Religion ou encore Pennywise.
Rebelles et trous-du-cul (sic) peut-être, mais authentiques alors.
Nederlands 
Français 
