Robert ‘Top’ Thomas nous vient d’un état le plus souvent généreusement ensoleillé : la Floride. Au cours des années 90, ce chanteur/guitariste drivait Smokehouse, une formation de Florida swamp blues responsable de 4 elpees, dont le troisième, "Cadillac in the swamp", avait reçu un accueil très favorable de la part de la critique.
La majorité des plages de cet opus sont cosignées par Bob et son bassiste ainsi que co-guitariste Stephen Dees. Le line up de base est complété par le drummer Billy Dean et l’harmoniciste Stephen Kampa. Ce qui n’a pas empêché de nombreux amis de participer aux sessions d’enregistrement.
Top démarre en force. Il emprunte la route et se dirige vers le grand fleuve mythique des bluesmen, "Mississippi quickie". Un titre nerveux, saignant, qu’il imprime sur le rythme du boogie, à la manière de John Lee Hooker. Une excellente mise en jambes ! Il chante, d’une voix ravagée, "Blues grass", un country blues nonchalant balisé par les fûts de Billy. Le talentueux Brandon Santini souffle dans son harmo. Son ami et co-auteur, Victor Wainwright siège derrière le piano et Top s’autorise alors un petit coup de bottleneck. Signé Jerry West, "The same thing could happen to you" fleure bon les marais de la Louisiane. Beth McKee se réserve l’accordéon. Authentiques, les vocaux sont hantés par ce bon vieux Lazy Lester, à qui est dédié l'album. Imprimé sur un mid tempo, "Lazy little Daisy" est un blues guidé par la voix éraillée de Mr Thomas, sur les routes poussiéreuses du Delta. Basique, primaire, "Kingsnake crawl" est un blues particulièrement efficace. La voix de Bob campe un hybride entre Howlin' Wolf et John Lee Hooker. Les interventions de Mark 'Muddy Harp' Hodgson sur sa musique à bouche sont bouleversantes, belles à pleurer. Du vrai downhome blues, proche du Southside de Chicago. "Bad seed' nous transporte au cœur des swamps, là où les alligators foisonnent. Assis derrière son orgue, Victor Wainwright chante d’une voix autoritaire. Son timbre est aussi ravagé que celui de Top. Très bien senties, les cordes sont proches d'Albert King. "What's the matter Ma" adopte un profil particulièrement roots. Caractérisé par d’excellentes interventions de piano roadhouse, "Sugar shop" nous propulse sur un axe Baton Rouge - New Orléans. Autre véritable Delta Blues, "I'm a freight train" bénéficie de la participation du brillant et jeune Damon Fowler au dobro. Ce dernier dialogue avec l'harmo de Mr Kampa. "Daddy's gone" s’engage également sur cette voie roots, en compagnie de Brandon Santini et Stephen Dees. Blues subtil, le titre maître est imprimé sur un tempo plus enlevé. Saxophone et harmonica déchaîné de Jeffrey Willey (NDR : c’est le leader des Smokin' Torpedoes) libèrent alors la voix du maître Top. Une toute bonne entrée en matière!
‘Double Bill’ 100% hip hop et R’n’B ce 18 mars dans l’intimité de l’AB Club. Mais pas n’importe quel R’n’B ou Hip Hop. Celui qui regarde loin devant lui. Celui qui te fait tripper. Celui qui te fait voyager en fermant les yeux. Un programme alléchant initié par deux échappés de la clique OFWGKTA, Syd Tha Kyd et Matt Martians, alias The Internet. Pour l’étape européenne de leur tournée, les deux extraterrestres ont amené dans leur valise Kilo Kish, figure féminine de la formation underground Kool Kats Klub. Une soirée torride en perspective.
Torride et tardive puisque The Internet est prévu pour 22h. Et ce n’est qu’à 20h45 que Kilo Kish et Kitty Kash (ça ne s’invente pas), sa partenaire aux platines, entrent discrètement en scène. L’ABClub ne connaît pas la foule des grands jours, bien au contraire. Ce soir, les deux formations joueront pour une centaine de personnes au bas mot. Et la corrélation entre The Internet et l’artiste jouant au rez-de-chaussée est loin d’être évidente. Parce qu’il s’agit de Christophe Willem, pas de ‘Late Night Show’ gratos pour les fans du garçon à lunettes. C’est donc dans un cadre très intimiste que se déroulent les deux prestations. Pas plus mal, vu que la scène est visible de n’importe où dans la salle, même pour les nains de jardins.
Kilo Kish, née Lakisha Robinson, distille un R’n’B lascif à mort. La mignonette de Brooklyn et sa complice n’ont qu’un Ep à leur actif, produit par The Internet et Star Slinger. C’est forcément en un tour de main que le duo lance et boucle sa prestation. En 30 minutes chrono, le duo a charmé le parterre sur des « Goldmine », « Navy » et autres incitants à se glisser tout nu sous la couette. La demoiselle, séduite par l’ambiance bon-enfant restituée par son public belge, se mêle à la foule pour trouver, sans aucun mal, quelques partenaires de danse sur « Love2K ». Seul bémol, certains refrains chantés avec l’appui de la bande communique un côté playback un peu cheap, à certains instants. Mais comme dirait Didier Deschamps, Kilo Kish a ‘des qualités et un potentiel’ qui ne la laisseront pas longtemps sur le banc de touche. A surveiller de près.
21h45. Contre toute attente, les lumières s’éteignent. Vu que Kish et Kash ont bouclé leur set une demi-heure plus tôt, les stars de la soirée décident de débarquer plus tôt sur les planches. Pas de chance pour les clopeurs. Deuxième surprise, c’est à un vrai live que l’on va avoir droit. Ce sont d’abord les trois musiciens qui montent sur l’estrade : piano numérique, grosses caisses et basse retrouvent leur propriétaires. Petit jam d’intro, et c’est déjà trop bon. Syd Tha Kyd, seule demoiselle du clan Odd Future, et Matt Martians leur emboîtent le pas. Le duo et leur bande administrent un nouveau souffle de vie aux extraits de leur premier LP, « Purple Naked Ladies » qui, dans leur version ‘vrai’ live, exhalent d’authenticité. The Internet s’adonne à un mélange subtil de hip hop psyché et de R’n’B retro sans faille. Le set, étayé par quelques nouvelles compos, est passionnant de bout en bout.
Lorsque Syd Tha Kyd lâche le micro, c’est pour mieux le refiler à Kilo Kish qui rejoint la troupe pour défendre à merveille « Ode To A Dream », extrait de « Purple Naked Ladies ». Ou à Tay Walker, préposé au piano numérique, qu’elle présente comme son coach vocal. Celui-ci lui prête d’abord main forte sur « They Say » avant de se lancer dans un premier titre ne tolérant, pour seule compagnie, que son instrument. Une voix puissante s’il en est. Le moins que l’on puisse dire c’est que Frank Ocean, autre recrue d’OFWGKTA au succès autrement plus conséquent, a du souci à se faire. A la demande générale, Walker interprète un second titre, épaulé par le préposé aux grosses caisses et le monsieur à la basse. Syd Tha Kyd prévient l’auditoire. Il s’agit d’une grande première. Les deux autres musiciens n’ont jamais entendu ce morceau de Tay Walker et vont donc improviser au fur et à mesure. Ce dernier se lance alors dans sa compo, rejoint à mi-parcours par ses collègues. Le résultat est impressionnant. L’éclosion d’un tube, en direct. Si l’on sent quelques petites hésitations au départ, la suite coule de source. Une semi-impro qui se solde par une ovation bien méritée.
Le set arrive à son terme au bout d’une heure et des poussières. En guise de rappel, le duo laisse Walker et ses deux complices jouer une petit jam improvisée. Nouveau carton plein.
Après un concert aussi solide, difficile de comprendre le manque d’intérêt général des fans de hip hop ou R’n’B pour une formation à cent mille lieues d’un buzz médiatique fumeux. Qu’ils s’arrêtent à Couleur Café, Pukkelpop, Dour out tout autre festoche cet été, The Internet n’est à manquer sous aucun prétexte.
(Organisation : Ancienne Belgique)
‘A little bit of feel good’, c’est ce que les fans attendaient de Jamie Lidell, ce dimanche 17 mars. Le chanteur effectuait un nouvel arrêt express au cœur de la capitale belge pour un concert complet en deux temps trois mouvements. Tout seul, entouré de ses machines, Lidell présentait son cinquième et petit dernier, un éponyme funky et accessible, loin des bidouillages de l’époque « Muddlin Gear » ou de la Soul de « Jim ».
21h, l’homme entre sur une scène plutôt sobre. Un écran géant se dresse à l’arrière et son énorme dispositif de mixage à l’avant. Il explique alors d’entrée de jeu que sa vocation est de retourner aux sources ou plutôt à ses sources. Pas question de backing band, comme lors d’une tournée précédente. Mister Lidell veut tout faire tout seul. Coïncidence ou pas, le bonhomme vêtu d’un imper et d’une tenue noire et sobre lance sa prestation sur « I’m Selfish ». Titre qui décrira parfaitement la première moitié du concert.
En parfait dilettante, Lidell enchaîne quelques titres de son disque éponyme, sans que l’ambiance ne décolle vraiment. « You naked », « You Know My Name », « What A Shame », « Don’t You love Me », autant de morceaux qui feraient bondir de joie les fans de Chromeo mais laissent ceux du chanteur un peu perplexes. Et lorsqu’il s’approche du micro, placé juste devant ses machines à bidouiller, Jamie Lider exécute quelques petits pas de danse assez gauches…
Ce n’est qu’au bout de trois-quarts d’heure que l’Anglais retourne une fois pour toute derrière son énorme console. Enfin, les choses sérieuses peuvent démarrer. Ce soir, il ne sera pas question de « Jim » et ses classiques « Another day » et « Little Bit Of Feel Good ». A la place, Jamie Lidell envoie du lourd avec un vrai groove ainsi que des versions retravaillées à la sauce electro de quelques-uns de ses plus vieux titres, pour ensuite clôturer le bal par un « Big Love » fédérateur.
En résumé, un concert entre deux eaux d’un bonhomme qui a habitué son public à beaucoup mieux auparavant. Un peu à l’image de « Jamie Lidell », un disque plutôt solide mais dont on attendait qu’il nous prenne vraiment à revers, tout comme « Compass », son précédent essai...
(Organisation : AB + Live Nation)
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Carton plein pour Two Door Cinema Club ! Les trois protégés des labels Kitsuné et Pias investissaient la grande salle de l’AB à guichets fermés, moins de quatre mois après avoir conquis le Botanique de la même manière. Alors que certains –dont le rédacteur de ces lignes– s’accordent à reconnaître que « Beacon », leur dernier LP, est un peu plus difficile à digérer que le précédent, les Nord-Irlandais adressent un pied de nez aux critiques en proposant ce 14 mars un concert particulièrement solide et sans la moindre imperfection perceptible.
Depuis 2010, année de la sortie de l’impeccable condensé de Pop supérieure, « Tourist History », Two Door Cinema Club entretient une solide relation avec son public belge, qui lui déroule systématiquement le tapis rouge à chacun de ses passages. Et ce, depuis une prestation impressionnante à l’AB, en première partie de Phoenix. Depuis, le trio a élargi son public en enchaînant festivals et autres prestations : Pukkelpop 2010 et 2012, Werchter 2011, deux arrêts au Botanique et même une soirée Libertine Supersport pour un DJ Set! Au cours de ses pérégrinations, le trio s’est forgé une réputation ‘live’ irréprochable qu’il va confirmer une fois de plus ce soir.
Après avoir jeté leur dévolu sur leurs compatriotes de Kowalski lors de la tournée de novembre dernier, les trois garçons de 2DCC ont cette fois opté pour les Anglais de Dog Is Dead en guise de support act de cette seconde étape. Mais à l’heure où le quintet que j’avais hâte de découvrir sur scène (ce « Glockenspiel Song » !) prenait place sur les planches, les portes de l’AB sont prises d’assaut. Pas de chance. Ce n’est que sur les dernières notes de leur set que je pénètre enfin dans une salle tout à fait bondée. Et le manque de pot est total, les cinq gaillards ayant repoussé au dimanche 17 mars leur concert programmé à l’ABClub, en février dernier. Même soirée que pour Jamie Lidell. Affaire classée.
21h00 : l’heure de vérité. « Beacon » ne m’a fait ni chaud ni froid aux premières écoutes. Je n’attends donc pas grand-chose de la prestation de ce soir. Mais c’est bien mal connaître Two Door Cinema Club. La formation débarque sous la forme d’un quatuor sur les planches et l’entame de « Sleep Alone » créé instantanément l’hystérie dans la foule. La setlist bifurque ensuite du côté de « Tourist History » : « Undercover Martyn », « Do You Want it All ? » et « This Is The Life » s’emboîtent parfaitement. De quoi faire monter la température au sein de l’assistance.
Le manque de contact entre le band et les spectateurs est éclipsé par une setlist extrêmement bien étudiée, parfait équilibre entre anciens morceaux (« You’re Not Stubborn », « I Can Talk », « Costume Party », « Something Good Can Work », etc.) et nouvelles compos (« Wake Up », « Sun », « Handshake »…) Ces derniers passent d’ailleurs la barre du live haut la main. Ils en sont même bonifiés. De quoi faire taire les (ma) mauvaise(s) langue(s). Les tubes s’enchaînent à vitesse grand VV’, et vu de l’étage, la foule est rapidement prise de secousses impressionnantes (NDR : pas autant que le lendemain pour Foals, mais pas loin). En guise de piqûre de rappel, les Irlandais proposent un beau tiercé final : « Someday », « Come Back Home » et « What You Know », la chanson qui vous fout la pêche et vous rappelle de jouer à l’Euromillion.
Le trio et leur acolyte vident les lieux après un peu moins de 20 morceaux, tous plus accessibles les uns que les autres. Nul doute que la base de fans de Two Door Cinema Club ne cessera pas de croître de sitôt, tant les garçons ont l’art et la manière de confectionner des tubes à haut potentiel. Des tubes d’un optimisme sans faille, remèdes idéaux aux coups de cafard. La machine ultra bien huilée de 2DCC est en marche et personne ne pourra plus l’arrêter. Prochaine étape : le Lotto Arena ?
Entre-temps, c’est le vendredi 5 juillet que les natifs de l’Ulster feront sauter (‘no pun intended’ le public belge. Un événement qui se déroulera sur la scène principale de Rock Werchter.
(Organisation : Live Nation )
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« Ouroboros » est le terme grec qui désigne le symbole du serpent qui se mord la queue. Censé représenté le cycle éternel de la nature, il est ici appliqué aux relations humaines, où on se rencontre, on s’aime, on se sépare et on recommence la boucle.
Clairement inspiré par Dream Theater, le groupe mêle habilement exercices de virtuosité flirtant avec le néo classique, sans pour autant négliger l’efficacité et les refrains radio-friendly. L’ensemble est bien construit et cohérent, les ambiances évoluent au fil d’un album qui ne trahit jamais son concept. Comme il parle beaucoup d’amour, le disque n’échappe pas à certains passages mielleux (« Like A Dream »), mais les compense par des envolées heavy du plus bel effet (« Glass Wall »). Au final, l’album est assez riche pour ne pas lasser, et mérite qu’on y jette une oreille plus qu’attentive.
Cet opus est inclassable. C’est en tout cas la conclusion que j’en ai tirée après l’avoir écouté. Il s’agit pourtant du septième long playing d’Alec K.Redfearn and the Eyesores, et du plus abordable commis à ce jour. Les influences relevées tout au long de « Sister Death » sont particulièrement riches. Faut dire qu’il a fallu six longues années à A.K.Redfearn pour le terminer. Les compos piochent tour à tour dans le folk psyché (« Fire Shuffle »), le gypsy (« Black Ice »), le folk ‘maritime’ circa Decemberist (« The 7 and 6 »), le noise-rock (« Scratch »), et la liste est loin d’être exhaustive. Et paradoxalement, malgré cet éventail de styles, l’ensemble affiche une belle homogénéité. Sans doute à cause du climat général de l’œuvre, proche de la folie. L’instrumentation est aussi luxuriante qu’improbable : accordéon, orgues, claviers, cor d’harmonies, … Les mélodies sont contagieuses et l’énergie véhiculée par les compos est sacrément communicative. Haut en couleurs, « Sister Death » constitue un véritable OVNI dans l’univers du pop/rock, et évolue à des années-lumière des productions tellement formatées de l’industrie musicale contemporaine. Dans ce contexte, il est génial qu’un artiste comme Alec K.Redfearn parvienne à nous surprendre…
Trois années se sont écoulées entre la sortie de ce nouvel elpee et « Church With No Magic », un opus à la fois riche et original. D’ailleurs, aujourd’hui encore, votre serviteur écoute toujours autant cet album avec le même bonheur. Depuis lors, beaucoup d’eau à coulé sous les ponts…
Mais revenons un bref instant sur leur parcours. Intitulé « Make Me Love You », le premier long playing est publié en 2005. « O Soundtrack My Heart » suit en 2008. A l’époque PVT répondait encore au patronyme de Pivot. En quatre elpees, la formation a bien évolué, ne sombrant jamais dans la facilité ou la redite. « Homosapien » diffère d’ailleurs du précédent. Ce qui n’est finalement pas une surprise.
Le premier changement qui surprend à l’écoute de cet LP, c’est clairement la voix. Une voix que Richard Pike pose sur les compos. Elle est même devenue primordiale, alors qu’auparavant, elle était quasiment absente. Et Spike est excellent au micro.
Deuxième constatation, alors que par le passé, la musique de PVT était complexe et difficile d’accès, elle est devenue bien plus accessible. Le sens mélodique des compos est contagieux, à tel point que lorsqu’un refrain pénètre dans votre matière grise, vous ne parvenez plus à vous en débarrasser. Et des titres tels que « Electric » ou « Casual Success » en sont les plus belles illustrations.
Enfin, troisième métamorphose, PVT n’est plus un groupe de post-rock, ni même de rock. En effet, les guitares et les percussions ont été troquées contre des claviers et des boîtes à rythmes. Le style du combo vient donc de virer à l’électro-pop. Une électro-pop glacée mais paradoxalement ‘addictive’… PVT vient à nouveau de nous bluffer !
Premiesku est un trio roumain. Depuis 2009, il a publié trois Eps. Livio, Roby et Geroge G. nous proposent aujourd'hui, toujours sur le label Desolat, leur premier long-playing, un disque découpé en huit pistes. Il s’intitule « Indirect ».
Ce groupe issu d'Europe de l'Est possède une vision très personnelle de l’électro. Il mêle savamment synthés, effets électroniques et ligne de basse répétitive, pour donner un effet de boucle hypnotique à ses compos. Les morceaux sont longs, trop longs (entre 9 et 12 minutes pour la plupart), et le sens mélodique manque cruellement de nuances.
Dans ces conditions, difficile pour votre serviteur d’accrocher. A moins d'être un inconditionnel du style, il vaut mieux passer votre chemin…
Trois ans après le succès de « Manners », disque recelant les implacables singles « The Reeling » et « Sleepyhead », Passion Pit passe la seconde. Et pour cause, « Gossamer » est une collection de douze morceaux presque aussi infectieux que les premiers travaux de la bande. Michael Angelakos, figure de proue de la formation, se révèle corps et âme sur ce deuxième LP. Un disque à la fois libérateur et thérapeutique pour le chanteur, sujet à des troubles bipolaires qui ont considérablement freiné la sortie de ce second essai, accouché dans la douleur. Angelakos se livre d’ailleurs entièrement sur « Where We Belong », seule ballade de l’opus, une troublante lettre ouverte traitant de sa tentative de suicide.
Pour la bonne mesure, Angelakos lance néanmoins en début de parcours un « I’ll Be Alright » lénifiant, déboulant à toute vitesse. Comme pour rassurer ses fans sur l’avenir de Passion Pit et de son géniteur. Loin d’être cafardeux, « Gossamer » dégouline même d’un positivisme sans faille. Un positivisme qui se traduit par des mélodies Pop estivales aux bidouillages électroniques bien dosés (« Take A Walk », « It’s Not My Fault, I’m Happy », « Cry Like A Ghost » ou le récent single « Carried Away »). Le côté enfantin, à la limite de la comptine, et la petite touche de fantaisie qui faisait la force de « Manners », se confirment sur ce second travail résolument optimiste et presque impeccable.
Ce Norvégien a apparemment décidé de mettre le feu à la baraque. A l’aide de mélodies imparables. Un peu comme un Sharko qui nous viendrait du froid. Et pour y parvenir, Pål ‘Moddi’ Knutsen s’exprime en anglais, mais également dans son idiome natal (« Heim », « Heim Igjen »). Tout au long de son second opus, ses morceaux acoustiques sont tour à tour sculptés dans un picking délicat (« House by the Sea »), parsemés d’interventions originales d’électro (« The Architect »), enrichis d’accordéon (« Let the Spider Run Alive ») ou encore agrémentés d’une belle panoplie d’instruments, tels que le Wurlitzer, le violon, le piano, et même de rires féminins ! Les climats développés sont intenses et variés et permettent au songwriter de poser sa voix unique sur les chansons, un peu à la manière d’un Tom Barman voire de Colin Meloy (« Run to the Water »), tout en libérant une fameuse dose d’émotion.
Si Moddi cherche à « Set the House on Fire », il parvient surtout à nous réchauffer le cœur. En outre, ce natif d’un village de pêcheurs cultive des valeurs. Il a ainsi refusé une bourse offerte par une compagnie pétrolière, pour ensuite accepter celle proposée par les vétérans A-ha...
En concert ce 13 avril au Little Waves de Genk et le lendemain au Botanique de Bruxelles.
Paru en 2009, « La république des meteors » ne m’avait pas vraiment convaincu. Si le thème développé tenait la route, la plupart des chansons manquaient singulièrement de fibre contagieuse. Celle qui fait la force des chansons d’Indochine.
« Black city parade », le 12ème opus de la formation française a été enregistré au sein de différents studios. En France (Paris, Bordeaux, etc.), au Japon (Tokyo), en Allemagne (Berlin), en Belgique (Bruxelles) et aux States (New York). Sous la houlette de Shane Stoneback.
Résultat ? 14 titres, dont quelques dispensables. Mais dans l’ensemble, l’opus passe bien la rampe. Parmi les compos les moins intéressantes, on négligera le trop léger « Le messie », puis trop plages hymniques destinées à mettre le feu aux stades, mais un peu trop formatées, sur disque. Et notamment le plus électro « Belfast », et ses ‘la la la’, « Nous demain », et en finale, la ballade mid tempo « Europane ou le dernier bal ».
Côté lyrics, les plages les plus intéressantes sont manifestement « Le fond de l’air est rouge », inspiré des manifestations estudiantines contre la hausse des frais de scolarité qui ont secoué le Québec en 2012, une piste imprimée sur un tempo new wave, et « College boy », qui traite des difficultés d’intégration des homosexuels, dans la société. Sous un aspect purement artistique, « Wupertal » a permis de sonoriser un documentaire consacré au ballet contemporain, « Rêves dansant ». Une plage balisée par une gratte sèche et un piano ténébreux.
Pas de duo sur cet elpee, mais des collaborations. Et notamment « Traffic girl » (NDR : un clin d’œil adressé à Taxi Girl ?), pour lequel Lescop a participé à l’écriture des textes. Une compo lyrique soulignée d’accords de piano et de synthé vintage. Tom Smith, bassiste des Editors, a également apporté son concours à « The lover », mais cette piste ne figure pas sur la version de ce cd. Donc on se contentera de l’évoquer.
Venons-en donc au cœur de ce « Black city parade ». Au sein duquel l’excellent single « Memoria », l’allègre titre maître, « Thea sonata », caractérisé par ses interventions de guitare spécifiques (NDR : souvenez-vous du « 3ème sexe ») et le minimaliste « Anyway », qui baigne dans un climat orientaliste, brillent par leur sens mélodique. Reste le plus enlevé « Kill Nico », parcouru de riffs de gratte très new wave, mais gâché par des ‘la la la’, un peu mièvres.
Bref, pas un album parfait, mais d’honnête facture. Ce qui ne l’empêchera pas de crever le plafond des ventes…
Alias Volker Bertelmann, Hauschka est un compositeur/pianiste allemand. Son style ? De la musique électronique avant-gardiste. Enfin, c’est ce que raconte la bio. Outre son implication au sein d’une multitude de collaborations, l’artiste teuton compte déjà dix albums à son actif. Et « Salon des amateurs » constitue son neuvième. Enfin, pas tout à fait, puisqu’il s’agit de deux Eps. Mais manifestement, il est productif.
Découpé en deux épisodes, « Salon des amateurs » nous propose quatre remixes. Le premier épingle "Cube" et "Radar", le second "Tanzbein" et "Ping".
Une succession de bruits n’est guère propice à la confection d’une mélodie, même dans l’univers de l’électro. Une constatation qui s’applique à cette compile. Hétéroclites et peu inspirées, les sonorités forment un ensemble foutraque, dont le mixage en plage commune manque totalement de cohésion. Seul le titre de ce disque est judicieux
Formation de roots étasunienne, The Delta Saints a été formé en 2007 par des étudiants qui fréquentaient un Collège de Nashville, dans le Tennessee. En l’occurrence le chanteur et joueur de dobro Ben Ringel, le guitariste Dylan Fitch, l’harmoniciste Greg Hommert, le bassiste David Supica et le drummer Ben Azzi. Avant de publier ce nouvel opus, ils avaient gravé deux Eps autoproduits, "Pray on" et "A bird called Angola". « Death Letter Jubilee » constitue donc leur œuvre la plus aboutie. Leurs lyrics traitent des amours difficiles, du manque de moralité et des vagabonds ; mais ils y intègrent des éléments de base comme la terre, l'air, le feu et l'eau! Leur style ? Un mélange de blues, de southern rock, de rock des bayous et de funk.
Des percussions syncopées et particulièrement néo-orléanaises ouvrent "Liar". Nous pénétrons dans l’univers des Delta Saints. Un univers sonore intense où chaque élément tient bien sa place. Très alerte, l'harmonica libère sa puissance et sa passion face aux cordes largement amplifiées. "Chicago" constitue un tribut à la Cité des Vents. Un blues imprimé sur un tempo lent. La voix de Ben est fervente et autoritaire. Tout au long de ce disque, elle impressionne, même. Très réverbérée, la guitare crée le lien qui mène au Delta lointain. Discrets, les arrangements de cuivres soulignent les interventions de musique à bouche. Sur ce rythme, Greg se sent comme un poisson dans l’eau. Caractérisé par les changements de tempo judicieux, "Death letter jubilee" identifie des chœurs a cappella. "Jezebel" s’ouvre comme une worksong authentique, avant que des cordes acoustiques ne viennent soutenir la voix. Des cordes rejointes par un harmonica pour le primaire "Out to sea", un folk blues au cours duquel le chant à l’agonie est saturé d’émotion. Une slide trépidante entame "Boogie" avant qu’elle ne s’enroule autour du timbre envoûtant de Ringel qui ne laisse finalement s'évader que l'instrument volatile de Greg. Une voix féminine atmosphérique épaule celle de Ben sur "Sing to me", précédant un déferlement instrumental. "Drink it slow" est balisé par les solides percussions de Ben Azzi. Mais au fur et à mesure que le ton monte, les cordes de Fitch saturent. "From the dirt" est certainement une des meilleures plages de l’elpee. Passionnée, impérieuse, la voix emprunte des accents tragiques. Les instruments resserrent les rangs pour mettre en exergue cet organe. Hommert prend son billet de sortie. Son registre est éloquent. Il aligne de nombreuses notes à la manière d'un Jon Popper chez Blues Traveler ou de Magic Dick au sein du J Geils Band. La résonance métallique du dobro envahit "The devil's creek", une compo puissante. "River" défile tel un holler. A cause de la propagation des voix et des répliques féminines, sur fond de percussions. "Old man" est une compo dépouillée, énigmatique, au cours de laquelle les cordes montent en crescendo. Un peu comme chez Neil Young. Et "Jericho" ponctue parfaitement ce superbe long playing. On a cependant encore droit à un morceau caché. Un jazz traditionnel issu de la Nouvelle Orléans exécuté par un Dixieland band…
Le terme ‘djent’ aurait été imaginé par Fredrik Thordendal, le guitariste de Meshuggah. Il décrit un sous-genre de metal progressif caractérisé par un accordage grave, des rythmes déconstruits et des structures de morceaux complexes. Depuis, le vocable a été galvaudé, et le nombre de groupes qui le pratiquent est beaucoup trop élevé pour que quiconque espère tirer son épingle du jeu en se targuant exclusivement de cette étiquette. The Contortionist a mis un grand coup de pied dans la fourmilière ‘djent’, en 2010, lors de la publication d’« Exoplanet », véritable petite merveille qui sortait des sentiers battus et se permettait d’user de mélodies bien pensées, de nappes de clavier originales et d’une esthétique irréprochable pour se distinguer de la masse. Pari réussi pour le groupe qui a depuis atteint un statut d’incontournable tant au sein de la communauté ‘djent’ que de la scène deathcore, voire progressive.
Restait au combo à confirmer l’essai, en gravant un deuxième album. Le moins qu’on puisse dire, c’est que la barre est placée très haut, d’entrée de jeu. S’ouvrant sur un très mélodique « Holomvent » aux accents parfois jazzy, The Contortionist prouve dès les premières notes du disque qu’on tient là un groupe sur lequel il va falloir compter. Totalement libre de ses mouvements, il se débarrasse de ses étiquettes en affichant une aisance insolente qui force le respect. Assez proches dans leur démarche artistique de Between The Buried And Me, ils parviennent à être catchy, tout en proposant une musique complexe, aux influences multiples et parfois complètement opposées, originale et sans concession. Aux ‘polyrythmes’ effrénés se greffent des nappes de clavier limite 80’s, des ambiances SF (la voix robotisée de « Feedback Loop »), dans un melting pot apparemment un peu fourre-tout sur le papier, mais qui est en réalité d’une cohérence à toute épreuve.
Produit par Eyal Levi (Daath) et Jason Suecof (Trivium, Chimaira), « Intrinsic » bénéficie, en outre, d’une production propre et ultra précise, qui évite brillamment la froideur typique des productions digitalisées à l’extrême.
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