Depuis la sortie du single « Je Fume Pu d’Shit », publié en 2002, Stupeflip sème la terreur dans l’Hexagone. Réunissant King Ju, Cadillac et MC Salo, le trio pratique un mélange irrévérencieux de rock, de hip-hop et de punk, le tout saupoudré d’une touche de variété… Pas d’overdose donc pour Stupeflip qui nous propose un nouvel Ep intitulé « Terrora !! », un peu plus d’un an après la sortie de « The Hypnoflip Invasion », un disque accompagné d’un Dvd live de 18 morceaux. Toujours aussi barré (je vous propose de prendre connaissance des origines du ‘Stup’ sur la page Wiki du groupe), le groupe ne renie pas ses racines loufoques et sarcastiques sur les sautillants « Terrora ! » et « Le Sonhifoudécou », des pistes gavées de samples et de claviers improbables. Le ‘Crou’ se place également dans les chaussures du Klub des Loosers sur le plus sérieux et touchant « Nan… ? Si ? ». Un véritable esprit punk dans un corps hip-hop. Une nouvelle salve de très bonne facture de ces très attachants sales gosses du paysage musical français.
En concert ce 9 novembre à l'Eden de Charleroi (date unique en Belgique!)
Joshua a dû attendre 2007 et la sortie de "Music And Chocolate" pour être reconnu auprès du grand public. Pourtant, le groupe de ‘street pop’ s'est formé, il y a dix ans déjà. C'est à l'Ancienne Belgique, une salle qui les a déjà accueillis à maintes reprises que la formation a décidé de célébrer cet anniversaire. Grâce au matraquage d'une station de radio nationale, beaucoup d'invités se sont joints aux fans de la première heure ; en outre, les fidèles de l'émission ‘The Voice’ semblent s’être mobilisés en nombre, ce soir.
Manque de bol, le set démarre un peu mollement, et je ne dispose que de trois premières chansons pour prendre des clichés. Tant pis, je profiterai mieux de la suite du concert. Joshua aussi, d'ailleurs, dont le manque d'énergie et de présence scénique s'atténue au fil des titres. Et anniversaire oblige, la setlist puise dans un large éventail de la discographie du band. Le nouvel album, "The Outsiders", on s'en rend vite compte, tranche franchement avec le précédent, "Animals Will Save The World", tout comme ce dernier avait marqué le pas par rapport à "Music And Chocolates". Parmi les titres interprétés ce soir, on épinglera une jolie version quasi a cappella d’"Animals Will Save The World" qui sera réinterprétée dans sa mouture originale lors du rappel. L'intensité du concert monte peu à peu, et surtout au fil des Jack Daniel's que les Bruxellois descendent ; et c'est dans une franche bonne humeur que la prestation d’une heure trente s’achève.
Un concert varié, plaisant, mais pas la claque que j’espérais. Dommage ! En outre, le départ de Matt, second chanteur capable de mettre un feu d’enfer aux planches, à lui seul, est regrettable. Petite consolation, Greg m'a dédicacé "Punk Rock Song", une de mes chansons préférées, grâce à mon t-shirt Ramones, qu'il avait repéré.
(Organisation Ancienne Belgique)
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Dernière Volonté, c'est le projet du Français Geoffroy Delacroix, dit ‘Geoffroy D’. Avant de monter sur les planches du Magasin 4, ce 12 octobre, il nous avait accordé une interview, que nous vous invitons à lire ici . Organisé de main de maître par Michel Kirby (Elektrocution), le disquaire alternatif de la Rue des Pierres à Bruxelles, ce concert nous a permis de voir le groupe en action, dans des conditions idéales.
Il revenait à Néon Noir d’ouvrir la soirée. Une formation de darkwave qui donnait son premier concert. Un set qui m'a laissé sur ma faim, surtout en raison du style, un peu trop ‘cliché’, du chanteur...
Place ensuite à Mongolito, soit Marc De Backer, un musicien bruxellois bien connu de la scène alternative. Sa musique instrumentale, ‘dark ambient’, a littéralement envoûté le public. La structure de son expression sonore est constituée de loops (boucles) et de drones (bourdons) préenregistrés, combinés à une boîte à rythmes. Et par-dessus, Marc dessine en ‘live’ de nouvelles boucles ou des solos à l'aide de sa guitare Fender Stratocaster. Sur l’estrade, il joue assis et cache son visage derrière un masque. Derrière lui, des projections vidéo accentuent le côté sombre de l'interprétation. Les compositions évoquent Pink Floyd, Tangerine Dream voire Massive Attack et le jeu de guitare, très fluide, rappelle David Gilmour, bien sûr, mais aussi Jimi Hendrix (la pédale wah-wah!) Un concert fascinant. Le tout premier album de Mongolito, « Acedia », vient de sortir chez Hau Ruck Records, le même label que Dernière Volonté. A découvrir !
Après Mongolito, Solsturm, un groupe norvégien, a prolongé la magie grâce à son néo-folk très classique (on pensait beaucoup à Death In June) mais empreint d’une grande sensibilité.
Cependant, la majorité du public attend impatiemment Dernière Volonté. Le décor du concert est particulièrement dépouillé. Seul le logo du groupe figure en arrière-plan. La batterie comprend une grosse –pardon monumentale– caisse placée de biais sur un support, afin qu'Andy Julia, le percussionniste, puisse jouer debout. Les bougies disposées sur les côtés de la scène renforcent l'ambiance mystérieuse.
Une musique instrumentale et ténébreuse envahit l’espace. « Les Partisans » ouvre le set ; c’est un extrait du premier opus du groupe, « Obéir et Mourir » (1998). Le ton est donné. Il est d'emblée cérémonial, martial et hypnotique. Les deux musiciens entrent alors en scène et entament « La Source ». Geoffroy lance son cri de guerre, ‘Hey !’, puis embraie par une chanson issue de l’elpee « Les Blessures de l'Ombre ». Elle prend d'assaut un public déjà conquis d'avance. On est frappé par la puissance et la pureté du son. Geoffroy est, comme d’habitude, très discret, vêtu sobrement d'une veste militaire. Mais sa stature et son élégance constituent un point de focalisation naturel.
« Mon Mercenaire », le morceau suivant, est sans doute un des plus remarquables, ne fût-ce que par la ressemblance thématique avec « Mon Légionnaire » de Gainsbourg. Ici, le mixage est moins réussi. Les claviers sont quelque peu étouffés par les percussions. Il n'empêche, le public est emporté malgré lui dans une farandole macabre, qui s'amplifie lors du superbe « L'Eau Froide », hanté par un orgue lugubre.
« L'Ombre des Réverbères », tiré de « Devant Le Miroir », se développe en deux parties, comme c'est le cas pour les meilleurs morceaux du band. Après une accalmie prodiguée en milieu de parcours, une mélodie languissante et des paroles répétitives prennent possession de nos sens et enflent jusqu'à l'orgasme auditif.
Après le sautillant « Corps Languissant », le solennel « L'Eau Pure » et le classique « Songe d'un Matin d'Eté », le son glisse quelque peu vers l'électro. Issu d’« Immortel », Impossible » se colore de tonalités synthétiques, cristallines, voire 'kraftwerkiennes'...
Geoffroy saisit ensuite le micro et imprime à son corps un mouvement de déhanchement : c'est « Mon Meilleur Ennemi », la plage titulaire du dernier opus. On monte d’un cran dans la puissance et l'intensité. Andy Julia frappe furieusement sur ses fûts, et l’auditoire ondoie de plaisir... (Voir la vidéo ici: http://www.youtube.com/watch?v=21BG7ASwFKo). A la fin du morceau, Geoffroy esquisse un timide ‘Merci’ et on pense que le set est terminé ; mais il revient très vite pour interpréter un de mes morceaux favoris : « Rien à Aimer ». (Une autre vidéo ici http://www.youtube.com/watch?v=1yZA-XdC0QM ). Un riff d'accordéon synthétique est relayé par une rythmique irrésistible déclenchant un véritable tourbillon. Imbibés d’alcool, nos yeux se ferment pour mieux ressentir toute la force libérée par cette musique, qui prend toute sa dimension en ‘live’. La voix, frêle et émouvante de Geoffroy nous fait frémir et lorsqu’il ponctue sa prestation d'un ‘Merci, bonsoir’, on sort d'un rêve éveillé, mais bien trop court.
En rappel, le très dépouillé « Cœur de Légionnaire » clôture tout en douceur ce magnifique concert. J’avais déjà eu l’occasion de voir Dernière Volonté, de nombreuses fois en concert. Notamment à Waregem, Utrecht et Leipzig. Celui-ci aura été de loin le meilleur auquel j’ai pu assister, principalement grâce à la puissance ahurissante du son ainsi qu'à l'interprétation, beaucoup plus énergique de morceaux très bien choisis dans la vaste discographie du groupe. En sortant du Magasin 4, on a l'impression d'avoir assisté à une messe noire, une cérémonie rituelle, comme un éloge funèbre aux soldats morts au combat.
Malheureusement, Geoffroy D. a l'intention de prendre une pause, délaissant Dernière Volonté pour se consacrer à Position Parallèle, un projet minimal wave consacré aux sons de la musique électro des années 1970/1980. Il parle même d'une tournée, où il partagerait la scène auprès de sa célèbre bien-aimée. Aussi, on est impatient de découvrir ses nouvelles aventures…
(Photo Xavier Marquis)
On pourrait qualifier la pop baroque et mélancolique de Get Well Soon, de trop sophistiquée et cultivée. Un univers hermétique architecturé par Konstantin Gropper qui serait réservé aux intellos frustrés et déprimés. Il bâtit avec une dextérité improbable une musique hyper référencée d’écrivains et de peintres inconnus comme Henry Darger (coupable d’avoir publié un récit épique et mélancolique, illustré de quelque 15 143 pages !), mais également de cinéastes tels que Wim Wenders (‘Palermo Shooting’) ou Roland Emmerich (NDR : notamment réalisateur d’‘Indepedence Day’ et de ‘The Day After Tomorrow’). On pourrait aussi prétendre que le chant de Gropper serait aussi obsédant que celui de Casper le gentil fantôme, à mi-chemin entre un Patrick Wolf après une dépression nerveuse et un Thom Yorke se gargarisant. Venez l’écouter sur scène et vous changerez certainement d’avis.
Le jeune compositeur et multi-instrumentiste allemand élabore une atmosphère particulière. Sa pop lyrique à l’architecture foisonnante est issue d’un cerveau ingénieux et créatif. Ici, tout semble aller plus loin. Le jeune Berlinois de 30 ans use à l’envi de ses différentes expériences (conservatoire, cinéma, théâtre, philosophie et lettres...) et conjugue les genres pour explorer le nouveau. Une musique hybride qui relève davantage du génie que de la masturbation intellectuelle.
Une suggestion pour rater infailliblement la première partie d’un spectacle à l’Ancienne Belgique, un vendredi soir ? Rendez-vous y en voiture… Ce supporting act est assuré par David Lemaitre, un artiste prometteur qui pratique un electro-folk lo-fi. Sur les planches, il se produit sous la forme d’un trio. Fragile, éthérée et rêveuse, sa voix se promène quelque part entre Beirut et Bon Iver. Ce jeune Bolivien, Berlinois d’adoption, est parfaitement à l’aise dans son style. C’est même un virtuose. Empreint de délicatesse, son jeu de guitare est légèrement troublé par des vagues electronica douces et sautillantes. Un artiste à suivre dont vous pourrez découvrir l’univers sonore, lors de la sortie de son premier album prévu pour le début de l’année 2013.
Place ensuite à Get Well Soon. Deux ans après avoir accordé un excellentissime concert à l’AB Club, Gropper envahit à nouveau l’espace. Il est accompagné de 4 musiciens pour hausser le ton et donner plus d’étoffe ; pour apporter une dimension musicalement plus riche à son répertoire. Les ondes se modulent, montent et descendent, ne laissant pas le temps aux cœurs de réfléchir. Une vraie orfèvrerie pop gothico-baroque, puissante, romantique et ténébreuse. Une œuvre qui ne tombe cependant jamais dans le piège facile et pathétique du poète maudit en continuelle lamentation stérile.
Un set où l’apocalypse est omniprésente. « Let Me Check My Mayan Calendar » coule d’un fleuve instrumental, easy-listening, sur fond de voix en lévitation (backing vocals et violon assurés par Verena Gropper, la sœur) et vient s’écraser sur les forêts électriques hargneuses de "You Cannot Cast Out The Demons (You Might As Well Dance)" lors d’un final noisy en déluge sonique. Tandis que, soudainement descendu de la canopée, le groove de "Courage, Tiger!" vient nous surprendre. D’abord discrète ("Prologue" et "The Last Days Of Rome") comme une ombre, la setlist se met à gronder comme une marche militaire balisée par ses voix déployées et son matraquage orchestral. Get Well Soon explose les carcans et fait virevolter leurs débris au sein d’un cyclone symphonique étourdissant. Un concert où le son paraît s’ériger comme un moment au mille lambris dont chaque morceau s’emplit d’une atmosphère singulière, toujours dense, lyrique et tragique. L’impression crispante que le sort sonore pourrait se briser à tout moment.
Un excellent concert qui se terminera sur les couleurs vives du premier album, par "I Sold My Hand For Food So Please Feed Me". Get Well Soon, toujours un grand moment pop !
Organisation Ancienne Belgique
En publiant « Other People's Problems », un premier album surprenant et ultra-efficace, les Londoniens de Breton sont une des plus belles surprises de 2012. Et pour promouvoir l'un des disques les plus excitants de l'année, le quintet a effectué un second arrêt au sein de la maison Botanique. Date choisie, le 11 octobre, soit six mois jour pour jour après avoir accordé un concert archicomble à la Rotonde. Après une demi-année, on pensait que les Britons allaient casser la baraque, au point de pouvoir remplir sans problème une Ancienne Belgique. Mais le constat de cette soirée sera tout autre...
A quelques minutes de l'entrée en scène du quintet, amputé d'un membre pour la circonstance, le public est plus que clairsemé. Étonnant pour une formation de cette trempe, ayant réussi le sans faute lors de son premier passage en Belgique. Entre les quatre murs de l’Orangerie, peu de monde. Si peu, qu'un rideau dissimule un bon tiers de la salle. Côté public, aucune gêne occasionnée par d’éventuels grands dadais, tellement le parterre est clairsemé. Bref, ce n'est pas le succès de foule pour Breton, qui monte sur l’estrade sur le coup des 20h30.
Dès l'entame, c'est puissant, les quatre gaillards en envoient sans interruption jusqu'au troisième morceau, l'über bandant « Edward The Confessor ». Derrière eux, leurs créations vidéo défilent à la même mesure que les titres du set. De jolies projections qui justifient largement leur prétention multimédia. Entre les chansons, Roman Rappack s'exprime dans un français impeccable et propose l'une ou l'autre nouvelle compo plutôt bien foutue.
Sur scène, Breton se cherche encore et manque cruellement de charisme. Et vu la rage et l'ambition communiquées à « Other People's Problems », les deux tiers de la prestation laissent perplexe. Bien qu'ils soient entrés dans le vif du sujet au début de leur représentation, qui s’annonçait prometteuse, les quatre Londoniens perdent de la hauteur au fur et à mesure que les minutes défilent et proposent, finalement, un set en dents de scie. Au point de se demander si la formation présente sur l’estrade ce soir est bien la même qui a pondu un énorme premier essai. Même l'addictif « Jostle », placé en quasi fin de parcours, est à peine parvenu à retenir l'attention.
Breton, mouture ‘live’, pourrait être aussi bon qu'un Foals ou un Vampire Weekend, mais doit tout simplement encore prendre de la bouteille pour être aussi convaincant que dans sa version studio. On en reparle dans deux ou trois ans.
(Organisation : Botanique)
Ce jeudi, c’est parti pour une soirée aux grosses lignes de basse. A peine arrivé à l’Aéro que la taille de la file me frappe. De fait, l’organisation a décidé d’ouvrir la grande salle pour cette soirée au public fidèle. Cette formule dévoilée il y a un an à la Maison Folie Moulins s’approprie un autre quartier lillois ce soir.
Weeding Dub (originellement du coin) prend possession des lieux et s’installe sur une scène où deux praticables se battent en duel. Rac d’effets, samplers, laptops, tables de mixages et autres machines sont en place pour une session bien calibrée qui réveille son public. La seule fausse note à mes yeux (NDLR : oreilles ?) procède des interventions intempestives et autres ‘Pull up’ qu’enchaînent les deux MC’s de Fu-Steps. Toutefois, nous ne pouvons reprocher au DJ de nous fournir une sélection des plus agréables dynamisée par un jeu de scène (DJ – MC’s) qui s’affirme au fil des morceaux. Bref, un super live qui a permis au public de se chauffer à bloc.
Un peu plus tard, Alexis prend place à jardin où trône son installation afin de prendre le relais pour nous servir une recette dub-stepper dont il a le secret. Accompagné de son bassiste (Chris B.), le set de Kanka peut commencer. Sauf qu’après la production léchée et (sur)puissante de son prédécesseur, le son nous paraît presque bizarre avec l’arrivée de ce bel instrument qu’est la basse dans un environnement de séquenceurs numériques. Les cordes ronronnent bien mais n’égaleront jamais celles qui sortent de l’ordino de Weeding Dub.
Toutefois, Kanka ne déçoit pas ses fans en leur réservant des versions et autres ‘specials edits’ de « Ya estas aqui » ou encore « Indian time ». Une belle prestation qui laisse cependant percevoir le manque d’assurance scénique du groupe...
Pour terminer cette soirée sympathique, les deux groupes nous ont concoctés un ‘Dub fi Dub’ (Un morceau/Un groupe). Weeding Dub ouvre le bal. Le son dispensé est beaucoup moins inspiré du reggae ; mais le public prend alors une véritable claque. Nous sentons ainsi la tension monter entre les deux protagonistes de Kanka qui se demandent peut-être que faire après un tel carnage. Ils n’ont pourtant pas à rougir d’enflammer l’Aéronef à ce point. Finalement, les choses vont très vite ; le trio lillo-rouennais lamine les enceintes et fait trembler l’infrastructure à l’aide d’un morceau envoûtant et on ne peut plus dansant. Rebondissement, Kanka qui n’avait pas ouvert la bouche de la soirée vient de dégotter un MC pour un avant-dernier morceau. Vous vous en doutez, c’est finalement Weeding Dub qui clôturera cette magnifique session comme à la maison.
En résumé, une production des morceaux sélectionnés plus équitable aurait été plus judicieuse, ainsi qu’une interprétation live. Mais le son était bon, la soirée bien pensée et les bonnes intentions de la partie. Seule une question persiste : le DJ-producteur est-il artiste ou simple machine à enchaîner les séquences préenregistrées ? Un débat qui permettra d’alimenter moult réflexions nocturnes.
(Organisation Aéronef)
Voir aussi notre section photos : Weeding Dub et Kanka
Drivée par Kevin Parker, Tame Impala est une formation qui a le vent en poupe. En 2010, la formation aussie (NDR : elle est issue de Perth) avait publié un superbe album intitulé « Innerspeaker », une œuvre sur laquelle figurait le splendide single « Solitude is bliss ».
Ce premier elpee brassait une multitude d’influences pour les transformer en psyché/rock à la fois brillant et revivaliste.
Plus homogène, leur second essai est plus structuré, maîtrisé même, et accorde davantage d’importance à la sensibilité mélodique pop, sans pour autant se départir de ses pulsions expérimentales néo-psychédéliques. Des pulsions que le combo australien a sans doute chopé en écoutant ses classiques de l’histoire du rock. Depuis le Floyd de Syd Barrett à Radioahead, en passant par The Cream, Hawkwind, Rare Earth, Supertramp, Burning Brides, The Warlocks et Black Angels. Sans oublier le shoegaze (NDR: notamment Ride et Pale Saints) ainsi que le stoner (NDR: pensez à Kyuss).
Conséquence, la formation adopte plus souvent un format chanson, à l’instar de « Be above it », « Endors toi », « Mind mischief », « Keep on lying » et plus particulièrement encore sur les singles « Feels like we only go backwords » et « Elephant ». Et ces compos se révèlent à la fois classieuses et ingénieuses. Visionnaires également. Tirant parti de rythmes hypnotiques ou explosifs, de claviers intergalactiques ou vintage, de synthés aventureux, de percussions languissantes et de cordes de guitare réverbérées ou en boucle.
Et c’est David Fridmann (Mercury Rev, The Flaming Lips, MGMT) qui s’est chargé de mixer cet album à la fois captivant, coloré et surtout parfaitement réussi.
Depuis 2004, année de leur reprise couillue du « Comfortably Numb » de Pink Floyd, les Scissor Sisters excitent leur public à travers des mélodies contagieuses et des textes parfois subversifs ou ridicules, mais souvent cocasses. Après avoir publié trois disques résolument pop, la formation new-yorkaise nous propose son quatrième labeur, « Magic Hour », un opus qui confirme son statut d’entertainer. Un plaisir coupable qui se déclinait en live et en couleurs sur la scène de l’AB ce 8 octobre. Et à guichets fermés, siouplé !
‘Let’s Have a Kiki’ ! Les Scissor Sisters débarquaient à Bruxelles pour la seconde fois depuis 2004. Sold-Out assuré. Et pour fêter leur retour sur des planches de notre capitale, le quatuor a généreusement confié la lourde tâche d’assurer la première partie à leur collaborateur, DJ Sammy Jo. Résultat : de l’electro-pute répétitive et assommante, à moins d’avoir déjà quelques verres au compteur. Et le calvaire va se poursuivre jusqu’à l’extinction des lumières. Soit vers 21h. Heure à laquelle les surnommés Del Marquis et Babydaddy entrent en scène, accompagnés de deux choristes et de deux musiciens complémentaires, claviers et grosses caisses, sous les lumières de gyrophares placés aux quatre coins de la salle.
Le fameux logo de la bande est projeté en arrière-plan lorsque démarre le premier morceau de la soirée, « Any Which Way ». Ana Matronic et Jake Shears opèrent ensuite leur apparition devant un parterre composé aux 2/3 de mecs déchaînés. Ana Lynch, aka Ana Matronic, est resplendissante dans sa petite robe jaune à petits pois ; mais celui qui retient l’attention du public, c’est évidemment Jason Sellards, alias Jake Shears, qui rend tous ces messieurs hystériques. Les pas de danses subversifs s’enchaînent à la même vitesse que les morceaux « Baby Come Home », « Keep Your Shoes » et « Kiss You Off ».
On sait tous que l’AB jouit d’une excellente acoustique. Mais ici, le son était parfois bien trop parfait que pour être tout à fait honnête. Certains titres du set laissent bizarrement penser que quelques portions de ce dernier sont interprétées en playback. Mais le spectacle sur scène (et parfois dans le public) reste entier. Un « Take Your Mama » aux couleurs de l’arc-en-ciel précède de près l’un des morceaux les plus attendus de la soirée ; en l’occurrence le single « Let’s Have A Kiki », un titre électro un peu débile mais assez addictif. Ce qui représente plutôt bien la troupe, qui a même offert son propre site internet au morceau (http://letshaveakiki.com/ ). Suivront une version acoustique de « Mary » et un « Comfortably Numb » boosté à la guitare.
En guise de bouquet final, « Invisible Light », « Shady Love » (morceau originellement interprété en compagnie d’Azealia Banks, remplacée ici par une des choristes) et le classique « I Don’t Feel like Dancin’ » enflamment littéralement parterre et gradins. D’autant plus que Jake tombe la chemise, très vite imité par quelques gars de l’assemblée à la demande d’Ana. Par la même occasion, cette dernière fustige gentiment les quelques malheureux qui ont pris place sur les sièges du 1er étage.
Lors du rappel, « Only The Horses », premier extrait de « Magic Hour » fait doucement retomber la pression avant le déchaînement de guitares du très moyen « Music Is The Victim ». La bande aurait gagné à inverser les deux titres ; mais vu la joie manifeste du public, les Scissor Sisters peuvent une nouvelle fois s’écrier ‘veni vidi vicci’.
(Organisation : AB)
Ce lundi 8 octobre, l’Orangerie s’attendait à trembler sous les coups de butoir de A Place to Bury Strangers (APTBS), un groupe issu de Brooklyn, dont le volume sonore dispensé lors de ses concerts, est considéré comme un des plus élevés, sur la scène rock. Une réputation qui n’est pas usurpée, et on va pouvoir le vérifier, ce soir…
Il revenait à la formation gantoise, Räpe Blossoms, d’ouvrir les hostilités. Le quatuor, monte sur l’estrade vers 20 heures. Leur set ne durera qu’une bonne demi-heure. Une prestation au cours de laquelle, ils sont venus défendre leur premier Ep, « Starving Vultures at 7-eleven ». Et manifestement, ils ne font pas dans la dentelle. Pourtant, on ne peut pas dire que les quatre musicos ont le physique de leur musique. Une musique bien dans la lignée d’APTBS. Pas pour rien que le combo a été choisi pour assurer le supporting act. Le show tient bien la route et intéressé, le public semble réceptif. Une belle découverte et surtout un groupe à suivre…
C’est donc vers 21h que les choses sérieuses débutent. Oliver Ackermann (guitare/chant), Jay Space (batterie), Dion Lunadon (basse) débarquent sur le podium. Dès les premières notes ou plus exactement les premières sonorités, le trio new-yorkais annonce la couleur. Une coloration sombre, très sombre. Une chose est sûre, ils ne sont pas là pour rigoler. Leur musique est lourde, accablante, voire écrasante. Certains spectateurs ne parviennent pas à résister à ce mur de son, et désertent les lieux, parfois même soutenus par des proches. Pendant une bonne heure, nos tympans vont être mis à rude épreuve. Le climat est ténébreux, malsain. Stroboscopes, faisceaux lumineux ou projections d’images irradient le podium en alternance. Le tout est fréquemment voilé par un écran de fumée. Pas ou peu d’éclairage en front de scène. Si bien qu’on n’entrevoit les visages des musiciens que très épisodiquement. Pas de communication entre les musicos et la foule. Ils vivent dans leur trip. A Place to Bury Strangers enchaîne essentiellement les morceaux issus de « Worship », leur dernier elpee paru en juin. Les coups assénés par le drummer sur ses fûts sont meurtriers et hypnotiques. Les accords de guitare ainsi que la voix sont noyés sous des vagues de reverb’. Ackermann et Lunadon n’hésitent pas à se lancer dans des exercices de style bruitistes et expérimentaux, moments au cours desquels, ils se déchaînent en brandissant leurs grattes dans tous les sens, quand ils ne leur réservent pas un mauvais sort. Manifestement, ils ne sont pas trop attachés à leurs instruments. Et si on peut parfois leur reprocher d’en remettre une couche, les rares moments d’accalmie ont quand même permis quelque peu de souffler. Avant que l’expression sonore ne remonte en décibels…
Dévastateur, ce concert a confirmé la notoriété du groupe, comme un des plus puissants de sa génération. Ce qui ne les a pas empêchés de nous délivrer une excellente prestation…
(Organisation Botanique)
Un ciel d’automne déborde de chagrin, comme un lavis peint par Emile Zola.
Et moi, et moi, et moi.
Liège s’arc-boute, laissant tomber son manteau de pluie pour accueillir ses enfants transis.
Et s’illumine de toutes parts comme pour réchauffer les cœurs meurtris.
Patchwork d’événements éparpillés aux coins de la ville.
Sonorités urbaines, renaissance cold wave : tous unis dans la même idylle.
Liège éclectique, à l’instar de cette affiche InD.
Liège plurielle, pour un festival scindé.
Projeté dans un bain de jouvence dès le premier soir, je nage à contre-courant.
Et pourtant l’ambiance demeure bon enfant.
Mon grand âge ainsi que le misérabilisme tragique et romantique qu’il traîne ne pourront appréhender le menu de ce vendredi, sans une once de scepticisme.
Je concède donc volontiers le savoir faire de Foreign Beggars dont l’entrain communicatif reste le fer de lance d’une musique somme toute assez conventionnelle dans le registre ‘Say Oh-Say Yeah-c’est tout’.
Quant à l’absolu génie commercial d’OrelSan, il envoie mille cinq cents spectateurs euphoriques en apesanteur, et me projette dans le temps et un espace bien plus approprié à mes rhumatismes auditifs.
Exit donc, les jeunes, place aux anciens.
Dans une ambiance nettement plus sobre, se déclinent alors les sonorités graves et parfois teintées de sépia, d’artistes hors du temps, hors des modes.
Auparavant, V.O. se sera collé comme le miel à la bouche, tout en douceur.
Et Lescop, sensation hexagonale aura remis au goût du jour les surgelés d’un Etienne Daho enduit de mascara.
L’occasion de constater que c’est sur la corde monotone d’un organe vocal limité que se joue la New Wave de la New Wave. Et que quelques belles envolées soniques en fin de set, peuvent enterrer les premiers doutes semés dans la forêt.
Oui, ce garçon ténébreux a la capacité de nous entraîner dans son sillage et nous perdre dans la syntaxe de ses textes obscurs.
Quand arriveront les heures Hindoues.
Mais pour l’instant, c’est aux majestueux Tindersticks que nos sens s’abandonnent.
Livrés à eux-mêmes dans les tourments de l’existence, offerts à cette musique qui défile comme la bande son de nos vies, battant nos tympans comme le ressac dans nos océans de tristesse.
Tragique et romantique, je le répète !
D’abord « Blood » monte à la tête. Puis s’ensuit une paralysie quasi générale. Lente, vénéneuse. Pour enfin s’envoler et s’estomper dans le sillage des amertumes.
Apaisé en apogée par un « Medicine » feutré.
Sobre, efficace. Un rien trop calme. Un rien trop bref.
Puis le vent se lève dans la peine, au chant d’un certain Dominique A.
Je vois les nuages passer
Le ciel s'ouvrir
J’écoute la rivière se taire
Noyant un lyrisme exacerbé dans un tourbillon de guitares tour à tour rugissantes ou contrôlées, le Français est traversé par des lueurs, de ces lueurs qui déchirent les persiennes.
Magnifique et souriant, dépouillé des cuivres du début de tournée, il s’ouvre au public, et se confie en diagonale.
Certes maniéré, ce qui en agace plus d’un, son chant perclus de gimmicks berce néanmoins cette nuit humide et froide.
« Le courage des oiseaux » revisité valant à lui seul le détour.
Enfin, soumis aux émanations d’alcool, les corps se libèrent dans la chaleur de la salle voisine, pour une soirée battue aux sonorités d’hier.
Demain, il fera moins froid.
Et comme disait Daho :
Oublier cette putain de pluie, la nuit est finie
Peut-être enfin demain nous appartient
Et de fait, le soleil s’immiscera dans cette après-midi de dimanche.
Quant à votre serviteur, il manquera à l’appel de cette dernière journée, au cours de laquelle, le ouaté de Cold Specks se sera mélangé aux tonitruantes expérimentations de Benjamin Schoos et de son septuor accoquiné pour l’occasion à Damo Suzuki, et au classicisme façon Burgalat.
Heures InD, rentrer tôt
Tôt ou tard c'est comme on le sent
Et j'ai l'idée de m'élever dans l'espace
Oublier ce putain d'ennui, la nuit est finie
Je sais enfin que demain nous appartient.
Apparemment Mark Eitzel a définitivement refermé la page de l’histoire d’American Music Club. Il en est donc revenu à son aventure en solitaire. Enfin, pas tout à fait, puisque Vudi, son fidèle guitariste, est toujours au poste et que pour enregistrer son nouvel opus solo, ‘Don’t be a stranger’, il a reçu le concours de quelques collaborateurs. Au cours de l’année dernière, Mark a vécu deux épreuves. Tout d’abord, il a été victime d’une crise cardiaque. Dont il s’est apparemment bien remis. Puis appris que Tim Money, drummer d’AMC de 1994 à 2004, était décédé des suites d’un problème semblable. Mais a ensuite vu le sort lui être bien plus favorable. Aussi, avant d’entamer notre entretien, je propose à Mark de compléter une grille du Lotto. Six croix, je lui précise. Il a l’air perplexe, mais s’exécute consciencieusement. Ce qui me permet d’entrer dans le vif du sujet.
En fait, l’enregistrement de ‘Don’t be a stanger’, son nouvel opus solo, a été financé par un multimillionnaire. Ce qui méritait quand même une explication. Après avoir posé cette question, le franc est tombé : « Le gagnant avait décroché le jackpot ! 11 000 000 de dollars. On n’avait plus un rond. On a donc enregistré les démos sur mon portable, mais le résultat était merdique. Comment allais-je donc faire pour convaincre un label avec cette merde ? Et comment choisir la bonne personne pour pouvoir organiser les sessions, quand tu es fauché ? Un pote connaissait très bien ce lauréat. C’était un de ses copains. Et il l’a convaincu de financer le projet. Mais on l’a déjà remboursé ! »
Pourtant, ce disque était, au départ, destiné à American Music Club. Alors pourquoi avoir changé d’avis ? « En fait, je ne voulais plus de cette ligne de conduite revivaliste. Etablir un record de longévité ? Pas vraiment mon truc ! En outre, hormis Vudi, tous les autres musiciens ont été remplacés. J’avais envie d’aller de l’avant. C’est ma nouvelle philosophie. Et puis Vudi s’en fout complètement… »
Les sessions d’enregistrement se sont déroulées sous la houlette de Sheldon Gomberg, un producteur dont la carte de visite mentionne la mise en forme d’albums de Rickie Lee Jones, Ron Sexsmith, Ben Harper et bien d’autres. Parmi les invités figurent le drummer d’Elvis Costello, Pete Thomas et le pianiste de jazz, Larry Golding. De toute évidence, ils ont été sollicités par Gomberg. « Ben oui ! Comment veux-tu que je parvienne à dégoter de tels collaborateurs ? Pour lui, c’est facile ; il décroche le téléphone et en deux temps trois mouvements, il a l’accord de son interlocuteur… » Les interventions de Golding au piano sont superbes. Sonores, limpides, profondes, spontanées… Parfois on se demande même si ce n’est pas de l’impro. « Quand il a débarqué, il n’avait jamais entendu la moindre compo. Il les a écoutées une fois. Il a pris quelques notes. Il les a jouées à trois reprises et la troisième, c’était extraordinaire. Il est incroyable ! Il s’est parfaitement fondu dans l’esprit des chansons… » Une section de cordes s’est également intégrée dans l’ensemble. Plusieurs musiciens s’y sont investis ou est-ce le fruit d’arrangements ? Mark confesse : « Ce sont des arrangements. Il n’y avait qu’un seul violoniste. Mais il ne souhaitait pas que son nom figure dans les ‘credits’. Sinon le syndicat lui aurait intenté un procès. En fait, il bosse pour PIXAR ; tu sais cette boîte qui réalise de films stupides mettant en scène des animaux… »
L’an dernier Eitzel a été victime d’une crise cardiaque. Ce qui l’a forcé à se reposer. Mais qu’a-t-il fait au cours de cette convalescence ? Se consacrer à la composition de nouvelles chansons ? Ecouter de la musique ? Réfléchir sur la signification de l’existence ? Il raconte : « Non, je n’ai rien fait du tout. J’étais terrifié à l’idée que cette crise se produise à nouveau. J’ai quand même passé pas mal de temps à communiquer avec ma compagnie d’assurances. Et j’ai regardé beaucoup de films. En fait, j’étais la plupart du temps, cloué au lit. Quand j’essayais de marcher, il fallait que je m’asseye constamment, pour récupérer. J’étais incapable de bouger. Mais en quelque sorte, j’ai appris à ne rien faire. J’ai passé trois jours à l’hôpital, puis mis un bon trimestre pour me rétablir. Après un mois, j’ai pu me rendre au parc, près de mon domicile. C’était un moment bizarre, mais en même temps j’en ressentais une fierté… depuis cet incident, je dois prendre des pilules (il les cherche dans son sac…) »
Tim Money, l’ex-drummer d’AMC a eu moins de chance. Il est décédé l’an dernier. A 53 ans. C’est-à-dire au même âge que Mark. Evidemment, vu les circonstances, ce décès doit certainement le toucher davantage. « Effectivement. Pour être clair, je ne lui avais plus parlé depuis 7 ans. Pourtant on était amis. Et j’ai toujours pensé qu’on allait se revoir un jour. Quand j’ai appris sa disparition, j’ai pris un coup sur la tête. En fait, il avait déjà eu une petite alerte ; mais il n’en avait parlé à personne. Il aurait dû le signaler à sa femme ou à son médecin. Il a succombé à une rupture d’anévrisme. Et la faculté en a conclu, ensuite, que c’était la conséquence de ses problèmes cardiaques. C’était un mec branché, cool de chez cool. Fumant la cigarette. Il avait piqué la plaque qui rendait hommage à James Dean, posée à l’endroit où s’était tué, pour la mettre chez lui. C’était son petit trésor caché. Il était stylé. Et il appartenait à cette catégorie d’êtres humains qui ne jugent personne. Je me considère comme un écervelé. Mais il ne me critiquait jamais. C’est ce que j’appréciais le plus chez lui… »
‘Don’t be a stranger’ aurait dû s’intituler ‘The bill is due’. Ce morceau figure également sur l’album. Cette compo évoque les promesses non tenues, la fuite du temps et de l’argent ainsi que la peur du futur. On aurait pu croire qu’il l’aurait écrite pendant sa convalescence. Mais pourquoi avoir changé le titre de cet elpee ? Mark argumente. « J’ai écrit cette chanson bien avant mon attaque. J’en ai bien composé quelques unes au sujet de la crise cardiaque. Mais je les ai écartées. Je les réutiliserai peut-être plus tard. Dans 10 ans, pourquoi pas ? Faudra bien que j’attende une aussi longue période pour savoir comment je me sentais à ce moment-là ; car pour l’instant, je ne le sais pas… On aurait pu l’appeler ‘Knife in my wrist’ (Trad : couteau dans le poignet) ; mais finalement ’Don’t be a stranger’ était moins déprimant que ‘The bill is due’… » ‘All my love’ est apparemment une chanson d’amour (NDR : ou de cœur, si vous préférez…) Mais Eitzel lui réservait un autre destin. Il s’explique : « Elle véhicule l’idée qu’on se fait de l’état euphorique dans lequel on est lorsqu’on est amoureux. C’est une bonne chanson, mais j’ai toujours pensé qu’elle aurait pu servir de support musical pour un clip publicitaire. J’avoue que de manière secrète, j’escomptais qu’elle soit rentable, car j’ai besoin d’argent… » A contrario, ‘I love you, but you’re dead’ est davantage cynique. Mark partage cet avis: « En fait, c’est une véritable histoire. En 1979, j’avais découvert un groupe punk qui répondait au nom de Destroy All Monsters. Au sein duquel militait Ron Asheton, l’ancien guitariste des Stooges et Michael Davis des MC5. A l’époque, j’avais 19 ans. J’étais super enthousiasmé. Ils étaient géniaux. Il y avait une femme dans le line up. Et je souhaitais qu’elle me dédicace un poster. Elle y a mentionné ‘I love you, but you’re dead’. ‘Allons-nous faire foutre. Et disparaissons !’ C’est le sens de la chanson. Très rock’n’roll ; même si ce n’est pas du tout du r’n’r. C’est trop lent pour en être… » ‘Oh Mercy’ est une chanson qui se penche sur la liberté d’expression aux States. Il commente : « En fait, elle me met en scène quand je participe à l’une ou l’autre fête. Et au cours desquelles, j’ai un verre dans le nez. Moments les plus propices pour la discussion. En général, les gens racontent n’importe quoi. Ils sont peu informés. Ne lisent pas suffisamment. Je tire mes informations de toutes mes lectures. Ce qui m’autorise à leur dire qu’ils ne comprennent rien à rien. Mais cette attitude me rend impopulaire. Vous avez probablement entendu parler de ces scientifiques qui travaillent pour le FBI. Ils ont conçu tous les algorithmes de la guerre froide. Vous savez, les algorithmes mathématiques utilisés pour traquer le peuple, surveiller ses activités. Et bien on est en train de faire la même chose aux States. On élabore une véritable infrastructure dans l’Etat de l’Utah, à cet effet. Les Etats-Unis sont occupés de devenir le plus grand pays totalitaire du monde. Dans 10 ans, cet objectif sera atteint, j’en suis sûr ! Vous savez, il y a des gens très riches et de très pauvres. Et ce sont les riches qui gouvernent. Les multinationales. C’est le chemin inéluctable. J’aime beaucoup Obama. C’est le meilleur président que l’on puisse avoir. Mais Guantanamo est toujours ouvert. Les services de sécurité sont de plus en plus vicieux ; et quand on est arrêté, on est photographié, on prend nos empreintes et on se retrouve sur une liste. Et toute cette procédure a été mise en route sous la présidence d’Obama ! Aujourd’hui les flics peuvent faire tout ce qu’ils veulent. L’Habeas Corpus (NDR : le fondement de la démocratie : on ne peut détenir quelqu’un de manière arbitraire, sans jugement) a été supprimé aux USA. Merci Mr Obama ! Enfin, on a construit un mur entre la Californie et le Mexique. Mais où toutes ces mesures vont-elle nous mener ? C’est le symptôme d’un énorme désespoir. Et cette situation me met en colère »
On termine cet entretien par une note plus musicale. En parlant des goûts musicaux de Mark. De ses coups de cœur, si vous préférez… Qui hésite entre ‘Harvest’ de Neil Young et le ‘Five leaves left’ comme l’album qu’il emporterait sur une île déserte ; mais choisit, in fine, celui du Canadien. Et puis il nous parle des crooners qu’il adore. Tels que Frank Sinatra et surtout Jimmy Scott (NDR : considéré comme le chanteur américain le plus injustement ignoré, il était atteint du syndrome de Kallmann, ce qui lui avait permis de conserver sa voix d’enfant), dont il me fait découvrir un extrait via sa tablette tactile…
(Merci à Vincent Devos)
Mark Eitzel : ‘Don’t be a Stranger’ (album paru ce 2 octobre 2012)
En concert :
18-01-2013 Het Depot, Louvain
20-01-2013 Vooruit, Gandt
En 2010, Sade Adu publiait un nouvel opus studio intitulé « Soldier of love », après une absence de 10 bonnes années. Dans la foulée, elle a publié une compile (« The ultimate collection ») l’année suivante et un live en mai 2012 : « Bring me home ». Réunissant un cd et un dvd. Le disque audio épingle les plus grands succès de l’artiste et une sélection des compos les plus récentes.
Mais venons-en au dvd. Enrichi d’un bêtisier et d’un documentaire. Pas le plus intéressant. Le plat de résistance procède du film réalisé par la célèbre réalisatrice anglaise, Sophie Muller. Plus de deux heures de spectacle au cours duquel Sade nous ensorcèle de sa voix suave, sensuelle, chaleureuse ou langoureuse. Surtout en seconde partie de show. En fait, il s’agit probablement de deux sets différents dont la quintessence a été extraite. Pour preuve, en début de parcours, elle est vêtue d’un pantalon et en seconde d’une robe (blanche d’abord, rouge ensuite). Elle est soutenue par huit musiciens, dont un remarquable saxophoniste/guitariste, Stuart Matthewman. Et je dois avouer que la mise en scène est époustouflante. Tant les projections qui se fondent dans le line up que les apparitions et disparitions des musicos disséminés aux quatre coins de l’estrade. Manifestement, ‘ça a de’ la gueule…
“Mature themes” devait paraître avant “Before today”, publié en 2010. Mais pour des questions de budget, sa sortie avait été postposée. Ce qui explique sans doute pourquoi, il peut surprendre.
Mais venons-en à ce nouvel elpee. Imaginez un peu le chaînon manquant entre Todd Rundgren époque « A Wizard, a true star » (1973) et Syd Barrett. Puis, épicez le résultat obtenu, suivant les plages, d’influences multiples. Vous aurez ainsi une idée générale de la musique pratiquée par Ariel Pink flanqué de ses haunted Graffiti, tout au long de cette œuvre.
Mieux vaut ne pas trop s’attarder sur les lyrics. Traitant le plus souvent de jeux informatiques issus des 80’s, ils constituent le maillon faible des chansons de Pink. Par contre musicalement, si vous aimez le psychédélisme, il y en a pour tous les goûts et toutes les couleurs. Depuis les harmonies vocales byrdsiennes balayant « Only in my dreams » au funk indolent « Baby », cover du « Dreamin’ Wild » de Donnie & Joe Emerson, pour lequel, le producteur/DJ Dâm Funk vient poser la voix, en passant par le disco synthétique « Pink Slime » (Of Montreal ?) et le krautrock « Nostradamus & me » (Klaus Schulze ?), une piste atmosphérique de sept minutes et demie nappée de claviers space-rock, écumée par une ligne de basse en boucle, mais paradoxalement relevée par des vocaux. Une ligne de basse la plupart du temps mélodieuse, à l’instar de « Driftwood ». Mais aussi d’« Early birds of Babylon », plus new wave, réminiscente du jeu de Barry Adamson quand il sévissait chez Magazine, un superbe morceau hanté par des harmonies vocales mystérieuses, presque spectrales. Des harmonies qui s’élèvent en crescendo sur l’hypnotique et délirant « Schnitzel boogie », un titre qui lorgne manifestement vers Gorky’s Zygotic Mynci. Et si le plus synthétique « Symphony of the Nymph » évoque plutôt Snakefinger, « Farewell American Primitive » nous renvoie dans l’univers expérimental du guitariste John Fahey. Mais tout au long de ce disque, malgré leur nature aventureuse, les plages respectent une constante : un sens mélodique soigné et souvent contagieux. Un superbe album !
The Murder of Crows est le dernier projet soutenu par Alan Sparhawk, le compositeur/chanteur/guitariste de Low, mais aussi le boss du label Chairkick. Il vient y apporter régulièrement son concours à la guitare. La plupart du temps, en concédant des accords minimalistes. De manière à bien mettre en exergue le talent de la violoniste Gaelynn Lea. Atteinte de la maladie des os de verre, se déplaçant en voiturette, elle en joue comme un violoncelle. Et rien qu’en écoutant les gémissements de ses cordes, on en attrape des frissons dans le dos. Hormis le plus désinvolte « Bird song », sur lequel Alan vient poser sa voix et le moins douloureux « Let it go », au cours duquel Mimi Parker apporte ses backing vocaux, cet Ep baigne dans une forme d’ambient, à mi-chemin entre Low et Dirty Three. Une œuvre essentiellement instrumentale, même si Gaelynn se réserve le lead vocal sur ces deux pistes. Et son timbre particulièrement aigu communique un feeling unique en son genre à ces compos. Des morceaux mélancoliques, d’une grande beauté mais qui semblent constamment déchirés entre ténèbres et lumière. A l’instar de la superbe reprise de Neil Young, « Down by the river », rebaptisée pour la circonstance, « Down by the lake » ou du bouleversant « Midday waltz ».
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