Malgré 20 années de carrière, on ne peut pas dire que la routine ait altéré les ardeurs de ces vétérans de la scène métal hardcore new-yorkaise ! Pro-Pain nous propose d’ailleurs son treizième opus. Découpé en 11 plages, ce « Straight to the Dome » ne devrait pas décevoir les aficionados du combo étasunien. Onze bombes ‘old school’ sauvages, excitantes et qui font mouche à tous les coups. A l’instar de « Nothing Left » ou « Bitter Pill », deux pistes illuminées par la voix inimitable de Gary Meskil, malmenées par la double grosse caisse de Dan Richardson et fouettées les riffs métalliques gargantuesques d’Adam Phillips. Mais le groupe ose néanmoins s’aventurer en terres inconnues. Comme sur « Zugabe ! », une ‘chanson à boire’ destinée à ses nombreux fans allemands… L’album a été enregistré en Suisse et mixé par le producteur helvétique V.O. Pulver. Pas une raison pour que le son soit neutre. Pro-Pain a toujours été un groupe énervé et monolithique (NDR : il est parfois difficile de discerner un titre de l’autre…), d’ailleurs, « Straigh to the Dome » ne déroge pas à la règle.
Malka Spigel était la chanteuse et la bassiste du groupe mythique israélien Minimal Compact. La formation a essentiellement sévi de 81 et 88, et si elle s’est reformée en 2003/2004, c’était uniquement pour accorder quelques concerts. Faut dire que tous les musicos ont depuis leurs propres projets.
Malka est également l’épouse de Colin Newman, le frontman de Wire. Ensemble, ils participent d’ailleurs à l’aventure de Githead. Mais elle se consacre aujourd’hui surtout à la photographie et à la vidéo. Il lui arrive cependant de tenter l’aventure en solitaire. A l’instar de ce nouvel elpee, « Everyday is like the first day », qui n’est que son quatrième publié sous son propre nom. Enfin, en solo, c’est vite dit, puisque lors des sessions d’enregistrement, elle a reçu le concours de son époux, de Johnny Marr ainsi que de quelques autres. Des sessions qui se sont déroulées sous la houlette de Ronald Lippok, Teho Teardo et Gil Luz, tantôt à Berlin, Rome ou Tel Aviv. Le tout après avoir dégrossi les compos à Londres, en compagnie d’Andy Ramsay (Sterolab, High Llamas, Add N to (X)), et surtout pu se servir d’instruments insolites ou vintage, tels que le bouzouki, le vibraphone ou les synthés analogiques).
En résulte un album découpé en 12 plages inégales. Lorsque les compos glissent excessivement vers l’électro/ambient, on a l’impression d’entendre du Stereolab sous prozac (« Lost in sound », « Dream Time », « After the rain » et même « European weather », malgré la présence de drums). A contrario les morceaux les plus vivifiants nous replongent dans un post punk digne de Wire, mais dynamisé par les interventions de basse pulsantes de Malka. A l’instar du tempétueux titre maître, du magnétique « See it sideways », de l’hypnotique « Finding you », caractérisé par ces accords de gratte presque en boucle, des accords encore plus saturés sur les excellents « Chasing shadows » et « Two dimensions in a single frame », cette dernière plage jouant parfaitement sur le contraste entre la section rythmique nerveuse et la voix éthérée de Malka. De l’opus, j’épinglerai encore « Ammonite », une mélopée ténébreuse, enrichie d’arrangements de violon, dont la progression de cordes tout en subtilité me rappelle quelque part Bel Canto ; et puis enfin l’énigmatique « Back in the old city », piste hybride réussie, à cause de l’équilibre parfait entre instrumentation organique et électronique.
Gauntlet Hair nous vient de Lafayette, dans le Colorado. Un duo réunissant Andy R. (guitare, chant) et Craig Nice (batterie) qui se connaissent et partagent leurs goût musicaux, depuis l’âge de 15 ans. Certains médias comparent déjà leur musique à celle d’Animal Collective. Pour la créativité, peut-être. Et le recours à la technologie moderne, sans doute. Mais certainement pas pour les vocaux, Andy les dispensant constamment en reverb. Propulsé par les drums, mais aussi toute une panoplie de percus et de basses synthétiques, les rythmiques sont puissantes, pulsantes, palpitantes. Les cordes de guitare, bringuebalantes, tintinnabulantes, elliptiques, un peu comme chez Vini Reilly (Durutti Column), mais davantage écorchées voire déchiquetées.
Paru fin de l’année 2011, cet opus est éponyme. Il recèle neuf plages qui baignent dans une forme de noisy contemporaine. Expérimentale aussi ; mais sans jamais sombrer dans l’intellectualisme à tout crin, Gauntled Hair parvenant à baliser toutes ses compos sur une trame subtilement mélodique. A découvrir !
« Tempest » constitue déjà le 35ème album studio du Zim. Eponyme, son tout premier était paru en 1962, soit il y a exactement 50 ans ! Pour enregistrer cet opus, il a pu compter sur son plus fidèle collaborateur, en l’occurrence le bassiste Tony Garnier, du drummer G. Receli, du gratteur Stu Kimball et du multi-instrumentiste Donnie Herron (steel, banjo, violon, mandoline). Mais également du guitariste Charlie Sexton, de retour après une bonne décennie d’absence ainsi que de David Hidalgo (Los Lobos), notamment à l’accordéon.
« Tempest » est le plus long titre de cet elpee. 14 minutes au cours desquelles, Dylan développe sa vision personnelle du naufrage du Titanic. Une valse country, tourmentée par des interventions de violon, qui finit par lasser. Cette compo, « Pay in blood », sorte de r&b trempé dans la pop, et « Roll on John » qui rend hommage à Lennon, sont incontestablement les points faibles de l’opus. Parce qu’il en recèle de très forts. Tout d’abord le morceau d’entrée « Duquesne Whistle ». Un western swing (dixieland ?) au cours duquel, sa voix ravagée ressuscite le fantôme de Louis Armstrong. Ensuite « Narrow way », un blues percutant découpé dans des riffs décapants, et imprimé sur un tempo hypnotique, irrésistible. Un autre blues ensuite, « Early roman kings ». Il y restitue carrément le célèbre riff du « Like a Rolling Stone » de Bo Diddley. Et le résultat est probant. Mais aussi l’éblouissant « Scarlet town ». Sans oublier l’envoûtant « Tin angel » (NDR : cette ligne de basse vibrante, mugissante), où il n’y manque que des bruitages insolites, pour s’imaginer au sein de l’univers de Tom Waits. Deux plages au cours desquelles il démontre qu’il est bien la référence ultime quand on parle de renaissance du mouvement folk/rock. Bien sûr, on n’oubliera pas ses lyrics. Poétiques, énigmatiques, féroces, ténébreux et peuplés de fantômes. A l’instar de « Soon after midnight », une chanson au cours de laquelle il traite de l’amour, de ses tourments et de la cruauté que ce sentiment peut engendrer.
Ce quatuor londonien est devenu la nouvelle coqueluche de l’Albion. Fondé en 2010, il vient de publier son deuxième album, « Come of age ». Un disque qui a bénéficié de la mise en forme d’Ethan John (King of Leon, Emmylou Harris).
Si la formation puise ses influences majeures chez les Ramones, The Strokes et The Jesus And Mary Chain, c’est souvent aux Libertines et à Arctic Monkeys qu’elle est comparée. Normal, puisque ces deux groupes sont nés en Grande-Bretagne.
Des références qui semblent de mieux en mieux digérées sur leur nouvel opus. Parfois pour laisser un peu de place à d’autres. Une chose est sûre, les cordes de guitares sont toujours bien présentes. Surf, tintinnabulantes, déchiquetées, saignantes ou pétillantes (NDR : sur l’allègre « All in vain », elles gémissent même comme la Rickenbacker de feu George Harrison) elles balisent la plupart des compos. Depuis le ‘strokesien’ « No hope », au cours duquel Young emprunte un timbre vocal ‘dylanesque’ à « Lonely world »’, une ballade britpop hymnique qui aurait pu figurer au répertoire d’Oasis, en passant par le menaçant (The Cramps ?) « Ghost town », trempé dans le psychobilly, « Aftershave ocean », une compo mid tempo dont le sens mélodique lorgne vers Ash, « Weirdo », secoué par une ligne de basse trépidante (Pixies ?) et bercé par une voix détachée (Pastels ? Belle & Sebastian ?), le rugueux et hypnotique « Bad mood », fruit d’une rencontre hypothétique entre Jesus & Marychain et The Arctic Monkeys et le superbe « I wish I was a girl », une plage imprimée sur un tempo new wave. La panoplie de rythmes développés par le drummer est également un des atouts des Vaccines. Il adopte même le célèbre 4/4 des Ramones sur « Teenage icon ».
Les Vaccines se produiront ce 8 novembre 2012 à l’Aéronef de Lille, dans le cadre du festival des Inrocks.
Crystal Castles est un duo canadien réunissant Ethan Kath et Alice Glass. Cette dernière ressemble étrangement à Karen O de Yeah Yeah Yeahs. Ils pratiquent une forme de musique électro au sein de laquelle entre en fusion éléctroclash, noise et hardcore. Et le résultat est impitoyable, dévastateur, assourdissant. Enrichie de bleeps serrés, trashy, triturés ou indistincts, leur expression sonore, largement conçue à l’aide de synthés 8 bits, lorgne manifestement vers Atari Teenage Riot, Alec Empire, T.Raumschmiere et Otto Von Schirach.
Fruit de la rencontre entre punk funk sinistre, trance visionnaire, wave pop circa 80’s et kitsch pop, le deuxième elpee était tout aussi imprévisible et explosif, le couple continuant de repousser les limites de l’électro alternative. Leur troisième cherche davantage l’équilibre entre toutes leurs influences. Première constatation les synthés 8 bits ont été mis au placard. Tout comme les ordinateurs, d’ailleurs.
On retrouve bien sûr les vocaux angoissants de Kate, parfois contenus, parfois spectraux, souvent à peine compréhensibles (NDR : et pourtant, les thèmes des lyrics, traitant par exemple de l’oppression dont sont victimes les femmes ou de l’innocence des enfants, sont engagés) entretiennent une tension sous-jacente. Plus sombre et glacial que le premier opus et moins agressif que le second, « III » flirte épisodiquement avec la pop, la rave et même le hip hop. Mais dans l’ensemble, en écoutant ce disque, on est envahi par des sentiments inconfortables de claustrophobie, d’anxiété et même de frayeur. Des sentiments bien illustrés par l’image de la pochette représentant un cliché de Samuel Aranda, reproduisant un combattant révolutionnaire du Yémen blessé, dans les bras de sa mère (NDR : cette photo lui a permis de décrocher l'Award du World Press Photo of the Year en 2011).
Il y existe peu de groupes contemporains susceptibles de fédérer les générations. Muse, Coldplay, MGMT, Radiohead, sans doute. Et bien, M83 appartient à cette catégorie. Créé par Anthony Gonzales, originaire d'Antibes, M83 combine judicieusement l'héritage du passé et le temps présent. Le passé, ce sont les références au rock progressif (Pink Floyd, Rush, J.-M. Jarre), au krautrock (Kraftwerk, Schulze, Ash Ra Temple) et à la new-wave (Talk Talk, Tears For Fears). Le présent, ce sont les sonorités électropop, voire trance et les voix hyper-trafiquées. On n'est donc pas étonné de rencontrer dans le public de l'AB un mélange de teenagers et de quadragénaires, pour le troisième passage du combo en Belgique en un an, après les Pias Nites en février et les Ardentes en juillet.
En lever de rideau, les Gallois de Man Without Country ont dispensé un set trempé dans un électro-pop-shoegaze de toute bonne facture. Au menu : synthés puissants, guitares cinglantes et vocaux aériens. Contrairement à de nombreux 'supporting acts', Men Without Country a pu bénéficier d’un 'gros son', celui de M83. Un concert intéressant. Leur premier album, "Foe", a été produit par Ken Thomas, qui a aussi mis en forme le "Saturday = Youth" de M83. Un groupe à suivre!
Lorsque retentissent les premières notes, solennelles, du concert de M83, on assiste à la première référence faite au rock progressif. Morgan Kibby, la chanteuse/claviériste, entre seule sur scène vêtue d'une longue robe noire. Elle porte un masque animalier, qui n'est pas sans rappeler la tête de renard arborée par Peter Gabriel chez Genesis. Une référence étonnante! Ensuite, les autres musiciens montent sur les planches ; Anthony Gonzales en tête, suivi de Loïc Maurin aux drums et du tout jeune Jordan Lawlor aux guitares ainsi qu’aux claviers. Lors du morceau judicieusement intitulé "Intro", Morgan prend parfaitement en charge les voix signées originellement en studio par Zola Jesus. Le décor est cosmique, quasi floydien. A cause de ce tapis d'étoiles et des rayons de lumières oniriques. Bref, on est prêt pour un voyage dans l'espace. Direction la galaxie Messier 83 (d'où le nom du groupe). L'AB est sold-out et le public, super chaud!
Après "Teen Angst", un titre électro réminiscent de Fischerspooner, le show prend véritablement son envol. Soit au moment de "Reunion", le deuxième single extrait de "Hurry Up, We're Dreaming". Une plage dont l'intro rappelle immanquablement Rush, un groupe canadien de prog-rock. Lors du refrain, Gonzales a déjà le public en poche ; et pour cause, il parvient déjà à lui faire reprendre en chœur ses ‘Oh oh oh’... Petite surprise ensuite, présentée sous la forme d'un break electro-house et s’achevant par un final grandiose… Regardez ce moment, filmé depuis les balcons ici.
"Sitting" est le premier long instrumental 'psychélectro' du set, une des marques de fabrique de M83. Place alors à "Year One, One UFO", une compo dont les sonorités folk lorgnent tour à tour vers Yes et MGMT. "We Own The Sky" est un autre grand moment : le rythme est plus calme et les voix, aériennes. La fin du morceau a été réarrangée pour la scène. Le rythme accélère soudain, soutenu par le chant répétitif de Morgan Kibby. Inattendu ! "Steve Mc Queen" est un autre exemple de hit électro dominé par les cris de Gonzales et les changements de dynamique. Superbe ! "Wait" constitue leur "Us And Them". Tant les harmonies que la structure du morceau évoquent clairement ce chef-d’œuvre de Pink Floyd. On pense aussi aux œuvres récentes d'Anathema. La fin du morceau est majestueuse, drapée dans des nuages de claviers et traversée par un beau solo de guitare, que Gonzales exécute à genoux, au-devant de la scène. Vidéo: http://youtu.be/UN2XwQB2UXc.
Après "Graveyard Girl", on entend le riff vocal de "Midnight City". Une énorme clameur envahit l'AB. Par ce riff, Gonzales a trouvé un 'hook' universel, qui entre parfaitement en résonance avec notre époque. Il lui suffit de lever les bras en l'air en criant ‘Bruxelles!’ et la foule chante à l'unisson les six célèbres notes, avant qu'un saxophoniste ne vienne quelque peu gâcher cet événement, en balançant un solo bien trop criard. Voir la video ici.
Le corps du spectacle prend alors fin tout en douceur lorsque le paisible "My Tears Are Becoming A Sea" est interprété un demi-ton plus haut que sur disque. Mais le groupe revient bien vite pour interpréter l'excellent "A Guitar And A Heart", un de mes morceaux préférés, tiré de "Before the Dawn Heals Us" (2005). Cette longue progression évoque le célèbre "One Of These Days" de Pink Floyd (paru sur "Meddle" en 1971). Elle est d’ailleurs jouée dans le même ton. Le rythme est martelé sur un tapis de sons synthétiques et enfle petit à petit avant de culminer dans une explosion de drums et de guitares.
Le concert se clôture enfin par le très solennel "Outro" et le tour de force que constitue "Couleurs". Ici, à nouveau, on retrouve une longue construction électronique de plus de 8 minutes. Sur le riff de base dispensé aux synthés, viennent se greffer les rythmiques et les guitares. Le groupe se déchaîne véritablement sur ce morceau, qui se termine dans un orgasme sonore.
C'est incontestable, au vu de leur prestation, M83 est devenu un groupe majeur et peut maintenant jouer dans la cour des grands... Seuls petits bémols, le son un peu trop brut des drums et le problème du playback, malheureusement inévitable de nos jours. Il est difficile d'identifier la véritable participation des musicos. Les seules contributions à 100% live se résument aux voix et à la batterie. Mais ne boudons pas notre plaisir, la setlist était impeccable, les musiciens parfaits, le son énorme et le light show époustouflant. Un concert stellaire, sidéral et... sidérant!
Setlist
Intro
Teen Angst
Reunion
Sitting
Year One, One UFO
We Own The Sky
Steve McQueen
Wait
Graveyard Girl
Midnight City
My Tears Are Becoming a Sea
Encore
A Guitar And A Heart
Outro
Couleurs
Formation intemporelle par excellence, Liars se produisait ce vendredi 2 novembre au Botanique de Bruxelles, afin de nous présenter son dernier et sixième album, « WIXW » (NDR : prononcez ‘Wish You’). Pour cette formation, il s’agit d’un énième tournant dans leur carrière. C’est donc impatient, que j’attendais la transition de l’album à la scène, de cette nouvelle œuvre. Surtout que le trio jouit d’une belle notoriété en ‘live’…
La première partie du concert était assurée par The Haxon Cloak, projet solo du Londonien Bobby Krlic. L’électronica expérimentale et ténébreuse de l’Insulaire s’adresse surtout aux aficionados d’Aphex Twin et de Burial. Elle se révèle dispensable pour les autres.
C’est à 21h pile que les lumières de l’Orangerie s’éteignent. Il est étonnant que la salle ne soit pas comble. En outre le public réunit une majorité de quadragénaires voire davantage… Il est vrai que leur premier album remonte à une décennie, déjà. Il y a deux ans, lors de leur prestation au même Bota, le line up était enrichi de musiciens de tournée. Aujourd’hui, il se résume au trio de base. Ils portent un costard. Un look qui contraste avec leur tignasse ébouriffée, mais également leur expression sonore si peu conventionnelle…
La première demi-heure du concert est consacrée à leur dernière livraison. Julian Gross, le batteur, reconnaissable à ses deux tresses qui retombent sur ses épaules, passe son temps derrière des synthés tout comme ses acolytes. Si les rythmes tribaux ainsi que les guitares dissonantes sont absentes des premiers morceaux, on reconnaît la patte du groupe : les basses sourdes, le chant si caractéristique du géant Angus Andrew ainsi les ambiances hypnotiques. Pour illuminer cette ‘électro-pop’, un écran diffuse des images psychédéliques. Mais aussi un light show coloré et des stroboscopes. Une mise en scène idéale pour pénétrer dans l’univers vaporeux de Liars. L’auditoire est subjugué par le set. Et pour cause, malgré les gesticulations du chanteur, il écoute et regarde.
Après quelques titres, Gross prend sa place derrière les fûts, alors que ses compères troquent régulièrement leurs synthés pour la guitare ou la basse.
Cette seconde partie de set va permettre au combo de revisiter leur catalogue, hormis le tout premier elpee, il faut le préciser. Mais pas question de reproduire les compos, comme en studio. Elles sont réadaptées suivant l’inspiration du moment. Et sous cette forme nouvelle, les morceaux se révèlent aussi surprenants qu’impressionnants. Liars est toujours en constante évolution. Il l’a de nouveau démontré. Et mérite amplement son statut de groupe avant-gardiste.
(Organisation Botanique)
Issu de Memphis, Jim Dickinson est un producteur notoire. Il a notamment bossé pour Ry Cooder, Bob Dylan et Rolling Stones, excusez du peu ! Ses deux fils, Cody et Luther, sont également devenus célèbres. Ils militent chez les North Mississippi All Stars depuis le début de l’aventure de ce groupe, soit en 1996. Ils sont originaires d’Hernando, un patelin sis quelque part dans les collines du Nord du Mississippi. Et si Cody sévit également au sein de Hill Country Revue, Luther double comme gratteur chez les Black Crowes.
Garry Burnside est le neveu du regretté R.L Burnside, le mythique bluesman (NDR : on est toujours dans le Mississippi) considéré comme l'âme du label Fat Possum. Cedric Burnside, le petit-fils de R.L s'est illustré dernièrement, notamment en compagnie de Lightnin' Malcolm. Ensemble, ils ont publié un excellent opus pour Delta Groove, en 2009, "The two men wrecking crew"
Si Alvin Youngblood Hart est né à Oakland, en Californie, il a passé beaucoup de temps dans l'état du Mississippi, c’est-à-dire le plus près possible des racines du blues!
Ian Siegal est un des meilleurs bluesmen anglais. Il s’était mis en tête de réunir tout ce beau monde pour enregistrer un album. Et il est parvenu à ses fins. Il s’est donc rendu à Memphis pour y mettre en boîte sa dernière œuvre, soutenu par toute cette équipe, baptisée pour la circonstance, The Mississippi Mudbloods. Et c’est Cody Dickison qui s’est chargé de la mise en forme, tout comme pour l’elpee précédent "Swaggy" ; ce dernier avait cependant été enregistré à Coldwater, encore et toujours dans le Mississippi!
Ian ouvre l’elpee par le "Bayou country" de Duke Bardwell et Doug Veitsch, une compo écrite il y a bien longtemps, lorsqu’ils accompagnaient Tom Rush. Les interventions de gratte dispensées par Luther Dickinson sont excellentes, mais acides. La lead vocal est enveloppé par un chœur féminin opulent. "Loose cannon" pénètre dans un univers poisseux. Celui des terres ancestrales du Mississippi. Ian chante de son timbre quelque peu ravagé, talonné par les cordes de Youngblood Hart. Embarquement immédiat ! Nous empruntons le chemin de fer. "I am the train" est imprimé sur le rythme endiablé des fûts martelés par Cody, pendant que Hart s'acharne sur son bottleneck. Lightnin' Malcolm se joint à Ian pour chanter son "So much trouble". Un hillbilly blues qui fleure bon les collines du Nord Mississippi, un parfum épicé par des guitares torturées et le sitar de Luther. "Kingfish" nous plonge au cœur du delta. Naturel, le chant est soutenu par des guitares parfaitement en symbiose. Authentique, cette musique suit les traces laissées par Charlie Patton, Son House et Robert Johnson. Particulièrement grave et autoritaire, la voix s’installe en avant-plan tout au long de "The fear". Un sentiment de peur causé par la rythmique menaçante et hypnotique nous envahit, tout au long de cette remarquable composition. La rythmique de Cody entre en transe sur "Earlie Grace jnr", alors que la slide s'enroule autour de la voix possédée de Siegal. Texan, H B Barnum est pianiste. Ce vétéran est un excellent arrangeur. "Green power" est une chanson issue de sa plume. Caractérisée par la voix sauvage, cette plage fait instantanément mouche. "Strong woman" trempe dans le Delta blues. Un morceau bien rythmé, au cours duquel Cedric donne la réplique vocale, alors que les cordes du maître restent bien en évidence. Nous nous approchons des marais étouffants du Sud. Le tempo commence à paresser et les vocaux se décontractent. Un sentiment de mélancolie et de langueur nous envahit tout au long de "Rodeo", un petit joyau dans le style, que Cody colore à l'orgue pour renforcer davantage cette douceur retrouvée. D’excellente facture, cet opus s’achève par "Hard pressed", une compo légèrement funkysante (cette rythmique !), balayée d’interventions à la slide vivifiantes, mais dont la voix rocailleuse émerge assez facilement de l’ensemble.
Eric Bibb a de qui tenir. Son père, Leon, âgé aujourd’hui de 90 balais, était folk singer. Jouissant aujourd’hui d’une solide réputation, Eric est également chanteur, mais aussi guitariste. Sa carrière est conséquente. Et pour cause, il a publié 33 albums studio, sans compter ses projets parallèles, compiles, etc. Son dernier opus solo, "Deeper in the well", est paru cette année.
Habib Koité est malien. Egalement vocaliste et gratteur, il est cependant est né à Thiès, au Sénégal. En 1958. A cette époque, son père travaillait à l'élaboration de la ligne ferroviaire Bamako/Dakar. Après y avoir vécue 6 mois, sa famille est rentrée à Kayes, au Mali. Habib a accompli ses études à l'Institut National des Arts de Bamako. Il devient ensuite professeur de guitare. En 1988, il fonde son groupe Bamada. Le premier album "Muso Ko" paraît en 1995, suivi de "Ma Ya" en 98. Aujourd’hui, il est considéré comme un griot moderne.
C'est en 1999 qu'Habib et Eric se rencontrent et décident de s’intéresser aux affinités entre le blues et la musique malienne. Depuis, Habib se rend souvent aux USA où il s'est fait de nombreux amis comme Bonnie Raitt ou Jackson Browne.
Hormis une reprise, Habib et Eric signent 12 des 13 plages de cette collection, ensemble ou séparément. L'enregistrement a été réalisé à Bamako, en janvier 2012. Le duo y a reçu le concours du percussionniste, Mamadou Kone.
Dès le début de l’elpee, la paire balise le parcours. Eric chante "On my way to Bamako", une de ses propres compos. Les tonalités de la guitare sont bien africaines. Elles évoquent son premier trip en Afrique Occidentale, lorsqu’il avait retrouvé son ami Habib. Ce dernier lui répond aussitôt par son "L.A". Soit son arrivée à Los Angeles arrosée par quelques verres de téquila. Il y avoue d’ailleurs, ‘Tequila makes me happy’. Le rythme s’élève. Les sonorités de cordes sont d’une grande pureté. La musique est simple, allègre, chaleureuse. Naturelle et rafraîchissante, aussi. Les deux artistes sont complémentaires et nous gratifient de répliques tant vocales qu’instrumentales. ‘Réfléchir en solitaire donne longue vie à la pensée’, est une valeur qu’ils partagent sur "Toumani Kelen". Ils se dirigent vers Tombouctou, guidés par les étoiles, sur la mer de sable, au sein d'une caravane qui les amène jusqu’au Puits de l'Espoir. "We don't care". Autrement dit ‘On ne s'en soucie pas’ ou plus banalement encore ‘On s'en fout’. Un cri du cœur : le monde moderne c'est bien, tout comme l'or, les voyages de luxe, le fast food, surtout quand on ne se soucie pas de la vérité sous-jacente. Mais ces réflexions profondes sont dispensées à travers la douceur et la lumière de la musique. Issue de la plume de Koité, "Nani Le" est une très jolie ballade instrumentale, une plage très proche de l’atmosphère du blues. Habib saisit son banjo à six cordes ; et tel un griot, pousse son cri de colère suite à la mort d'un enfant, victime d’une circoncision. La sensibilité de Koité est à son paroxysme sur "Foro Bana", un afro-blues dépouillé pour cette demande en mariage! Après avoir concédé un nouvel interlude instrumental, à la gloire de la déesse de l’eau ("Mami Wata"), le tandem s’attaque à la seule reprise de l’elpee. En l’occurrence une compo notoire issue du répertoire de Bob Dylan, "Blowin' in the wind". Eric est aux vocaux. Il est épaulé par le Finlandais Olli Haavisto, à la pedal steel. Plein de charme, cet opus s’achève par "Goin' down the road feelin' bad", un traditionnel sculpté par des cordes particulièrement subtiles…
Le duo se produira au Centre Culturel d'Auderghem de Bruxelles, ce 20 novembre 2012.
http://www.ticketnet.be/fr/manifestation/idmanif/7314/idtier/289298
Jeudi 1er novembre, je me remets à peine de la quasi-overdose de barbituriques ingurgités la veille. Il est à peine 9 heures, et mon téléphone m'arrache des bras de Morphée :
- Bernard ? Ici Bernard.
- Qu'est-ce qui me vaut ?
- Tu m'as énervé, l'autre jour, à l'assemblée des actionnaires du magazine, à me répéter pour la énième fois que le rock français était mort depuis la disparition de Fred Chichin...
- Ouais, et alors ?
- Alors ? Pour ta peine, tu iras photographier Dionysos, ce soir à l'Ancienne Belgique...
- .....
- Tu es toujours en ligne ?
- Ouais, ouais, je sniffais un rail de coke pour me réveiller un peu....
- Alors, ta réponse ?
- Dois voir avec ma patronne, tu sais bien.... Chououou, Dionysos, tu aimes ?
- J'aime bien les titres qui passent à la radio, pourquoi ?
- Bernard, tu vois que le rock en France est mort, ma femme aime bien ton groupe à la noix.
- M'en fous, tu emmènes ta femme, ta maîtresse, ton chien ; c’est pas mon problème. Mais tu y vas et tu me ramènes des images...
Il raccroche le téléphone. Faut pas l'énerver, le rédac’ chef, il a un de ces caractères... Et il n'aime pas que les actionnaires assistent défoncés à ses conseils d'administration....
J'appelle des potes, ils sont partants, c'est pas sold out, ils pourront acheter des tickets ce soir. Au moins, si je m'emmerde comme je l'imagine, je pourrai descendre des bières au foyer, et dépenser ainsi le défraiement honteux que je réclame pour mes services.
On mange un morceau vite fait, les festivités démarrent tôt ce soir, le groupe est annoncé à 20:30 sur les planches de l'AB. Pas le temps de chercher un peu de crack pour me mettre en forme ; tant pis, j'assisterai presque sobre à ce concert, ça me changera...
Je m'attends au pire, et de fait, dès les premières notes, j’aperçois un guignol monter sur les planches affublé d’une tête d'oiseau. Il est accompagné de gentils garçons propres sur eux. Ils sont vêtus de noir (chemises, costumes), une cravate rouge du plus bel effet bien nouée autour du cou. Il est inscrit en backdrop la mention "Bird 'N' Roll". Et en grand ! Ça rocke, les oiseaux, peut-être ? Et la petite ballerine qui s'installe sur la droite de la scène, elle joue du rock’n’roll, elle ?
Me demandez pas ce que j'ai pensé des 3 premières chansons, j'étais tellement à l'affût d'un rayon de lumière blanche qui n’est jamais venu qu’il ne m’en reste qu’un souvenir vague. Ben oui, on a beau être un déchet humain, on n'en n'est pas moins pro quand on shoote, chez MusicZine.
Je rejoins mes potes et ma tendre moitié qui ont déjà un sourire comme une banane, et j’écoute. Ça balance pas mal, mais il y a trop de titres down tempo à mon goût. Heureusement, les Français assènent en milieu de parcours leurs titres les plus connus de leur répertoire ; et l’inculte que je suis doit reconnaître que ça commence à envoyer pas mal. "Miss Acacia", "Mc Enroe's Poetry", "Tom Cloudman" et "Song for Jedi" balancés à la suite, ça dépote, je l’admets. La petite Babet parvient rapidement à faire oublier son mini gabarit et impose sa présence sur le podium ; et Mr. Malzieu, quelques bains de foule plus tard, libère enfin toute son énergie. Après avoir invité quelques filles sur l’estrade pour leur apprendre le fameux "Bird 'n' roll", le combo calme quelque peu les esprits avant de se retirer symboliquement quelques instants et de revenir un sourire jusqu’aux oreilles, enfin aussi large que ceux aperçus autour de moi.
Mathias présente le groupe ; ce qui permet à chaque musico de faire son numéro : ici une petite blague, là un solo de perceuse, etc. Et c’est durant ce rappel que Mathias, complètement barge, crowdsurfe jusqu'au balcon. Il s'y fait hisser, et lorsqu’il atteint le haut des gradins, un porte-voix l'attend opportunément. Après avoir concédé quelques paroles, il redescend, emprunte le balcon latéral, et bien entendu atterrit dans la foule... Pile poil sur ma tronche. Trop heureux, Bernie...
Le concert se termine comme il a commencé, Mathias réenfilant sa tête d'oiseau. Le show a duré presque deux heures, et j’avoue m’être laissé emporter dans l'univers rock et surréaliste de Dionysos. Le rock français, mea culpa (NDR : j'imagine le sourire sadique de mon tortionnaire de rédac'chef), a encore de beaux jours devant lui ; et en particulier grâce à ces allumés de première classe.
Setlist :
Intro
Bird'n'Roll
June Carter en slim
Tais-toi mon cœur
Dreamoscope
Le Grand Cheval aux yeux gris
Coccinelle
Le jour le plus froid du monde
Miss Acacia
Mc Enroe's Poetry
Tom Cloudman
Song for Jedi
Can I
Spidergirl blues
Dark side
Platini(s)
Wet
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(Organisation Live Nation)
Le line up de base de ce band repose sur un trio. Soit le chanteur/harmoniciste Corey Lueck, le guitariste Mike Stubbs et le percussionniste Steve Shermann. Ils sont épaulés par Gordon Aeichele, qui double à la basse et au saxophone. Suivant les sessions et les concerts, le combo reçoit le concours d’autres musicos. La formation est née en 1997. Elle est originaire de Hamilton, une grande ville de l'Ontario, au Canada, pas bien loin des chutes du Niagara. Sa discographie n’est pas très claire. Il semble que le groupe ait enregistré trois elpees (NDR : sur un label obscur) avant de graver "The Smoke Wagon Blues Band and Friends", opus pour lequel il avait reçu le concours de la crème des musiciens canadiens. C’était en 2006. Avant de publier cet "It ain't easy".
Dès l’ouverture, le rythme est excitant. "Devil got my woman" démontre que Corey possède une bonne voix. Très expressive aussi. La rythmique de Mike est bien nerveuse avant de prendre déjà un premier envol. Gordon saisit son sax ténor et embraie. Corey souffle dans son harmonica pour introduire "Hold on to you". Le tempo est indolent. Piano et cordes soutiennent la voix de Lueck, alors réminiscente de Joe Cocker. Mais dès "Josephine", elle retrouve son timbre naturel pour affronter les instruments des musicos décontractés ; c’est-à-dire le dobro de Stubbs, le piano de Jesse O'Brien et les cuivres du Kingston St Quartet. L'ambiance est excellente. Autre blues cool, "Hen house hopping" baigne au cœur d’un climat feutré. Au sein de l’instrumentation acoustique, émerge le dobro de Mike. Une atmosphère que l'on retrouve sur "It ain't easy". Cuivré, "Down hearted blues" est un blues lent classique de toute bonne facture. Le climat devient humide sur "That voodoo". Nous traversons les marais louisianais. La bande sonore est chargée de réverb’… Surprise, Corey est rejoint au chant par Robin Banks, autrefois établie à Dallas, au Texas. Il en profite pour signer sa meilleure sortie sur l'harmonica. Miss Robin se réserve encore les vocaux sur un autre blues intitulé "Where Did I do wrong". La voix de Corey est éraillée, âpre, rugueuse, tout au long de "Tongue tied". Son emprise y est incontestable. Une piste imprimée sur un mid tempo et pimentée par les interventions aux ivoires d’'O'Brien et de Gordon au saxophone. Caressante, la voix devient même envoûtante tout au long de "Damaged time", un blues très proche de Memphis hanté par l'orgue de Nick Succi et le piano de Scott Pritchard. C'est lorsqu'il chante les plages les plus lentes que la voix de Lueck se révèle la plus expressive. A l’instar d’"Ain't no use". Ou encore de "Some other fool", piste au cours de laquelle sa sensibilité est exacerbée. De bonne facture, cet opus s’achève par "Drink by the sink", une piste propice à la bonne humeur. Corey y chante à travers son micro astatique devant le dobro, et distribue quelques petits coups de griffe à l’aide de son harmonica…
The Junction ne nous vient pas de l’Albion, mais de Padoue, en Italie. Faut donc croire que Francesco, Marco et Alberto ont écouté la britpop en boucle pour concocter une telle musique. A première écoute, on pense à Bloc Party. A cause de ces mélodies limpides, entêtantes, découpées dans les cordes de guitare spasmodiques et stimulées par une ligne de basse caoutchouteuse. Et puis de la manière de reprendre les refrains en chœur.
« Run and Look Away » ouvre l’elpee. La compo la plus pop du long playing. Hormis la ballade « Sleeping dancer », le reste des compos est davantage sculptée dans le punk. L’énergie y est d’ailleurs très palpable. Mais chez The Junction, il n’y a pas de chanteur de la trempe de Kele Okereke. Le vocaliste manque de rigueur dans ses inflexions. Il arrive même que son timbre déraille. En fait, sa voix me fait surtout penser à celle d’Eddie Argos d’Art Brut ; même si le Transalpin ose chanter. Et « Wake Up » en est une parfaite illustration.
A défaut d’être exceptionnel, « Let Me Out ! » est agréable à l’écoute. Et puis, il ne dure qu’une trentaine de minutes. Enfin, The Junction est plus que probablement le plus anglais des groupes italiens. Ce qui constitue, ma foi, une forme d’originalité…
Chanteur/compositeur/guitariste californien, Rick Holmstrom est âgé de 47 ans. Il a forgé son expérience en côtoyant quelques grands noms du blues. Notamment le regretté harmoniciste William Clarke, décédé en 1995, ainsi que le vétéran Johnny Dyer. Il a également milité chez les Mighty Flyers, le band d'un autre prestigieux souffleur de la West Coast, Rod Piazza. En 2012, il tourne comme guitariste au sein du backing band de Mavis Staples. Ce brillant instrumentiste avait publié son premier opus solo, en 1996. Intitulé "Look out!", ce disque était paru sur le défunt label né-orléanais Black Top! Entre 2000 et 2006, il va également graver trois autres long playings sur une autre écurie disparue, Tone Cool. En 2007, il passe chez MC, et y signe "Late in the night". Et pour être complet, il a encore sorti "Twist-O-Lettz", en 2010, sur Mocombo, mais sous la formule d’un trio, en compagnie de John ‘Juke’ Logan et Stephen Hodges.
Ce nouvel essai a été concocté au sein du Sound Factory de Hollywood, un disque pour lequel il a reçu le concours de ses fidèles amis, en l’occurrence le batteur Stephen Hodges et Jeff Turmes, préposé à la basse, la slide, au saxophone et aux chœurs.
"Need to dream" ouvre la plaque. Une piste percutante. Un rock classieux, franc et direct. La mise en forme est parfaite. Les trois instruments sont bien en place. Les voix de Rick et Jeff se conjuguent en harmonies beatlenesques sur le refrain. Un refrain contagieux qu’on se surprend à fredonner en leur compagnie. Ce ‘besoin de rêver’ est chargé de promesses. "Cruel sunrise" nous entraîne au cœur des bayous louisianais. Un rock intense aux accents bluesy, digne de la quintessence du mythique Creedence Clearwater Revival. Une excellente piste, au cours de laquelle le refrain est appuyé par le saxophone baryton de Turmes, alors que la guitare s’autorise un envol brillant. Tout en reverb’, le son des cordes est une des marques de fabrique du style Holmstrom. A l’instar de l’intro d’"Owe you everything", une plage au cours de laquelle il partage le chant avec Mavis Staples, une vocaliste que Rick a longtemps suivi sur la route. Et les interventions vocales sont à la fois riches et subtiles. "You drive 'em crazy" est une ballade douce, langoureuse, mais dépouillée. Les cordes sont aussi limpides que chez Neil Young. Pas de temps mort entre les morceaux. Ni de compo faible. Les musicos rivalisent de dextérité. L’esthétisme est omniprésent. La sortie de cordes concédée sur "It's time I lose" est bouleversante. "Creepin' in" lorgne de nouveau vers John Fogerty. "I'll hold you close" baigne dans un océan de mélancolie. La guitare est souveraine tout au long de "Lord please", un titre caractérisé par sa densité rythmique. La voix illumine "I'm not afraid", une chanson à l’atmosphère pop rock.
Cet opus est également sorti en "Deluxe edition", une édition limitée incluant un CD bonus, sur lequel figurent douze plages instrumentales. Le climat y est davantage jazzyfiant. Mais un jazz contemporain qui met en exergue le saxophone et la basse de Jeff Turnes, ainsi que les percus de Stephen. Le blues y est quand même bien présent. A l’instar de "I'm so lonesome I could cry"…
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