Dexys ou Dexys Midnight Runners version années 2010. La formation a connu son heure de gloire en 1982, notamment en publiant l’imparable classique « Come On Eileen ». Elle vient de reprendre du service. Pour quoi ? Bah, pour pas grand-chose. Près de 30 ans après avoir gravé « Don’t Stand Me Down », leur dernier sursaut d’activité discographique, Kevin Rowland, Mick Talbot, Pete Williams et Jimmy Paterson nous proposent « One Day I’m Going To Soar », comme une dernière tentative de reprendre du poil de la bête. Seulement, la bête n’a plus les crocs et s’essouffle au moindre effort. Elle tente bien de les montrer, mais ses grognements ne font plus peur à personne. On aimerait se prendre d’affection pour la bestiole, surtout lorsque ses efforts débouchent sur de sympathiques litanies (« Now », « She Got A Wiggle ») ; mais, au fil du temps, Dexys a perdu de son mordant et ses manifestations musicales sont bien trop surannées pour être prises au sérieux. Dommage!
Il y a un bon bout de temps qu’on n’a plus entendu parler de Broken Social Scene. En 12 années d’existence, le collectif n’a publié que trois albums. Ce qui explique pourquoi les deux membres fondateurs disposent de pas mal de temps libre pour s’exprimer en solo ou à travers divers projets. A l’instar de Brendan Canning en 2008 et de Kevin Drew, l’année suivante. Néanmoins, ces aventures parallèles sont souvent passées plus ou moins inaperçues et ne sont jamais parvenues à atteindre le niveau du BSS. Le dernier projet en date a été monté par Brendan Canning. Il a été baptisé Cookie Duster. Un groupe au sein duquel on retrouve notamment l’ancien batteur de Danko Jones, Damon Richardson ou encore le claviériste, Bernard Maiezza (ex-Change of Heart). Une belle brochette de musiciens donc…
Tout au long de « When Flying was easy », le groupe déverse une pop-psyché intelligente et accrocheuse. « Cut Me, Focus » ouvre le bal sur un low-tempo. Ce rythme hypnotique nous prépare à aborder la suite. L’instrumentation est aussi dense que chez BSS. Brendan Canning et Jeen O’Brien alternent au micro. La voix de cette dernière rappelle parfois celle de Bilinda Butcher (My Bloody Valentine). Les mélodies sont contagieuses et pénètrent instantanément dans votre boîte crânienne. Malgré l’une ou l’autre plage plus langoureuse (« We stepped on Glass »), Cookie Duster parvient à maintenir le mélomane en éveil, d’un bout à l’autre de l’œuvre…
Si vous appréciez Broken Social Scene, ne passez pas à côté de ce « When flying was easy ». Il y a bien quelques différences subtiles entre BSS et Cookie Duster, mais on y retrouve ce climat si particulier susceptible de vous envoûter…
Eugene Bridges fêtera ses 50 ans en 2013. Il est le fil du bluesman Hideaway Slim. Ce guitariste est également chanteur. Il s’est forgé sa voix, comme tant d’autres, en chantant le gospel dans les églises locales. Mais très vite, il se passionne pour le R&B. Il quitte sa Louisiane natale pour le Texas où il s'enrôle dans l'US Air Force. Il milite alors au sein de trois groupes, The New Chosen, The Mighty Clouds of Joy et son Eugene Bridges Band. Pendant un an, il va tourner en Europe comme gratteur au sein du Big Joe Turner's Memphis Blue Caravan avant de remonter sa propre formation. Il est alors signé par le label anglais Blueside. Ce qui lui permet de mettre en boîte son premier opus, en 1998 ; un disque produit par le célèbre Mike Vernon, naguère fondateur du mythique label Blue Horizon.
En 2000, il passe chez Armadillo. Il enchaîne les long playings : "Man without a home" en 2000, "Jump the joint" en 2003 et "Coming home" en 2005, sans oublier sa carrière plus personnelle au cours de laquelle il publie un opus éponyme en 2007, un "Live in San Antonio" en 2009 et plus près de nous "Rock and a hard place" en 2011. Eugene se nourrit à la musique américaine pour forger son style : blues, R&B, soul, funk, gospel et rock! L’écurie insulaire Manhaton a réédité sa toute première œuvre, "Born to be blue", aujourd'hui introuvable.
« If you don’t wanna love me » ouvre l’elpee. Une plage veloutée, trempée dans le pur soul blues. La voix est parfaitement taillée pour le style. Le piano de Peter Zivkovic et l’orgue de James Hallawell se chargent de soigner l’environnement sonore. « Little Boy blue » est une compo aventureuse. Très éclectique, le jeu de cordes épouse la voix, lorsqu’il ne s’égrène pas en chapelet de notes finement ciselées. « Tears of a fool » est empreint d’une grande sensibilité. C e feeling oscille d’ailleurs de la tristesse à la mélancolie, en passant par la passion. L’intro de « Born to be blue » lorgne vers le grand B.B King, une piste qui rend hommage au blues. Et d’abord à son père Othineil. La partie de cordes est de toute bonne facture. Bridges excelle dans l’écriture de petites plages de R&B. Il les chante en y injectant une fameuse d’émotion, évoquant même parfois le mythique Sam Cooke. A l’instar de « Learn how to let you go » ou la finale « A change is gonna come ». Il se met dans la peau de BB King pour attaquer « Aching heart », un blues lent superbe, d’une grande pureté, qui libère tellement de souffrance, de passion et d’amertume. Un sommet de près de 8’. Une empreinte BB, mais davantage swing, qui imprègne également « Somebody loves you » et « Good thang ». Eugene apprécie également beaucoup Jimmy Reed ; et il le démontre tout au long d’« Ain’t no reason no more ». Et on retrouve ses racines gospel, sur « Good times », titre sur le quel il est accompagné au chant par George Chandler.
La musique de Sweet Billy Pilgrim semble venir d’ailleurs… Pas étonnant, puisque leur patronyme est tiré du livre ‘Slaughterhouse 5’ (NDR : il s’agit du personnage principal), un bouquin écrit par le mythique auteur de science-fiction Kurt Vonegut. Décédé l’an dernier, il avait d’ailleurs demandé que l’on inscrive sur sa tombe la magnifique épitaphe : ‘La musique est la seule preuve de l’existence de Dieu’.
Cette formation anglaise nous livre son 3ème opus. Ample et complexe, son expression sonore n’est pas facile d’accès. La voix de Tim Elsenburg, leur tête pensante et énigmatique leader, rappelle celle de Bon Iver. Leur style ? Imaginez une version folk de British Sea Power (qui n’aurait pas encore perdu son inspiration…) ou un Nick Drake qui aurait piqué des idées progressives à Robert Fripp… Les moments de grâce sont nombreux. Surtout lorsque Jana Carpenter vient poser sa voix. Les instruments sont nombreux. Soignés, les arrangements sont opérés dans l’esprit d’un Elbow voire de Divine Comedy ! La pop d’« Archeology » répond au folk tout en délicatesse de « Blakefield Gold ». Si le style pompeux à la Damian Rice n’est jamais loin comme sur le plus dispensable « Blood is Big Expense », « Crown and Treaty » mérite bien plus que les honneurs à travers sa noble ambition esthétique et ses mélodies ‘haute couture’...
Fondateur de The Pop Group, Mark Stewart est un pionnier du post punk insulaire. Du hip hop industriel aussi. C’est également un personnage particulièrement engagé dans la lutte contre l’establishment. Mais on le connaît surtout pour son travail d’ingénieur du son opéré en compagnie d’Adrian Sherwood, chez On-U Sound Records, début des 80’s. C’est à partir de cette époque, que ce Britannique (NDR : il est issu de Bristol) va bosser en compagnie d’une multitude d’artistes ou de groupes. Et en particulier Trent Reznor de Nine Inch Nails, Tricky, Massive Attack, Chicks on Speed, ADULT. et Primal Scream. Nick Cave et Sonic Youth le considèrent même comme une référence majeure.
Outre ses multiples collaborations, il publie de temps à autre des albums en solitaire. A l’instar de ce « Politics of envy ». Son huitième. Un disque dont les lyrics sont éinévitablement rebelles et pour lequel il a reçu le concours d’une belle brochette d’invités. Depuis Bobby Gillespie à Richard Hell, en passant par Daddy G de Massive Attack, Lee ‘Sctratch’ Perry et la liste est loin d’être exhaustive. Sur le morceau final, « Stereotype », Keith Levene (PIL) est même venu donner un bon coup de guitare.
Découpé en 11 plages, cet opus offre une belle amplitude de styles. On a ainsi droit à du dubstep (« Want », « Gang War », « Vanity kills »), du punk disco (l’austère « Gustav Says » et le plus commercial, post Heaven 17, « Baby Bourgeois »), du post industriel trempé dans la cold wave (« Apocalypse hotel ») et un « Method to the madness » hanté par Marilyn Manson ; sans oublier la cover spectrale presque ambient du « Listen to Hermione » de Bowie, le plus rock « Autonomia » (Primal Scream) et l’electro martial « Codex », estampillé par cette boîte à rythmes puissante, réminiscente de l’intro du « Vienna » d’Ultravox. Un disque sans doute fort intéressant, mais qui perd en homogénéité, ce qu’il gagne en expérimentation…
Au départ, cet album devait être ‘unplugged’. Et puis au fil du temps et des sessions d’enregistrement, il s’est largement électrifié. Ne laissant plus au tracklisting que deux morceaux dominés par l’acoustique. Deux chansons au cours desquelles Lee dévoile toute la vulnérabilité de son feeling. Tout d’abord « Hammer blows », puis « Stranded », traversé par quelques éclats de slide et dont la fin de parcours s’enfonce subrepticement dans le psychédélisme. Des références que Lee assume, et notamment lors du final « Tomorrow never comes », sorte de clin d’œil qu’il adresse au « Tomorrow never knows » des Fab Four.
Pour concocter cet elpee, le gratteur de Sonic Youth a bénéficié du concours de quelques invités. Pas des manchots ! Jugez plutôt : Nels Cline (Wilco, etc.), Bob Bert et Steve Shelley (le premier et le dernier drummer de Sonic Youth), le claviériste John Medeski sans oublier Jim O’Rourke qui a sévi également quelque temps chez S.Y. Le tout à été coproduit par Ranaldo et le fameux John Agnello.
Résultat des courses ? Un opus comme votre serviteur les apprécie. Fruit d’une rencontre entre cordes électriques et semi-acoustiques, il se révèle légèrement psychédélique et subtilement teinté d’americana. Tout en ne négligeant jamais le sens mélodique. Beaucoup de grattes donc, mais aussi cet orgue savoureusement rogné et judicieusement dispensé.
Si l’album s’ouvre par un « Waiting on a dream » au riff vaguement pompé à « Paint it Black » des Stones, il recèle plusieurs perles. A l’instar de « X time as I knew her » dont les interventions à la ‘six cordes’ peuvent évoquer John Mascis (Dinosaur Jr.), un titre dont la seconde partie entre dans une sorte de transe chamanique. Du très West Coast, presque ‘Paisley Underground’ (NDR : pensez à Steve Wynn) « Angles ». Du ‘Paisley Underground’ qu’on retrouve sous la forme la plus offensive de « Fire island (phases) », en alternance avec de l’Americana circa Wilco, sur la plus tendre. Les 7 minutes de « Shouts », encore un morceau à la structure élaborée, s’ouvrant docilement avant de s’enfoncer dans une noisy à la Sonic Youth, l’épouse de Lee se chargeant de déclamer en spoken word. Et enfin le plus pop « Lost », dont les vapeurs sixties qui émanent des cordes tour à tour tintinnabulantes, semi-acoustiques ou encore légèrement teintées de psychédélisme, nous renvoient à un certain Buffalo Springfield. Enfin, il ne fait pas mésestimer la voix de Ranaldo, dont le timbre grave et déchirant sied bien à ce climat ma foi agréablement mélancolique. Un chouette album !
Cent soixante sept participants, quinze scènes, une myriade de badauds à voir (souvent badaud du tout).
Des jeunes talents, de fiers étalons, des pointures et autant d’anonymes.
L’ombre de Pierre Rapsat toujours omniprésente, au panthéon de la culture spadoise. Sorte de Victor Hugo local. Aux lettres de noblesses s’inscrivant en or sur chaque rempart.
Un esprit familial, convivial, mais qui confère à la foire au boudin.
Des musiciens des rues, d’autres complètements à la rue.
Occasion pour toute une ville de se retrouver, de communier, de s’impliquer.
Les Francofolies restent un festival à part. Pas très Rock & Roll, mais baigné d’une atmosphère légère.
Somme toute, un village de vacances, rythmé aux sons de moins en moins francophones mais toujours aussi francophiles.
Dernière étape des pérégrinations de Cheval Maure, plus mort que jamais.
Abandonné à la fougue juvénile des Von Durden, ballotté par l’émotion d’un Roscoe au faîte de la gloire ou bercé et alangui par les sonorités organiques de Great Mountain Fire, Cheval se balance ostensiblement entre le vide et l’infini.
Sans grande attente et simplement ravi d’être présent.
La faune locale habillant le décor, la flore au fusil.
Cheval respirer air frais, avaler soleil, danser avec les oiseaux.
Contemplant l’ombre de Benjamin Miam Monster Schoos défier l’absurdité d’une scène ‘jeunes talents’ dans un costume de catcheur étriqué, sous le regard amusé de deux lions amarrés à un pavillon Chinois.
Avant de plier genou face à Catherine Ringer. Incroyable performance transfigurant à elle seule cinq jours sans grand éclat…
Sillonnant son parcours discographique avec un entrain époustouflant, grande dame Catherine assène une grande claque à Cheval, comme du reste à la majeure partie du public qui a eu le flair de se rendre devant elle.
Emmenant Cheval dans son univers, lui glissant quelques messages subliminaux à l’oreille le temps d’une chanson réveillant les soupçons de ce vieux canasson quant à l’existence d’un improbable complot digne du Trueman Show.
Généreuse, coquine et formidable Catherine, entourée d’une équipe de choc, titillant les talons d’un certain Fred Chichin, parti faire des claquettes au paradis.
Après avoir franchi victorieusement le dernier obstacle, Cheval repartait la poitrine gonflée et les yeux emplis de paillettes, s’en allant retrouver pour une dernière fois, Jean Lou Hallyday et ses Johnnettes retenant la nuit…
Cent soixante sept participants, quinze scènes, une myriade de badauds à voir (souvent badaud du tout).
Des jeunes talents, de fiers étalons, des pointures et autant d’anonymes.
L’ombre de Pierre Rapsat toujours omniprésente, au panthéon de la culture spadoise. Sorte de Victor Hugo local. Aux lettres de noblesses s’inscrivant en or sur chaque rempart.
Un esprit familial, convivial, mais qui confère à la foire au boudin.
Des musiciens des rues, d’autres complètements à la rue.
Occasion pour toute une ville de se retrouver, de communier, de s’impliquer.
Les Francofolies restent un festival à part. Pas très Rock & Roll, mais baigné d’une atmosphère légère.
Somme toute, un village de vacances, rythmé aux sons de moins en moins francophones mais toujours aussi francophiles.
Cheval Mort commence à être fatigué.
Cheval Maure supporte difficilement Suarez à dix-huit heures quarante-cinq du matin.
Cheval trouver ce spectacle insipide, incolore, et mièvre et se demander pourquoi tant d’engouement.
Mais dans le fond, Cheval s’en moque.
Par contre, Jean Louis Murat se transfigure dans l’écrin du Dôme, espace clos et intime qui sied à ses chansons.
‘Pas de pitié pour Cheval’ scande-t-il, emporté par la fougue de ses quelques printemps.
Et d’emmener avec lui un public acquis à sa cause.
Là où Cali a failli quelques instants plus tôt, Murat s’impose comme une figure incontournable d’une certaine scène hexagonale.
Cheval récolter indices qui mènent à sentier de lumière. Cheval lancé au galop. Cheval trouver trace partout de l’indicible complot. A moitié schizophrène, ce qui en fait un être entier.
Il ne fait guère chaud, mais Yuksek se charge de rehausser la température.
De retour deux après un premier passage remarqué, les Français font plus qu’assurer l’essentiel et donnent quelques couleurs à une affiche malgré tout assez terne.
Enlevé dans d’autres sphères, Cheval dodeline de la tête, la crinière au vent.
Ce soir, Cheval sait qu’il a rendez-vous, un incontournable rendez-vous, avec celui pour lequel il porte de plus en plus un regard attendri.
Devant l’entrée du tipi, Cheval aperçoit l’ombre d’un Johnny plus Jean Lou que jamais.
Cent soixante sept participants, quinze scènes, une myriade de badauds à voir (souvent badaud du tout).
Des jeunes talents, de fiers étalons, des pointures et autant d’anonymes.
L’ombre de Pierre Rapsat toujours omniprésente, au panthéon de la culture spadoise. Sorte de Victor Hugo local. Aux lettres de noblesses s’inscrivant en or sur chaque rempart.
Un esprit familial, convivial, mais qui confère à la foire au boudin.
Des musiciens des rues, d’autres complètements à la rue.
Occasion pour toute une ville de se retrouver, de communier, de s’impliquer.
Les Francofolies restent un festival à part. Pas très Rock & Roll, mais baigné d’une atmosphère légère.
Somme toute, un village de vacances, rythmé aux sons de moins en moins francophones mais toujours aussi francophiles.
De l’éducation musicale d’un jeune auditoire enseignée par les Chilly Pom Pom Pee au travers d’un set revisitant l’histoire du rock, à la Pop Scintillante de Can D en version plus acoustique, cette troisième journée promet d’être placée sous l’égide de la joie et de la bonne humeur.
Cheval Maure s’installe donc dans ses habitudes, maugréant sur la relative pauvreté de la programmation du jour.
Dan San et leurs envolées lyriques caresse les étoiles, sous le regard d’un public généreusement amassé à leurs pieds, alors que Danakil n’étonne personne.
The Subs fait monter la température, tandis que Selah Sue.
Mais c’est définitivement la scène liégeoise qui soulève le cœur de Cheval en cette fin de soirée.
De retour après une longue errance, Superlux revient sur les sentiers de la guerre, là où Cheval ne les attendait plus.
Virevoltants et mus par une énergie nouvelle, le combo offre en exclusivité pour ces Francofolies, un aperçu de ses nouvelles compositions en cours d’enregistrement.
Cheval ravi, sourire à pleines dents.
Cependant, Cheval pas au bout de ses surprises.
Cheval découvrir club de pétanque perdu au milieu du site.
Mais surtout repérer Hollywood Porn Stars au sommet de son art.
Cheval touché par la puissance des morceaux, Cheval bluffé par la maîtrise, Cheval subjugué par l’authenticité d’un set sans bavure.
Ponctué de moments de grâce, et, cerise sur le gâteau d’anniversaire de la maman d’Anthony, de moments de réelles complicités, HPS réveille l’engouement de Cheval et du public ravi de ce retour aux affaires d’un groupe parfois trop occupé à se disperser dans d’autres projets parallèles.
Cheval s’en aller vers d’autres plaisirs. Jambes de Cheval savoir où mener lui.
Là, à l’orée de la ville, où il suffit d’une étincelle pour que le tipi s’embrase…
Cent soixante sept participants, quinze scènes, une myriade de badauds à voir (souvent badaud du tout).
Des jeunes talents, de fiers étalons, des pointures et autant d’anonymes.
L’ombre de Pierre Rapsat toujours omniprésente, au panthéon de la culture spadoise. Sorte de Victor Hugo local. Aux lettres de noblesses s’inscrivant en or sur chaque rempart.
Un esprit familial, convivial, mais qui confère à la foire au boudin.
Des musiciens des rues, d’autres complètements à la rue.
Occasion pour toute une ville de se retrouver, de communier, de s’impliquer.
Les Francofolies restent un festival à part. Pas très Rock & Roll, mais baigné d’une atmosphère légère.
Somme toute, un village de vacances, rythmé aux sons de moins en moins francophones mais toujours aussi francophiles.
Revenu en ces terres où une eau limpide coule depuis la nuit des temps, Cheval mort arrête sa course où bon lui semble.
Le Folk rayonnant de Gaëtan Streel finit de dessiner de lumineux sourires sur le visage de certains, qu’ailleurs, à quelques encablures, la Disco Mafia se charge d’envahir les premiers organismes moites d’une onde d’adrénaline.
Cheval, lui, erre et se délecte. Bois et fume, danse et affronte les éléments du ciel. Bientôt, de vieux réflexes ancestraux le verront se camoufler, épouser la couleur du vent.
Pour l’heure, il avance, clopin-clopant.
La nuit lui appartient. Le jour, il déambule.
Tel l’aigle au regard perçant et l’ouïe fine, il survole la plaine et reste aux aguets.
Il aperçoit la silhouette non claudicante de Hugh Laurie, pas plus Docteur House que digne d’intérêt. Il devine au loin les intonations mièvres de Nolwenn Leroy. Se cabre devant Eiffel qui nous joue là un bien mauvais tour. Découvre la splendeur orgasmique d’un Julien Doré, paré d’une couronne à l’aura étincelante. Enluminures majeures et second degré dévastateur.
Cheval sous le charme de l’éphèbe faussement désinvolte.
Cheval s’envoler, car cheval est laid.
Dans le crépuscule de l’ennui, Soldout bat aussi de l’aile. Insipide, le duo distille quelques hits, égrène quelques nouveaux morceaux. Mais sans soulever plus de poussière que la brise de terre.
Cheval regretter avoir loupé cousin Hippocampe Fou et la talentueuse Seesayle.
Puis vient souffler le froid.
Les ombres descendues du ciel, bien vite envelopper Cheval.
Cheval s’en retourner. Mais cette fois, s’arrêter devant tipi, là où la veille, les clameurs l’appelaient.
Pénétrant l’attente, il se glisse dans une masse houleuse qui tangue devant un ersatz de Johnny Hallyday.
Cheval sourit. Cheval moqueur. Cheval cynique. Cheval découvre Jean Lou Hallyday. Cheval plus jamais oublier Jean Lou…
Cent soixante sept participants, quinze scènes, une myriade de badauds à voir (souvent badaud du tout).
Des jeunes talents, de fiers étalons, des pointures et autant d’anonymes.
L’ombre de Pierre Rapsat toujours omniprésente, au panthéon de la culture spadoise. Sorte de Victor Hugo local. Aux lettres de noblesses s’inscrivant en or sur chaque rempart.
Un esprit familial, convivial, mais qui confère à la foire au boudin.
Des musiciens des rues, d’autres complètements à la rue.
Occasion pour toute une ville de se retrouver, de communier, de s’impliquer.
Les Francofolies restent un festival à part. Pas très Rock & Roll, mais baigné d’une atmosphère légère.
Somme toute, un village de vacances, rythmé aux sons de moins en moins francophones mais toujours aussi francophiles.
Cheval mort va errer sur les chemins. Arpenter routes sinueuses. Arriver aux portes de la ville. Grande fête se dérouler.
Au détour d’un sentier, il croise un troubadour, du nom de Dany Des Rues. Son chant rappelle Renaud et Hughes Auffray. Aubert, aussi. Il se perd dans une indifférence de mauvais ton, car ses chansons recèlent un brin de magie et d’humour subtil.
Plus loin, la foule se presse devant l’entrée principale.
Se campant droit sur ses jambes, Cheval Maure va pénétrer dans l’enclave et se mélanger aux autochtones.
Cheval mordre dans cette ambiance particulière qui hume des odeurs de nourriture, senteurs de houblon, parfums d’interdits.
Il balaye l’horizon du regard.
Le vieil Indien a quitté ses terres et les sentiers maintes fois parcourus pour atterrir ici, terre insolite, à mille lieues de ce qu’il avait coutume de fréquenter.
Cinq jours d’abandon aux colorations multiples et aux intonations en dents de scie.
Il n’aspire qu’à découvrir, jouir et profiter de cette escapade dans le temps.
Et cette aventure commence maintenant.
Les éclairs sauvages d’Experimental Tropic Blues Band se sont éteints sur les planches, laissant comme une traînée de souffre derrière eux. Au loin, le cabaret d’Anaïs perpétue son chant sous un ciel clément. Cheval avance prudemment. Se mélange au milieu des couleurs, se dilue dans l’air. Skip The Use, déjà remarqués aux Heures Indé réveille les ardeurs d’une assistance jusque là amorphe. A l’aide de son tonitruant mélange de styles, il instaure une certaine effervescence qui génère un enthousiasme contagieux.
Ping-pong scénique oblige, les jambes de Cheval le transportent devant le grand podium du village Francofou, où les vibrations métissées d’Amadou et Mariam s’éparpillent sur un public s’agglutinant en grappes.
1995 montre ses limites et assassine « Killing In The Name Of », Shaka Ponk abreuve le parterre d’un mélange de genres indigeste, dont le seul mérite procède de son énergie et de l’aspect visuel qui, du reste, confère à l’attraction foraine.
Dégoûté, Cheval s’en aller. Tel le papillon, lui butiner de places en places.
Prêtant une oreille distraite au chant d’un Ours aux chansons boisées, comme une vielle souche.
S’égarant instinctivement, accompagné par d’agréables augures, il trotte au milieu de la foule.
S’arrêtant au gré de ses envies. Puis se posant dans les jardins enveloppés d’Electro.
La nuit tombe, un vent de fraîcheur descend comme un banc de brume, les sons s’estompent.
Cheval reprendre chemin du retour. Absorbé dans ses pensées, il longe un tipi où résonnent des cris de liesse. Il ne prête pas encore attention. Pourtant, son destin est en marche.
Il sourit au vent, s’arrête sous un réverbère, embrasse la lumière.
Cheval avoir retrouvé chemin.
Ce groupe a été formé à l’aube du nouveau siècle par le chanteur Tommi Holappa (Dozer), le batteur Daniel Liden (Demon Cleaner) et le bassiste Bengt Bäcke. Greenleaf relève de la scène rock underground. Leur style ? Quelque part entre le stoner et le heavy fuzz.
Ce “Nid de vipères” constitue leur 4ème opus! Il fait suite à “Agents of Ahriman”, publié en 2007. Deux guitares à l’unisson introduisent “Jack staff”. Ce stoner rock est marqué au fer rouge par le maître cogneur, Daniel Liden. Si leur musique est puissante, la voix ne force jamais. Il n’y a pas de hurleur chez Greenleaf. Il embraie par “Case of fidelity”, puisant avec un certain bonheur chez les premières formations de hard rock issues des seventies. Il n’y a rien de métallique dans l’attaque. La ligne de basse dessinée par Bäcke est distincte, robuste, soutenue. Tommi excelle à la gratte. Il ne s’égare pars dans des exercices de style nombrilistes. Sur “Lilith”, la section rythmique est fulgurante et manifeste un punch digne de Motörhead. Une marque de fabrique indélébile chez Greenleaf. Et pourtant, les vocaux demeurent paisibles. Passé l’intro atmosphérique de “Tree of life”, les trois musicos interagissent afin de libérer leur puissance de frappe! Holappa se délecte aux cordes sur “Dreamcatcher”. Son attaque me rappelle un groupe insulaire issu des 70’s : Wishbone Ash. Et la voix accentue cette impression. Des claviers investissent “At the helm”, une plage épique au cours de laquelle tous les instruments s’intègrent à la perfection pour édifier une superbe fresque sonore. Les quatre cordes de Bäcke sont à la fois percutantes et lumineuses. Et tout particulièrement sur “Sunken ships” et en intro de “The timeline’s history”. L’opus s’achève par le titre maître. Les claviers, de retour pour la circonstance, subliment cette plage à la fois riche et intense. Pour Greenleaf, l’année de référence est 1974. Une année qui avait donné naissance à “Rock’n’roll animal” de Lou Reed et “It’s only rock’n’roll” des Rolling Stones”!
« Buckeye » constitue le premier LP de Wussy à dépasser la frontière américaine. Pourtant, le quatuor de Cincinnati bourlingue depuis plus de sept ans sur la scène musicale ; et sa discographie ne compte pas moins de quatre albums, publiés entre 2005 et 2012. Pour se faire connaître de l’autre côté de l’Atlantique, les quatre musiciens ont décidé de compiler ce qu’ils considèrent comme le meilleur de « Funeral Dress » (2005), « Left For Dead » (2007), « Wussy » (2009) et « Strawberry » (2011). Le melting pot des quatre œuvres débouche sur un « Buckeye » qui résonne un peu comme si la formation avait été enfermée dans un garage pendant 20 ans, forcée à écouter à longueur de journée du Sonic Youth, R.E.M., The Vaselines et Yo La Tengo circa nineties.
Pas une mauvaise sélection discographique en soi. Mais lorsque Lisa Walker, Chuck Cleaver et leurs deux acolytes s’enferment en studio et s’emparent de leurs instruments, tous les morceaux qui s’échappent des amplis semblent empruntés à l’une ou l’autre de leurs sources d’inspiration. Robert Christgau, l’un des pionniers de la critique musicale, les qualifie de ‘meilleur groupe rock américain’. Le bonhomme n’a manifestement pas dû écouter beaucoup de disques au long de sa carrière. « Buckeye » est un disque rock terriblement standardisé et bien trop uniforme, alors qu’il compile quatre œuvres différentes. Sur 17 morceaux (!), seuls « Little Miami », « Muscle Car » et « Soak It Up » retiennent vraiment l’attention. Un comble que ces trois titres soient refourgués en fin de parcours. Direction fond de placard.
Si la dernière sortie de Conor Oberst au sein de Bright Eyes a fait pas mal de bruit, on ne peut pas en dire autant de cet album ‘live’, qui est paru dans l’indifférence générale. Un disque pour lequel il est accompagné par The Mystic Valley Band.
Cette compile réunit des flip sides (NDR : faces ‘B’) de singles. Une initiative, cependant digne d’intérêt, même si le recueil est partagé entre morceaux très intéressants et d’autres plus que dispensables. Un elpee fort inégal qui vaut surtout par les titres au cours duquel Conor chante, tout simplement. A l’instar de « Synesthete Song », « One of my Mind » ou encore « Gentleman’s Pact ». On y retrouve ses inflexions rageuses qui ont tant fait défaut sur ses précédentes productions. En outre, il reprend avantageusement, « Corina, Corina », un titre de blues américain mythique (NDLR : signée en 1928 par Bo Chatmon des Mississippi Sheiks, cette compo avait été popularisée début des 60's par by Ray Peterson)
Si « I Got the Reason #1 » et « Phil’s Song » passent néanmoins encore la rampe, le reste de l’elpee fait un peu pâle figure. Faut dire que refiler le micro aux autres membres de son backing band n’était vraiment pas une bonne idée.
Le disque audio est enrichi d’un dvd. Il s’agit d’un documentaire consacré au groupe
Nederlands 
Français 
