"Interludes After Midnight" constitue le 5ème LP de BlockHead, un groupe mené tambour battant par Anthony Simon, producteur américain spécialisé dans l'électro et le hip-hop. L'artiste surfe sur la vague de son succès, puisque celui de son précédent opus, "The Music Scene", lui a permis de parcourir le globe et de partager ses morceaux sur plusieurs continents, ce qu'il ne s'est évidemment pas privé de faire !
Par conséquent, c'est un Tony pétant de forme et de confiance qui a concocté ce nouvel essai. Les 12 titres d’"Interludes After Midnight" sont de bonne facture. Jamais lassants, ils sont agréables à écouter. Les arrangements sont soignés. Fort de son expérience, l’artiste a acquis une certaine maturité et se fait plaisir sans se prendre autrement la tête. Un plaisir qui devrait être partagé par de nombreux mélomanes.
On reprochera cependant un manque d’énergie à l’ensemble. L’expression sonore a beau être irréprochable, elle ne parvient pas à transporter. Il manque une voix puissante, un refrain fédérateur et entrainant... Bref un petit quelque chose en plus qui permettrait de qualifier de disque de ‘très bon’ au lieu de ‘bon’. Maintenant, nul doute que notre artiste doit largement se rattraper en live.
Enfin, votre serviteur fait peut-être la fine bouche, puisque des morceaux tels que "Smoke Signals" ou "Midnight Blue" déménagent quand même pas mal. Mais ce sont des exceptions qui confirment la règle. Sans quoi, "Interludes After Midnight" ne manque pas d’allure ; en outre, BlockHead est dans une spirale positive, et il a encore une belle marge de progression devant lui…
Wallis Bord joue de la musique depuis sa tendre enfance. A 6 mois, on lui offre sa première guitare. Elle est victime d’un accident domestique : une tondeuse à gazon lui sectionne les 5 doigts de la main gauche. Quatre pourront lui être recousus. Ce qui lui permettra de rejouer de son instrument fétiche. Mais à l’aide d’une guitare de droitière à l’envers. Cette Irlandaise est aujourd’hui âgée de 29 ans et nous propose son troisième opus. Il est éponyme.
Wallis Bird déborde d’idées et d’énergie. Des qualités qu’elle met au service de son inspiration. Ce nouvel essai est particulièrement éclectique. Il s’ouvre par le grave « Dress My Skin And Become What I’m Supposed To », un morceau tout simplement magnifique. Allègres, les deux pistes suivantes sont modulées par les différents rebondissements du tempo. Perso, j’apprécie surtout l’artiste lors de ses chansons les plus lentes. Souvent, c’est le moment choisi par les superbes arrangements pour les enrichir. A l’instar du très lyrique « But I’m Still Here, I Still Here » sur lequel le piano s’invite pudiquement avant d’ouvrir la porte à ce qui semble être un xylophone. Un titre troublant au cours duquel elle évoque sa propre mort.
Introspectif, le nouvel elpee devrait plaire aux aficionados d’Ani DiFranco. Faut dire que certains de ses textes sont tout aussi engagés politiquement…
L’Irlandaise sera présente au festival Dranouter le 4 août.
Le plus notoire des blues bands germaniques compte déjà 23 années d'existence. Au départ, les Blues Shacks ont publié plusieurs albums chez Stumble avant de passer sur le label brêmois Crosscut. "Come along" constitue leur douzième elpee, un disque qui s’inscrit dans la lignée du précédent, "London days", soit un cocktail de R&B, de soul ‘Stax’ et de blues basique. Le line up des Shacks est identique, puisqu’il réunit les frangins Michael et Andreas Arlt, ainsi que le claviériste Dennis Koeckstadt. Sans oublier la section rythmique constituée de Henning Hauerken et Bernhard Egger. Pour accentuer l’empreinte R&B, le combo a bénéficié de la participation d’une section de cuivres, en l’occurrence The No Blow No Show Horns mais aussi de chœurs, assurés par les Shackettes.
L’opus s’ouvre par une compo imprimée sur un solide tempo dicté par le piano de Dennis. Tout au long de ce "True love in vain", la voix de Michael est autoritaire pendant qu’Andreas se libère déjà aux cordes! "Love like cash" trempe dans du pur Memphis R&B à forte coloration funk. Les cuivres enrobent la voix. Les interventions de gratte sont dignes d'Albert King. Celles de l'orgue Hammond sont chaleureuses ; et surprise, même l'harmonica se réserve son espace au sein de cet ensemble parfaitement huilé. "Come along with me" baigne dans une forme de soul exotique. Rythmes et percus alimentent ce climat, alors qu’une trompette apporte un rayon de soleil à la fête. Les Blues Shacks se réservent un Chicago shuffle explosif pour notre plus grand bonheur. Hanté par l’esprit de Little Walker, Michael met toute la gomme dans son Mississippi saxophone tout au long de ce "Get my stuff together". J’adore quand le R&B coule naturellement dans leurs veines. Tout particulièrement lorsqu’il permet un dialogue entre orgue et guitare. Et "Will you be there" en est une parfaite illustration. Un rythme allègre mais cool soutient le blues dansant "Don't take your time". Et au sein de ce climat rafraîchissant, réminiscent de JJ Cale, l’orgue Hammond se révèle irrésistible. "Anything you do" et "Wait in line" sont deux blues classiques, imprimés sur un mid tempo, qui auraient pu relever du répertoire de BB King. Deux plages impeccablement exécutées, il faut le souligner. Des percus syncopées communiquent des accents de mambo à "Doesn't matter anymore", un morceau au cours duquel le honky saxophone de Tom Müller est relayé par l'harmonica. Et on n’est pas au bout des bonnes surprises, puisque c’est dans le West Coast jump que Michael se met à souffler à la manière des maîtres du style, Kim Wilson et Rick Estrin, sur "I don't get it". Miss Bonito Niessen vient donner la réplique vocale à Michael, sur le tendre "Whatever you do", alors qu’à la ‘six cordes’, Andreas se révèle plus BB King que nature. L’opus s’achève par "Raise your voice", un titre classieux et bourré de swing. Un excellent album !
B.B and the Blues Shacks est incontestablement un des blues bands européens les plus notoires. Déjà 23 ans que cette formation allemande écume les scènes internationales. Aux commandes ? Les frères Arlt. Soit le guitariste Andreas et le chanteur/harmoniciste Michael. Agé de 45 balais, Andreas a enfin eu l'opportunité d'enregistrer sous son propre nom. Pas étonnant dès lors que cet opus se concentre sur ce qu’aime par-dessus tout le musicien teuton. En outre, le célèbre label allemand Crosscut est resté fidèle l’un de ses meilleurs poulains!
Pour concocter cet elpee, Mr Arlt n'a donc pas bénéficié de la collaboration de ses Blues Shacks, mais d'amis allemands triés sur le volet. Les notes de pochette sont signées Dave Specter, l'un des meilleurs gratteurs de la nouvelle génération du Chicago blues. Andreas ne chante pas. Il a cédé ce poste à son ami Frank ‘Pepe’ Peters, par ailleurs batteur de Southside Jam. Parmi les autres participants, on épinglera la présence du drummer Eric Müller et du bassiste Dani Gugolz, deux musicos qui ont sévi au sein du célèbre Mojo Blues Band autrichien ainsi que du backing group de Frank Muschalle Trio, dont le leader est un talentueux pianiste de boogie woogie. Et enfin, un autre spécialiste de ce style, Andreas Sobczyk.
Andreas Arlt revendique comme influence majeure le grand T Bone Walker. Il est donc tout naturel, qu’il ouvre le long playing par un titre du répertoire de ce dernier, le somptueux "Street walkin' woman". Pepe Peters chante autoritairement. Le swing est royal. Le sax baryton de Tom Müller explose. Quant aux interventions à la ‘six cordes’, elles sont dignes du maître. Le climat baigne toujours dans la Louisiane lors de la cover du "It hurts to love someone" de Guitar Slim, une compo au cours de laquelle il fait pleurer sa Gibson. Non seulement Andreas est capable de s’attaquer brillamment au répertoire des icônes du blues, mais il parvient à les réincarner. Il se met ainsi dans la peau de BB King sur "I wonder why" et de Freddie King sur "She’s the one", un titre signé Hank Ballard. Si toutes ces pistes sont excellentes, la suite est encore meilleure. "I was wrong ! Played with love" de Roscoe Shelton est un des sommets de l’elpee. Un blues lent tout en finesse et délicatesse au cours duquel les interventions à l’orgue Hammond de Sobzyc constituent un modèle de retenue et d’efficacité ; et quand Andreas prend le relais, c’est le pur bonheur. Arlt est hanté par le spectre de Johnny ‘Guitar’ Watson sur la cover d’"In the evening" de Leroy Carr, un autre slow blues. Celle tout en swing d’"I want a woman" de George ‘Harmonica’ Smith est fort bien ficelée, même si Arlt s'excuse de ne pas avoir ajouté une partie d'harmonica! Il faut dire que sa sortie sur les cordes en west coast jump est impériale. Et il remet le couvert sur le "Shotgun wedding de Wynonie Harris. La finale est instrumentale. Tout au long de "Sno gone Part II" Arlt adopte le style du maître de la Telecaster, Albert Collins. Et il s’en tire à la perfection. Il n’y a absolument rien à jeter sur ce disque qui atteint un niveau de qualité rare.
Chris Robinson est surtout connu comme chanteur des Black Crowes, un groupe majeur de rock blues fondé en 1989 et drivé par Chris ainsi que son frère, le guitariste Rich. A ce jour, la formation a vendu plus de trente millions d’albums. En 2002, le band décide de prendre une pause, suite au départ de leur drummer. Chris se lance alors dans un projet parallèle, flanqué de The New Earth Mud, un ensemble folk rock qui se forge alors une solide réputation de jam band. Faut dire que Mr Robinson a toujours été un proche du Grateful Dead et tout particulièrement de son guitariste historique Jerry Garcia! En 2005, les Crowes reprennent du service, avant de se séparer, une nouvelle fois, en 2010.
Printemps 2011, Chris Robinson lance son Brotherhood, en compagnie du claviériste Adam MacDougall (aussi un Black Crowes), du drummer George Sluppick (ex-Sha Na Na), du bassiste Mark Dutton et de Neal Casal (de Hazy Malaze), préposé à la seconde gratte. La musique de Brotherhood nous replonge plusieurs décennies en arrière. Comme chez les jam bands de l’époque. L’expression sonore est aventureuse. Elle explore, se cultive, se développe. L’elpee ne recèle d’ailleurs que 7 plages ; et la plus courte dépasse les 7'. Une bonne dose de psychédélisme et une autre de rock acide nous ramènent au temps des hippies. Le style s’ouvre ainsi aux effets cosmiques, comme à l’époque au cours de laquelle Syd Barrett militait encore chez Pink Floyd, mais aussi au blues, à la country ainsi qu’au rock sudiste des Allman Brothers Band et autre Govt Mule.
Des sonorités galactiques introduisent "Tulsa yesterday". Ce long périple nous permet de revivre l’atmosphère qui régnait lors des concerts de Grateful Dead. La voix très spécifique de Robinson accentue cette impression. La plage évolue lentement mais perceptiblement, libérant enfin la guitare caustique de Casal. Les claviers sont bien intégrés. Progressivement le tempo accélère favorisant le déchaînement des cordes. Imprimées sur un tempo hypnotique, les 5 premières minutes de "Rosaleen" sont trempées dans le country rock ; puis le morceau vire au space rock avant d’éclater une nouvelle fois au cœur d’une tempête de cordes. Le sens mélodique n’est cependant pas négligé chez CRB. Il s’inspire de la country. A l’instar de "Star or stone", une très belle chanson empreinte de douceur et de mélancolie. La voix est volontiers gémissante et l’envol des cordes produit un véritable enchantement. Malgré les sonorités floydiennes, sidérales, alimentées par les claviers de MacDougall, "Tomorrow blues" adopte un profil plus blues. Tant le rythme que les interventions de gratte. Chris possède une superbe voix, naturellement puissante et très soul. Elle est bien mise en exergue sur "Reflections on a broken mirror", projetant même dans nos esprits une réincarnation de l’éternel Jerry Garcia au XXIème siècle. Elle est même très pure tout au long de "Beware oh take care", évoquant alors Michael Stipe de R.E.M. Le périple s’achève par le paisible "100 days of rain". Un album que votre serviteur a beaucoup apprécié. Et dont il attend impatiemment la suite, déjà prévue d’ici quelques semaines. Le titre de cet elpee ? "The Magic Door".
Kaiser Place est un trio belge réunissant le Bruxellois Laurent Lallemand (chant/guitare) ainsi que les Montois Jérôme Pichuèque (batterie) et Alex Bosser (guitare). « Not fade away » constitue leur premier album, un disque partagé entre titres plus entraînants et ballades. Les mélodies accrochent facilement et la production est irréprochable. Excellents instrumentistes, les musicos n’en font jamais trop. Agréables, les compos baignent dans une britpop qui lorgne surtout vers Oasis.
Le groupe ne manque pas d’ambition. Suffit de voir leur dossier de presse pour s’en convaincre. Et puis le nombre de concerts qu’il a déjà accordés. Une persévérance qui leur a ainsi permis de se produire au festival de Dour, à deux reprises. Jouissant d’un potentiel indéniable, la formation a vraiment tout pour réussir !
Un bémol ? La pochette ! Elle est ignoble. Elle aurait certainement pu illustrer un disque enregistré par un boys band du début du millénaire. Alors, faute de goût ou second degré ?
Billy est originaire de l'Alabama ; mais au cours de sa jeunesse, sa famille a énormément bourlingué, passant par l'Indiana et le Texas, avant d’atterrir à Detroit, au début des 60s. Il y rencontre le roi de la scène blues locale, Mr John Lee Hooker en personne. Mais également James Cotton, alors accompagné par le batteur Sam Lay. Lorsque ce dernier fonde son propre combo, Farlow a l'immense privilège de succéder à Little Walter au poste d'harmoniciste. Le légendaire Walter venait en effet de décéder tragiquement, en 1968.
L'année suivante, Billy rejoint Commander Cody and the Lost Planet Airmen. Toute l’équipe s’installe à San Francisco afin d’y jouer leur cocktail de country et de rock'n'roll! L’aventure du groupe cesse en 76. Billy monte alors son band personnel. Dans les années 80, il entame une longue collaboration avec Fred James, guitariste chanteur et producteur issu de Nashville. De cette coopération naîtront cinq elpees. Plus tard, notre souffleur se joindra au vieux bluesman Homesick James, mais aussi le compositeur Bleu Jackson avant de retrouver Sam Lay, en compagnie duquel il publiera trois albums pour le label italien Appaloosa.
Plus récemment, Farlow a reçu le concours de Mercy, un trio français créé au début du siècle qui compte deux elpees à son actif : "Tribute to Slim Harpo" et "Magic". Ils se sont rencontrés à San Francisco, en 2006. Et ont décidé de tenter l’aventure ensemble…
Billy C. chante « Snake eyes » d’une voix nasillarde et relativement ravagée, une voix talonnée par la guitare de Jean-Paul Avenalleda. La musique puise son inspiration dans les marais louisianais. Son climat humide et blafard. Ses lueurs en demi-teinte. C’est dans ce contexte que « Runnin’ from the fire » est déclamé d’une voix grave. Cap vers l’Alabama. Au cœur d’une nuit sombre et pluvieuse, Jean-Paul injecte de la reverb dans ses cordes pour attaquer « Magnolia darlin’ ». « Drive me like a mule » baigne plutôt dans une ambiance Chicago blues. Le souffle propulsé par Farlow dans son harmonica chromatique est saccadé. Le rythme est soutenu. Les accents métalliques d’un dobro introduisent « Good rockin’ mama ». Billy souffle comme un désespéré sur ce pur blues Delta blues ; et on ressent énormément de vécu dans sa voix quand il nous conte la rencontre avec cette rockin’ Mama ! Stéphane Avellaneda imprime le tempo ferroviaire de « Tennessee Saturday night ». « My name is trouble » ne respire pas la joie ; faut dire que cette compo narre une aventure de l’artiste qui s’est retrouvé en taule après un périple en bus Greyhound. Le climat est lourd, intense. Poisseuse, la slide parvient néanmoins à s’extraire de cette torpeur. Farlow est toujours englué dans les bayous louisianais sur le lent, énigmatique et très expressif « What have I done ? » Un week-end de fête s’annonce sur les routes. L’explosif « Juke Joint Friday night » nous le rappelle. Le style de Billy C. est très personnel. Difficile de déceler une influence majeure chez ce souffleur. Une chose est sûre, il est très à l’aise sur son instrument chromatique. Il se démène comme un vieux rocker sur « Alligator crawl ». Il reprend le chemin de la Nouvelle-Orléans. Mais il ne parvient pas à échapper à l’atmosphère étouffante qui baigne son environnement. Il est même au bord de l’anoxie sur « Yella Pocahontas » et « Black Lazarus ». Nous sommes en Louisiane. L’opus s’achève alors dans le zydeco. Un moment de fête propice à la joie communicative reproduite par « Wild about you » (Trad : Je suis fou de vous). Excellent !
Pas facile de chroniquer un album de post rock. Pas facile, non plus, pour un groupe du genre, de se démarquer de la concurrence. De se montrer suffisamment créatif pour ne pas être taxé de suiveur. Formation suédoise, pg.lost en est un bel exemple. Elle est talentueuse, mais souffre d’un manque d’originalité. On prend pas mal de plaisir en écoutant sa musique, mais dans quelques mois, on aura vite oublié le contenu de ses disques. Et pourtant, « Key », le deuxième opus des Scandinaves, mérite une attention toute particulière…
L’elpee de PG Lost a été mis en forme par leur compatriote Magnus Lindberg (Cult of Luna) ; et finalement la musique évolue dans un univers proche de leur producteur. Bien sûr, le quartet de Norrkoping puise également son inspiration chez Explosions in The Sky. Les arpèges de guitare sont ainsi aussi cristallins. Et puis chez Isis. Des références qui tiennent la route, d’autant plus qu’elles sont judicieusement explorées. Ce qui explique sans doute pourquoi, si le post rock de pg.lost manque de singularité, on le savoure. En fait, le combo parvient à tirer la quintessence de ses sources. C’est sans doute là que se trouve le suc de leur imagination…
Ambitieux projet que celui de Pierre Léonard. Le Liégeois publie sous le sobriquet de Peter & The Lions un double LP tout à fait surprenant. Une surprise en deux temps. Surprise d’abord de se laisser amadouer par ce « Summer’s Coming » introductif, après avoir glissé le disque dans la platine des aprioris plein la tête. Surprise ensuite de se laisser porter de bout en bout par les petites ritournelles pop du monsieur. Les cartes postales de Peter & the Lion ne sont pas toutes parfaites mais sur les 28 proposées, plus d’une font mouche. Et tout particulièrement sur le premier CD, privilégiant les compositions plutôt uptempo. La seconde partie de l’œuvre, consacrée aux ballades, est moins convaincante bien qu’elle recèle quelques jolies compositions. « Postcards From Home » est l’un de ces disques qui vous file la patate sans contrepartie.
J’avais quelque peu perdu la trace de cette formation californienne et depuis un bon bout de temps. En fait, depuis la sortie d’« Americana », en 1998. Je me demandais donc ce que ces vétérans du punk pop avaient encore dans le ventre aujourd’hui.
Il ne faut pas oublier que Dexter Holland et ses comparses sont responsables de « Smash », l’un des classiques des années 90 qui s’est vendu à plus de 16 millions d’exemplaires, et sur lequel figurent des hits irrésistibles comme « Self Esteem » et « Come Along and Play ». Un succès dans la lignée de NOFX ou de Green Day. Passé cette période indie fructueuse, le combo a davantage privilégié l’aspect pop sur le punk, publiant des morceaux rigolos mais bien moins séduisants (« Pretty Fly (for a White Guy) », « Why Don’t You Get a Job ? »). C’est aussi à cette époque qu’il a quitté Epitaph pour la Columbia.
« Days Go By » constitue leur neuvième LP. Un opus qui recèle son lot de brûlots punk classiques chargés de testostérone et soutenus par des chœurs, dans un registre au sein duquel les Américains se montrent sous leur meilleur jour (« Hurting as All », « Turning Into You »). Malheureusement, le disque épingle également des pistes totalement ridicules rappelant le pire de Bloodhound Gang, dont l’horrible single « Cruising California (Bumpin’ in my Trunk) »… Rien de neuf sous le soleil californien. Les inconditionnels devraient apprécier cet elpee, dont l’expression sonore vieillit gentiment ‘as the Days Go By’…
Ce groupe au patronyme improbable est né en 1997. A cette époque, il avait publié deux elpees, “Ze Mörglbl Trio!!” en 1998 et “Bienvenue à Mörglbl Land” en 99. Le trio s’était alors séparé en 2002 pour mieux revenir en 2005. Depuis, il a gravé “Grötesk” en 2007 (NDR : une compilation de leurs premiers enregistrements), “Toons tunes from the past” en 2008 et “Jazz for the deaf” l’année suivante. Deux instrumentistes talentueux sont les fondateurs de cette formation : le guitariste Christophe Godin et le bassiste Ivan Rougny. Aurélien Ouzoulias complète le trio à la batterie depuis 2008 ! Toute leur production est parue sur le label américain The Laser’s Edge. Leur musique est complexe et navigue dans une forme de métal jazz. Les différents instrumentistes sont impressionnants de virtuosité tout en conservant une parfaite cohésion de l’ensemble.
“Gnocchis on the block” ouvre la plaque. La structure de la compo est élaborée. On baigne dans l’univers du jazz rock. Les guitares sont en re-recording. Christophe aligne les notes très rapidement. Sa technique est prodigieuse. Une excellente entrée en matière. La basse d’Ivan ronronne de plaisir pour entamer le titre maître, dont la ligne mélodique est soignée. “Le surfer d’Argentine” nous plonge dans une ambiance latino. Ce thème semble inspirer Mr Goudot. Il s’aventure, erre et même divague sur son manche, alignant des grappes de notes à la vitesse de la lumière. La section rythmique balise son challenge tout en puissance. Le jeu du soliste rappelle celui des gratteurs du heavy metal, mais dans une dimension supérieure. “Oh P1 can not be” me semble être à la fois une élucubration dans le titre et une mutation audacieuse de la ligne mélodique d’“Eleonor Rigby” des Beatles, active dans la Mörglblmania. Un sommet impressionnant! Et est-ce un hasard si “Glucids in the sky” parait s’inspirer du “Lucy in the sky” des mêmes Fab Four ? Vous l’avez bien sûr deviné, la musique n’est ici qu’instrumentale. Elle est le théâtre d’expérimentations multiples qui expliquent la longueur des morceaux. Ce “Brütal Römance” recèle encore d’autres excellents morceaux. A l’instar de “Fidel Castro”, une salsa métal galactique et la finale toute en puissance “Metal Khartoon…” Au bout du laser, une plage cachée, au cours de laquelle le trio se retire sur la pointe des pieds dans une ambiance à la douceur inespérée. Cette musique se propage comme une maladie contagieuse!
Originaire du Connecticut, John Mayer fêtera ses 35 balais en octobre 2012. Il s’est cependant établi à New York City, depuis longtemps. Chanteur, compositeur, interprète et producteur, c’est également un guitariste au jeu raffiné. A ses débuts, il se concentrait sur la gratte sèche. Ses deux premiers elpees datent du début de ce siècle, “Room for squares” et “Heavier things”. En 2005, son inspiration se teinte quelque peu de blues, suite à des collaborations opérées en compagnie de BB King, Buddy Guy et Eric Clapton. Cette influence est marquante sur un opus live publié à l’époque. Intitulé “Try !”, il avait été enregistré au sein du John Mayer Trio, avec Pino Palladino et Steve Jordan. Avant de graver ce « Born and raised », il avait encore commis deux autres elpees, en 2006 et 2009. Pour info, sachez que chaque fois qu’il sort un album, il se vend à plusieurs millions d’exemplaires ; ce qui n’est certes pas banal ! Il a d’ailleurs décroché plusieurs awards : ‘Meilleur chanteur masculin’, ‘Meilleur album’ et ‘Chanson de l’année’.
Pour concocter ce nouveau cd, Mayer a reçu le concours de ses musiciens de la route : le drummer Aaron Sterling, le bassiste Sean Hurley et le claviériste notoire Chuck Leavell (ex-Allman Brothers Band, Sea Level). John assure la production, mise en forme pour laquelle il a quand même reçu l’aide du célèbre Don Was!
John signe ici onze nouvelles compositions. “Queen of California” permet aux musicos de prendre la température ambiante. Un country blues qui ne manque pas de charme. La combinaison entre cordes acoustiques, électriques et la pedal steel de Greg Lenz s’opère tout en douceur. Superbe chanson, “The ace of worry” met en exergue les qualités vocales de l’artiste. Tendre ballade chargé d’émotion, “Shadows days” se signale par l’intensité de la ligne mélodique, destinée de nouveau à souligner la voix de John. Jim Keltner se réserve les drums sur “Something like Olivia”, une plage empreinte d’une beauté immaculée. Sur le titre maître, David Crosby et Graham Nash assurent les chœurs. Une plage trempée dans un folk tout en délicatesse, au cours de laquelle Mayer, très inspiré, se met à souffler dans sa musique à bouche! Marche euphorique, “Walt Grace’s submarine test January 1987” bénéficie de la participation de Chris Botti, à la trompette. Les arrangements opérés sur “A face to call home” sont superbes. On y ressent une véritable montée en puissance de l’accompagnement. Dommage d’ailleurs que ce type de traitement n’ait pas été davantage opéré sur cette œuvre de folk pop américaine, jusqu’au bout des racines.
Pour paraphraser le principal hit du groupe californien, serais-je devenu « My Own Worst Enemy » ? Comment justifier autrement mes incessants appels à chroniquer « The View from the Bottom », le nouvel album de Lit ? Certains se souviendront peut-être que cette formation avait réalisé un carton en 1999 : rester 12 semaines en tête des charts US ! Avant de lentement disparaître de la circulation.
Près de 8 ans après avoir commis leur dernier méfait, Lit nous propose « The View for the Bottom ». Pour la circonstance, il a bénéficié du concours de Marti Fredriksen à la mise en forme ; et sa collaboration apportée aux œuvres de Def Leppard, Mötley Crüe ou Foreigner peuvent à priori donner froid dans le dos… Un album aux forts accents 90’s et aux relents punk-pop. Pensez à Blink 182 dans ses meilleurs moments (« C’mon »). Ou à la pop légèrement rock et dégoulinante de Pink (« Miss You Gone »). Drivé par les frangins Popoff, le gang yankee nous réserve également des mini-hymnes sirupeux lorgnant vers l’univers de Kiss, auxquels il est souvent difficile d’accrocher. Les refrains sont destinés à être repris en chœur (« The Broken ») et assument leur côté racoleur et sans prise de tête… ‘Stronger, every time we suffer, we find strength in numbers, you can’t take our hope and you can’t break The Broken’. Tout au long de “The View from the Bottom », Lit nous renvoie vers une époque (charmante ou pas, à vous de voir) que l’on croyait révolue !
Après avoir commis un premier album presque parfait, il est souvent bien difficile de confirmer. Japandroids est une exception qui confirme la règle. « Celebration Rock » devrait facilement combler de bonheur les fans de rock furieux et puissant qui avaient flambé à l’écoute du remarquable « Post-Nothing ». Et pourtant, le duo canadien avait pensé abandonner l’aventure, avant que leur premier opus ne devienne soudainement culte, grâce à Pitchfork et Polyvinyl ! Les huit uppercuts assénés par la paire sur cet elpee, portent toujours les stigmates de Fugazi, Black Flag et Dinosaur Jr.. Les hits s’enchainent avec une énergie garage folle et une rage adolescente intacte. De véritables brûlots tels que « The Night of Wine and Roses » ou « The House that Heaven Built » vous poussent dans les cordes. David Prowse martyrise ses fûts tandis que Brian King irradie les compos de ses interventions rageuses à la guitare. En outre, les mélodies ne sont jamais noyées dans l’ensemble, malgré la sous-production… Rarement puissance, rock, mélodie et intégrité auront fait aussi bon ménage ! « Celebration Rock » célèbre le rock… et il lui rend hommage…
A la Chocolaterie de Bruxelles le 14 septembre ainsi que le 15 au Festival de Leffinge.
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