La soixantaine déjà bien entamée (il est né en 1948), Laurent Voulzy, perfectionniste jusqu’au bout des ongles, nous sort seulement et hélas, ajoutera-t-on, son cinquième album studio. « Le cœur grenadine » date de 1979, « Bopper en larmes » de 1983 et ensuite, il faut quasiment attendre une petite dizaine d’années avant de pouvoir se mettre sous la dent une nouvelle galette de ce Guadeloupéen, Parisien d’adoption et ‘petit frère’ de cœur d’Alain Souchon. Certains diront que c’est une forme de paresse, d’autres parleront de souci du détail…
Quoi qu’il en soit, Laurent Voulzy est parvenu à fidéliser un large public et a signé une vingtaine de tubes comme chanteur en seulement quatre albums, et plus d'une trentaine comme compositeur pour Alain Souchon. A ce titre et rien que pour cette raison, même si on peut parler de lenteur excessive ou bien de perfectionnisme exacerbé, la parution d’un nouvel album de Laurent est un (petit) événement en soi.
« Lys & Love » ne déroge pas à la règle, événement il y a. L’objet en lui-même est déjà une œuvre à part entière. Pochette cartonnée luxueuse, photo de couverture superbe (Voulzy de dos au sommet d’une falaise en bord de mer), carnet richement illustré, paroles imprimées dans les trois langues utilisées, parfait !
Et le contenu ? A la hauteur du contenant ?
A la première écoute, c’est la surprise, la grosse, l’énorme même. Pas de tube immédiat à l’horizon. Les fans de la première heure seront passablement étonnés. On est à des lieues des hits qui nous harponnaient toutes les trois/quatre minutes sur « Caché derrière » ou « Avril ».
Laurent Voulzy tente ici un pari, un projet atypique. « Lys & Love » se lit, se regarde, s’écoute comme une suite de tableaux. L’objet de tous les désirs est « Jeanne » femme rencontrée sur « Le tableau » en 2010 et qui va replonger cet éternel amoureux en 1400. C’est par ce morceau que débute l’opus, titre plus chuchoté que chanté, déclic historique, clé qui nous ouvre une porte vers le Moyen-âge. De l’autre côté de la Manche, quelque part au milieu de vieilles ruines perdues dans les brumes des Cornouailles…
La quête de l’artiste est parsemée d’épisodes relatifs à l’histoire de France, aux croisades, à la recherche perpétuelle de l’amour et aux légendes moyenâgeuses. Rêve d’enfance et de jeunesse !
Musicalement, à la fin de l’œuvre, l’impression laissée est que le premier instrument et le principal sont les chœurs. Tout semble s’articuler autour de ceux-ci. Envoûtants, ils donnent une dimension réellement aérienne aux plages phares que sont « En regardant vers le pays de France », « Ma seule amour », « Le ciel et la terre » et « La neuvième croisade ». Fausse impression cependant, car Laurent laisse éclater son immense génie musical sur d’autres perles dont le premier single issu de l’album, l’excellent « Jeanne » ou encore le très médiéval « Blackdown », caractérisé par son instrumentation d’époque (?)…
« C’était déjà toi » sera probablement le second single issu de cet album. Du Voulzy pur jus, coécrit avec son compère de toujours à qui l’on doit encore les lyrics de la superbe ballade « La nuit ».
Deux morceaux absolument fabuleux captent inévitablement encore l’attention, « Ma seule amour », poème de Charles d’Orléans génialement mis en musique, tout en chœurs et en subtilité et dont le refrain, en anglais, est confié à Roger Daltrey (ex Who), véritable pépite de la chanson française depuis perpète.
Reste une toute grosse pièce, « La 9ème croisade », plage d’un quart d’heure, aux rythmes et sonorités arabes, envoûtant l’auditeur dès les premiers arpèges. Le texte est un poème d’Abu Firas à nouveau retravaillé, pétri par les mains de Laurent qui en fait une croisade d’amour ; sa croisade, sa quête vers l’amour absolu qu’est sa ‘Jeanne’. Ce titre, en première partie tout empreint d’une couleur exotique arabisante se transforme en rock progressif de la meilleure veine que n’aurait certes pas renié le « Yes » de la meilleure époque (NDLR : voire même Supertramp !) Absolument dantesque !
« J’aime l’amour » résume en cinq petites minutes la finalité de ce voyage, de cette croisade d’un autre style, d’une autre époque.
Laurent Voulzy a vraiment un côté maniaque qui l’honore. Poussant le souci du détail jusqu’à introduire des sons qui laissent pantois. Cavalcades, cloches, chœurs, instruments baroques, grelots, tout y est pour nous plonger dans une espèce de ‘Merlin l’enchanteur revisité’.
Enchanteur, Voulzy l’est sans conteste, nous entraînant dès la première note dans un monde dont on ne sort pas indemne douze titres plus tard. Et dire que ce type a 63 ans et peut-être faudra-t-il attendre qu’il passe le cap de la dizaine supérieure avant de ne nous livrer sa prochaine œuvre…
La réussite absolue ! L’album français de l’année, voire de ce début de XXIème siècle !
Outre Jeff Tweedy, le leader de Wilco, il ne demeure plus du groupe originel que le bassiste John Stirratt. Le claviériste Mikael Jorgensen et le percussionniste Glenn Kotche n’ont débarqué qu’en 2000. Et c’est en 2007, que la formation a accueilli le multi-instrumentiste Pat Sansone ainsi que le guitariste Nels Cline. Depuis, le line up semble s’être stabilisé.
« The whole love » fait donc suite à « Wilco (The Album) » paru en 2009. Et il s’agit du premier album publié sur leur propre label, dBpm. En fait, le band estimait ne plus avoir la maîtrise de sa création chez Nonesuch.
Découpé en12 titres, l’elpee s’ouvre et s’achève par les deux plus longues pistes. Respectivement 7’12 pour « Art of Almost » et 12’02 pour « One Sunday morning ». Atmosphérique, la première s’achève dans une nébuleuse krautrock. Quand à la deuxième, semi-acoustique, elle constitue manifestement une des plus belles compos réalisées par le groupe. L’intensité y est permanente. L’émotion aussi. Faut dire que les lyrics y traitent du différent qui a déchiré Jeff et feu son père. Des textes le plus souvent sinistres, mais qui pour la circonstance, se veulent quelque part prophétiques…
Le reste de l’opus ne manque pas d’allure, mais se révèle beaucoup plus éclectique. L’elpee recèle ainsi l’une ou l’autre chanson plus intimiste (« Sunloathe », « Open mind » et un « Black moon » tapissé d’arrangements de cordes). Un titre de music-hall fantaisiste, abordé dans l’esprit des Beatles époque « Double blanc » (« Capitol City ») et un autre bien enlevé, dont la guitare rythmique épouse un motif de guitare réminiscent de Wire circa « 154 » (« Rising red lung »). Puis deux morceaux offensifs, propulsés par la section rythmique, et dont le sens mélodique peut rappeler la face la plus pop de Broken Social Scene (« I might » et le contagieux « Born alone », lardé d’accords de six cordes ‘stridulents’).
Le 8ème elpee de Wilco est particulièrement réussi. Probablement le meilleur depuis « Yankee Hotel Foxtrot ». Et plutôt que la somme de talents, comme constaté sur les deux précédents long playings, il est le résultat d’une cohésion remarquable entre tous les musicos, chacun d’entre eux se mettant au service de l’ensemble.
S’il ne s’agit pas de la première compilation de Toto, nous tenons ici sans nul doute la meilleure. Il serait difficile de faire mieux en matière de récapitulatif d’une carrière irréprochable. « In the Blink of an Eye » balaie trente-cinq années de hits AOR, Metal, pop rock, voire carrément funky.
Certains titres présentent un intérêt relatif, tant ils ont été diffusés en radio. « Africa », « Hold the Line », « 99 », « Rosanna », « Georgy Porgy » etc. sont tous excellents, mais il faut bien avouer que le gavage médiatique dont nous sommes les victimes les a rendus quelque peu ennuyeux. Par contre, quel bonheur de redécouvrir des compos de la période plus hard, et moins commerciale, de la formation élitiste.
« Don’t Chain My Heart », et surtout le sublime « Wings of Time » constituent de véritables pépites, mais nettement moins diffusées.
Au total, seize titres incontournables d’un combo qui a marqué son époque par l’intensité de ses mélodies et le côté ‘Haut de gamme’ de tous les musiciens qui s’y sont succédé. Un cadeau de fête plutôt sympa !
Onzième album pour le duo berlinois réunissant Ronald Lippok (To Rococo Rot) et Bernd Jestram.
Prévu au départ de sa conception, voici deux ans, pour être un Space Opéra, cette armada de vaisseaux planants pousse un cran plus loin les limites d’un univers en perpétuelle extension sans tomber dans les travers d’une quelconque présomption souvent induite par le genre ‘concept album’.
Equilibre subtil entre compositions évidentes et une certaine forme d’Intelligencia dénudée de tout apparat prétentieux, la musique de Tarwater entraîne l’auditeur dans son sillage céleste depuis 1995 et un paquet d’années lumières. Toujours curieux d’explorer plus avant sa propre galaxie, ce groupe est intrinsèquement honnête dans sa démarche.
Ainsi « Sato Sato » est la première tentative en allemand dans le texte. Le texte est emprunté à DAF sur son gigantesque album « Alles Ist Gut », mais est utilisé de manière rythmique (la phonétique servant ici d’instrument à part entière). Ce qui apporte à l’écoute une perception diamétralement différente du morceau original ; encore qu’on ne puisse pas vraiment parler de reprise…
La collaboration des deux lascars dans le domaine du théâtre et du cinéma leur a permis de développer une conception propre à la musique et cet « Inside The Ships » qui dresse un pont entre les codes en vigueur dans ces domaines spécifiques et la musique Pop.
Voyage interne plus que spatial, cet album est peut-être le meilleur du groupe à ce jour. Une franche réussite.
Fruit défendu de l’union entre Prolapse et The Fall, dans la couche des Gang Of Four, il était un philosophe de l’absurde qui dans sa besace, trimbalait les réponses au sens de la vie.
Si vous mourrez d’envie de connaître le quotidien de Jack White ou Courtney Love dans leurs pénates respective (« Heroes At Home) ou rêvez de découvrir la discographie cachée de Nietzsche (« God Is Dead So I Listen To Radiohead »), ce disque est destiné à trôner fièrement dans votre grille-pain, voire éventuellement dans un recoin de votre esprit malheureusement incompris du reste du monde.
Dans un monde perclus d’idiomes frelatés où l’ascension sociale induit une pléthore d’actes voués à l’usurpation des pouvoirs éminemment confiés aux plus iconoclastes, la musique s’érige en sauveur des fesses.
« It Means Nothing So It Means Nothing ». Vous êtes prévenus!
Fidèle au label Mint, The Pack a.d. persiste et signe son quatrième long-playing, sur l’écurie canadienne. Depuis sa signature en 2008 (Tintype et Funeral Mixtape), le duo féminin a choisi pour seule devise : ‘toujours plus haut et toujours plus loin.’
C’est pourtant en octobre 2010 que Platinum s’associe à Mint pour assurer la sortie française de son troisième album, « We Kill Computers ». Un opus qui cimentera la place du groupe de Vancouver à la pointe de la musique indépendante de leur pays. Critiques élogieuses et nominations sont au rendez-vous (The Best 20 bands of Vancouver Independent Music Scene, The Western canadian Music Award…)
Réputé pour balancer des blues tribaux et du punk-rock garage crade d’une efficacité redoutable à travers l’Amérique du Nord et l’Europe, le duo monte encore d’un ton et se présente plus brutal et plus dur qu’il ne l’a jamais été. Une formation réunissant Maya Miller (Batterie) et Becky Black (chant/guitare) qui n’échappe pas aux comparaisons faciles avec les Black Keys et les White Stripes. Avis aux amateurs du sans chichis !
Conséquent à sa devise ‘toujours plus haut, toujours plus loin’, The Pack a.d. ne montre aucun signe de faiblesse et revient pour un quatrième elpee, « Unpersons », produit par le fameux Jim Diamond (Electric 6, The Detroit Cobras). Une formule que l’on retrouve aussitôt sur les trois premiers titres (« Sirens », « Haunt You » et « Lights ») à la batterie marteau-pilon et aux riffs costauds qui flirtent avec le métal. Un treize titres reposant toujours sur de solides bases punk-rock garage (« 8 »), mais en alternant parfois morceaux plus lents (« Seasick ») et compos plus profondes, plus blasées, légèrement saupoudrées de blues (« Take » et « Pieces »).
The Pack a.d n’offre rien d’exceptionnel, ni de révolutionnaire, mais une musique brute, directe et efficace. Une éclipse sonore sincère et sans prétention. Bref, un duo qui colle parfaitement au dicton ‘mieux vaut un groupe nerveux qu’un collectif mou du genou’. Surtout s’il est susceptible de secouer le cerveau reptilien de tout amateur rock ’n’roll sorti du garage.
En 2009, un cancer des os a été détecté chez le drummer David Rogers-Berry (NDR : pas la première épreuve pour le gars, puisqu’il a perdu sa fiancée, victime d’une rupture d’anévrisme, en 2007). Il a donc dû suivre une chimiothérapie. Qui à premier abord semble avoir porté ses fruits, puisqu’il est reparti en tournée avec ses potes, et puis a participé à l’enregistrement du troisième album du groupe, « Outside ». Ce qui explique sans doute, les thèmes développés tout au long de cet opus. Reflétés par les titres des compos (« Ghost Head », « Black Dress », « Don't Come Back », etc.) Encore que si le climat est plutôt sombre, la mort est une source de motivation. Greg Jamie, le chanteur/guitariste a d’ailleurs déclaré ‘Nous ne sommes pas ici pour longtemps ; et nous ferions mieux de faire quelque chose de notre vie, de la manière la plus intense possible’. C’est dans cet état d’esprit que la formation monte sur les planches, lors d’un set susceptible de s’achever dans l’anarchie la plus totale. Mais en studio, les morceaux sont nettement plus élaborés, soignés aussi ; et lorsqu’ils dérapent dans le chaos, ils se révèlent bien plus organisés qu’ils ne laissent supposer (« lamar »).
Leur folk teinté de bluegrass et d’americana, qui doit autant à Sixteen Horsepower qu’à Tom Waits, n’est jamais minimaliste. Banjo, violon, ukulélé, guitare sèche, basse, drums et percus en tous genres alimentent leurs compos. Et sur « Outside », le band a décidé de s’ouvrir à de nouvelles références. Dont la musique balkanique ainsi que le klezmer (NDR : sans oublier qu’en ‘live’, leur expression sonore flirte également parfois avec le métal). Enfin, en final, sur l’étrange « The lake departed », on retrouve cet esprit vaudou, appalachien, peut-être hanté par Screamin’ Jay Hawkins, lors d’une marche funèbre qui se mue en carnaval gothique.
Plus connu sous le pseudo de Robert Miles, Robert Concina, est Suisse. « Thirteen » constitue son cinquième opus, un disque paru sur sa propre structure, S:alt. Courtisé pour ses talents de (co)producteur, ce musicien a rencontré un énorme succès, au cours des années 90, en provoquant une rencontre, entre la dream-house et le chill-out, à l’aide de la guitare acoustique.
Cet artiste a vendu plus de 14 millions d’albums à travers le monde. Et a publié des singles imparables, dont le fameux hit « Children ». Depuis, il a décidé d’embrasser de nouveaux horizons sonores. Et notamment en ouvrant l’électro au jazz et à la prog.
« Thirteen » baigne au sein d’une atmosphère, ma foi, fort cinématographique. Vangelis et le Floyd me viennent ainsi directement à l’esprit, malgré ce concept électro auquel participe Robert Fripp. Electro-prog, plus exactement (« Afterglow », « The Wolf »), le plus souvent basé sur la répétition, comme lors des célèbres « Frippertronics » du Roi Pourpre…
Espérons que « N1veau » ne soit pas le dernier album à chroniquer par votre serviteur, en 2011, sans quoi, cet exercice me laisserait un ultime goût des plus amers en bouche ! Pourquoi donc ? Tout simplement parce que la première livraison de la Belge Labiur est stérile. Sous des contours ‘second degré’, Labiur aligne des textes inconsistants qu’elle imprime sur des beats ‘Nintendo’ potables ou irritants, selon, qui ne m’ont d’ailleurs pas permis d’aller au-delà du minimum syndical de trois écoutes. La jeune artiste verviétoise cherche à nous fourguer un mix improbable entre Yelle, TTC et Billy The Kick… La démarche aurait un petit aspect décalé. C’est ce que j’ai essayé de comprendre ; mais les rimes sont d’une telle indigence et tout simplement pas drôles. Même le supposé ‘single’ « Belle Journée » est à oublier au plus vite (‘C’est une belle journée… j’ai vomi chez les voisins, hin hin hin’) La palme du ridicule ? Elle revient au titre « Syndrome du Canapé », dont les paroles atteignent le sommet de la consternation (‘Moi la télé j’aime ça sur tout quand y a Kho-Lanta’)… Un conseil, passez votre chemin !
Après le relatif succès récolté par ses singles « Yeah » et « The L Word », la Turco-américaine Deniz Kurtel a décidé de publier son premier album chez Crosstown Rebels. Militant chez Wolf + Lamb, artiste conceptuelle (avec des LEDs) et sculpteuse, Deniz se révèle tout au long de ce « Music Watching Over Me », productrice talentueuse. Outre ses hits destinés aux dancefloors (« The L Word », « Best Of »), elle excelle tant dans l’univers du dubstep (« Trust ») que de l’électro rock (« Vagabond ») ; passant d’un style à l’autre ou les agrégeant sans aucune difficulté. Parfait pour vos soirées branchées…
Troisième opus pour cette formation londonienne qui n’a toujours pas bonne presse chez elle. Et on ne sait d’ailleurs toujours pas trop pourquoi. Pour mettre en forme cet elpee, Richard John Archer a décidé de se charger de la coproduction ; à charge de Stuart Price (Killers, Madonna), Grey Kurstin (Lily Allen) ou Alan Moulder (Depeche Mode, Jesus & Mary Chain, My Bloody Valentine, etc.) de lui filer un coup de main, suivant les morceaux et le studio d’enregistrement.
Première constatation, la formation insulaire n’a rien perdu de son sens inné de la mélodie contagieuse, hymnique. Elle continue de mêler, à des degrés divers, pop, rock et soul, ska, punk, trip hop, reggae et dub, dans un style très britannique. Mais si la plupart des influences semblent parfaitement digérées, la house semble avoir repris le dessus. Et cette sensation est amplifiée par un recours plus conséquent à l’électro (NDR : pensez à New Order). Ce qui rend les compositions particulièrement dansantes (NDR : cette basse pulsante !) Un peu dans l’esprit des ensembles mancuniens du début des 90’s comme Happy Mondays ou EMF. Ou alors reggae/dub. A l’instar de « Stay alive », nous rappelant que Hard-Fi reconnaît The Clash comme référence majeure. On évitera cependant l’avant-dernière plage, « Sweat », sorte de croisement improbable entre Air et Pet Shop Boys, pour ne retenir que l’impression générale laissée par cet album. Et elle est bonne. Alors Paul Oakenfold derrière les manettes, pour le prochain long playing ?
C’est le genre de disque dont presque personne n’entendra parler (sauf vous) et qui ne manquera à personne. Et pourtant, « For Centuries » n’est pas un album de mauvaise facture. Juste un essai passe-partout dénué de la moindre étincelle.
Collaboration entre Chadwick Donald Bidwell de Ral Partha Vogelbacher et Dee Kesler de Three More Shallows (qui ?), Fops explore des thèmes aussi variés que le carnage de créatures sans défense ou les états (unis) d’âme d’un président contemplant sa vie en pleine chute vertigineuse.
Cet elpee, dont la principale originalité est d’avoir été édité en format cassette (NDR : ah, ce goût passéiste pour les technologies vintage) est loin d’être désagréable à écouter. Il n’évite pas certaines longueurs inutiles (« Ronald Wilson Reagan », dernier titre de ce long playing dépasse quand même les vingt minutes !), mais reste un honnête essai, immanquablement voué à l’oubli.
Personne ne devrait s’en plaindre.
Vingt années plus tard, les Feelies publient un nouvel opus. Glenn Mercer et Bill Million les deux chanteurs/guitaristes sont les derniers survivants du line up original. Ce sont aussi les deux piliers du groupe. Dave Weckerman, Brenda Sauter et Stan Demeski les avaient rejoints en 1986, avant que la formation ne sépare en 1991, et pour un bon bout de temps.
Responsable de deux albums culte (« Crazy Rhythms » en 1980 et « The good earth » en 1986 »), The Feelies a influencé une multitude de groupes, parmi lesquels, on épinglera surtout REM (NDR : c’est d’ailleurs Peter Buck qui a produit leur deuxième elpee) et Yo La Tengo. Le combo du New Jersey, de son côté, reconnaissait pour références majeures, le Velvet Underground et les Modern Lovers.
Alors que leur musique reposait sur des textures en boucles et en arpèges de guitares électriques et acoustiques, sur des rythmiques fluides et mouvantes, un peu comme chez les Pastels en Grande-Bretagne, la formation américaine va être assimilée au mouvement new wave. Malgré les excellentes critiques, le groupe ne récoltera qu’un succès confidentiel.
Les Feelies nous proposent donc un nouvel LP en 2011. Mais qu’est ce qui a changé en près de deux décennies ? Pas grand-chose. L’aisance mélodique est toujours aussi évidente. Le ton est sans doute moins ténébreux. Les harmonies sont, en général, davantage ensoleillées, même si l’ombre du Velvet plane toujours ; « Again today » est même carrément hanté par Lou Reed. Résultat des courses, l’opus baigne dans un climat de sérénité qu’on ne leur connaissait pas. En 13 compositions, le quintet nous offre des morceaux entraînants, nerveux, raffinés, mais également downtempo (« Blue skies »), à la beauté mélancolique (« Morning comes »), presque ‘pixiesque’ (« Time is right »), aux guitares claires (« Here before ») et scintillantes (NDR : digne d’Orange Juice, « Change your mind » nous réserve une belle envolée en fin de parcours). Imprimé sur un tempo obsessionnel, « On an on » aurait pu figurer au répertoire des Dandy Warhols. Un album tout simplement intemporel !
« The Conformist » est un album tout en retenue, au diapason de la voix du jeune Thomas Barlett. Relativement sage aussi.
Agé de vingt-sept ans, le pianiste possède déjà une belle carte de visite. Et pour cause, il peut notamment se targuer d’avoir bossé en compagnie de Rufus Wainwright, Yoko Ono et même des musiciens de The National.
Empreint d’une grande sensibilité, son album baigne au sein d’une atmosphère ouatée. Recueil de chansons d’amours brisés et de rêves manqués aux battements de cœur ralentis, cet elpee, non dénué de grâce, s’avère malgré tout somme toute assez ennuyeux sur la longueur.
Entouré de collaborateurs au service de sa cause (une grande partie de The National, Norah Jones, Samuel Tear aka Sam Amidon ou encore Nico Mulhy en accordeur de cordes, pour ne citer qu’eux), le talentueux pianiste développe des ambiances feutrées sur lesquelles sa voix délicate vient se poser, comme une plume portée par le vent.
Mais ce manque d’entrain est aussi le défaut de cet opus, car trop homogène d’un bout à l’autre. Drôle d’idée d’ailleurs, d’intituler une compo « Hurricane », dont la faible accélération du pouls nous plonge dans une douceur quelque peu amorphe.
Le genre de disque qui s’écoute aux chandelles, un verre de vin sous les papilles, un feu crépitant sous les pupilles.
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