Il y a près de trente ans que les Wampas résistent à toutes les tempêtes. Mêmes celles qui ont balayé la quasi-totalité des groupes dits ‘alternatifs’. Et notamment ceux qui ont connu leur temps de gloire durant la période 1985-95. De cette mouvance, il ne reste que quelques dinosaures comme François Hadji-Lazaro et ses Garçons Bouchers. Didier Wampas aussi. Et pour son premier opus solo, le Français s’est quand même bien entouré, puisqu’il a reçu le concours du guitariste Ryan Ross (ex-Panic At The Disco) et du réalisateur et multi-instrumentiste Kevin Harp.
Les sessions d’enregistrement de l’opus se sont déroulées entre Los Angeles et Bruxelles. Les thèmes explorés dans les lyrics sont larges, mais privilégient le second degré. Ils oscillent du terre-à-terre (« La propriété c’est du vol ») au surréalisme (« Le Mans ») en passant par les relations humaines, qui lorsqu’elles deviennent tumultueuses peuvent ressembler à des combats de catch (« Par-dessus la troisième corde »).
Les refrains sont contagieux. Il y a cette petite guitare sèche. Mais la rythmique lorgne davantage vers les 60’s (rockabilly, surf californien) délaissant ainsi le punk traditionnel des Wampas. Néanmoins, non, non, rien n’a changé : Didier Wampas chante toujours faux ! Le titre maître est à peine exagéré : « Taisez-moi » ! Sa voix finit même par carrément nous casser les oreilles. M’enfin, c’est surtout en live qu’on apprécie l’ami Didier. Et en particulier son attitude fanfaronne…
Le nouvel album des Walkabouts est donc paru ce 21 octobre 2011, chez Glitterhouse (NDR : distribution Munich). Carla Torgerson et Chris Eckman nous en parlent abondamment, lors d’une interview qu’ils ont accordée à Musiczine (lire ici ). Découpée en 11 titres, cette œuvre s’étale quand même sur plus d’une heure. Et le résultat est tout bonnement excellent. Une musique très ‘West coast’, même si l’un ou l’autre titre bénéficie d’arrangements de cordes luxuriants, réalisés par l’Appolon Chamber Orchestra. Quant aux lyrics, ils décrivent l’Amérique profonde (‘les Dustlands’) et surtout le comportement de la population rurale qui y vit. Sa manière dont elle pense et réagit face à l’évolution du monde contemporain. Des mœurs, des principes et de la morale qui régissent leur mode de vie ainsi que de sa manière de se protéger face à tout envahisseur potentiel… le tout dans un climat dominé par des sentiments de déception et de culpabilité…
En concert le 21 janvier 2012, au Handelsbeurs de Gand.
Dix ans que Bécaud nous a quittés. Et cinquante ans qu’est paru son plus grand succès : « Et maintenant ». Bécaud méritait donc que l’on commémore ces deux événements à travers une compilation. Et ce véritable hommage est ici rendu par toute la profession issue de l’Hexagone. Quatorze artistes, des plus jeunes, Anggun ou Olivia Ruiz, jusqu’aux aînés, Julien Clerc, Eddy Mitchell ou Johnny, chacun a apporté sa pierre à l’édifice. Gilbert Bécaud, un des trois B (Brel et Brassens complètent le trio), majuscules du paysage musical francophone, revit tout au long de ces quatorze titres, emblèmes d’une carrière pleine et généreusement fournie.
Gilbert Bécaud était surnommé ‘Monsieur 100 000 volts’ car il avait ‘réussi’, dès 1954, à déclencher une émeute dans le saint des saints, l’Olympia de son très cher ami Bruno Cocatrix. Les jeunes ‘délinquants’ avaient cassé les fauteuils du célèbre music-hall devant tant de dynamisme, de vitalité et de talent. Le projet, bien ambitieux, de faire revivre ces chansons par un autre que cette légende aboutit à un résultat plus qu’honorable. Chacun, dans son style, s’en sort vraiment bien, remarquablement même, car aucun arrangement n’a été apporté, les mélodies et l’orchestration originale, chères à Gilbert Bécaud, sont quasiment intactes. Seule la voix et donc forcément l’interprétation changent. La mention ‘très bien’ sera accordée à Olivia Ruiz et « Les tantes Jeanne », Alex Beaupain sur « L’absent », Eddy Mitchell pour « Je t’appartiens » et Johnny lors de son interprétation de « Et maintenant ». Anggun, quant à elle se verra octroyer un prix d’excellence pour sa version de « Je t’appartiens » qui en anglais devient « Let it be me ».
Les autres, Luiz Cazal, le duo Renan Luce/Gérard Darmon, Souchon, Lama, Ayo, Lynda Lemay et l’inévitable Bruel se partagent le reste des prix…
Dans l’ensemble, bien qu’on apprécie à sa juste valeur un tel travail, on regrettera l’absence de quelques titres qui ont également participé au succès de ce géant. Sont ainsi oubliés, « Quand Jules est au violon », « La vente aux enchères », « L’important c’est la rose », « L’orange » ou autre « Marchés de Provence ». N’y avait-il donc pas moyen de dénicher cinq représentants de la chanson française de plus pour ainsi rendre ‘complet’ l’hommage dû à un tel artiste ? Dommage !
« Taste » est le tout premier album de The Telescopes, une formation insulaire, qui est considérée, à l’instar de The Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentine, Loop et Spacemen 3, comme un des fondements du mouvement noisy. Fondée en 1987 par Stephen Lawrie, elle s’est séparée en 1994, avant de se renaître de ses cendres, en 2002. Et d’enregistrer, dans la foulée « The Telescopes #4 », en 2005 et « Hungry Audio Tapes en 2006. Un ‘live’ a même été publié l’an dernier.
Paru en 1989, « Taste » est manifestement l’elpee le plus difficile, le plus sauvage et le plus aventureux du combo. En puisant leurs influences chez les Stooges et Syd Barrett, le groupe y propose une musique qui privilégie une solution sonore torturée, frénétique, saturée de fuzz et de feedback. Peu de moments plus planants ou atmosphériques, ici préfigurant le shoegazing, à l’instar de la suite de sa discographie. Pourtant, si le combo se nourrit essentiellement d’électricité malsaine, filandreuse et bruitiste, elle n’hésite pas à y incorporer des cuivres, même s’ils ont le plus souvent noyés dans la masse tumultueuse. Un peu comme les vocaux, d’ailleurs. Dommage, car sous un aspect purement expérimental, cet elpee est absolument remarquable et a dû, plus que probablement, lorsque la mélodie devient enfin palpable, influencer un groupe comme The Warlocks, par exemple…
Réédité, « Taste » est enrichi de trois bonus tracks.
Réédition de la compile de Teenage FanClub, parue en 1995, un recueil qui réunissait des versions alternatives, des raretés, des flip sides de singles et des covers. Parmi les reprises, figurent ainsi celles du « The ballad of John & Yoko » des Beatles, le « Don’t cry no tears » de Neil Young, « Free again » de Big Star et le « Bad Seed » de Beat Happening.
Fondée en 1989, la formation écossaise a été assimilée, à ses débuts, à la vague noisy. Et pourtant, ses références majeures, elle les puisait déjà chez les Byrds et Big Star. A cause de la conjugaison des deux guitares aux sonorités cristallines, distordues, bruitistes, du sens mélodique contagieux et puis du soin apporté aux harmonies vocales. Les références puisées chez les formations insulaires comme My Bloddy Valentine et Orange Juice, sont cependant encore bien présentes sur ce « Deep Fried Fanclub ». Elles disparaîtront cependant progressivement, pour laisser la place à une pop et plus léchée, même si les cordes de guitares et les vocaux limpides constituent toujours la base de leur écriture.
Et le quatuor, qui compte toujours 3 membres originels au sein du line up est toujours en activité. Son dernier elpee, « Shadow » est d’ailleurs paru en 2010.
Je ne peux en vouloir qu’à moi-même. Je savais pertinemment que Faheem Rasheed Najm –plus connu sous le nom de T-Pain– était le roi de cette hérésie qu’est l’auto-tune, un correcteur de tonalité à la sonorité métallique. Rappelez-vous du « Believe » de Cher ! Et quoique cette mode soit aujourd’hui dépassée (pour le bien de tout le monde…), mon sens de la curiosité m’a poussé à réclamer « Revolver », son nouvel album !
Or, rien ne peut être sauvé au sein de cette immonde collection réunissant 17 titres à la limite de l’audible. On a souvent l’impression d’écouter une sorte de mauvaise parodie. A cause de cette utilisation permanente de l’auto-tune sur des beats R’n’B sirupeux ou pire… inspirés de l’électro bling-bling chère à David Guetta. Les morceaux oscillent entre le très mauvais (« Center of the Stage », « Show Time (Pleasur Thing) », « When I Come Home ») et le vraiment pas terrible (tout le reste…) Et ce n’est pas la participation de nombreux invités (Wiz Khalifa, Detail, Chris Brown ou même Lilly Allen) qui parvient à rehausser le niveau, ni cette immonde cover –tout de même élue parmi les 20 plus laides de l’année par Pitchfork– représentant T-Pain et son crew dans des tenues inspirées du ‘20 000 Lieues Sous les Mers’ de Jules Verne. Oui, c’est vrai, il s’agit juste d’un nouvel album de T-Pain qui se contente de jouer le jeu de ses précédents albums. Les fans du genre (et de Cher) ne pourront d’ailleurs qu’apprécier ; et les réfractaires pourront même peut-être tolérer « Bang Bang Pow Pow », interprété en compagnie de Lil Wayne…
Suzanne’ Silver est un mystérieux quatuor insulaire débarqué de Syracuse, en Sicile. Et, soyons honnêtes, la ville italienne est plus réputée pour ses célèbres ruines que pour ses faits d’armes rock n’roll ! Le groupe a pourtant été formé en 1998. Pas étonnant qu’il soit marqué par le grunge, courant né à Seattle, faut-il vous le rappeler, à cette époque. On retrouve d’ailleurs encore cette influence dans la voix de Barbagallo, évoquant celle de Layne Staley d’Alice in Chains (NDR : c’est manifeste tout au long de « Green Ocean Breezer ») ; et puis à travers les sonorités sales et distordues des guitares
Enregistré en 2010, « Deadband » constitue le second essai de la formation italienne. Il fait suite à « The Crying Mary », gravé en 2006. Par bonheur, le combo a le bon goût de s’ouvrir à d’autres horizons sonores. Il n’hésite ainsi pas à incorporer des éléments de blues ou de jazz (NDR : ces superbes cuivres qui enrichissent « Wave a Surfer Waits ») dans son expression noise-rock binaire, mais à l’énergie lo-fi. Dommage que le cd soit si court ; car, honnêtement, on aurait voulu qu’il aille au-delà des 8 titres expédiés en 20 grosses minutes…
Louis Jones, alias Spectrals, nous vient de Leeds, en Angleterre. Il est à peine âgé de 21 ans et, reconnaissons-le, connaît ses classiques pop et rock sur le bout des ongles. « Bad Penny », son premier opus, en est une belle illustration. Il réunit onze morceaux bien ficelés, intemporels, et nous préserve de tout risque d’indigestion.
Tout au long de ce long playing, il revisite paisiblement, en toute décontraction, mais en manifestant une sensibilité à fleur de peau, les 60’s. Il nous conte des histoires sentimentales sur des compos aux mélodies bien construites, en s’accompagnant à la gratte électrique. Mais ce qui rend l’elpee encore plus authentique, c’est la production. Pas question d’arrondir les angles, il faut que les compos sonnent comme à l’époque. Une technique adoptée, il y a quelques années déjà, par The Coral. Et puis, qui me rappelle une formation américaine répondant au patronyme de Beach House. De jeunes groupes qui parviennent à remettre au goût du jour le lourd héritage pop-rock anglo-saxon. Et à le sublimer.
De cet opus, on regrettera néanmoins l’absence de single ou d’un titre sortant véritablement du lot. Ce qui explique sans doute pourquoi, si l’ensemble se révèle sympathique et agréable à écouter, il risque fort de plonger rapidement dans les profondeurs de l’oubli…
Le dernier ‘best of’ de la marraine du punk réunit ses 16 hits les plus fondamentalement rock (« Because the night », « Rock N Roll Nigger », « So you want to be a rock n roll star », « People have the power », « Summer cannibals », etc.) et deux covers, dont la plus célèbre reste évidemment le « Gloria » du Them, qui ouvre la plaque. L’autre est consacrée au « Smells like teen spirit » de Nirvana. De quoi rendre une nouvelle fois un hommage à Kurt Cobain, que Patti a toujours beaucoup apprécié. Les compos sont proposées dans l’ordre chronologique. Deux par album. Et s’étalent de 1975 à 2007. Ah oui, j’allais oublier, le tout a été remasterisé.
32 titres sur cette compile consacrée à Paul Simon. 32 chansons sélectionnées tant au cours de sa carrière solo qu’en duo avec Art Garfunkel. Un recueil dont le choix des compos a été opéré par l’artiste en personne. Peu de hits. Et ils figurent en début de parcours. En fait, l’intérêt de ce double cd procède de la présence d’une majorité de titres peu ou pas connus, composés depuis 1955. Excusez du peu !
Pour rappel, Paul Simon est plus que probablement responsable de l’ouverture de la pop vers la world. C’est d’ailleurs un des premiers artistes pop/rock qui se soit intéressé aux musiques traditionnelles issues de l’Amérique latine et d’Afrique du Sud. Et à intégrer ces courants dans sa musique.
L’opus est accompagné d’un superbe booklet illustré, au sein duquel figurent les lyrics de toutes les chansons de cette anthologie et un article signé Tom Moon consacré au New-Yorkais.
Une histoire tragique a inspiré ce « The High Country », le 10ème album de Richmond Fontaine. L’écrivain et leader du groupe, Willy Vlautin, narre en effet la romance qui était née entre Claude et Mélanie, un mécanicien et une vendeuse de pièces d’automobile. Bouleversante, cette véritable histoire d’amour se déroule au fin fond de l’Oregon rural, et nous entraîne dans une spirale infernale où se mêlent drogues, violence, folie aveugle et solitude. Un scénario bien réjouissant !
Suivant un rituel bien balisé, chez ces Yankees, l’expression sonore est alimentée par la rencontre entre americana pur jus et rock garage et met en scène des saynètes cinématographiques hantée par un spoken-word. Les 17 plages sont, en outre, parfaitement produites par John Askew (The Dodos, Karl Blau).
Mais impossible de pénétrer dans l’univers de Richmond Fontaine, sans prendre en compte les lyrics de Vlautin (NDR : pour vous faire une petite idée, sachez qu’un de ses romans, ‘The Motel Life’, est actuellement transposé au cinéma ; un tournage au cours duquel participent des acteurs comme Emile Hirsch, Dakota Fanning, Stephen Dorff et Kris Kristofferson). D’ailleurs, « The High Country » est un album à écouter d’une seule traite et en se concentrant sur les textes. Pas de single à se mettre dans le tuyau de l’oreille. Bien entendu, la musique de Richmond Fontaine peut parfois sembler un brin austère, malgré les belles voix spectrales de Willy Vlautin et Deborah Kelly. Mais si l’Amérique profonde des laissés-pour-compte, si bien racontée par Bukowski ou Raymond Carver vous botte, cet album est résolument fait pour vous !
R.E.M. a donc décidé de mette fin à son aventure en septembre 2011. Après 31 ans d’existence et l’enregistrement de 15 albums. Ben faudra donc s’attendre à la publication de compiles en tous genres, dans le futur. Et la première vient de nous tomber dessus. Elle est double et épingle 40 titres issus de leur répertoire, dont trois inédits, « A Month of Saturdays », « We All Go Back To Where We Belong », et « Hallelujah », concoctés lors des sessions d’enregistrement de leur dernier elpee, « Collapse Into Now », sous la houlette de Jacknife Lee.
Pour la première fois, le recueil puise aussi bien dans le répertoire issu des années I.R.S. (leurs débuts) que réservé à Warner Bros (NDR : à partir de 1988 !). Tous leurs singles y sont et dans l’ordre chronologique. Et chaque chanson, fait l’objet, au sein du booklet, d’un commentaire avisé. Ne pas oublier que même si elle est devenue de plus en plus accessible au fil du temps, la musique de la formation issue d’Athens (NDR : un quartet jusqu’en 1998) a toujours véhiculé des lyrics engagés, pour la plupart sociopolitiques ou encore destinés à dénoncer le fondamentalisme religieux.
Z’avez déjà mangé un pain saucisse à la kermesse aux boudins de Fosses-la-Vile dans le Namurois ? Ben y’a la saucisse qui baigne dans sa graisse cuite, recuite et re-re-cuite avant d’être insérée, tout comme les oignons cramés, dans un pain qui n’a pas l’air trop catholique… Le tout avant, pendant ou après avoir ingurgité une caisse de pintes, en compagnie de vos meilleurs potes de guindaille.
Ah oui, j’allais oublier ! Faut un peu de musique. Enfin musique… mwouais, plutôt quelques chansons qui parlent de ripailles, de rigolade, de caca-pipi-prout, de sexe et de tous ces concepts plus ‘comiques’ les uns que les autres !
Ben j’ai trouvé ce qu’il vous faut messieurs, dames. Beverly Pils ! De la bonne, que dis-je de l’excellente (?) chanson paillarde (si peu !) qui va vous donner l’envie furieuse de déguster ces délicieux mets bien de chez nous, sans oublier, avant d’aller vous coucher, mais après avoir dégobillé le tout, un bon paquet de frites nappées d’une non moins bonne mayonnaise pour accélérer le processus…
Désolé les gars mais je ne partage pas du tout votre philosophie de vie. Je veux bien vous témoigner du respect ainsi qu’à tous ceux qui en sont adeptes. Chacun jette sa thune comme il l’entend ; mais perso, ce n’est pas, vous n’êtes pas du tout ce qui me permet de saliver. Ou alors j’ai pas d’humour, qui sait ?
Et en plus j’aime pas la bière ! Vraiment pas de chance que votre album me soit tombé entre les mains.
Sous le pseudonyme quelque peu aguicheur de « Wild Flag », se profile un quatuor féminin originaire de Portland et de Washington DC. Engagé, aussi. Carrie Brownstein (guitare/chant), Marie Timony (guitare/chant), Rebecca Cole (claviers/chant) et Janet Weiss (batterie/chant) haussent fièrement le drapeau féministe et défendent, corps et âmes, ses couleurs par les voies d’un garage punk-rock. Un exercice auquel, du reste, elles s’étaient déjà livrées par le passé dans de nombreuses et honorables formations telles que Sleater-Kinney, Hélium, Quasi, The Minders et Stephen Malkmus & The Jicks (side-project articulé autour du leader de Pavement).
Si l’on trace rapidement le diagramme de « White Flag », on constate qu’il était presque inévitable que ces quatre Dames de la musique rock convergent un jour vers un projet collectif. Plus d’une décennie de collaborations indirectes et de tournées communes où Brownstein, Cole, Timony, et Weiss gravitaient inlassablement autour de la même sphère musicale.
C’est dans le cadre du documentaire ‘! Women Art Revolution !’ de Lynn Hershman, film dont les quatre artistes étaient chargées de la production instrumentale, que les quatre femmes bossent ensemble pour la première fois. Une coopération contagieuse qui donne naissance à « Wild Flag » : ‘Je pense que nous avons réalisé que nous pouvions être supérieures à la somme de nos parties, que nous n’étions plus simplement quatre pièces d’un puzzle disparate. Faire sens ensemble, mais le sens d’un ensemble cohérent et dynamique. Il s’agit encore de chimie, il est toujours exaltant et valorisant d’apprendre à jouer collectivement. Vous devriez essayer !’, s’explique Brownstein.
C’est donc sereinement que le quartet étasunien se dirige vers le studio Hangar de Sacramento pour enregistrer son album éponyme en avril 2011, bénéficiant de la participation de l'ingénieur Chris Woodhouse. Les voix exceptées, toutes les pistes sont enregistrées en direct.
Les premières impressions laissées par ce premier elpee reposent d’abord sur l’immédiateté, la spontanéité des mélodies renforcées d’une incroyable énergie, d’une joie de jouer et du pur délice inventif du songwriting. Une musique qui force le corps et le visage à s’exalter et frôle l’incandescence.
Les sons qui s’élèvent du morceau d’ouverture se revêtent très vite d’un jeu de guitare imbriqué et de rageuses mélodies vocales. "Romance" est un titre complet, un tourbillon radieux poignardé d’orgues sixties et d’une batterie percutante. Ensuite, « Future Crimes » (premier single de l’album), un rock classique et populaire merveilleusement interprété par Marie Timony. A la guitare et au chant. Et sa voix confère une dimension quasi épique à la composition initiale. Quant à "Glass Tambourine», il adopte une approche plus furtive, édifiant un crescendo puissant. Les harmonies douces cèdent progressivement l’espace musical à des sons tous azimuts et à une distorsion prégnante.
Un elpee qui s’écoute jusqu’à la fin et propose, à l’image des autres pistes, deux derniers titres de qualité. Tout d’abord, "Racehorse" et son groove furieux mené par Carrie Brownstein qui excite l'auditeur en murmurant ‘Je suis un cheval de course, oui, je suis un cheval de course, mettez votre lune sur moi !’ Et, franchement, qui déclinerait une aussi charmante invitation? Attisé par le piano de Cole et la batterie tonitruante de Weiss, ce final nous plonge dans les atmosphères sulfureuses d’un night-club miteux, bruyant et criard. Un tourbillon extatique qui ne peut ne pas séduire. Un dix titres qui s’achève par « Black Tiles ». Un ultime morceau aux guitares classiques décalées et aux vocaux subtils.
« Wild Flag », l’un des plus impressionnants albums punk-rock de l'année qui devrait certainement plaire aux mélomanes les plus exigeants.
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