Déprimé et un peu lourd en ce début d’année ? Ruez-vous sur “Supalove”, le nouveau single aussi soul que sexy offert par DSL, trio simplement composé des frères David, Stéphane et Lionel ! Créé en 2002 à Sarcelles, le groupe a signé chez Ed Banger, en dehors des standards électro de la maison. Et le combo parvient également à mêler brillamment hip-hop vintage et samples pimpants sur « Gotta Get In » un titre de Beyond Paradise adapté pour le besoin de leur nouvelle petite bombe sensuelle…
Ne passez pas à côté du magnifique clip consacré au morceau qui risque de vous communiquer des fourmis dans les jambes…
http://www.youtube.com/watch?v=BYjVCPU6is4
J’avais beaucoup apprécié le premier Ep de cette formation américaine, paru en 2008. Eponyme, il était découpé en six titres de psychédélisme noisy, féroce, sonique, stratosphérique qui aurait pu naître d’une fusion entre Les Savy Fav, Comets On Fire et des Warlocks sous hardcore. Le hardcore, à cause des vocaux presque constamment hurlés, vociférés, beuglés, par Johnny Bell, également bassiste (NDR : excellent, par ailleurs) du combo. Mais cette voix continuellement braillée qui desservait leur expression sonore, c’est le principal reproche que j’avais adressé à leur musique,
“Two-way mirror” constitue leur second opus. Et le constat est identique pour les parties vocales. Pas sur tous les titres, mais une bonne moitié. Un changement marquant quand même, la présence d’une nouvelle organiste, Cora Fox, dont les interventions ‘semi vintage’, ‘semi-spectrales’ sporadiques mais judicieuses, apportent une nouvelle dimension à l’expression sonore. Au sein de laquelle on relèvera aussi des traces de surf, de folk lo-fi (« Sun-bleached ») et de drone. On a même droit à des lignes de guitare semi-bluesy dans un univers carnavalesque teinté de jazz et de punk sur « By the Sawkill » et du ‘doo wop’ sur « Fortune teller », le morceau le plus pop de l’elpee. Encore que parfois, ici les harmonies vocales, me font parfois penser à Supergrass. Mais le titre le plus intéressant est manifestement la plage finale, « Dog days », une compo de six minutes plongées dans une brume psyché prog/rock de la meilleure veine. Dommage que toute la plaque ne soit pas de cette trempe. Maintenant, il est probable que le quatuor de Long Beach (NDR : c’est en Californie) en est encore au stade de l’expérimentation la plus débridée…
Basé sur un projet imaginé par Iain Forsyth et Jane Pollard, « File under Sacred Music » est un spectacle qui s’inspire d’une cassette vidéo (NDR : de mauvaise facture) réalisée en 2003, immortalisant un concert mythique des Cramps accordé dans un hôpital psychiatrique de la Napa Valley, en 1978. La mise en scène se déroule à l’Institute of Contemporary Arts de Londres. Ce ne sont pas les Cramps qui jouent leur rôle, mais des musiciens soigneusement sélectionnés. Dont le chanteur des Parkinson’s, qui incarne alors celui de Lux Interior. Quant au public, il réunit des malades en traitement psychiatrique. De quoi largement susciter la controverse.
Maintenant, je cherche vainement un quelconque rapport entre ce spectacle et cette compile, qui réunit 22 titres des Cramps. Soit leurs singles et leurs flips sides réalisés entre 1978 et 1981. « The way I walk », « Surfin bird », « Human fly », « Garbageman », « TV set », etc. Ils y sont presque tous. Pour rappel, Lux Interior est décédé le 4 février 2009, à l’âge de 62 ans.
Icône du psychobilly, fruit du mélange de rockabilly, de garage-punk et de psychédélisme, cette formation mérite assurément son statut de légende. Tout particulièrement pour ses prestations ‘live’ incendiaires, mais aussi pour l’authenticité de sa vision du rock ‘n roll…
Pas la peine de revenir sur la personnalité et la carrière controversée de Booba divisant clairement bien au-delà des fans de hip-hop. Ses morceaux frôlent en effet constamment le mauvais goût. A cause de cette tendance à recourir constamment à l’auto-tune (« Scarface »), aux beats d’une lourdeur pachydermique et à caricature inutilement vulgaire (« Bakel City Gang »). Mais, au sommet de son art, Ellie Yaffa est capable de dévoiler de beaux moments sensibles et poétiques, comme sur le titre « Paradis », compo qui figurait sur son précédent opus. Son humour dévastateur hautement second degré (espérons-le en tout cas !) est même parfois susceptible d’être boosté par une avalanche de punchlines mythiques.
Un an après avoir publié le très inégal « Lunatic », le rappeur des Hauts-de-Seine nous propose « Autopsie 4 », son dernier mixtape. Et, plus que jamais, le rappeur testostéroné flirte avec le n’importe quoi et l’auto-parodie. Le problème est que, cette fois, les moments de grâce sont totalement absents et les textes très moyennement drôles. L’album touche même carrément le fond lors du ridicule « Cruella », interprété en compagnie de la médiocre Shay, dont les textes sont plutôt navrants. Et la liste des invités n’est pas, non plus, à rehausser le niveau : entre Linsen, Gato, Grödash ou Mala, rien n’est à épargner. Mal inspiré et mal entouré, « Autopsie » porte très bien son titre !
A bout de souffle, la ‘caillera’ de Miami ? Ce mixtape probablement produit pour renflouer les caisses, le laisse clairement le penser…
Non seulement Meg partage un duo en compagnie de sa sœur au sein des Baird Sisters (NDR : ben tiens !), mais elle milite également chez Espers, une formation folk-psyché responsable de deux album aujourd’hui. Et parallèlement, elle mène une carrière en solitaire. Elle a donc décidé de reprendre son petit bonhomme de chemin en solo, en publiant « Seasons On Earth », elpee qui succède à « Dear Compassion », paru en 2007.
Et comme la formule acoustique récolte un certain succès, pourquoi donc se remettre en question. La Philadelphienne n’est d’ailleurs pas du genre à relever de nouveaux défis. Elle n’a peut-être pas tout à fait tort, finalement, car même chez Espers ce style avait bien marché.
Tout au long de « Seasons on Earth », Meg Baird prouve sa maîtrise du genre. Toute la panoplie des instruments folk est représentée. De la guitare sèche à la slide. Subtils, toujours légèrement en retrait, parfaits, les arrangements sont destinés à mettre en exergue la voix de l’artiste.
Mais cette perfection est également à la fois le point fort et le point faible de cet opus. Car la demoiselle ne prend aucun risque. A tel point que « Seasons on Earth » devient, au fil de l’écoute, sacrément emmerdant. Une exception qui confirme la règle ? « Stream ». Probablement le meilleur morceau de la plaque. Mais franchement je suis resté sur ma faim. D’autant plus que la voix de l’Américaine est sans doute bien timbrée, mais n’affiche aucune personnalité. On est ici bien loin d’Alela Diane voire de Joana Newson.
« Seasons On Earth » est un album sympathique, sans prise de risque. Ou pour être plus cru : chiant et sans intérêt !
Dans l’art de créer des compilations inutiles, Béatrice Ardisson est passée maîtresse. L’ex-femme de l’animateur du même nom nous avait bien déniché quelques perles aux premières heures de sa saga « La Musique de Paris Dernière ». Aujourd’hui, la Parisienne se contente de fournir un travail que même le plus gauche des mélomanes peut effectuer de chez lui, s’il a du temps à perdre, à l’aide d’une simple connexion internet. Après Claude François, Indochine, David Bowie et Bob Dylan, les Beatles sont les cinquièmes artistes à faire l’objet d’une compile estampillée « Mania ».
« BeatlesMania » réunit 36 morceaux répartis sur 2 disques. Le premier, intitulé « Yesterday », est consacré à des reprises classiques et intemporelles des morceaux de Lennon et co, interprétées par des Nina Simone, Ella Fitzgerald, Al Green, Fiona Apple ou Caetano Veloso. Les 16 titres de cette première partie sont enchaînés de manière tout à fait conventionnelle et sans grande logique.
Le second disque, « Tomorrow Never Knows », propose 20 artistes contemporains s’essayant au même exercice. Certainement considérées par Béatrice Ardisson comme originales et/ou décalées, les reprises immortalisées sur ce second volet le sont assez rarement. Bien au contraire, certains des choix de la compileuse impulsive sont souvent banals (MayDay, Eckman, Poom, Girl from The Castle) et même parfois affligeants de nullité (Tamara Kaboutchek, Marshmallow, Minuscule Hey, Rubblebucket Orchestra). Allez, on lui accorde quelques points positifs quand même (Lampshade, Kid Francescoli, The Konki Duet, The Performers et CIRC), mais il en aurait fallu bien plus pour faire de « BeatlesMania » une compilation valant un quelconque détour.
S’offrir le luxe d’un ‘live’ à la BBC est, pour un tout groupe anglais digne de ce nom, un rite nécessaire et un passage obligé afin de bénéficier d’un minimum de crédibilité. Après avoir publié quatre albums, le temps était venu pour Tunng de compiler leurs différentes prestations accordées sur cette antenne lors des émissions de Rob da Bank, Lauren Lavern et Marc Riley, depuis leurs débuts accomplis en 2005.
Leur charmant folk naviguant entre ‘sunshine’ pop-folk et légères expérimentations électroniques le méritait en tout cas ! Ce ‘live’ est un parfait ‘best-of’ et réunit bien entendu leurs plus célèbres singles comme le tendre et imparable « Bullets » ou le magnifique « Jenny Again ». Le son est parfait (on est à la BBC tout de même !) et certains titres possèdent même un supplément d’âme par rapport à leur version originale, à l’instar de « Take » ou « Hustle ». Une improvisation ‘live’ réalisée en compagnie des Touaregs de Tinawiren sur « Tamatant Tilay » ainsi que des reprises de « Pioneers » de Bloc Party et de « Naked in the Rain » de Blue Pearl, complètent l’ensemble…
« This is Tunng… Live from the BBC » offre un bel aperçu des évidentes qualités du groupe britannique avant la sortie annoncée de leur nouvel album, prévue d’ici quelques mois.
Véritable idole pour les uns, interprète irritant pour les autres, on ne peut enlever à Mano Solo sa constante intégrité ainsi que son évident talent ! Pour rappel, victime du SIDA, il est décédé en 2010, à l’âge de 46 ans. Ce ‘live’ immortalisé à l’Olympia permet de rendre un dernier hommage au très attachant fils du caricaturiste Cabu. Depuis son premier album solo sorti en 1993, « La Marmaille Nue », Mano Solo s’était peu à peu –et avec succès– construit un univers de ‘gavroche’ passionné, lyrique et poétique. Le concert à l’Olympia s’est déroulé en 2009 et réunit des morceaux issus de ses différents albums –mais surtout de son dernier intitulé « Rentrer au Port »– dont les déchirants « Des Années Entières » et « Une Image ». Bien que l’artiste français semble souvent ‘surjouer’ en injectant dans son interprétation un sentimentalisme exacerbé, son interprétation poignante et ses textes d’écorché vif gomment rapidement ces considérations…
Les fans ne peuvent passer à côté de ce ‘live’ d’adieu. Depuis le Père-Lachaise, où il repose, Mano Solo peut être satisfait de ce dernier testament sonore, reflétant un condensé de son écriture si particulière et tellement humaine… Notons que les bénéfices de la vente de ce disque seront reversés à l’association Fazasoma (http://www.fazasoma.org )
La pochette est à l’image de ce projet original. Bertram Wooster revisite des poèmes anglo-saxons (Byron, Keats, Lear, Carroll, Frost, Yeats) à la sauce folk à l’aide d’instruments comme le ukulélé, le mini piano, le tambourin et l’accordéon. Le groupe s’articule autour d’Olivier le Blouch, qui définit ce premier opus comme une accumulation de coïncidences.
Belle harmonie pour une suite de hasards ! Si on parvient à passer au-dessus de son accent anglais, l’auteur nous propose un premier album cohérent et agréable à écouter, malgré ce qui peut parfois apparaître comme un manque de relief. On pense parfois à Charlotte Gainsbourg et son album « IRM », tant la voix est douce voire fluette. Les parties plus instrumentales évoquent quant à elles Yann Tiersen.
Il faut plusieurs écoutes pour adhérer à cet univers particulier. Le disque s’ouvre sur une ballade. Puis « The Owl and the Pussycat » est plus sautillant, et marque vite les esprits.
« Into my own », limité uniquement au piano et à la voix, est fort joli même si les ivoires prennent souvent le dessus et empêchent la bonne compréhension du texte.
« The Walrus and the Carpenter » débute un peu mollement par une intervention à la flûte ; puis au bout de 2 minutes, on vire dans un son plus rock : surprenant et enjoué.
« When we two parted » s’accompagne d’un air de piano que l’on retient. Mais à nouveau, on passe à côté de la poésie des textes en raison de l’accent. Mais aussi parce que les instruments couvrent la voix. « To time » est plus jazzy jazzy, plus mélancolique.
« The Duck and the Kangaroo » s’inscrit dans une lignée plus pop et se clôture par une petite dose de dérision caractérisée par des cris à la Donald Duck. Les deux derniers titres clôturent le tout en douceur.
Un petit album qui se défend donc bien et trouvera aisément sa place dans votre compactothèque, lors d’une soirée tranquille.
Vous ne connaissez pas Manu Larrouy ? Mais si bien sûr ! On parie ?
« Un mec à la coule », un tube qui a déferlé sur les ondes pendant l’été 2009, c’est lui le responsable !
‘Politiquement incorrect’, ce jeune Parisien d’adoption, né à Toulouse il y a déjà 37 ans a mis du temps à se faire une place au soleil. C’est Diam’s qui lui met le pied à l’étrier en lui ouvrant les portes chez Universal. Il enregistre son premier album au Fish Market à Londres, en compagnie de Mike Prince Fatty’ Pelanconi, alors réalisateur de Lily Allen, Graham Coxon et Manu Chao. Il entame sa tournée et partage des scènes en compagnie de M, Anaïs, Thomas Dutronc, Daniel Darc, Tryo ou Marc Lavoine...
Sa petite carrière débutée il y a seulement 5 ans, Manu opte déjà pour un grand changement. Délaissant le style ‘rentre dedans’ d’« Un mec à la coule », il opte pour un tout autre genre.
Délocalisé dans la capitale, c’est la chanson d’amour qui sera le fil conducteur de son second elpee. Dur, dur, comme choix, un peu à contre-courant de nos jours… Et pourtant, délaissant les rythmes jamaïcains pour un univers plus électro-pop/french touch, notre homme, dont l’expression sonore campe un croisement parfait entre Daho et Chamfort, fait le bon choix.
Bien secondé par l’ancien guitariste et songwriter orfèvre des Innocents, Jean-Christophe Urbain, et l’ingénieur du son Jean-Paul Gonnod (Phoenix, Cassius…), Manu délivre 11 plages de toute bonne facture. A l’aide de textes savoureux, frivoles, émotifs, mélancoliques, Manu nous balade dans les chemins parfois tortueux de l’amour. Ses hauts et ses bas, ses joies et ses peines. Les poussant parfois jusqu’à l’extrême limite, comme la séparation, difficile et triste à vivre…
Musicalement, dès l’entame de « Toi sans moi », titre inaugural, on (re)plonge dans des sonorités synthétiques des eighties. Larrouy fait renaître des souvenirs, références à des artistes à la carrière éphémère et aujourd’hui oubliés.
En se servant de mots simples mais superbement utilisés et des musiques aux accents électro-rétro qui accrochent directement les tympans, Manu Larrouy réussit un pari audacieux.
Drôle, émouvant, entraînant, loin d’être idiot ou niais, cet album de chanson française marche à contre-courant de son époque, mais devrait accomplir son petit bonhomme de chemin, j’en suis presque sûr !
Histoire de ne pas se faire oublier entre deux albums, Rodrigo y Gabriela se démènent comme des diables. Près de trois ans se sont écoulés, depuis la publication de leur dernier LP, « 11:11 ». Trois ans au cours desquels le duo s’est distingué en passant de petites salles aux plus grandes scènes de festivals internationaux, sans compter leur prestation exclusive pour le président Obama. Puis, en collaborant à deux B.O. de films (« Pirates des Caraïbes 4 », « Le Chat Potté ») et en éditant en juillet dernier leur troisième disque ‘live’, enregistré à Paris.
Les Mexicains nous reviennent pour un quatrième recueil qui, n’en est pas vraiment un. Tout au long d’« Area 52 », Rodrigo Sanchez et Gabriela Quintero tentent de se réinventer. Comment ? En bénéficiant de la collaboration de C.U.B.A., un collectif réunissant pas moins de treize musiciens originaires de la Havane. Mais la pirouette du duo commence et s’achève au sol, sans le moindre instant de gloire.
Rodrigo y Gabriela se contentent ici de reprendre une série de morceaux initialement impeccables, extraits de l’ensemble de leur discographie, et de laisser C.U.B.A. les massacrer. La nature et l’essence même des exercices de style accomplis par les deux virtuoses de la guitare sont complètement saccagés par des arrangements parfois grandiloquents, souvent inutiles. Les hommages qui faisaient la force de « 11:11 » tendent légèrement vers le plagiat dans leurs versions orchestrales. Plus particulièrement « Hanuman », plage qui aurait pu introduire une œuvre de Santana sans que l’on puisse y noter une quelconque différence.
« Area 52 » de Rodrigo Y Gabriela and C.U.B.A. est la bande-son parfaite si vous souhaitez organiser une Quinceañera. Ou si vous êtes fan du duo jusqu’au bout des ongles. Sinon, faire l’impasse sur cette incartade des guitaristes est hautement recommandé.
Reste que le résultat sera peut-être différent sur les planches. Réponse le 26 février à Bruxelles, au Cirque Royal.
Il y a longtemps que les fans belges de The Pains Of Being Pure At Heart brûlaient de voir le quartet fouler les planches d’une salle de la capitale. Et ce sont celles de l’Orangerie du Botanique qui ont eu le privilège de se frotter aux semelles de la bande à Kip Berman, ce 17 janvier. Un passage tonitruant, à deux doigts du sold out, qui marque le départ d’une année riche en bonnes surprises. Enfin, on peut toujours rêver…
En mars dernier, The Pains of Being Pure At Heart effectuait un passage remarqué sur la scène de la salle courtraisienne De Kreun, en compagnie de Cloud Nothings. Cette fois, c’est au centre du pays qu’il a jeté son dévolu pour y dispenser son shoegaze entêtant. A l’instar de leurs ritournelles, Kip et ses potes sont du genre simple et efficace sur scène. Pas de première partie, aucun artifice. Juste quatre amis, auquel se greffe un cinquième pour la mouture live, venus délivrer le meilleur de leur discographie. La première demi-heure est assez timide, une période au cours de laquelle les morceaux extraits de leur œuvre éponyme font de l’ombre aux extraits de « Belong ». Seul « Heart In Your Heartbreak », interprété en début de set, se détache vraiment du reste.
Pendant la seconde partie du set, Kip délie sa langue, remercie le public de sa présence et exprime ses regrets quant à la tragédie du Pukkelpop 2011 auquel la formation aurait dû participer. The Pains n’est pas une usine à tubes mais parvient à retenir l’attention de bout en bout particulièrement grâce à « Everything With You », « Young Adult Friction », « My terrible Friend », l’excellent « Come Saturday » ou encore « Higher Than The Stars ». La comparaison avec The Jesus & Mary Chain est certes facile mais n’en est pas moins évidente. On ne peut pas dire que l’ensemble claque à 100%, mais la prestation des New-Yorkais est plus que respectable et file droit, sans bavure. Après une bonne heure de distos résonnantes, Kip propose au public de les rejoindre au bar et tire sa révérence sur des « Say No To Love » et « Contender » qui font oublier la lenteur du démarrage de la soirée. The Pains Of Being Pure At Heart est une formation à gros potentiel, armée de quelques morceaux incontournables qui filent instantanément la banane. Reste à voir s’il parviendra à se renouveler par la suite. Car un troisième album dans la lignée directe des deux précédents risquerait fort bien d’être pointé du doigt comme étant le disque de trop.
Organisation : Botanique
C’était une évidence, l’immense talent de Baxter Dury devait un jour rencontrer le succès escompté ! Ses petites constructions pop foutraques ont en effet tout pour séduire un large public ; plus large en tout cas que celui récolté jusqu’à la sortie de son dernier album, l’inestimablement décalé « Happy Soup ».
Un nouveau statut attend donc le fils d’Ian Dury (membre des Blockheads, aujourd’hui décédé, et responsable du fameux « Sex, Drugs & Rock n’ Roll ») grâce au mini-tube « Claire ». C’est donc au sein d’une Rotonde affichant complet que le dandy anglais débarque –vêtu d’un costard bien entendu– en affichant une nonchalance désarmante. A l’aise dans son ensemble très british, Baxter semble toutefois épuisé et nous raconte d’ailleurs les péripéties vécues au cours de sa nuit agitée, d’un accent cockney à couper au couteau. Entouré de 4 musiciens, dont la très jolie Madelaine Hart qui le soutient aux claviers et aux chœurs, il refourgue d’emblée « Isabel » et « Claire » comme pour se débarrasser d’un poids. Son interprétation est convaincante mais l’Anglais ne semble pas réellement réveillé. C’est après avoir ingurgité quelques bières et un cognac –demandés et offerts par une admiratrice– qu’il commence à émerger, pour offrir, à un auditoire très réceptif, des morceaux principalement issus de ses deux derniers albums (« Floor Show » et « Happy Soup »). Pour notre plus grand bonheur, le concert va aller crescendo et Baxter Dury de nous réserver quelques moments de pur bonheur pop, empreints de mélancolie, parmi lesquels j’épinglerai « Oscar Brown », « Cocaïne Man » et « Hotel in Brixton ». L’artiste semble heureux d’être là et les partage, en toute simplicité, avec son public. Ses musiciens assurent. Pas un moment faible, chaque chanson est un mini-tube, en puissance…
On risque encore de parler beaucoup de Baxter Dury, le magnifique crooner du pauvre, dans les prochains mois.
A redécouvrir absolument le 17 mai aux Nuits Botanique !
(Organisation Botanique)
Mazette, pas mal d’eau a coulé sous les ponts depuis la sortie de cette pépite.
Alors, pourquoi y revenir ?
Parce qu’il est essentiel. Et que je ne me pardonnerais pas de ne pas en parler.
Paramount Styles brille à l’in(star) d’étoiles suspendues précieusement au firmament de mes rêves inachevés.
Un scintillement infaillible dans une nuit épaisse. Une douce aura qui ne faiblit pas.
Un scintillement certes discret dans la galaxie, mais un scintillement qui me rassure.
Qui me confirme constamment ce que je sais pertinemment.
Qu’importe le succès, qu’importe la reconnaissance. Au diable les richesses, au feu les ambitions démesurées. La vérité réside dans l’authenticité.
Paramount Styles, c’est Scott McCloud, ex-Girls VS Boys.
C’est une histoire banale du Rock And Roll circus.
C’est la fable du génie méconnu qui œuvre pour son art et se fout des conventions.
Avec honnêteté et fierté.
« Heaven’s Alright » ne va pas révolutionner le monde de la musique.
Scott s’en fout.
Cet album ne va pas se vendre à des mille milliards d’exemplaires et être multi disque d’or à travers le monde.
Scott McCloud s’en fout.
Paramount Styles ne remplira jamais un stade.
Paramount Styles s’en contrefout.
Ce CD n’est pas le meilleur de tous les temps.
Et moi, je m’en fous.
Parce que cet album est tout simplement vrai.
La voix de son interprète a des inflexions qui ne trompent pas.
Ça sent le vécu.
Les textes ne laissent pas place au doute.
« Les cicatrices du passé » titrais-je lors de leur passage l’an passé dans la Rotonde du Botanique.
Voilà. Scott McCloud saigne mais ne se lamente jamais.
Et ce deuxième opus est un pansement, un onguent sur les brûlures de la vie.
Jamais il ne déborde dans le pathos, toujours droit et digne. Magnifiquement digne.
Les larmes ne se font jamais intrusives. Tout en retenue, elles se glissent et s’immiscent.
« Take Care Of Me » en ouverture. Chanson sur le manque. Le pardon. L’Amour.
Simple et efficace. Les cordes (sensibles) vibrent dans la tourmente.
Sur le Vieux Continent, entre Amsterdam (« Amsterdam Again ») et Prague (« The Girls Of Prague »), Scott roule sa bosse.
« Heaven’s Alright » est âpre. Jamais mièvre.
Même quand les chœurs féminins font ‘Ouh-Ou’h.
Même quand le décor se fait plus masculin.
Confessions intimes (« Desire Is Not Enough », « The Greatest » ou les aléas d’un grand groupe passé à la trappe de l’oubli), les paroles sont couchées, crachées, digérées, assumées.
Le tout se termine dans la meilleure version à ce jour de « Come to Where You Are », soit celle captée au Stuk de Louvain en 2009. Pas parfaite. Juste sincère. Et vraie. Profondément vraie.
Toute en crescendo et en puissance, tourbillonnante, elle secoue les tripes et laisse pantelant. Comme un « Creep » de Radiohead qui n’aurait jamais eu l’occasion de lasser.
Pour l’anecdote, Scott est entouré dans son projet par deux de nos compatriotes, dont Simon Lenski (DAAU) et Alexis Fleisig à la batterie (ex… Girls VS Boys)
Pour l’anecdote, Paramount Styles est l’une des meilleures formations en activité.
Pour l’anecdote, je suis un grand fan.
Mais peut-être l’aviez-vous deviné ?
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