2 Grammes est un collectif parisien fondé, il y a 3 ans, à Paris. Il nous propose aujourd’hui son premier Ep. Autoproduit, il est découpé en 5 titres. ‘2 Grammes 2 Groove’ proclame fièrement le sextet. Et on ne peut lui donner tort, tant leurs compositions incitent à se déhancher lascivement sur les rythmes hypnotiques proposés par ces mercenaires du groove. Au menu, un mélange de world, de funk (la basse), de hip hop (les claviers), de jazz voire de free jazz (les cuivres), d’électro et de rock progressif. Et à l’aide de ce cocktail improbable, le combo français est parvenu à se forger une identité unique et originale. De quoi apaiser les esprits les plus excités. Quant aux samples, ils confèrent, en outre, une dimension cinématographique à certains titres, à l’instar de « Run Sucker Run » ou encore « Dragon » (composé à la mémoire de Bruce Lee). La ligne de basse funkysante est souvent slappée. Elle est parfaitement soutenue par une rythmique technique et inventive, pendant qu’en total free style, les cuivres illuminent l’espace sonore de leur omniprésence. On a même parfois l’impression d’assister à une jam session improvisée dans une arrière-salle enfumée et obscure. C’est d’ailleurs l’endroit où Les 2 Grammes doivent faire un malheur : la scène. Pour le vérifier, faudrait donc pouvoir assister à un de leurs sets. Quand passent-ils près de chez nous (vous) ? Seulement ‘2 Grammes 2 Groove’ mais une tonne de talent ! Notons également l’excellente qualité de leur production…
Cet opus, on a l’impression de l’avoir déjà entendu… lors de nos années lycée, dans le garage de potes qui répétaient tous les samedis du Metallica et s’essayaient à la création pendant de longues mesures ininterrompues (NDR : professionnalisme en plus, et émotions adolescentes arrivées à maturité). C’est en 2007, à Bayonne, que le projet Mityx prend son envol lorsque Martin (chant/guitare) rejoint Damien (multi-instrumentaliste). Leurs facultés respectives se compléteront pour offrir un rock sombre et lyrique.
« Muses are no more » constitue leur premier album. Il fait suite à la publication de quelques Eps. Son titre est désenchanteur. Sorti en 2009, il est disponible uniquement en format numérique sur des plateformes en ligne (notamment pepita.fr qui a participé à leur lancement). Les premiers accords nostalgiques offrent le ton général qui règne sur le reste du disque et, malgré le rythme acéré du début, l’album ne décolle pas comme on pourrait espérer. Telle n’est pas non plus l’intention des deux protagonistes, qui préfèrent miser sur les ambiances ténébreuses, tout en lancination, plutôt que sur le rock brut et énervé. Les nombreuses longueurs octroient aux 12 titres lenteur et lourdeur –que les férus du style savoureront– comme chez Dinosaur Jr en live, par exemple. Les morceaux planants soulignent les émotions, mais tentent à s’égarer aussi…
Si l’on déplore le léger accent français du chanteur, que l’on critiquait chez Mud Flow, on épinglera les affinités entre sa voix et celle de Dave Gahan –un coffre qui s’impose, donc– autant dans les intonations que dans la création des mélodies, le tout enrichi de quelques reflets d’Interpol et, un peu plus loin, des Killers ou de Franz Ferdinand. Soutenues par une batterie solide, les guitares sentent la recherche de riffs distordus indépendants à la Johnny Greenwood (« Boarding Time », qui trahit une certaine résonnance avec « OK Computer »), agréablement rétro, ainsi qu’une atmosphère qui rappelle Ghinzu (notamment le clavier sur « Capharnaum ») et se révèle propice à d’éventuels singles (« PFP », « Riot Under The Storm »). L’unique touche de légèreté est d’ailleurs incarnée par le piano, inopinément, sur « Interlude 3 ».
On pourrait se demander si le combo possède une formation classique, tellement leur musique est… harmonique (à l’exception de « Tell a New Tale » sans doute plus farouche). Car « Muses Are No More » a été créé dans la pure tradition rock, dont les schémas nous sont aujourd’hui transparents, et manque ainsi légèrement de surprise… La formation, dont le nom convient parfaitement à leur rock élégiaque, se veut transmetteur d’émotions intenses et efficaces, et on leur reconnaitra la cohérence du style qu’ils tiennent d’un bout à l’autre de l’elpee. Un bon départ pour le groupe dont on espère qu’il sortira davantage des sentiers battus pour son prochain opus.
« Undeniable » constitue le dernier elpee de Shawn Pittman. Autoproduit, c’est son huitième destiné au marché américain. Et il a été enregistré aux States. Aux studios Wire Recordings, à Austin. Shawn est soutenue par Pat Schramm à la basse et à la guitare rythmique ainsi que du drummer notoire des T-Birds, Jason Moeller (T-Birds). Le titre de l’elpee est lourd de signification : la musique reproduite sur cet opus baigne dans le texas blues. Et elle est basique, sans la moindre fioriture. Et émane de tout ce qui touche à Pittman. Ou que Pittman touche : sa guitare, son ampli, ses doigts, ses compos…
"Hard to hold on" ouvre l’elpee dans ce style texan, décrit dans le premier paragraphe. Les notes dispensées par Shawn sont parcimonieuses, mais franches et directes. Et le résultat est excellent. Shuffle classique, "Young girl" semble émaner en ligne droite du chaudron d'Austin. Pittman est uniquement épaulé par sa section rythmique. Il chante son couplet avant de rapidement s’évader aux cordes. Son exercice de style, il l’accomplit sans filet. Et il s’en sort impeccablement. Il récidive tout au long de "Change of heart". La voix de Shawn n’est gère assurée, mais elle tient la route. Dès qu’elles en ont l’opportunité, les cordes prennent le large. "Who's your man" est imprimé sur un tempo extrêmement rapide. Un boogie blues converti en rock'n'roll furieux. Pat Schramm assure une rythmique implacable ; ce qui permet au leader de se divertir à souhait. Très offensif, "The hard way" est un autre shuffle. Les musiciens montent en puissance. Leur pouvoir de séduction progresse, mais dans la mélodie. Blues lent, "Somebody please" transpire le vécu. Une compo troublante, brûlante, au cours de laquelle l'artiste baigne dans son élément. Son timbre a retrouvé tout son aplomb. La section rythmique est sur le velours. Elle n'a plus qu'à porter le leader qui atteint alors le sommet de son art. Superbe! "Righteous woman", la plus longue plage de l'opus, s'étire paresseusement. Pas d’effervescence, mais une incontestable efficacité. Le rythme décélère encore tout au long de "Sucker for love". Shawn sort le grand jeu et nous livre un solo d'une pureté inouïe. Mr Pittman est passé derrière le piano lors du boogie woogie instrumental "Blues for Juanita". Et il tire parfaitement son épingle du jeu. Slow blues, "Mindin' my own business" navigue sur le delta du long fleuve tranquille. La guitare concède des accents métalliques. Très sonore, amplifiée, la basse de Pat établit l'assise nécessaire pour accomplir ce type d'exercice de style. L'album s’achève par un excellent instrumental : "Lookin' good", un boogie shuffle très dynamique. La guitare nous prend à la gorge et ne nous délivre de son étreinte qu'à la toute dernière note.
Il y a deux ans, Shawn a signé chez Feelin' Good Productions, une boîte italienne dirigée par le Transalpin Tano Ro. Le label avait déjà publié "Moovin' and groovin", une compilation consacrée aux quatre premiers albums de Pittman. Lors de sa 10ème tournée accomplie outre-Atlantique (NDR : c’était en novembre 2009), le jeune Texan comptabilisait 18 dates de concerts en 19 jours. Il lui restait une seule date de libre. Au cours de laquelle il s’est rendu aux studios Electric Honey. Après 4 heures de travail acharné, il avait mis en boîte ce "To hot".
L’elpee réunit quinze plages dont une majorité de reprises. Shawn est soutenu par son backing band de tournée. Ils sont tous de nationalité italienne : Martin Iotti à la basse et Emanuel Zamperini aux drums. En outre, il a invité l’harmoniciste Max Lugli, le leader des Helltones qui participe à plusieurs compos. La voix de Pittman diffère très fort de ce qu’il nous propose en studio. Elle est très certainement fatiguée par l’accumulation de prestations concentrée sur une brève période. Le tempo s’avère, en général, plutôt uniforme, même si on y recèle davantage de morceaux rapides.
La plage d'ouverture est royale. Une reprise du "How many more years" de Howlin' Wolf. Le concours de Lugli à la musique à bouche est déterminant. Ses interventions sont versatiles. L'offensive est lancée. Imprimé sur un tempo vivace, "Secret weapon" véhicule des accents louisianais. Surtout au niveau du chant… qui me fait penser à Lazy Lester. Aussi, on n’est pas trop surpris lorsqu’il adapte aussitôt son "The same thing could happen to you". Le rythme est implacable. Les cordes vocales sont épuisées, corrodées. Mais l’organe est idéal reprendre cette chanson issue des swamps. Pittman appuie sur le champignon pour attaquer le classique de Larry Williams, "Slow down". Du pur rock'n'roll. Idéal pour se déhancher devant les planches. Pas de répit, puisqu’il embraie par "Geronimo rock", un boogie rock issu de la plume de Jerry McCain. Sans transition, il aborde "Next door neighbor". Max Lugli opère son retour à ses côtés. Une intervention au cours de laquelle, le souffleur de Reggio étale toutes les facettes de son talent. La machine est en surrégime. Et persiste dans son emballement sur l’instrumental très rythmique, "Lookin' good". Place ensuite au hit texan "My love is here to stay", une compo signée Anson Funderburgh/Sam Myers. Shawn incarne le rôle d'Anson. Max celui du regretté Myers. L’adaptation du "Can't stand to see you go" de Jimmy Reed nous replonge en Louisiane, un morceau au cours duquel Mr Lugli souffle dans les aigus avec un réel bonheur. Pittman nous réserve encore quelques shuffles fricotés à la sauce texane : "Play a little while", "Business man" et le "Where you get your sugar from" d’Eddie Kirkland. Pittman parvient quand même à changer quelque peu de registre. Notamment en sculptant dans le funk "Burnin' up", titre maître de son elpee publié en 98, et le "Reap what you sow" de Mance Lipscomb. La sortie est aussi royale que l'entrée. Il s’agit du titre maître. Une compo écrite par Jerry Mc Cain, un fabuleux harmoniciste né en 1930. Et inévitablement, Max Lugli participe à cette version remarquable. La brûlure ne dure que trois bonnes minutes. Mais elle est intense.
Il faut le reconnaître, Oasis a marqué toute une génération. Tout comme Blur, par ailleurs. A l’instar de la rivalité entre les Beatles et les Stones, celle entre les deux groupes-phares britanniques des nineties, va permettre d’alimenter les tabloïds. Et surtout aux deux groupes de vendre des millions de disques. Oasis, c’était avant tout les frères Gallagher, Liam et Noël, dont les rixes étaient rituelles. Et la dernière, qui s’est produite en août 2009 (c’était lors du festival parisien Rock en Seine) a mal tourné. Puisqu’elle a scellé l’aventure de la formation. Du moins, provisoirement (NDR : les fans peuvent toujours espérer, Les Mancuniens n’en sont pas à leur première réconciliation). N’empêche la brouille semble persister, puisque Liam a fondé un nouveau groupe, en compagnie de ses anciens acolytes, Beady Eye (NDR : un premier elpee, enregistré sous la houlette de Steve Lillywhite, devrait sortir d’ici quelques mois), et a monté sa propre boîte de production. Noël a entamé une carrière solo depuis…
« Time flies… 1994-2009 » réunit tous les singles issus des différents albums d’Oasis. Depuis « Supersonic » à « Falling down », en passant par « Wonderwall », « Cigarettes & alcohol », « Don’t look back in anger », « Some might say », en j’en passe. 26 en tout. Un superbe box incluant un booklet de 12 pages, au sein duquel figurent les paroles des chansons, un dvd réunissant 36 clips-vidéo ainsi qu’un cd live, immortalisant un concert accordé le 21 juillet au Roundhouse de Londres. Un véritable testament !
La première décennie de ce troisième millénaire a été marquée par une profusion d’artistes féminines se réclamant du folk traditionnel. De Joanna Newson à Alela Diane, ce n’est pas le brio qui manque. En général, toutes ces compositrices abordent des thèmes liés à la nature. Au cœur d’une ambiance hippie ou chamanique, elles aiment communiquer avec les esprits de cette Amérique oubliée, retrouver leurs racines. Si cette scène recèle de nombreuses artistes talentueuses, il faut reconnaître que la ligne commence à être encombrée. Et si souvent la qualité est au rendez-vous, c’est l’originalité qui commence à faire défaut. Aussi, pour les dernières arrivées, difficile de se faire une place au soleil. Surtout quand on n’a rien de vraiment neuf à proposer…
Mountain Man est un trio issu du Vermont. La région est boisée et parsemée de lacs. Idéal pour se lancer dans une aventure folk… Molly Erin Sarle, Alexandra Sauser-Monnig et Amelia Randall Meath se connaissent depuis le collège. Elles partagent une même passion pour le chant. Et de fil en aguille se décident à composer. Se réunissant régulièrement dans le salon de l’une ou l’autre jeune fille. C’est d’ailleurs au sein de l’un d’entre eux que « Made The Harbor » sera enregistré. A l’aide d’une guitare acoustique, les trois Américaines vont alors poser leurs voix sur leurs chansons aux mélodies douces et apaisantes. Les harmonies vocales sont parfaites. Mais si leur approche minimaliste ne manque pas de charme, au fil du sillon, elle commence à nous assoupir. Et même à nous endormir. C’est même plus efficace qu’un somnifère.
Bref, si vous cherchez un fond sonore pour faire la sieste, je vous conseille vivement ce « Made The Harbor ». Il pourrait même vous aider à dessiner de beaux rêves. Si le fait même de somnoler vous horripile, tournez-vous plutôt vers les classiques du genre. Au moins, pas de risque de tomber en léthargie…
Peu nombreux sont ceux pour qui le nom de Natalie Merchant n’évoque l’once d’un style ; la dame est pourtant sur scène depuis longtemps. Elle a accompli ses tout débuts au sein des 10,000 Maniacs, il y a 30 ans... En 1995, elle quitte son groupe et s’impose modestement en tant qu’artiste solo. Notoire pour sa prose sentimentale et son indépendance créative, la chanteuse poursuit sur la même voie, en publiant aujourd’hui “Leave your sleep” ; mais elle a peut-être poussé la réflexion un peu trop loin.
En alignant des titres prometteurs de spiritualité, Natalie Merchant explique que sa collection de chansons est le fruit des conversations entretenues avec sa fille au cours des six premières années de sa vie, toutes illustrées par des poèmes anglo-saxons des siècles derniers, sélectionnés soigneusement (elle mettra 5 ans). On entre alors dans un univers allégorique où les histoires de marins, d’animaux et de cirques ambulants se chevauchent lors de récits sucrés de princesses et de gitans, de sorcières et de géants.
Dans une instrumentation générale de ‘folk américain’ et ‘folklore européen’ à majorité acoustique, les fables sont contées au moyen de genres musicaux bien identifiables : outre son début celtique tout en cornemuse irlandaise et violon ‘de rue’, qui nous fait retomber au niveau des Corrs (« Nursery Rhyme of Innocence and Experience »), l’album recèle quelques jolies ballades (« The Man in the Wilderness »), mais trahit aussi des influences tziganes (« The Dancing Bear »), country bluegrass (« Calico Pie », « Adventures of Isabel »), accès de pur blues (« The Janitor’s Boy », « Bleezer’s Ice-Cream ») et de reggae (« Topsyturvey World »), pour finir sur une musique cinématographique violoneuse (« Spring and Fall : to a Young child »).
En gros, beaucoup d’effets de style et des textes empruntés pour peu d’originalité. La voix veloutée et nasillarde dans les aigus n’offre, vu sa modeste tessiture, pas plus de reflet que l’ensemble. Et pourtant, parmi la dizaine de collaborateurs sollicités pour participer à la confection du disque (NDR : une procédure identique que pour ses albums précédents), n’ont été choisis que celle est ceux dont l’expertise était avérée. Le ton général folk aux touches fiddle n’est pas ce qui existe de plus excitant et ne bénéficie malheureusement pas non plus d’un effort d’actualisation thématique ou musicale. L’album puise son mérite dans la poésie et les symboles, car l’approche y est plus textuelle et conceptuelle que musicale.
Love Is All est une formation suédoise (NDR : issue de Göteborg, très exactement) qui ne jouit guère d’une grande notoriété, hors de ses frontières. Et pourtant, elle en est déjà à son troisième album. En outre, ses deux premiers avaient reçu d’excellentes critiques, de la part de la presse spécialisée. David Bowie n’avait d’ailleurs pas hésité à leur emboîter le pas. Une fameuse référence !
Les compos figurant sur « Two Thousand And Ten Injuries » ont été écrites à l’issue de leur dernière tournée. Au sein de leur environnement natal. Cool. Sans aucune pression. Et le résultat va au-delà de toutes les espérances. Pas le moindre titre faible sur cet opus. La voix de Josephine Olausson communique le même enthousiasme à une pop ensoleillée, pétillante, rafraîchissante, grisante, éclaboussée de quelques accents punk. La musique de Love Is All évolue à la croisée des chemins d’Architecture In Helsinki (NDR : également chez Polyvinil) et Los Campesinos ! Tout en parvenant à y intégrer des éléments noisy. C’est d’ailleurs ce qui en fait sa singularité. Le tout enrichi circonstanciellement d’interventions de saxophone et de chœurs. Un coup de cœur ? « Kungen ». Une plage qui lorgne manifestement vers les Beach Boys.
Vu la canicule, je vous conseille de consommer ce disque d’urgence. Et sans modération…
Si on vous parle d’Afrique du Sud, aujourd’hui, vous n’allez pas me répondre en termes de Bafana Bafana, mais de vuvuzelas. Et pourtant, une formation indie est parvenue, là-bas à faire son trou. Elle a même gagné le prix du meilleur album de musique alternative lors des Awards décernés dans leur pays. Ce qui lui a permis, lors de la cérémonie d’ouverture de la dernière coupe du monde de football, de s’y produire en compagnie d’Alicia Keys.
Non seulement le combo a apporté une jolie pierre à cet édifice, mais il est devenu une véritable vitrine pour l’Afrique toute entière. Et l’occasion était donc belle pour BLK JKS (à prononcer Black Jack) de sortir un nouvel Ep. Intitulé « Zol ! », il fait suite à « After Robots », publié l’année dernière.
Sur ce disque, le band est parvenu à se démarquer davantage de ses influences, lorgnant même carrément vers le psyché rock de Mars Volta. Cinq titres interprétés tantôt en anglais, tantôt en zoulou, qui vibrent au son des rythmes africains, rivalisant d’exotisme (« Hetys »), de psychédélisme et (« Paradise ») ou même d’ambient (« Zol ! »).
En concoctant cet Ep, BLK JKS vient d’élargir son espace de créativité. Ce qui devrait lui permettre de forger sa propre identité, sans pourtant renier ses racines. Le combo est peut-être occupé d’ouvrir une voie à un Continent dont l’affirmation de soi se fait de plus en plus forte. Continent dont on a d’ailleurs beaucoup à apprendre.
Responsable de ‘petites chansons’ d’amour très particulières, Anaïs a décidé d’immortaliser ses chansons interprétées en ‘live. Où ? Aux Francofolies de La Rochelle. Quand ? L’an dernier.
Comme d’habitude, la (re)belle grenobloise caricature grossièrement la relation amoureuse ou tout simplement le ‘couple’ dans ce qu’il y a de meilleur mais aussi souvent de pire… Un peu d’humour et de dérision ça passe. Tout au long d’un même cd, ça lasse. D’autant plus qu’il est pimenté, entre les différents morceaux, de commentaires et autres intermèdes du style. Et à la longue, son attitude devient vite agaçante et difficilement supportable ! Les titres ? Vous les connaissez tous. Donc, pas de surprise. Son tracklisting épingle tous les classiques. Depuis « Christina » à « Mon cœur, mon amour », en passant par « Le premier amour » ou encore « Peut être une angine ». Le tout complété par quelques compos un peu moins connues du grand public.
« Short Version » ? En existerait-il une longue ? Pas du tout ! Alors pourquoi baptiser son opus live d’un tel titre ? Et bien tout simplement pour deux raisons : la setlist est plus courte qu’un concert classique, et lors de cette prestation accordée aux Francofolies, Anaïs était vêtue d’un short ! L’explication vaut ce qu’elle vaut ; et pourtant, c’est la réalité. Il suffit de jeter un œil sur la pochette… Hormis ces quelques défauts, il faut reconnaître que la chanteuse démontre, tout au long de cet elpee live, qu'elle est une fameuse show girl, capable de se débrouiller plutôt entre plusieurs styles : rock, pop, r'n'b ou chanson française, ... En outre, elle parvient à enflammer son public, qui chante et s'éclate en même temps qu'elle ; surtout lors de l'intro de « Mon cœur, Mon amour », une interprétation très réussie au cours de laquelle, elle emprunte plusieurs gimmicks de guitare ultra-connus.
Aujourd’hui âgée de 34 ans, la jeune femme avait entamé sa carrière en 2003, au sein d’un groupe ‘illustrement’ inconnu répondant au patronyme d’Opposum. Un combo qu’elle a quitté en 2004 pour embrasser une carrière solo. Son premier elpee, « Cheap Show », sorte de ‘one-woman-song’ oscillait entre folk, blues, rock, rap et r'n b' (!?!!) Armée d'une simple guitare acoustique et d'une pédale, elle bouclait en live sa voix.
Mais c’est en 2005 qu’elle va enfin se révéler. Les médias vont alors découvrir sa première incursion dans les histoires de couple, à travers "Mon cœur mon amour". Le reste, vous le connaissez…
Le « Live Short Version » d’Anaïs est donc un condensé de 6 années de carrière solo qui se laisse écouter ; mais seulement à doses homéopathiques…
Lorsque Graham Nash a écrit les chansons de son premier album solo, “Song for Beginners”, il venait à la fois de rompre avec sa dulcinée, Joni Michell, et en même temps de connaître le premier split de CS&N (NDR : il y en aura plusieurs, mais aujourd’hui encore, le trio tient toujours la route). Cette époque vivait également l’escalade de la guerre du Vietnam et la perte des valeurs idéalistes cultivées au cours des sixties (NDR : le fameux peace & love !). Le disque est alors paru en 1971.
Près de 40 ans plus tard, la fille de Graham, Nile a décidé de rendre un hommage à son père en invitant toute une série d’artistes pour interpréter les chansons de ce « Songs for Beginners ». Y sont impliqués Brendan Benson (Raconteurs), Vetiver, Robin Pecknold (Fleet Foxes), Bonnie ‘Prince’ Billy, les Moore Brothers, Alela Diane, Sleep Sun et Nile (pour deux titres), sans oublier les deux versions nées de collaborations. Une entre Port O’Brien et Papercuts. L’autre entre Mariee Siioux et Greg Weeks (Espers). Certains sont parvenus à donner une coloration toute personnelle aux adaptations. D’autres ont préféré respecter la forme originelle. Mais une chose est sûre, les 11 versions sont vraiment superbes.
Retribution Gospel Choir, c’est le projet alternatif d’Alan Sparhawk, le leader de Low. Dans cette autre aventure, il a entraîné son bassiste Steve Garrington pour pallier au départ de Matt Livingston. Et engagé le drummer Eric Pollard, pour compléter le line up. « 2 » constitue naturellement le second opus de RGC. Il fait suit à un elpee éponyme, publié en 2008. Produit par Mark Kozelek (Sun Kil Moon, Red House Painters), leur nouveau long playing est découpé en 10 titres, dont deux brefs interludes, le premier limité à 43 secondes, se bornant à un petit exercice guitaristique, torturé dans l’esprit de Jimi Hendrix. Mais le reste vaut vraiment qu’on y prête une oreille attentive. L’électricité y est vivifiante, crépitante, déchiquetée, féroce, chatoyante, bringuebalante, languissante ou marécageuse. Le sens mélodique soigné et les harmonies vocales limpides. Les pulsations de basse souvent métronomiques et les drums amples. Les compos sont contagieuses et parfois même hymniques. Des références ? Neil Young & Crazy Horse (le garage rock de “Workin’ hard”), Pearl Jam (les vocaux sinusoïdaux de “White Wolf”), Alice In Chains (la construction en crescendo des huit minutes d’“Electric guitar”), Queens of The Stone Age (le granuleux, croustillant et morose « Your bird ») voire un Low qui serait devenu tempétueux et même agressif. Seul le titre final, le douloureux « Bless us all » emprunte un tempo plus paisible, autorisant un zeste de violon. Une plage plus proche du style proposé sur leur premier opus. Enfin, les vocaux dispensés sur la première partie de « Something’s going to break » sont aussi triturés que ceux de feu mark Linkous sur « Vivadixiesubmarinetransmissionplot ». Dans le style, c’est probablement un des albums de l’année… Et c’est un style qui me fait toujours autant flasher…
Quatrième et dernier jour de cette 22ème édition du festival de Dour. L’heure des premiers bilans aussi : 125.000 spectateurs pour ces 4 jours. Soit 31 000 le jeudi, 30 000 le vendredi, 32.000 le samedi et autant le dimanche. Ce qui semble réjouir les organisateurs lors de la conférence de presse (?!?!) Pourtant, manifestement, la fréquentation est en baisse, cette année. En 2007, le festival était sold out et au cours de certaines éditions précédentes, on avait atteint des pics de 35.000 voire 36.000 spectateurs. ‘Cette année nous avions agrandi la capacité du site. Il pouvait accueillir 40.000 personnes. Le sold-out n’est pas un objectif en soi’, m’explique, par ailleurs, le responsable de presse, Alex Stevens, lors d’un entretien, à bâtons rompus. Il ajoute d’ailleurs : ‘Le but, c’est d’organiser un festival de qualité, en programmant des groupes intéressants et dans une ambiance qui reste conviviale’. N’empêche, du côté de Liège, les Ardentes prennent de l’ampleur et le Pukkelpop affiche déjà complet un mois à l’avance. Alors, quelle est la raison de ce déclin de popularité ? La concurrence des événements susvisés, certainement. La date, qui en 2010, s’est située en période charnière de départs en vacances (NDLR : on pourrait aussi ajouter le nombre de festivals qui ont explosé, un peu partout en Belgique, et même dans le Nord de la France ; et puis, peut-être le manque d’artistes susceptibles de convaincre les véritables mélomanes de se déplacer, en l’occurrence celles et ceux qui ne manqueraient sous aucun prétexte Killing Joke, Black Rebel Motorcycle Club, Wilco, Mercury Rev, Archive, Wampas, Nada Surf, Dandy Warhols, Young Gods, !!!, Bérurier Noir ou encore celles et ceux qui suivent certains groupes belges aux quatre coins du pays) Néanmoins, ne gâchons pas notre plaisir : Dour est toujours un festival incontournable en Hainaut et un des trois plus grands de Wallonie (NDR : les Francos de Spa et les Ardentes sont les deux autres). Il est en outre, bien plus alternatif que ses concurrents ; et puis, et c’était nécessaire, de gros efforts ont été consentis pour améliorer le confort des festivaliers (NDR : supermarché alimentaire à l’entrée, etc.) Félicitons également les organisateurs pour le timing scrupuleusement respecté par les 200 groupes, et pour l’absence d’incidents majeurs sur le site.
Bon, et la programmation de ce dimanche alors ? J’y arrive. Ma journée commence vers 16 heures, sous un soleil généreux (NDR : finalement hormis quelques averses, la météo aura été clémente). J’ai chaud à la place de Mélissa Auf Der Maur. Tout de noir vêtue, son teint est pâle. Elle doit souffrir de la température. La Canadienne est surtout notoire pour avoir milité comme bassiste chez Smashing Pumpkins puis Hole. A l’époque, Billy Corgan, le leader des Citrouilles Eclatées l’avait pris sous son aile, avant de la conseiller à son amie ( ?!?!?) Courtney. Son set est très pop. Pas vraiment ce qui me branche. Et Mélissa éprouve toutes les difficultés pour susciter un quelconque enthousiasme auprès d’une audience encore à-moitié endormie. A l’issue de sa prestation, Mélissa vient se mêler à la foule. Elle se ballade tranquillement et prend le temps de signer des autographes (NDR : elle avait même prévu de se munir d’un crayon-feutre !)… Sympa !
D’autres musiciens se promènent sur le site. Mais ils passent bien moins inaperçus. A cause de leurs vêtements touaregs. Tinariwen. La formation va ensuite offrir une des rares notes world au festival. Sur fond de guitare résolument blues (NDR : un concept partagé par de nombreux artistes maliens, comme Amadou et Mariam, par exemple). Différents membres se relayent au chant. La musique baigne au sein d’un climat exotique. Le combo cherche à établir une forme de communion avec le public. Un peu comme lors d’une fête de village en Afrique, autour d’un feu de bois ou sous un bivouac. Le set est savoureux. Mais à mon avis, leur prestation aurait mérité de se dérouler sous un chapiteau. De toutes manières, à un endroit plus intimiste que sur la Last Arena. Les applaudissements auraient alors certainement résonné plus chaleureusement…
Sous La petite maison dans la prairie, Monotonix est occupé de foutre le boxon. Cosmopolite, quoique incluant une frange de musicos israéliens, le combo nous en met plein la vue. Pourtant, leur garage rock plutôt basique voire tribal (NDR : qui a dit trivial ?) ne casse pas des briques. Mais on assiste à un grand spectacle ! Les musiciens se dispersent dans le public. Le chanteur escalade un poteau du chapiteau et à 4 mètres de hauteur, il se jette dans la foule. Manifestement Monotonix est un groupe de festival. Il attire la grande foule et met de l’ambiance. Pourtant, en salle, il ne draine que quelques centaines de personnes, à peine (NDR : il s’était produit à Courtrai, salle De Kreun, peu de temps auparavant). Didier Super était aussi parvenu à mettre le feu, sous la Magic Tent, quelques années plus tôt. Un constat amer et en même temps une situation paradoxale, quand on voit qu’un groupe pétri de talent comme Tinariwen, ne recueille pas le succès mérité. Alors que la présence de Rémi Bricka, Annie Cordy ou Grand Jojo, déclencherait probablement l’hystérie…
Trêve d’élucubrations et cap sur la Last Arena où sont programmés The Raveonettes. Et le line up des Danois est au grand complet. Déjà ‘tête d’affiche’ en 2008, Sune Rose Wagner avait dû composer sans Sharin Foo. A l’époque elle attendait famille et avait été remplacée par sa sœur. La recette n’a pas trop changé. Leur électro pop à coloration 80’s est toujours aussi noisy. Le tracklisting inclut les incontournables « Candy » et « Heart of stone ». De quoi satisfaire les nombreux trentenaires et quadragénaires rassemblés face à la scène. La basse et les percus sont minimalistes. Et balisent les interventions du duo ténébreux Wagner-Foo, cachés derrière leurs lunettes fumées…
Autre tête d’affiche sur la même scène : Ghinzu. Il est loin le temps où ce combo belge se produisait en club. La popularité du groupe est en progression constante. Ce qui lui permet aujourd’hui de remplir Forest National ou de figurer à l’affiche de festivals conséquents. Ce soir, c’est un véritable best-of que le groupe nous livre. De quoi se rendre compte du nombre de tubes déjà publiés par la formation. Dont les inévitables "Take It Easy" et "Do You Read Me". Leur set est très pro, même si les poses du chanteur finissent par agacer. Mais un imprévu va se produire et mettre un peu de piment dans le show. Au beau milieu du set, le combo se lance dans l’impro (NDR : à moins que ce ne soit une succession d’approximations). Les musiciens se parlent entre certains morceaux. Ils semblent préoccupés. Le claviériste monte sur son instrument et commence à taper du pied sur ses touches (NDLR : un disciple de Keith Emerson ?) Heureusement, le matos semble solide et résiste à l’assaut. Et puis, l’assaillant n’est pas obèse (NDR : à l’issue du concert, on aura l’explication de cette attitude : en fait, il semble que le clavier se soit détraqué au cours de la prestation et par un concours de circonstance, le spectacle a gagné en spontanéité). La reprise de « Killing in the name » est peut-être brouillonne, mais elle parvient à faire bouger une grande partie de la foule. En fait, les événements ont forcé le combo à modifier leur setlist. Et à improviser (NDLR : un accident heureux, avait un jour déclaré un membre d’Ozric Tentacles). Le groupe va quand même finir par croire qu’il est maudit. Et pour cause, l’an dernier, lors des Eurockéennes de Belfort, il avait déjà dû interrompre son show, suite à une panne de courant.
J’imaginais que Devendra Banhart allait nous accorder un récital sculpté dans le folk minimaliste. Le talentueux chanteur/auteur/compositeur en était coutumier, au cours des dernières années. Après avoir surfé avec succès sur la vague hype néo-hippie, il était un peu tombé dans les profondeurs de l’oubli. Mais ce soir, il a décidé de nous surprendre. Et dès les premiers titres, on se rend compte que son concert sera très rock. Les guitares montrent les dents. Son néo-psychédélisme à la pèche ! Exit les ballades soporifiques dispensées lors des éditions précédentes, à Dour. L’intensité est omniprésente, mais Devendra la rend plus fluide en lui administrant, ci-et-là, une petite pointe de dérision. Comme lors de sa cover du vieux tube « Tell it to my heart » de Taylor Dayne.
Autre bonne surprise en ce dimanche : Calvin Harris. Il est surtout connu pour ses tubes house, dance et électro qui envahissent les ondes radiophoniques. Et notamment « The girls » et « Flashback ». En ‘live’, je m’attends donc à DJ set plutôt statique. Erreur, Calvin est soutenu par un véritable band. Il se révèle très à l’aise sur les planches et se la joue, quelque peu, rock star, à la manière d’un Dave Gahan. En un peu moins excentrique quand même. L’expression sonore est particulièrement vivifiante et lorgne tour à tour vers le funk, l’électro voire le punk-rock. En outre, Harris possède une chouette voix. Après 1h30 de show, on le sent quand même éprouvé. Ce qui ne l’empêchera pas de le clôturer par un “You are not alone” de toute beauté. Franchement, cet artiste est à suivre de très près et mériterait un autre statut que celui de pourvoyeurs de singles pour la bande FM.
On le sait, chez Sexy Sushi, le raffinement n’est pas de rigueur. Heureusement il est passé minuit. Les enfants sont déjà couchés, et les nombreuses familles invitées par le Bourgmestre sont rentrées à la maison. Car comme prévu, le flux de grossièretés proférés à la minute est sidérant. Comment est-il possible de concentrer autant de gros mots au sein d’un seul couplet ? Seul Sexy Sushi en a la recette. La musique est minimaliste. Electro. Il y a un claviériste et puis un figurant qui assume un rôle de bourreau. Bien sûr, il s’agit de mise en scène. La sulfureuse Julia affiche un look grunge. Cheveux gras, jeans, t-shirt et baskets crades. Elle n’hésite pas à se lancer dans des crowd-surfing et invite même le public à monter sur le podium lorsqu’elle attaque « Sex appeal ». Et les mâles vont me demander si elle a terminé son spectacle en petite tenue, comme très souvent. Désolé mais vu la piètre qualité de la solution sonore, je me suis tiré avant…
En effet, j’ai préféré aller jeter un dernier coup d’œil (et d’oreille) à The Sonics. Le spectateur lambda les connaît surtout pour leur chanson « Psycho a-gogo » (NDR : ne me dites pas que vous n’avez jamais entendu ce fameux refrain ‘Baby, you’re driving me crazy’). Ou encore du morceau « Have love with travel », qui a servi de B.O. au dernier film de Mathieu Amalric (NDR : c’est toujours d’actualité !) Il est assez troublant et en même temps réconfortant de voir de véritables papys déménager autant sur les planches. Respect donc à ces vétérans qui perpétuent ce rock né au cours des 60’s. N’empêche, pour encaisser la transition entre le rock-électro avant-gardiste de Calvin Harris et le garage yankee des Sonics, faut être blindé…
Hormis la journée du samedi, plutôt ‘light’, l’édition 2010 du festival de Dour a tenu toutes ses promesses. Retour à la maison, en sachant que sur le parcours, on risque de faire des rencontres très peu conviviales et surtout susceptibles de gâcher le plaisir acquis tout au long du week-end…
Troisième jour de festival et la fatigue commence à se faire sentir. Sans oublier les maux de tête et un début inévitable de surdité. Et dire que je ne dors même pas au célèbre camping. Sans quoi, quel serait le résultat ? Heureusement, et cet avis n’engage que votre serviteur, cette journée est également la plus light au niveau de la programmation. Pas vraiment de concert exclusif comme ceux de Faith No More ou Atari Teenage Riot, les jours précédents. Moins de découvertes aussi.
Ce qui explique pourquoi vous n’aurez droit qu’à un compte-rendu plus succinct de cette journée. Néanmoins, je débarque quand même à 14 heures pour ne pas manquer le set de The Mahones. Leur patronyme procède de l’anglicisation de la formule gaélique ‘Póg mo thóin’, soit le ‘F*** my ass’ dont je vous fais grâce de la traduction dans la langue de Molière. Il s’agit également d’une référence au groupe irlandais The Pogues. Et bien que la formation nous chante cet après-midi « A drunken night in Dublin », pas de méprise : The Mahones nous vient du Canada, et pas de l’île verte ! Leur punk-rock est d’ailleurs assez proche de celui de leurs concitoyens, les Real McKenzies. Une charmante accordéoniste évolue à droite de la scène. Hormis les bas-résilles elle est totalement vêtue de cuir. Et apporte une touche de fraîcheur tant visuelle que musicale. En engageant un musicien supplémentaire (NDR : préposé au whistle ou banjo), le combo embrasserait un profil encore plus celtique. Mais la petite centaine de spectateurs tape malgré tout du pied et se lance même dans une mini-farandole en fin de show. Un warm-up plutôt réussi, ce samedi donc.
A noter que, dans la même tranche horaire, les Poulycroc avaient également ouvert les hostilités en fanfare. Evidemment, si comme votre scribouilleur, vous habitez le Hainaut Occidental (d’où ils sont originaires) vous avez l’occasion de les applaudir, au minimum, une dizaine de fois par an. Et si vous ne connaissez pas ces joyeux loustics, sachez qu’ils pratiquent un punk/ska festif, quelque part entre le grand Jojo (avec qui ils ont déjà joué) et Ska-P.
En général, lors du festival de Dour, une frange du public est constituée de fans de hardcore et de métal. Rien d’étonnant, vu la présence des vétérans Stuck Up et autres Do or Die, dont les aficionados sont nombreux dans la région. Pourtant cette tranche de public très caractéristique disparaît d’année en année. Elle est remplacée par une catégorie de festivaliers dont le style campeurs-clubbers est beaucoup plus stéréotypé. Heureusement, les organisateurs n’ont pas totalement négligé les hardeux. Le vendredi, ces derniers ont ainsi pu se défouler face à la Red Frequency, et ce samedi sous la Magic Tent. La formation canadienne (NDR : encore) Fucked Up pratique, comme son nom l’indique, une musique furieuse. Le chanteur Pink Eyes n’en est pas à sa première extravagance. C’est d’ailleurs ce qui a forgé sa notoriété. Dès le deuxième titre, il quitte la scène pour se mêler à la foule, qu’il ne quittera plus avant la fin du set. Tour à tour, il se lance dans le houlà-hop, provoque des pogos ou frotte son torse (NDR : velu et imprégné de sueur) contre le corps de jeunes filles en maillot de bain. Et la liste de ses frasques est loin d’être exhaustive. Conclusion, il donne bien du fil à retordre (au propre comme au figuré) aux techniciens et au service de sécurité. Et un peu plus tard, sur le même podium, The Spudmonsters va en remettre une couche. Issu de la scène old school, ce combo va aussi mettre le boxon, en invitant de nombreux fans à monter sur l’estrade, lors de leur final. De quoi, à nouveau semer la zizanie, au sein du frontstage.
Pour clôturer le chapitre hardcore, impossible de ne pas évoquer la prestation de Mass Hysteria accordée sur la grande scène. Tout le bien a déjà dit sur ce groupe français, que l’on peut voir chaque année dans nos contrées. D’ailleurs, rien qu’à Dour c’est déjà leur quatrième passage. Sans surprise, le groupe parvient donc à déclencher les pogos, circles et autres parades à la ‘Braveheart’ au sein du public. Mais aussi à communiquer des messages positifs, pacificateurs voir unificateurs. A l’image de ce ‘Wallons, Flamands, tous unis’ clamé haut et fort au milieu d’un couplet.
Des revendications plutôt différentes de celles des Sales Majestés. D’accord, ils évoluent dans un registre plus punk traditionnel que hardcore. Ensuite les textes relèvent plus de l’anarchie, de la rébellion voire du nihilisme. « La rage », « La révolution », « Camarade » ou « Fier de ne rien faire » sont autant d’hymnes repris le poing levé par les keupons ou les trentenaires nostalgiques du rock alternatif.
Après toutes ces décharges de riffs, il est temps de remettre quelque peu ses idées en place. En assistant à un concert empreint de légèreté. Celui de Pony Pony Run Run devrait faire l’affaire. Issu de la région de Nantes, ce trio s’est formé en 2005. Son premier album, « You Need Pony Pony Run Run » est paru en 2009. Il a été consacré lors des Victoires de la musique, en mars 2010. Pas étonnant donc que le public soit nombreux sous la Magic Tent. Dès que le combo monte sur le podium, une immense clameur faite de cris et d’applaudissements s’élève (NDR : pardon, c’est un concert de Patrick Bruel ?) Mais la comparaison s’arrête ici. Car le groupe a son style. Très pop, mais inspiré par les 80’s. Surtout à cause des sonorités ‘vintage’ produites par le clavier. Un climat qu’accentue le light show. « Hey you », leur tube, est à peine attaqué que la foule entre en hystérie. Une excitation qui va se prolonger jusqu’au bout du set. Pas de contestation, à l’applaudimètre, PPRR a confirmé sa popularité. Faudra maintenant voir s’il sera capable de passer le cap du deuxième elpee…
Au fil des concerts, il devient de plus en plus difficile d’avoir les idées claires. Et même si une prestation se révèle d’excellente facture, on ne parvient plus à l’apprécier. L’épuisement, la chaleur et la bière (NDR : excellentes ces Hoegaarden rosées !) contribuant, bien évidemment, à cette situation. Dans ces conditions, il est parfois préférable de faire un break, afin de revenir frais et dispos, le lendemain. Soit le dimanche, pour vivre de nouvelles aventures…
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