The Van Jets avait remporté l’édition 2004 du Humo’s Race Rally. Organisé par le magazine flamand, ce concours bisannuel se déroule à l’Ancienne Belgique et consacre tous les deux ans, un groupe en devenir. Evil Superstars, Das Pop, Admiral Freebee ou encore plus récemment Hickey Underworld, en sont certainement les plus illustres lauréats. Donc, cette épreuve accouche rarement de mauvaises surprises.
Le premier essai de la formation ostendaise n’est cependant paru qu’en 2007. Une publication qui leur a permis d’entamer un périple à travers l’Europe, mais également de se produire sur les scènes des festivals belges (Pukkelpop, Dour, Rockwerchter). En Flandre, le groupe jouit d’une certaine notoriété. En cause, plusieurs hits qui ont sévi au sommet des charts pendant plusieurs semaines. Malheureusement, il faut bien reconnaître, que de l’autre côté de la frontière linguistique, la popularité du combo en est encore à ses premiers balbutiements. En concoctant, « Cat Fit Fury ! », The Van Jets a donc décidé de séduire le public du Sud du pays.
Lors de la confection de cet elpee, la troupe des frangins Verschaeve a bénéficié du concours de Jon Gray (The Subway, Editors, The Kooks) à la mise en forme. Quant au mixage, il a été opéré par Greg Gordon (Wolfmother, Jet, Soulwax). Côté technique, le combo a donc fait le max.
« Cat Fit Fury ! » est sculpté dans une forme de pop/rock glamoureux bien britannique. Un fil conducteur : les guitares. Une plage comme « Our Head » puise ainsi manifestement son inspiration chez David Bowie. La voix de Johannes Verschaeve ne manque pas d’expression. Et il le démontre à nouveau sur « Matador », un des meilleurs morceaux de l’opus, au cours duquel, son timbre puissant se fond parfaitement dans les lignes de gratte électriques. Imprimé sur un tempo entraînant, le single « The Future » est un hit potentiel (NDR : des deux côté de la frontière linguistique ?) Plus langoureux, « Comes The Crying » évoque même les White Stripes. Mais le reste ne propose strictement rien de révolutionnaire. On a même parfois l’impression d’avoir déjà entendu certains morceaux. Attention, « Cat Fit Fury ! » n’est pas un album de mauvaise facture. Il recèle même d’excellents titres ; mais il est vraiment trop inégal et souffre d’une trop grande carence en originalité pour convaincre. Surtout si le public est très exigeant… Ce sera peut-être pour la prochaine fois ; encore que « The Future » est un tube en puissance, et il suffirait que les radios décident de le diffuser, pour que The Van Jets trouve l’ouverture. Enfin c’est tout le mal qu’on lui souhaite.
Ne vous fiez pas surtout pas au patronyme ! Madonagun n’a pas vraiment l’intention de vous interpréter “Like a Virgin” en version Slash/Axl Rose. Si d’aventure, c’est le nom de la star de la pop qui a attiré votre attention, passez carrément votre chemin, il n’y a rien pour vous dans cette chronique.
Après cette mise au point, maintenant que nous sommes entre nous, parlons un peu de cette claque –extrêmement plaisante– que nous assène les Parisiens de Madonagun, tout au long de leur bouillonnant MCD quatre titres, intitulé « Resurrect On The Razor Edge ».
Pour la petite histoire, ce sont deux frangins, D.K (alias Thorgon) et S.G (alias Sagoth), respectivement batteur et bassiste du combo black métal Eternal Majesty qui sont à l’origine de la création de Madonagun. En 2007. Très vite, ils recrutent deux guitaristes : F.X. pour la rythmique et l’excellent Julien Damotte pour la lead. Matt (chant) et Nach (claviers) complètent ce line-up d’enragés hystériques.
Dans notre monde métallique de plus en plus standardisé, Madonagun ose proposer la différence. Pour vous résumer de manière simple ce qui est malgré tout fort complexe, il faut commencer par malaxer quelques références suédoises et fournir un petit effort mental. Imaginez une musique qui emprunterait la violence créative d’un Meshuggah et la dextérité ‘guitaristique’ d’un Mattias IA Eklundh (Freak Kitchen). Vous y êtes ? Je viens d’ébaucher las grandes lignes de cet Ep de Madonagun. Pour compléter ce tableau auditif, il faut encore y ajouter quelques influences progressives et jazz rock, des vocaux hardcore, death et clairs aussi déjantés que malsains et surtout une très impressionnante technique instrumentale. A ce titre, les parties lead époustouflantes de Julien Damotte donnent vraiment envie de se pencher sur sa carrière solo et notamment sur « Trapped », son nouvel elpee.
Dans l’attente de l’album prévu, semble-t-il, pour la fin de l’année, « Resurrect On The Razor Edge » est la rondelle trouée indispensable pour tous les amateurs de violences musicales raffinées.
Ces petits gars sont des rapides. Dear Hearts se forme en septembre 2009. Son premier essai discographique, « Tail Lights & Bygones », sort en mars 2010. C’est à peine croyable. Sept mois à peine pour composer, répéter, cracher quelques glaviots en concert et enregistrer un Ep 6 titres ; nos quatre keupons sont à coup sur de vrais accros du boulot ! Vous serez aussi surpris d’apprendre, en vous frottant à la qualité quasi-internationale de ces six titres autoproduits, que les zigotos ne viennent pas de Californie, mais qu’ils sont bien de chez nous !
Scheirder (basse & voix), Sammy (guitare), David (guitare aussi) et Wimmie (batterie) avouent êtres passés par l’école de la scène punk californienne : Social Distorsion, Misfits, Agent Orange ou Bad Religion. Difficile de les contredire sur ce point. Surtout qu’ici, l’élève est surdoué et qu’il n’est pas loin d’atteindre le niveau de ses maîtres.
Après une intro humoristique (un extrait de la chanson « Dear Hearts And Gentle People » du crooner américain Bing Crosby), l’Ep développe dix-sept minutes d’hymnes punks rock énergiques et entraînants. Vu qualité des compos, on se demande si l’ami Fat Mike n’aurait pas intérêt à jeter son oreille percée du côté de la Belgique, dans l’éventualité où il chercherait encore de nouvelles signatures pour Fat Wreck Chords, son label consacré au punk-rock. En attendant, il est d’ore et déjà possible de se procurer « Tail Lights & Bygones » sur la page MySpace du groupe pour la modique somme de sept Euros.
Les Mannish Boys constituent, en quelque sorte, la genèse du label californien Delta Groove. Et pour cause, il a été fondé par Randy Chortkoff, pour lancer la carrière de cette formation. L’écurie, tout comme le groupe, célèbrent donc au même moment leur cinquième anniversaire, ponctuant cet événement par la sortie du cinquième album du band ; un combo qui a été nominé aux Blues Music Awards en 2007, 2008, 2009 et 2010. Excusez du peu!
Chortkoff est également l'harmoniciste chez les Mannish Boys. Et bien sûr, pour enregistrer ce nouvel opus, le combo a reçu la collaboration de la crème des musiciens blues de Los Angeles, dont le talentueux pianiste Fred Kaplan (Hollywood Blue Flames), qui apporte son concours à la majorité des titres.
L'ouverture est royale. La guitare de Nick Curran ouvre le feu face aux cuivres. Il pète le feu et affiche une classe pas possible ! Mais le son de sa gratte est vraiment pourri. Ce qui n’empêche pas la voix chaleureuse de Finis Tasby de venir se poser délicatement sur cette cover du "Too tired" de Maxwell Davis. Une performance de choix qui se poursuit tout au long du medley "Mona"/"Willie and the Hand jive" (Bo Diddley/Johnny Otis), un morceau imprimé sur le Diddley beat, bien sûr. La section rythmique libère un fameux groove, alors que le chanteur/guitariste maison, Mike Zito, soutenu par Bobby Jones, se charge des parties vocales. "Reconsider baby" est une compo signée Lowell Fulsom. Finis chante ce west coast blues classique, pendant que Goldwasser y apporte ses touches subtiles à la six cordes (NDR : il faut reconnaître que depuis qu’il s’est exilé en Californie, le Français mène une brillante carrière). "Educated ways" est issu de la plume de Chortkoff. Une excellent compo au cours de laquelle il se réserve la slide, mais aussi démontre toute son adresse et sa vivacité au bottleneck, devant les ivoires de Kaplan. "Half ain't been told" campe un duo émouvant entre la voix puissante de Bobby Jones et le piano de l'invité Rob Rio. Figurant au répertoire d'Otis Spann, cette plage rend hommage à l'inoubliable accompagnateur de Muddy Waters. Chanté par Goldwasser, "Number 9 Train" alimente un autre duo. Primaire, primitive même, la slide est talonnée par les percus de Bott qui empruntent le rythme du chemin de fer. "Last night" est un superbe slow écrit par Little Walter, un Chicago blues auquel participent Tasby, Franck et Fletcher aux guitares, et dans le rôle de souffleur, Rod Piazza en personne. Il s’y révèle impeccable ! Le "Hey now" de Ray Charles est interprété à la manière du Genius, par Bobby Jones devant les cuivres et les cordes de Mr Fletcher. La même équipe remet le couvert lors d’une version saignante du "You can't be beat" de Howlin' Wolf. Les arrangements baignent dans le West Coast jump. Le boss se concentre à l’harmo, alors que Kirk et Randy se déchaînent aux cordes. Et la suite ne faiblit jamais. "Black nights" évolue dans un registre proche de BB King. "The bullet" exhale une grande envolée instrumentale. Toute en swing, elle met en exergue des échanges époustouflants entre Fletcher, Nick Curran et le piano boogie woogie de Kaplan. Chortkoff a certainement composé "Those worries", en hommage à George Smith. Empreint d’une grande sensibilité, et caractérisé par la présence de Lynwood Slim sur l'instrument chromatique, ce blues lent est dominé par la voix puissante et graveleuse de Jones. Et on n’est pas au bout de nos (bonnes) surprises. Arthur Adams chante son "Raunchy", un morceau inévitablement funky. Les sonorités de sa guitare sont très spécifiques, un peu comme si l’artiste et l’instrument ne faisait qu’un. Randy en profite pour souffler dans son harmo diatonique. Johnny Dyer n’a pas perdu ses bonnes habitudes. Il assure les vocaux tout au long de "Champagne & reefer", en rendant hommage à son vieux et regretté compagnon Muddy Waters. Mitch Kashmar le soutient à l'harmonica. Bobby Jones interprète encore "You've got bad intentions", à la manière des grands blues shouter. Fletcher s’autorise une nouvelle sortie impériale. Big Pete Vander Pluijm est également de la partie. Et c’est une surprise. Le Batave rend à son tour un hommage. Mais à Lester Butler. Sur "Way down South". La finale. Il chante et souffle énergiquement auprès de Kid Ramos à la guitare et Andy Kaulkin au piano. Un superbe album qui mérite déjà sa place parmi les meilleurs disques de blues, pour l’année 2010…
Pour comprendre le jeu de mots qui se cache derrière le nom ‘Hayseed Dixie’ il faut savoir qu’au départ, ce groupe se consacrait exclusivement à des reprises d’AC/DC en version country/hillbilly/bluegrass. Paru en 2001, « A Hillbilly Tribute to AC/DC » (NDR : vivement conseillé à tous les fans d’Angus & Co) a permis au monde entier de découvrir le ‘Rockgrass des montagnes Appalaches’. Au cours des neuf dernières années, bien d’autres disques de reprises (mais aussi de titres originaux) ont complété la discographie de ces quatre rigolos. Citons par exemple l’excellent « Kiss My Grass » qui en 2003 revisitait à la sauce bluegrass dix compos issues du répertoire du célèbre quatuor maquillé new-yorkais ou encore « A Hot Piece Of Grass » responsable d’avoir fait rocker le pays des cow-boys, grâce à ses versions country du « War Pigs » de Black Sabbath ou des « Black Dog » et « Whole Lotta Love » de Led Zeppelin.
Pour son huitième opus, « Killer Grass », Hayseed Dixie a vu les choses en grand et propose, en plus du Cd, un Dvd bourré de surprises toutes plus hilarantes les unes que les autres. Parlons de la galette musicale en premier lieu. Comme il en a pris l’habitude depuis quelques années, le gang mélange ses réinterprétations de classiques du rock et du hard rock à ses compositions originales. Celles-ci sont d’ailleurs plutôt désopilantes. Sur « Alien Abduction Probe », par exemple, Barley Scotch (chant, guitare et violon) raconte les douleurs récurrentes dont souffre son fondement depuis qu’il s’est fait enlever par des extra-terrestres. Sur « Underneath the Bed », il demande des explications à sa compagne à propos d’un préservatif retrouvé sous le lit dans l’une de ses chaussures. Sur « Tolerance » il explique qu’il aimerait donner un peu de sa ‘tolérance’ à son prochain. Et surtout à ceux qui imaginent qu’elle est insuffisante dans le monde ; car il est devenu si tolérant à l’alcool et aux drogues douces, qu’il n’arrive plus à s’envoyer en l’air.
Si tous ces titres originaux nous font bien rire, c’est surtout sur les reprises que les quatre Yankees parviennent à nous faire prendre notre pied. Autant vous dire que le ‘rockgrass’ 2010 est une excellente cuvée. Une fois de plus, Hayseed Dixie s’est attaqué à du lourd. En premier lieu, une version géniale du « Bohemian Rhapsody » de Queen dont le clip hilarant (qui pastiche la célèbre vidéo originale des Anglais) figure aussi sur le Dvd. Ensuite, les relectures bidonnantes du « Sabbath Bloody Sabbath » de Black Sabbath et du « Won’t Get Fooled Again » des Who ainsi qu’un « Rambling Man » du Allman Brothers Band comme vous ne l’avez jamais entendu. Pour terminer, le combo qui, en général se cantonne aux covers de rock plutôt classique, opère deux incursions jouissives dans des univers musicaux littéralement différents. La première en adaptant à sa sauce « Omen », titre signé par les Anglais industrieux de Prodigy ; l’autre, en opérant une petite incursion dans la musique classique, lors d’un « Eine Kleine Nachtmusik » de Mozart, rebaptisé pour la circonstance en « Eine Kleine Trinkmusik », mieux adapté à la philosophie du groupe.
La rondelle digitale et versatile quant à elle contient six clips vidéos, réalisés il est vrai, avec des moyens limités, mais tellement bourrés d’humour que l’on prend un réel plaisir à les regarder. Hayseed Dixie, nous gratifie aussi de quelques ‘tutoriels’ sympathiques : une époustouflante leçon de banjo accordée par le Reverend Don Wayne Reno et une autre de basse acoustique dispensée par Jake ‘Bakesnake’ Byers. Ce dernier explique d’ailleurs aussi, dans une autre vidéo instructive bourrée (on l’espère en tout cas) d’humour noir, comment se débarrasser d’un cadavre encombrant (NDR : souvenez vous que l’album s’intitule « Killer Grass »). Quelques petites vidéos amusantes ont aussi été ajoutées à l’objet, comme par exemple, une publicité filmée par le groupe pour une grande marque de préservatifs ou une jam sympathique exécutée en compagnie d’un percussionniste africain.
Signalons pour terminer que, si les musiciens aiment se donner des airs de ‘bouseux du sud profond’, leur Dvd est à la pointe de la technologie. En effet, Hayseed Dixie a eu l’excellente initiative de faire plaisir aux ingénieurs du son et aux producteurs en herbe en proposant l’intégralité de son album en fichiers audio multipistes permettant à tout un chacun de remixer les titres à sa guise, pour peu qu’il soit en possession d’un logiciel comme Pro-tools, Garage Band ou Logic.
Que vous soyez cow-boy, camionneur ou fan de rock, « Killer Grass » est l’album indispensable si vous voulez vous payer une bonne tranche de rigolade. Merci Dixie !
Fin 2009, la BBC a désigné We Have Band comme l’une des formations à observer de près, dans son prestigieux listing ‘The Sound Of 2010’. La bonne blague. Autant dire que Noël tombe le 25 décembre. En alignant des tubes comme « Oh! », « Hear It In The Cans », « Divisive » et « Honeytrap », le trio s’est depuis longtemps offert une place de choix sur la scène indie. Et ce, sans même l’aide d’un label quelconque ou d’autre moyen de promo que le ‘live’. Certes, les trois Britons ont mis plus d’un an à concocter ce « WHB », mais l’aperçu livré par formation, via ses singles et ses prestations publiques, n’a servi qu’à gonfler les attentes.
Récemment signé chez Naïve, We Have Band déploie donc tout son savoir-faire sur un « WHB » quasiment impeccable. D’aucuns aurait pu s’attendre à un ‘party album’ et une suite de morceaux taillés pour les dancefloors. Mais Darren Bancroft et les époux WP, Dede & Thomas, démontrent que leur projet est bien plus qu’une simple machine à danser. « Piano » et « Buffet », les mélopées introductives, soulignent par exemple un véritable travail de recherche mélodique. L’écriture n’est pas en reste comme en témoigne les pertinents « Love, What You Doing? », « Hero Knows » et « Centerfolds & Empty Screens ». We Have Band n’est manifestement pas de ces formations qui se contentent de la formule du gimmick répétitif. Même les trois premiers singles extraits du disque (« You Came Out », « Oh! », « Hear It In The Cans ») s’offrent un lifting tout en finesse, accentuant la cohérence de l’ensemble. Produit par Gareth Jones (Grizzly Bear, These Are New Puritans, Depeche Mode,…) « WHB » est un incontournable de 2010.
En concert aux Nuits Botanique le 7 mai, à l’Orangerie.
S’il existe un groupe qui mérite autant sa place que Deep Purple, Black Sabbath et Led Zeppelin au panthéon des formations anglaises les plus influentes de la scène heavy rock, c’est bien Uriah Heep. Pourtant, ce patronyme est un peu moins connu du grand public que celui des trois groupes précités. Etonnant, lorsqu’on sait que depuis sa formation, en 1969, la formation britannique a tout de même vendu plus de trente millions d’albums. Et puis, aujourd’hui encore, elle constitue une référence pour de nombreux groupes de métal et de rock progressif.
En octobre de l’année dernière, Uriah Heep célébrait ses quarante années d’existence, en réenregistrant quelques uns de ses plus grands classiques pour un album intitulé « Celebration ». Bien que l’idée soit excellente, elle était loin d’être suffisante pour marquer un tel événement. Edel Music semble avoir décidé de remettre les pendules à l’heure et de permettre à Uriah Heep de remercier un peu plus dignement ses fans les plus fidèles pour leurs quatre décennies de support inconditionnel. C’est pourquoi, le prestigieux label allemand éditera, dans le courant de l’année 2010, une série d’albums ‘live’ en édition limitée. Le premier de ces véritables objets de collection s’intitule « Official Bootleg Live At Sweden Rock 2009 ». Comme son nom l’indique, il s’agit ici d’un ‘bootleg’, autrement dit un enregistrement pirate qui, s’il est d’une qualité acceptable, n’a tout de même pas le son d’un album concocté dans de bonnes conditions. A ce titre, il ne sera probablement apprécié à sa juste valeur que par les inconditionnels du groupe. Ceux qui, d’aventure seraient passé à côté du phénomène et auraient soudain envie de découvrir ce groupe culte feraient probablement mieux de se rabattre sur l’un des nombreux enregistrements live officiels du combo comme, par exemple, le génial « Uriah Heep Live » paru en 1973 ou le plus récent « Electrically Driven », en 2001.
Néanmoins, « Official Bootleg Live At Sweden Rock 2009 » n’est pas du tout dénué d’intérêt, puisqu’il démontre combien le band est encore au top de sa forme malgré le poids des années. Mick Box, le guitariste et unique survivant de la formation originale maîtrise toujours son art à la perfection. Ses soli sont fluides et aussi bourrés de feeling qu’à la grande époque du groupe. Le chant de Bernie Show (intégré au groupe depuis 1986) est toujours aussi superbe. Phil Lanzon, quant à lui, continue d’hydrater de somptueuses nappes d’orgue Hammond, la solution sonore, conférant cette aura si particulière à la musique d’Uriah Heep.
Mais « Official Bootleg » n’est pas seulement intéressant à cause de la présence des classiques du groupe, tels que « Gyspsy », « Sunrise », « Look at Yourself » ou « Easy Livin’ » ; il recèle des versions ‘live’ inédites de « Ghost Of The Ocean » et « Angels Walking With You », deux extraits de « Wake The Sleeper », l’excellent dernier elpee studio du groupe.
Présenté sous la forme d’un digipack, « Official Bootleg Live At Sweden Rock 2009 » est un superbe cadeau pour tous les inconditionnels du groupe. Vivement le prochain épisode de la série.
Cette formation anglaise peut se targuer d’être devenue un des ensembles folk les plus originaux de sa génération. Quatre albums déjà que Tunng nous dispense ce type de folk expérimental, mâtiné d’un zeste d’électronica. Depuis les débuts du groupe, l’alchimie entre les deux membres fondateurs Sam Gender et Mike Lindsay fonctionne à merveille. Mais avant de concocter leur second opus, les deux musiciens ont ressenti la nécessité de s’adjoindre de nouveaux collaborateurs. Quatre d’un coup ! Et à temps plein. Néanmoins, jusqu’alors, les deux membres fondateurs continuaient de se réserver l’écriture des morceaux. C’est après le départ de Sam Gender, soit entre la sortie de « Good Arrows » et ce dernier opus, que la dynamique de groupe s’est véritablement mise en place. Et cela se ressent, car l’aspect expérimental développé sur les précédents elpees, est ici beaucoup moins présent. Hormis, l’excellent « By Dusk They Were In The City », les morceaux instrumentaux ont été écartés. Et les samples sont plus rares. Résultat des courses, ce long playing est plus accessible et même contagieux. On rentre même dans « …And Then We Saw Land » comme dans du beurre. Pas que Tunng se soit converti à la pop banale ou superficielle. Loin de là ! Les mélodies (NDR : un des points forts du combo insulaire) sont toujours du même calibre (NDR : pensez aux excellents « Bullets » ou encore à « Jeny Again »). Aucun titre faible. Entre sonorités électroniques et percus, les arpèges se fraient un passage entre les rythmes allègres. Une formule qui a fait ses preuves. La voix de Mike Lindsay est d’une incroyable douceur. Et celle de Becky Jacobs est ici bien plus charismatique. Elle pose même son timbre sur la plupart des morceaux. Et assure les lead vocals sur l’un ou l’autre titre. A l’instar d’« October » ou encore de « These Winds ». Un bien bel album que Tunng viendra défendre ce 21 avril au Botanique ; et à mon humble avis, leur set vaudra le déplacement…
Pas peur les deux savants fous de Nice Nice. En intitulant leur second elpee « Extra Wow » (le premier sous la houlette de Warp), ils avaient plutôt intérêt à délivrer un contenu irréprochable. Originaires de Portland, le duo propose l’un des premiers ovnis de l’année. Totalement inclassable, « Extra Wow » évoque un dîner en tête-à-tête entre King Crimson et Gang Gang Dance, au cours duquel Tyondai Braxton ferait subitement irruption (« On and On », « Everything Falling Apart »), avant de céder sa place à Konono n°1 (!) (« See Waves »), immédiatement après avoir retourné la vaisselle. Mark Shirazi et Jason Buehler, alias Nice Nice, envoient tout ce qu’ils ont dans le ventre et dans la tête, en vrac et avec conviction. Et la formule magique des deux hommes fonctionne à la perfection.
« Extra Wow » est porté par le single « One Hit », qui en impose dès son ouverture, à coups de grosses caisses et de vocalises retentissantes. Des morceaux tels que le drone psyché « Make It Gold », le féerique « New Cascade » ou le vertigineux « A Little Love » résonnent jusqu’aux moindres recoins du cortex cérébral. La force de Nice Nice réside en sa capacité à engendrer des litanies à la fois expérimentales et accessibles, sans arrogance ou intellectualisme saugrenu. « Extra Wow » est un labeur bien plus poussé et harmonieux que « Chrome », lequel manquait cruellement de consistance. En résumé, comme dirait le poète Borat, les deux pouces en l’air : ‘Naaaaïce !’
J’avoue avoir rarement entendu un nom de groupe aussi original. Pas vraiment séduisant, mais au moins, ce patronyme a le mérite de nous annoncer l’ambiance au sein de laquelle leur musique macère ; soit une atmosphère malsaine, glauque et inhospitalière. En effet, ce patronyme rappelle un ancien rituel célébré par les sorcières pour invoquer le malin. Tout un programme !
Le troisième opus de KTAOaBC est paru chez Conspiracy. Stef Heeren a donc délaissé le label gantois KRAAK, pour se réfugier auprès d’une écurie jouissant d’une plus grande notoriété. Et pour cause au sein de ce label, militent des groupes comme Red Sparowes, Year Of No Light ou encore Nadja.
« The Nebulous Dreams » propose 3 morceaux en à peine 30 minutes. Une œuvre qui nous entraîne au cœur d’un univers trouble, étrange, et surtout rarement exploré par un groupe bien de chez nous. « Between Skylla And Charybdis » ouvre l’elpee. Une plage de 15 minutes au cours de laquelle des bruits stridents envahissent une solution sonore texturée par des violoncelles en couche, des nappes d’orgue et d’autres instruments indistincts. Progressivement un tempo lent, accablant s’impose. A l’issue d’un crescendo de 8 minutes, on se retrouve aux portes des ténèbres. C’est alors que Stef Heeren pose son timbre grave, tel un prédicateur. Il met alors un terme à cet office dark folk. Une intervention que n’aurait pas reniée David Eugene Edwards (Woven Hand) ou encore Nick Cave. Place au drone ensuite. Un drone hypnotique, sordide, gothique, écrasant, hanté de chœurs macabres, qui enveloppe « Dypthich » de mystère. Il faut attendre le dernier morceau de ce mini-elpee pour s’extraire quelque peu de cet univers tourmenté. Pas au point de faire la fête, néanmoins. Un peu moins glauque, « Miserere » conjugue accords de guitare acoustique et chœurs mystiques. De quoi ramener un peu de sérénité, au moment d’achever ce « Nebulous Dreams »…
La musique de Kiss The Anus Of a Black Cat évolue à la croisée des chemins de Sunn O))), Woven Hand et Nick Cave. Mais si elle est particulièrement sombre, elle est aussi très belle. Pas très accessible au mélomane lambda, je l’avoue. Stef Heeren a plus que probablement un don pour provoquer la nausée chez les âmes sensibles. Quoiqu’il en soit à l’écoute de ce « Nebulous Dreams », impossible de rester indifférent. Vous êtes prévenus !
Qu’est-ce qui pourrait pousser trois jeunes Irlandais à se jeter dans la gueule du loup, heu du rock ? Une tradition ? Un héritage abandonné par leurs aînés des Cranberries voire de U2 ? Alors là, pas vraiment. Le seul point commun entre ces 3 groupes procède de leur origine : une île occupée par leurs meilleurs ennemis british, c’est tout ! Ah si, il y en existe une autre évidemment : ils jouent de la musique ; mais chez General Fiasco, pas vraiment du même tonneau que celle de leurs illustres compatriotes. Mais qui donc se cache derrière ce pseudonyme bizarre ? Fiasco général ! Amusant, révélateur, annonciateur ? Il faut espérer que leurs qualités musicales soient inversement proportionnelles à leur patronyme.
Au sein de la formation, militent les frères Strathern : Owen au chant et à la basse ainsi qu’Enda à la guitare. Un combo complété par un ami de lycée : Stephan Leacock, qui se réserve les drums. Leur carrière débute en 2007 par quelques concerts ‘discrets’ ; cependant, ils sont vite repérés par des formations de plus gros calibre telles que The Wombats ou The Pigeon Detectives, pour n’en citer que deux. Un single sera l’élément déclencheur de leur courte carrière. « Rebel Get By » paraît en novembre 2008 et, jouant au cachet sur les émissions musicales de la BBC, ils sont rapidement considérés comme un des dix meilleurs espoirs à venir du rock britannique.
Deux ans plus tard, nos trois ‘gamins’ nous présentent leur premier album, « Buildings ». Et ici, ça se corse. Il y a deux façons de voir les choses. On aime pour la fraîcheur, le côté gentil rock inoffensif ou alors on jette vite fait ; vu justement un manque d’originalité évident. Personnellement, j’aime assez cette musique facilement accrocheuse, pas trop compliquée et qui entre bien dans l’oreille dès la première écoute. Evidemment, c’est pas réellement original, mais les dix plages ne sont pas non plus désagréables à se déverser dans les oreilles. J’épinglerai même quelques belles réussites telles que « Sinking Ships », vraiment superbe, « Ever so Shy » qui déménage pas mal ou encore « I’m not Made of Eyes » que ne renierait pas Snow Patrol, par exemple.
En conclusion, personnellement, j’aime assez ce style un peu facile mais tellement à la page actuellement ; n’en déplaise aux détracteurs grincheux de General Fiasco. Je dirais même plus, j’en redemande. A quand le prochain Jonas Brothers par exemple ? Le fiasco, c’est peut-être bien les ‘critiques casseurs’ qui se le prendront en pleine poire un de ces quatre…
« Parlons-nous » constitue le quatrième album d’Eric Frasiak. Originaire des Ardennes françaises, ce chanteur est né il y a déjà plus de 45 ans. Pas vraiment une star, vous en conviendrez ! Pourtant cet auteur/compositeur/interprète gagnerait à être un peu plus connu ou plutôt moins méconnu ! Ses chansons ne manquent pas de style. Les textes tiennent la route et certaines de ses compos lorgnent carrément vers le ‘rock’. Mais en général, elles embrassent un style ‘chanson française traditionnelle’, ce qui n’est en rien une tare, bien au contraire.
Le parcours de cet illustre inconnu (NDR : avant de recevoir ce cd, j’avoue ne jamais avoir entendu parler de cet artiste) est assez particulier. Fan de François Béranger à l’adolescence, admirateur également de Ferré, Lavilliers, Springsteen, Pink Floyd et Genesis, entre autres, il garde de cette époque un goût prononcé pour les textes de ses compatriotes et la qualité musicale des seventies des autres. Agé de 19 ans en 1983, après avoir chanté dans les MJC et autres bals populaires des reprises de son idole, il tente l’expérience de l’enregistrement de ses propres compositions. La réussite lui tourne le dos et son album ne verra pas le jour… Retour donc à la case départ pour Frasiak ; et comme il faut bien vivre, les petits boulots alimentaires (roadie ou figurant, commercial, manœuvre ou soudeur) se succèdent.
Le virus de la chanson le reprend en 1996 (NDR : il compte alors déjà 33 ans au compteur) et la scène le démange. Il remonte sur les planches avec un certain succès, mais uniquement au sein des circuits locaux… Malgré tout, un premier album voit le jour en 2003. Signé par Frasiak et les Passagers, « Repartir à zéro » porte bien son nom. C’est en effet un nouveau départ qu’il prend dans le milieu de la chanson. Connaissant son petit succès, Eric persévère, sort un second opus intitulé « Itinéraires », en 2006 ; et même un live, en 2008. Il est vrai que l’accès à ‘la profession’ est devenu beaucoup moins difficile depuis une dizaine d’années.
Fin 2009, il publie le résultat de son troisième séjour en studio. Quinze titres tous écrits de sa plume, sauf un : « Vingt ans ». Qu’il emprunte magistralement à Léo Ferré. A l’écoute des quinze plages, on constate que Frasiak ne parle pas pour ne rien dire. Chaque texte délivre un message qui lui tient à cœur. On retrouve une certaine sincérité dans ses propos ; sincérité ou authenticité qui ne risquent guère de lui ouvrir, malgré tout, les portes de la reconnaissance… Les ondes n’ont pas pour habitude de ‘pousser’ un espoir de 40 ans bien tassés. Il en parle d’ailleurs très bien dans « Les bonimenteurs », chanson pleine d’humour et de dérision… Autres titres qui feront le bonheur des amateurs du genre : « T’étais pas né » vraiment splendide de musicalité et d’intelligence, « François Béranger » en hommage à son modèle d’il y a une trentaine d’années et « Le tango de la jetset », dont le texte sonne ‘tellement vrai’.
Quinze titres pour une heure de musique plaisante et qui ne suscite jamais l’ennui. Bon nombre de ses contemporains ne peuvent en dire autant !!!
Après avoir publié deux albums en 2003 et 2005, en compagnie du groupe De Rien, Thibaut a choisi la solitude pour concocter son dernier projet, « Le Comte d’Apothiciare ». Un disque qu’il a réalisé (presque) seul sous son véritable patronyme, Thibaut Derien. Néanmoins, il a quand même bénéficié de l’un ou l’autre petit coup de pouce. Parmi lesquels on épinglera les compositeurs Cyril Giroux et Benjamin Scampini, ainsi que Bertrand Louis qui participe activement aux arrangements.
Suivant son habitude, Thibaut nous emmène sur les chemins de la vie, à travers des textes poétiques où fleurissent allègrement les jeux de mots ou les tournures de phrases originales, voire comiques. L’humour est omniprésent tout au long des douze titres de cet elpee. Simples, tendres et romantiques, les chansons parlent de tout et de rien. Et nous plongent dans une forme de surréalisme où poésie et musique aux relents classiques semblent faire bon ménage. Mais trop de fantaisie tue la fantaisie. Car, si prescrite à doses homéopathiques, cette œuvre peut paraître plaisante, au fil de l’écoute, on se rend compte que les compos souffrent parfois d’un manque de relief. Ce qui explique, sans doute pourquoi, elles deviennent lassantes. Quoiqu’inégal, l’opus recèle quand même quelques titres intéressants. Et je pense tout particulièrement à « Les Acouphènes », au cours duquel il partage un duo en compagnie de François Hadji-Lazaro ou encore « Mon disque d’or », dont le texte original ne manque pas de piment. Bref, un disque ‘bon enfant’, mais qui ne laissera pas de souvenir impérissable…
Dans le domaine de la musique alternative, le label liégeois Honest House est incontestablement un ‘must’. Surtout en Belgique ! Depuis 2005, cette écurie est devenue un vivier de talents en devenir. Faut croire que les patrons de cette boîte ont le nez creux ! Car chaque groupe découvert est une future pépite. D’ailleurs, entre Frank Shinobi, Taïfun ou El Dinah, difficile d’opérer un choix. Et ce n’est pas le groupe bruxellois, avant-dernière signature du label, qui nous fera changer d’avis. Au contraire.
Casse Brique est un duo bruxellois réunissant Julien Coti (guitare, basse) et Maxime Thomas (batterie). Leur style ? Du math rock ! Dans la lignée de Battles, Don Caballero, Shellac ou encore Tartuf. Différence, mais elle est de taille, Casse Brique, a contrario de bon nombre d’artistes évoluant dans cet univers très caractéristique, a le bon goût de ne pas sombrer dans l’intello à outrance. A l’instar d’un Don Caballero, trop souvent obnubilé par ses équations sonores, au point d’en oublier son rock. Tout au long de « Glumour », la maîtrise manifestée par le tandem est impressionnante. Et pourtant leur solution sonore demeure constamment énergique et vivifiante. Les boucles de guitare et de basse se superposent impeccablement, pendant que les fûts tremblent sous les coups métronomiques de Thomas. Sur cet album rien n’est à jeter. Les riffs ravageurs vous guettent constamment. Les cassures sont plus surprenantes les unes que les autres. Du tracklisting, j’épinglerai tout de même « Rideau Disco » et puis surtout « -12 Newtons », morceau au cours duquel les deux compères sortent leurs tripes avant d’embrayer sur le titre suivant…
Après avoir vécu une année creuse, la scène musicale belge reprend manifestement du poil de la bête. Et Casse Brique en est certainement la plus belle illustration. Mais l’endroit où le combo est le plus performant, c’est sur les planches. Il y casse littéralement la baraque (NDR : oui, je sais le jeu de mots est facile). Sur scène ou plus exactement devant la scène. Car chez Casse Briques les prestations ‘live’ se déroulent au niveau du sol. De quoi créer une ambiance toute particulière. Et puis, si vous souhaitez vérifier mes propos, je vous invite à vous rendre soit au Century Rock de Mouscron ce 24 avril ou encore le 29 avril au café Central à Bruxelles, où ils s’y produiront.
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