Pour clôturer en beauté sa saison 2009, le Vk* avait convié ce mercredi 16 décembre, la formation écossaise, Biffy Clyro. Actif depuis 2001, le trio goûte enfin aux joies de la reconnaissance, notamment grâce à « Puzzle », un quatrième ouvrage incandescent, publié il y a deux ans. Mais également suite à une longue tournée mondiale opérée d’abord en compagnie de Bloc Party, puis tout seuls comme des grands ; et, enfin, dans les bagages de Queens Of the Stone Age. En 2009, le combo a finalement acquis une base de fans solide en dehors des frontières de la Grande-Bretagne. Si bien que la petite salle molenbeekoise affichait complet à l’heure où les trois Britons entraient en scène pour défendre leur dernier né, « Only Revolutions ».
C’est une tradition au Vk*, les concerts ne démarrent que très rarement avant 21h30. Après une prestation très anecdotique de People In Planes et quelques bières, un public complètement surexcité (la fin des examens ?) attendait le trio de pied ferme. Lorsque Simon Neil et les frères Johnston apparaissent sur les planches, ouvrant le bal par « That Golden Rule », dernier single extrait de leur nouvel opus, la frénésie est immédiate. Elle prendra de l’ampleur au fur et à mesure que les morceaux s’enchaînent. Ainsi, l’énorme « Living Is A Problem Because Everything Dies » suivi de « A Whole Child Ago », « Who’s Got A Match ? » ou le sublime « 9/15ths » marquent le début des hostilités. Aux premiers rangs, les fans pogot(t)ent sans relâche et n’ont pas l’air prêts de s’accorder une pause.
D’autant plus que Biffy Clyro embraie par l’incontournable single « 57 », extrait de l’œuvre introductive « Blackened Sky ». L’occasion pour quelques casse-cous de donner le signal de départ du crowdsurfing. Difficile ensuite de poursuivre par des morceaux plus calmes. Ayant chauffé à blanc l’assistance, les trois Ecossais doivent affronter un public dissipé qui ne prête que peu d’attention à « Machines », « God & Satan » ou « Now I’m Everyone », pourtant sublimes. A ces titres, le public belge préfère les défouloirs « Justboy », « Glitter & Trauma » ou encore « Semi-Mental ». La plupart des chansons sont reprises en chœur par la foule. Les trois gaillards se montrent plutôt surpris d’un tel accueil et finissent alors par injecter davantage de hargne dans leur prestation. Il faut dire que le public est autrement plus dynamique que celui qui les avait accueillis lors de leur prestation à la Rotonde du Botanique, en 2007.
La formation clôture son set par les singles « Saturday Superhouse » et « The Captain », procurant à leurs fans, une ultime occasion de se rentrer dedans. 2009 s’achève donc dans un tourbillon de riffs et de sueur, comme il se doit. Il aura fallu près de neuf ans à Biffy Clyro pour s’imposer ; et, au vu de l’effet produit par leurs hymnes sur le public belge particulièrement chaud, la mission est bel et bien accomplie.
(Organisation Vk*)
Al est un artiste complet. Trompettiste (NDR : il joue surtout du cornet !), chanteur et compositeur, il jouit également d’une solide réputation comme écrivain et poète. Il a milité au sein du Roomful of Blues, le célèbre big band de Rhode Island. Il a ensuite embrassé une carrière de professeur. A la fin des années 80, le célèbre guitariste Duke Robillard lui demande de l’épauler. Et notre artiste de reprendre goût à la carrière musicale. Il concocte ainsi "Down at Providence Plantation", son premier elpee solo, en compagnie du Duke Robillard Band au grand complet. Depuis, il édite régulièrement de nouvelles œuvres, dans un style, à chaque fois, sensiblement différent.
Vous l’aurez deviné, ce "Soulblue 7" constitue le septième chapitre de cette aventure personnelle. Pour la circonstance, il est consacré au blues et à la soul. Lors des sessions d’enregistrement de cet elpee, il a bénéficié du concours de collaborateurs notoires. Et pour cause, le Roomful of Blues a été pratiquement reconstitué. Soit le guitariste Robillard, le bassiste Marty Balou, le drummer Mark Teixeira, le claviériste Bruce Katz et trois cuivres tout aussi balèzes ; en l’occurrence Rich Lataille au sax alto, Doug James au sax ténor et baryton ainsi que Carl Querfuth au trombone. Al signe bien entendu les treize plages ; son ami Duke, se chargeant de la mise en forme.
"Housekey blues" est une ouverture royale. Les percussions de Marty s'installent et progressivement Duke égrène ses chapelets de notes sur le rythme d'un mambo. La voix d'Al est claire et puissante. Le décor sonore s’enrichit des cuivres et de l'orgue Hammond. Basile se réserve son premier billet de sortie. La sonorité émanant de son cornet est feutrée. Il cède aussitôt le relais à Bruce, avant que Duke n’embraie à son tour. "Dollar to a dime" trempe dans un climat subtilement swing. Le ton est emprunté au jazz. Les cuivres sont discrets. Katz est passé au piano. Le cornet s’affranchit à nouveau. Al est bien un maître de cet instrument ; même si dans le passé il l’a trop peu souvent mis en exergue. "You showed me something" épouse un même profil rythmique. Très jazz cette compo conjugue à merveille le piano et le sax ténor de Doug James. Mais Basile y manifeste également son talent naturel d’instrumentiste. Et honnêtement, je pense qu’il s’agit de la première fois qu’il montre autant le nez à la fenêtre. Slow blues royal, "Lonely are the brave" concède des accents dramatiques, presque tragiques. La six cordes de Robillard est émouvante. Le cornet magique d'Al bouleversant. C’est beau à pleurer ! Cette condamnation à la solitude trahit une telle intensité et une telle profondeur dans l'expression des sentiments éprouvés par les différents acteurs. "I hope you're right" emprunte une forme davantage R&B. Dansante même. Le climat presque pop semble couler de source et accorde des billets de sortie épatants à Duke et Bruce. Et on n’est pas au bout de nos surprises, puisque le reggae s’invite pour "Causing joy". Profilée sur une rythmique répétitive, "This dream (still coming true)" est une longue fresque illuminée par l’intervention au cornet et tapissée par l'orgue à la Jimmy Smith de Kats. Ballade lente, savoureuse, impeccable, "Where are you tonight?" pioche dans le meilleur de Stax. Une chanson d’amour qui transpire le vécu. Invité pour la circonstance, Gordon ‘Sax’ Beadle vient souffler toute sa passion dans son sax ténor. L’étiquette ‘Stax’ pourrait également être collée à "Give it like you get it". Du Memphis R&B très dansant, libérant énormément de groove et destiné à servir de rampe de lancement au cornet devenu intenable. Et le Duke en profite pour se réveiller. Indolente, chaleureuse, "Fool me again" est encore une autre ballade au cours de laquelle tous les instruments s'emboîtent parfaitement. Alors que l'opus s’achève, une étincelle basique de blues jaillit. Et enflamme "Termites in my basement", un morceau très downhome et dépouillé. La section rythmique est discrète mais efficace. Les cordes acoustiques et les accords de piano judicieux. Et c’est l’ami Sugar Ray Norcia en personne qui vient souffler dans l’harmo. Si « Soulblue 7 » n’était pas signé Al Basile, on pourrait le considérer comme le meilleur album de Roomful of Blues, édité depuis bien longtemps ; mais inutile de polémiquer, les mélomanes en tireront eux-mêmes les conclusions… Excellent!
Ça sent bon le sapin et les marrons chauds du côté des frères Young. Depuis une juteuse signature en 2002 chez Sony, on a tendance à sortir un peu tout et n’importe quoi pour rentabiliser la plus grosse machine du hard rock ‘classique’. Citons les Dvds « Family Jewels » et « Plug Me In » ou encore le plus récent box ‘boîte à biscuit’ de l’excellent « Black Ice ». Le portefeuille des fans est cependant mis à lourde contribution.
Bien que la formule ‘faire du neuf avec du vieux’ est toujours bien de mise, la version light de « Back tracks » (il existe une édition de luxe disponible sur le site du combo) n’est pas sans intérêt, car elle recèle du véritable matériel inédit et des titres collectors. Sous sa housse en forme d’ampli de guitare on découvre de véritables trésors.
Attardons-nous tout d’abord sur les deux Cds audio dont le premier propose douze raretés studio datant de 74 à 2000. Quel bonheur de pouvoir enfin écouter, en bénéficiant d’une qualité de son impeccable, « Stick Around » et « Love Song », disponibles à l’époque sur la version australienne de « High Voltage ». Le surprenant « Flig Thing » figurait en face B du single introuvable « Jailbreak » (77), tout comme « Carry Me Home » sur la deuxième face du 45 tours australien de « Dog Eat Dog », paru la même année. Si l’ère Brian Johnson passionne moins les puristes d’AC/DC, on se délecte néanmoins de « Snake Eye » et de « Borrowed Time », jusqu’à présent uniquement connus des fans australiens. L’irrésistible « Big Gun », produit par Rick Rubin, s’était distingué, fort d’un riff implacable, sur la B.O. du film « Last Action Hero ». Autre rareté pour clôturer ce chapitre : « Cyberspace ». Un titre bonus édité sur l’extended Cd single « Safe in New York City ».
Bourré de raretés live, le Cd2 est un pur bonheur ! Ouverture en fanfare par « Dirty Deeds done Dirt Cheap », à l’origine dispo uniquement sur un promo datant de 76. Suivent « Live Wire » et une version survitaminée de « Shot Down in Flames ». Les collectionneurs les plus chanceux possèdent peut-être le single de « Beating around the Bush » et son étrange face B lisible en 33trs. Plus facilement ‘dégotable’ dans les conventions : « Back in Black » et la version speedée de « TNT » déjà savourées par les détenteurs du maxi single vinyle de « Let’s Get it Up ». Parmi les titres rarement interprétés live, nous épinglerons « Guns for Hire », « This House is on Fire », « Jailbreak » et « Safe in New York City ». A l’écoute de ces deux brûlots on n’a vraiment pas la sensation d’avoir grillé 35€ pour de la daube.
Le Dvd « Family Jewels » s’avère un tantinet plus anecdotique. On y retrouve les vidéos clips des plus grands classiques de la période plus récente d’AC/DC, soit des trois derniers albums studio, et quelques bonus de bon aloi (« It’s a long Way to the Top », « Guns for Hire » et le clip promo de « Highway to Hell »).
N’oublions pas le magnifique livret de 36 pages et son lot de photos d’archives, de tickets de concerts, de pass backstage, etc. Véritable fruit du hasard ? La partie consacrée à Bon Scott est foutrement plus soignée que celle dédiée à Brian Johnson. Quant à la version Deluxe de ce « Backtracks », nous émettrons quelques réserves quant à son coût prohibitif et à son mode de commercialisation.
Vu son prix et sa qualité, contentez-vous de cette version plus légère qui recèle l’essentiel de ce nouveau produit qui vise réellement à en donner plus aux vrais aficionados. Une bien belle pièce de collection…
Jello Biaffra a été le chanteur des Dead Kennedys de 1978 à 1986. Mais ce n’est pas son seul méfait. Activiste, politicien, militant écologiste, membre du parti ‘vert’ américain, il est aussi le fondateur et le boss du label Alternative Tentacles. Biaffra n’a jamais été avare de démonstration en ce qui concerne ses opinions, que ce soit dans la musique, dans ses disques consacrés aux ‘spoken words’ ou lors de ses actions politiques ‘coup de poing’. En 1979, il se présente comme candidat à la mairie de San Francisco. Il décroche la quatrième place sur dix candidats, en proposant un programme que de nombreux électeurs avaient pris pour un canular (obliger les hommes d’affaire à travailler avec des masques de clowns, bannir toutes les voitures de la ville, autoriser l’occupation des édifices vacants par les sans-abris ou plébisciter les policiers de quartiers). En 1999, il participe aux mouvements de protestation dénonçant les dérives de l’Organisation Mondiale du Commerce, à Seattle. En 2000 il se présente à la présidence de l’investiture du ‘green party’ (sans succès).
La musique des Dead Kennedys est un véritable pamphlet contre une certaine politique américaine. Il y condamne, avec un humour plus que corrosif, toutes les dérives du système capitaliste. Les titres des chansons et les pochettes des albums sont de véritables coups de poings décochés à la face des Yankees. La pochette d’« Holidays in Cambodia » représente une scène de torture, celle de « Plastic Surgery Disasters » le corps d’un enfant souffrant des affres de la famine. En 1986, après avoir divorcé dans la douleur (financière) des Dead Kennedys, il participe à un nombre incroyable de projets musicaux comme LARD où il fricote l’indus en compagnie d’Al Jourgensen de Ministry ou Tumor Circus. Il enregistre des albums en compagnie des punks canadiens de D.O.A, de NoMeansNo, des Melvins et bien d’autres. Formé début 2009, Jello Biafra and the Guantanamo School of Medicine constitue son premier véritable groupe depuis la mort des ‘Kennedys’, en 1986. On retrouve dans ce groupe toute l’essence de la personnalité de Monsieur Biaffra. Le patronyme du groupe ‘Jello Biafra et l’école de médecine de Guantanamo’ reflète parfaitement son goût pour l’humour noir. Un patronyme qui dénonce le système américain en huit petits mots. Le titre de l’album : « The Audacity of Hype » fait référence au livre de Barack Obama : « The Audacity Of Hope ». Il démontre bien que le vieil activiste punk n’a toujours pas peur de s’attaquer au pouvoir en place. Le livret de la pochette lui-même est du même acabit que celui des disques des Dead Kennedys : un patchwork de textes de chansons, de photos choc, de dessins et de coupures de journaux qui seraient hilarantes si elles n’étaient pas aussi désespérément navrantes pour la culture américaine. Un concept qui porte sans conteste la patte du punk rocker légendaire. Les textes dénoncent : racisme, stupidité, pollution et paranoïa américaine liée au 11 septembre. Tous les fers de lance du combat Jello y sont exposés. Pour véhiculer ses idées, Biafra se sert de ce qu’il fait de mieux : du Punk. Déjanté et virulent. Pas si éloigné de celui des Dead Kennedys. Il lui serait d’ailleurs difficile d’emprunter une autre méthode, vu son timbre de voix aussi atypique. Certains des titres proposés ici auraient très bien pu figurer sur « Plastic Surgery Disasters » ou « Frankenchrist ». Les parties de basse ont été enregistrée par Billy Gould. Depuis, il a rejoint ses compagnons de Faith No More. Les guitares, moins folles mais bien plus acérées que celles des Dead Kennedys, se fendent souvent de soli de guitares plus métal que punk. « The Audacity of Hype » ne pourra que plaire à ceux qui ont un jour trippé sur la musique des Kennedys Morts.
A 51 ans bien tassés, Jello Biafra n’a rien perdu de sa superbe ni de son intégrité. Si, un jour, sur terre, il ne reste qu’un seul véritable punk, sans conteste, ce sera lui.
Le métier de rocker, comme celui de pape ou président de la république tend à devenir une affaire de personnes âgées. Et, si l’on peut douter de l’efficacité de personnes du troisième âge pour diriger ce monde, tant au niveau religieux que politique, la nouvelle vidéo digitale et versatile de Status Quo est là pour prouver qu’en matière de musique, les ‘trois fois vingt’ ont encore leur mot à dire et qu’ils pourraient très bien couvrir de honte des combos beaucoup plus jeunes.
Comme son nom l’indique, « Pictures – Live at Montreux 2009 » a été immortalisé lors du dernier passage de Status Quo au plus célèbre festival Jazz (et Rock) suisse. On s’en doute, l’association d’un groupe aussi prestigieux à un festival qui ne l’est pas moins, ne peut que déboucher sur quelque chose de bien. Et ‘bien’, c’est vraiment peu dire, car c’est le pied qui nous est offert ! Cent quarante deux minutes de pur bonheur au format 16:9.
Les habitués le savent, il n’y a jamais grand-chose qui change chez Status Quo. Enfin presque. Car pour la circonstance, le look du groupe est transfiguré. Imaginez : Francis Rossi à coupé sa queue de cheval. Quelle révolution ! On imaginait qu’il se ferait enterrer avec elle. Et bien non. Voilà. Le tour des changements est fait. Pour le reste, Status Quo, c’est Status Quo. Du boogie, du rock, de l’ambiance et de la bonne humeur. Les duels de Telecaster et l’alternance des vocaux entre Francis Rossi et Ricky Parfitt forment comme d’habitude l’ossature du show de Status Quo. Le groupe revisite ici quarante années de son répertoire. Les titres les plus anciens (« Pictures Of Matchstick Men », « Down The Dustpipe », « Ice In The Sun», « Big Fat Mamma », « Caroline »), les hits incontournables (« Down Down », « The Wanderer », « Whatever You Want », « Rockin’ All Over The World ») et les meilleurs extraits des derniers opus du combo (« The Oriental », « Creeping Up ») ont été soigneusement sélectionnés pour couvrir l’ensemble de la carrière bien remplie des Anglais.
La réalisation du Dvd est tout simplement parfaite. Le son (disponible en dolby surround 5.1) pourrait difficilement être meilleur. Quant à la qualité des images, elle est telle que l’on croirait presque côtoyer les musiciens sur les planches. La ferveur des fans est, elle aussi, si brillamment capturée que l’on participe littéralement à chaque instant de l’événement.
En bonus de la version ‘simple Dvd’ proposée ici, on a droit à un reportage sur les coulisses du show de Montreux et quelques morceaux filmés par les caméras assignées à Rossi et Parfitt. (NDR : le Dvd version ‘deluxe’ contient des bonus beaucoup plus intéressants).
Vous l’aurez compris, Status Quo n’est pas encore prêt à prendre sa retraite. Tant mieux!
Parfois, à la lecture des notes de la pochette, on est envahi par une certaine forme d’enthousiasme. Le label, la production, la présence d’un collaborateur notoire peuvent déclencher une semblable réaction. Mais trop souvent, il y a loin de la coupe aux lèvres. Et c’est le sentiment que m’a laissé l’écoute du premier elpee de la nouvelle sensation électro française : Something A La Mode.
Originaire de Paris, ce duo se compose de Thomas Roussel et Yannick Grandjean. Eponyme, cet opus a bénéficié du concours d’Arnaud Rebotini (NDR : particulièrement réputé dans l’univers de la techno underground, cette sorte d’Andrew Weatherall hexagonal est également membre de Black Strobe) à la coproduction. En outre, le tandem a été signé chez Yellow, label historique de la french touch (NDR : une écurie cofondée par Bob Sinclar, à une époque où il répondait encore au pseudonyme de Chris The French Kiss). De quoi naturellement espérer en avoir plein la vue et les oreilles. On est loin du compte…
Pourtant, Salm développe un projet original : mêler musique classique et clubbing ! Le tout est de faire prendre la mayonnaise… Entre deux kicks bien gras et maintes fois entendus par ces tonnes de groupes french touch, se glissent quelques nappes de violon (Thomas Roussel) et de violoncelle (Yannick Grandjean). A ce jour, seul Arthur Russel est parvenu à réaliser un semblable dessein qui tient la route. Unique en son genre, il permet à son violoncelle de s’immiscer dans le disco. Celui de Something A La Mode prête plutôt à sourire. La mise en forme est irréprochable, mais la combinaison des deux styles est plutôt de très mauvais goût… Pour vous faire une petite idée, l’elpee nous inflige ainsi un très baroque « RondoParisiano » featuring Karl Lagerfeld. Oui, oui, le couturier ! Mais rassurez vous, il ne pousse pas la chansonnette… « GString » ou comment pomper les sonorités ‘daftpunkiennes’. Ou encore l’insipide « 5 AM » qui cherche à combiner symphonique, électro et même hip-hop (NDR : à cause du featuring de la jeune emcee west coast, K.Flay). Deux reprises. Tout d’abord « SchubertALaMode », sorte de medley d’airs connus signés par le célèbre compositeur autrichien. Et puis le « Little Bit Of Feel Good » de Jamie Lidell, dont la version originale figurait sur son dernier opus « Jim », paru en 2008.
Même pas sûr que si vous appréciez Apocalyptica et Bond, cette solution sonore vous convienne. Et de toutes manières, pour les autres, il vaut mieux passer votre chemin. Il ne faut pas aller trop loin pour trouver bien mieux ailleurs…
Cette chanteuse italienne s’exprime aussi bien dans la langue de Verdi que celle de Shakespeare. Elle est née en 1984. A Milan. D’un père marocain et d’une mère italienne. Ce qui explique son nom de famille. Pas très rital, il faut le reconnaître. La confection de ce premier opus est la conséquence de sa participation au célèbre concours organisé outre-Alpes : le festival San Remo. Malika s’était ainsi classée à une honorable seconde place lors de l’édition 2008. Elle se forge une certaine popularité en éditant deux singles, « Feeling Better » et Come Foglie », inclus sur son album éponyme, sorti il y a plus d’un an déjà. Entretemps l’opus a décroché un double disque de platine, pour les ventes italiennes uniquement.
Ayane Malika est une bonne petite chanteuse de variété qui ne casse pas ‘trois pattes à un canard’, mais dont les chansons se laissent écouter assez facilement lors de la préparation du repas, en cuisine, ou en sirotant un bon petit ‘vino rosso’. Les mélodies sont plutôt jolies, l’ensemble de bonne qualité et surtout guère compliqué. Une reprise : « Over the Rainbow ». Pas une bonne idée. Sirupeux et écœurant, cet exercice de style aussi inutile que superflu, laisse une sensation désagréable en fin de parcours. Malika aurait mieux fait de s’abstenir…
On doit cependant s’attendre à une suite de carrière couronnée de succès, puisque Malika travaille aujourd’hui sous la houlette de Caterina Caselli (NDR : du label et éditeur Sugar Music), l’un des plus gros indépendants d’Italie, producteurs d’Andrea Bocelli et Avion Travel…
Après avoir concocté trois elpees de toute bonne facture, Blitzen Trapper nous propose un Ep 7 titres joyeusement baptisé « The Black River Killer ». Vu le titre, on pouvait donc s’attendre à se farcir une musique ténébreuse et aride. Fausse impression car les morceaux proposés sur ce disque sont plutôt variés et pas nécessairement tristes.
Se plonger dans la musique de Blitzen Trapper, c’est avoir le grand ouest américain à portée d’oreille. Adepte du storytelling à la Townes Van Zandt, le groupe conte de sombres histoires issues de l’imaginaire ‘western’ classique. Mais le combo a le bon goût d’inoculer une foultitude de références dans sa solution sonore. Depuis Tom Petty à Johnny Cash, en passant par Bowie, TRex, Lynyrd Skynyrd, Wilco, Conor Oberst, My Morning Jacket, les Fleet Foxes, et j’en passe. Le tout en injectant un zeste d’électro. Alors, « The Black River Killer » ou comment faire sonner de manière moderne de vieilles recettes américaines ?
Cet Ep s’ouvre par le morceau maître. Une belle ballade entraînante et équilibrée. Eric Earley se réserve les vocaux, tandis que ses musiciens-cowboys tiennent magnifiquement la route. Surprise, les claviers épousent un profil quasiment hip-hop (!!!) (NDR : 2 Pac n’était-il pas un cowboy du XXème siècle dans « California » ?). De quoi apporter une touche contemporaine à la compo et surtout l’empêcher de sombrer dans le pur revivalisme. Une excellente entrée en matière et manifestement, le titre le plus réussi de ce disque. Le second morceau est également convaincant. S’ouvrant sur les accents d’un harmonica ‘dylanesque’, « Silver Moon » se transforme rapidement en comptine folk enjouée. Malheureusement, la suite fait un peu pâle figure. Une situation qu’on retrouve souvent sur des Eps précédant la sortie d’un nouvel opus. S’inspirant vaguement de Cat Stevens voire Coldplay « Going Soon » et « Shoulder Full Of You » sont parfaitement anecdotiques. Irrigué par des claviers chatoyants, réminiscents de l’album bleu de Weezer, « Preacher’s Sister » relève quelque peu la tête. Quoique pour l’originalité, faudra repasser.
Bref, si le sextet de Portland Trapper demeure à mes yeux (NDR et à mes oreilles), un groupe incontournable, j’espère simplement que son prochain elpee sera de la trempe des deux premières plages de cet Ep. Dans ces conditions, on n’aura aucun souci à se faire : Blitzen Trapper devrait alors encore frapper fort… (NDR : ça rime !)
Après avoir commis les bombes « Dance Wiv Me », « Bonkers » ou encore « Hollyday », Dizzee Rascal nous sort son ultime ( ?) tube tiré de son dernier opus « Tongue N’Cheek », paru dans le courant du mois de septembre 2009. Intitulé « Dirtee Cash », cette pépite 90’s bonne à diffuser en trombe sur les dancefloors, contient en réalité des samples de « Dirty Cash », chanson originale du combo britannique The Adventures Of Stevie V, célèbre formation dance qui a sévi au cours des années 90. Kitsch à souhait, le titre ne manquera certainement pas de raviver la flamme dance que tout le monde garde secrètement. Perso, je l’assume clairement ! Par contre, le remix de ce morceau opéré par Sub Focus est totalement à côté de la plaque. Big beat, changement de tempo et sonorités assourdissantes. Pas de quoi pavoiser !
Derrière The Rebel Yell se cache James Poyser, un travailleur de l’ombre dont la carrière a déjà été récompensée d’un Grammy Award. Fatigué de traîner dans les coulisses pour le compte de Queen Latifah, The Roots, Common, Erykah Badù ou encore D’Angelo, Poyser agrippe le projecteur et le tourne en direction de son nouveau projet. « Love & War » nous est présenté comme un condensé de ‘misfit R’n’B’ (R’n’B décalé), se dressant contre les clichés du style.
Certains morceaux (« Children Of The Stars », « Army Of Misfits », « Spend The Night », « Everybody’s Doing It ») font honneur à un genre qui, malgré ce que la bio tente de nous faire croire, ne date pas d’hier. Mais l’ensemble est loin d’être à la hauteur de ses promesses. On pointera essentiellement du doigt l’uniformité et la prévisibilité de plusieurs extraits qui deviennent très vite lassants (« Save The World », « Get Off », « Love & War », le très Black Eyed Peas « Heartbreak 101 », « Denial »). Dès lors, il en faudra beaucoup plus à The Rebel Yell pour arriver ne serait-ce qu’aux chevilles de Outkast, les véritables représentants du ‘misfit R’n’B’.
Nos voisins allemands sont très friands de Métal Médiéval. On ne compte plus les formations germaniques pratiquant ce style, dont les plus célèbres représentants répondent aux noms d’In Extremo, Subway To Sally, Morgenstern, Schandmaul et Adaro. Les Bavarois de Cumulo Nimbus sont les derniers à vouloir s’essayer au petit jeu de la fusion du métal lourd et des instruments médiévaux authentiques. Cherchant probablement à se montrer un peu plus subtil que ses compatriotes, le sextet qualifie sa musique de ‘Renaissance Metal’ plutôt que de ‘Medieval Metal’. Aux instruments traditionnels du heavy métal, comme la guitare, la basse et la batterie, viennent donc se greffer des flûtes, une cithare, des percussions, quelques cuivres et un violon. Ce dernier, plus présent que les autres instruments, rapproche le style de Cumulo Nimbus de celui de Subway To Sally. Les vocaux, partagés entre la quasi-totalité des membres du groupe sont chantés en allemand. Un choix pas très séducteur, il faut le reconnaître. Bien qu’agréable à écouter, « Totensonntag » n’apporte pas grand-chose de plus à la pléthore de disques existant déjà dans ce genre où tout semble avoir déjà été fait. Sympa, sans plus.
D.O.A. est le plus légendaire des groupes punk/hardcore canadiens. Actif depuis 1978, Joey ‘Shithead’ Keithley, le guitariste/vocaliste et unique survivant du combo originel a toujours défendu, dans sa musique et dans ses actes, des opinions bien tranchées sur des causes aussi diverses que le racisme, la globalisation, la liberté d’expression ou l’environnement. Pour son nouvel album, le keupon du grand nord a décidé d’adoucir un peu le ton en parlant des autres sujets qui lui tiennent à cœur : le punk, le hockey et la bière. Qualifier « Kings Of Punk, Hockey and Beer » de ‘nouvel album’ est peut-être un peu exagéré ; car il ne s’agit en fait que d’une compilation de titres déjà publiés sur d’autres disques ou d’inédits dont le point commun se situe dans le traitement des mêmes sujets. C’est-à-dire les deux sports nationaux canadiens. A savoir : le hockey et l’ingurgitation de bière au litre. Si cet opus ne réinvente pas vraiment la roue, il a quand même le mérite d’être extrêmement sympathique. Treize titres punk, ‘old school’, entraînants et donnant une furieuse envie de chanter à tue-tête. Comme pour les règles du hockey, il faut probablement être canadien pour comprendre toutes les ‘subtilités’ et allusions contenues dans les textes se référant au hockey. Pas grave, on se rabattra sur ceux qui parlent de bière.
Depuis le début des années 2000, les projets de supergroupe ne cessent de se multiplier. Tous veulent unir leurs forces créatives dans le but de délivrer l’un ou l’autre recueil potentiellement incontournable. L’initiative peut s’avérer aussi bien fructueuse pour certains (Tomahawk, Last Shadow Puppets, The Dead Weather, The Raconteurs, Them Crooked Vultures…) que mitigée voire totalement dispensable pour d’autres (Velvet Revolver, Audioslave, Mongrel, +44, …) Monsters Of Folk est l’une des dernières formations à s’inscrire dans cette mouvance. Et, ironique ou pas, les petits gars avaient plutôt intérêt à assurer en affichant un nom pareil. D’autant que le projet aura germé près de cinq ans dans l’esprit de ses géniteurs. C’est en effet en 2004 que M. Ward, Jim James (My Morning Jacket), Conor Oberst et Mike Mogis (Bright Eyes) ont uni leurs forces pour la première fois lors d’une tournée commune. Cinq années plus tard paraît « Monsters Of Folk », l’aboutissement de cette collaboration presque inévitable.
L’union des quatre songwriters débouche sur une jolie suite de morceaux alt-country et, forcément, folk dont la force réside en des mélodies simples et harmonieuses, rappelant souvent les travaux de Crosby, Stills, Nash & Young. Oberst, James et Ward se partagent le micro de manière plus ou moins équitable. Le mariage de leurs trois voix s’écoule sans effets et en toute cohérence au cœur de compos entêtantes (« Map Of The World », « Say Please », « Man Named Truth », « Whole Lotta Losin’ »…), quand elles ne sont pas tout simplement électrisante (« The Sandman, The Brakeman And Me », « His Master’s Voice », …). Une petite ombre se dresse cependant sur le tableau. Le morceau le plus excitant de la plaque, l’hautement magnétique titre d’ouverture « Dear God (Sincerely M.O.F.) » porte la patte ‘My Morning Jacket’ de la première à la dernière note. Big Jim tenterait-il de piquer la vedette à ses collègues, l’air de rien ?
Il a pris son temps, mais il y est finalement parvenu. Jonathan Bechtolt, délivre enfin le disque de la reconnaissance. Et il n’aura fallu qu’un tube (« Summer Song ») et une tournée accomplie en compagnie de LCD Soundsystem pour que la presse spécialisée s’intéresse enfin au cas YACHT. Après une poignée d’Eps et trois recueils pour le compte de Marriage Records, YACHT a été accueilli à bras ouvert par le label DFA, plus à même de lui offrir la promo qu’il mérite. Bechtolt a alors recruté Claire Evans pour l’aider à bidouiller « See Mystery Lights », un quatrième ouvrage exponentiellement addictif. Bechtolt reprend ici les ingrédients qui ont fait les beaux jours de sa précédente formation, The Blow, en y injectant une dose déraisonnable et jouissive de phéromones auditifs.
Véritable petite curiosité, « See Mystery Lights » réunit huit morceaux (et deux remixes) déments et décalés dont la pierre angulaire se présente sous le titre de « It’s Boring / You Can Live Anywhere You Want », une capsule schizophrène, itérative et obsessive, du même acabit que les travaux de Pixeltan. Au même titre que l’implacable « Summer Song », un morceau qui met à rude épreuve la touche ‘repeat’ des platines. En concoctant ce « See Mystery Lights » abrasif, YACHT, qui compte parmi ses fans James Murphy (of course), Devendra Banhart ou encore Architecture In Helsinki, se place désormais comme l’un des incontournables de la scène electro-subversive.
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