Quelques notes s’égrènent en épousant la monotonie du tic-tac pendulaire. La voix dense de Tiny Vipers, dont le timbre navigue quelque part entre Brian Molko et Nico, déroule une lente mélopée. Le temps disloqué étale le chant et les airs de guitare, jouée comme d’une harpe. Minuit sonne, la belle chétive erre, désœuvrée et insomniaque, dans des lieux autrefois plus vivants. Un souvenir, un fantôme, la gravité des mots et le solennel de la voix nous pénètrent jusqu’à la moelle. Parfois une sorte de cri échappe de ce chant retenu, et elle saute vers des zones inconnues, plus hautes, rappelant celles d’Alanis Morissette ou The Cramberies quand elles s’évadent des rails. Une ambiance de Far-West règne aussi tout au long de cet elpee, le troisième et le plus ombrageux de Tiny Vipers. Pas pour le suspense des westerns ; non, mais pour l’air suffocant et les paysages arides. Pour les sons folks et la longueur d’un plan sur des yeux fatigués.
La petite vipère s’insinue dans nos têtes et sifflote sa mélancolique litanie. Vicieuse, elle s’installe dans le cerveau et rejoue en boucle des souvenirs acides. La folie n’est pas loin, la tête résonne, et cette incantation obsessionnelle s’offre comme unique moyen d’apaisement.
Shawn est originaire de l'Oklahoma. Il vient de fêter ses 35 ans. Il rejoint la liste de cette jeune génération qui se réclame de l’héritage laissé par feu Stevie Ray Vaughan. A l’instar de Sean Costello, Nick Curran, Joni Lang ou encore Mike Welch. Très jeune, il prend goût au blues à l'écoute de maîtres comme John Lee Hooker, Jimmy Reed, Lightnin' Hopkins et Elmore James. Puis tombe sous le charme des exploits forgés par Anson Funderburgh et Mike Morgan. Il part s'établir à Dallas pour y assouvir sa nouvelle passion. Il perfectionne sa technique au contact de Hash Brown. Il transite par les Icemen, auprès de Jason Moeller (Fabulous Thunderbirds) et Paul Size (ex-Red Devils). En 97, il sort son premier album : "Burnin' up". Puis embraie par "Something's gotta give". Deux opus édités chez Cannonball. En 99, il se fixe à Austin. En 2001, il édite "Full circle", un disque pour lequel il reçoit le concours de Double Trouble et des frères Moeller. En 2005, il concocte "Stay", avant de se retirer de la scène musicale, afin d’exercer un job dans le privé. Mais en 2007, il participe à un projet collectif baptisé "Texas Northside Kings" (Dialtone). Il s’y réserve quatre plages. Depuis, il a repris goût au blues. Et pour cause, il vient d’enregistrer un nouvel elpee. Onze nouvelles compos sculptées dans un Texas blues parfaitement assimilé. Une œuvre autoproduite, dénuée de la moindre sophistication : la voix et les cordes de Shawn sont uniquement secondées par une section rythmique classique, basse/batterie.
"Edge of the world" ouvre la plaque. L’effervescence est bien palpable. Un blues saignant, percutant. Le jeu aux cordes de Shawn est nerveux, franc, direct. Digne des meilleurs moments de Jimmie Vaughan. La voix est en retrait, mais demeure très musicale. C'est manifestement du vécu. Du ‘live’! La rythmique est lancinante. A l’instar du "Spoonful" de Dixon revus et corrigés par Howlin' Wolf et Cream (NDR : c’était il y a une éternité) ; mais en y incorporant des cordes bien plus éloquentes. Et cette approche aux cordes reste très personnelle tout au long de la ballade quasi éthérée, ‘hendrixienne’, "Fortune and fame". Le style rugueux et contemporain de Pittman colle parfaitement au blues venu du Mississippi voisin. Et "Make the world stop turnin'" en est une belle illustration. Les percussions sont placées bien à l'avant. Les accords de gratte sont très réverbérés. Répétitive, la rythmique produit ses effets hypnotiques escomptés. En fermant les yeux, on imagine facilement être transporté au cœur d’un de ces juke joints poisseux, dans les collines du Nord du Mississippi. Shawn nous entraîne alors vers Chicago. Celui du blues urbain des fifties. Primaire, mais parfait, le riff de slide est emprunté à Elmore James, tout au long du contagieux "My luck has changed". Shuffle saturé de groove, "No such of a thing" est imprimé sur un rythme proche du géant Howlin' Wolf! Les différents éléments de l'ensemble s'emboîtent à la perfection. Autre shuffle par excellence, mais texan, "Mr Dime Dropper" lorgne manifestement vers Mike Morgan & the Crawl. Blues rocker à la Chuck Berry, "Make people dance" nous invite à roller sur la piste de danse. Transpiration garantie ! Le tempo adopté sur "Let's blow this joint" est plus intense encore. Très T-Birds de la grande époque. Sur rails, la machine est alors propulsée à plein régime. Blues indolent, généreux, très downhome, "High maintenance woman" épouse une tonalité de guitare proche de Lightnin' Hopkins. On croirait presque entendre celle du vieux Texan. Son fantôme, peut-être ! De toute bonne facture, cet opus s’achève par "Hurricane", une plage instrumentale très électrique, impitoyable. Sachant l’épilogue proche, Pittman s'y libère. Shawn a également commis une autre galette cette année, "Movin' & groovin'", sur le label italien Feelin' Good.
Sean Costello était l'un des plus solides espoirs du blues de ce début du XXIème. Hélas, à la veille de son 29è anniversaire, il nous a quittés. C’était en 2008. Il venait de concocter son meilleur album : "We can get together". Sur le label Delta Groove. Une œuvre qui lui avait permis d’être reconnu par ses pairs. Au cours des premières années de sa carrière, il avait commis trois elpees : "Call the cops" en 1996, sur Blue Wave ; puis "Cuttin' in" en 2000 et "Moanin' for molasses" l'année suivante, tous deux chez Landslide. Ce dernier label lui rend aujourd'hui hommage et justice en publiant cette rétrospective. Pas moins de vingt titres sont réunis sur cette plaque, dont douze inédits.
Trois plages de la plaque sont extraites de "Call the cops". Sean n'avait alors que 16 ans. Et c’est Cub Koda en personne qui produisait le disque. Son excellent "Take me back" ouvre donc les festivités. Le timbre vocal de Sean est encore juvénile, pas très assuré ; par contre, il s’affirme déjà à la six cordes. Efficaces, ses attaques sont redoutables. Il embraie par une version acoustique mais très respectueuse du "Sail on" de Sonny Boy Williamson I. Son ami Paul Linden démontre soute sa rigueur sur son harmonica! Ce dernier est passé au piano pour affronter "Call the cops", une plage de brève durée, mais très offensive.
Plusieurs sessions inédites avaient été immortalisées en studio. Elles remontent à 1998. "Lovin' machine" adopte un style jump, chargé de swing, en empruntant au passage des phrasés de T-Bone Walker. Instrumentaux, "The plumber" et "Big beaver", mettent en exergue les prouesses de Linden à l’harmo. Traditionnel, "Tell me baby" est interprété en Chicago shuffle classique. Plus notoire, le "Walkin' blues" de Robert Johnson est exécuté en Mississippi blues. Largement amplifié, il est enrichi par la voix féminine de la séduisante Susan Tedeschi.
Trois titres figuraient sur "Cuttin' in". "Mellow chick swing" est une autre reprise signée Williamson I. Costello est au sommet de son art. Sa voix a pris sensiblement de la consistance. Il est soutenu par Linden et Matt Wauchope au piano. Il opère également une très bonne lecture d'un des meilleurs titres lents du blues, "Double Trouble" ; un morceau popularisé par Otis Rush. Durant plus de sept minutes, il étonne par sa parfaite maîtrise du style et en manifestant une maturité incontestable. "Who's been cheatin' who" adopte le rythme du chemin de fer. Et la machine s’emballe ; mais nonobstant la vitesse vertigineuse du tempo, l’exécution est sans faille.
Parmi les extraits de concerts, deux ont été accordés à Marquette, dans le Michigan. Soit les classiques "All your love" d'Otis Rush" et "Mojo boogie" de J.B Lenoir. L'artiste y démontre tout son talent sur les planches. Autoritaire, il maîtrise parfaitement son sujet. Sa voix est désormais puissante et rugueuse. Sa version fiévreuse et délicate du "Motor head baby" de Johnny Guitar Watson a été enregistrée à Chicago. Sean y adopte le rythme nonchalant du swamp blues.
Deux plages sont issues de l'album "Moanin' for molasses". Tout d’abord "Don't be reckless with my heart", un solide et classique shuffle texan. Et puis "It takes time", une autre cover d'Otis Rush (NDR : qui décidément l'inspire beaucoup). Elle recèle de superbes sorties de cordes devant le piano de Linden et l'orgue de Wauchope.
Quatre titres inédits émanent d’une session studio accordée à Atlanta. C’était en 2002. Le "Your love is amazing" de Robert Ward macère dans une ambiance curieusement orientale. Une plage très soul blues, au cours de laquelle Sean épanche toute sa passion, d’un timbre vocal devenu plutôt graveleux. Signé Fenton Robinson, "You don't know what love is" est parcouru d’arrangements délicatement funky. Et pour terminer on a droit à deux titres coécrits en compagnie de Paul Linden. Soit le remuant et récréatif "Feel like I ain't got a home", dont la bonne humeur communicative est entretenue par le piano roadhouse. Ainsi que le très R&B "She changed my mind", au cours duquel la voix de Sean se prête idéalement à ce style!
Cette collection rend manifestement justice à un des artistes les plus doués de la génération montante, trop rapidement disparu. A l’instar de "WRFG Memorial", recelant seize plages rares ou inédites, les bénéfices récoltés pour la vente de « Sean's blues – A Memorial Retrospective » seront versés à une association luttant contre le ‘Bi-polar disorder’, une maladie souvent liée à la dépression…
Les Moldy Peaches nous manquent beaucoup. Le côté foutraque ainsi que l’urgence adolescence si caractéristiques de leur musique les avaient rendus culte et incontournable aux yeux (NDR : et aux oreilles) des vieux enfants attardés que nous sommes… Depuis leur séparation, pas grand monde pour les remplacer si ce n’est le très intello (mais néanmoins très doué) Jeffrey Lewis. Mais surprise, à l’écoute de « Ghost Train Tragedy », c’est du côté d’Annecy que proviennent leurs –peut-être– plus dignes successeurs ! La comparaison avec le duo légendaire emmené par Adam Green est peut-être un peu facile. D’autant plus que le combo a apporté son concours à la confection de la bande originale de ‘Juno’, en compagnie d’une certaine… Kimya Dawson, sous le pseudonyme Antsy Pants ! Décidemment, le centre de gravité du rock-indie se déplace dangereusement vers l’est. La France s’y colle après la Suède !
Coming Soon (NDR : un nom parfait pour un groupe de Rock n’Roll !) a été formé en 2005 par un trio composé de Leo Bear Creek, Ben Lupus et Billy Jet Pilot. Ils sont ensuite rejoints par Howard Hugues, Alex Banjo, Mary Salomé et Caroline Van Pelt (qui a entretemps quitté le groupe). Cette très jeune bande a, dès ses débuts, fait souffler un vent de fraîcheur sur les platines hexagonales, en dispensant une musique folk-rock, pourtant banale à premier abord. Le plus jeune musicien n’est à peine âgé que de 15 ans alors que le leader, Howard Hugues, compte 26 bougies. « Ghost Train Tragedy » constitue leur 3ème elpee. Le groupe avait rencontré un relatif succès en 2007, lors de la sortie du single « Big Boy », issu de leur effort initial (« New Grids »).
Une certitude à l’écoute des 15 titres de « GTT » : ces Français sont des orfèvres de la musique américaine. Leur musique est influencée tant par la scène anti-folk new-yorkaise (« Manner & Education » et surtout « Pillow Talk ») que par Pavement ou même par le rock 70’s (le très rock « Walking » inaugural). Ces jeunes gens décidemment bien sous tous les rapports se passent le micro tour à tour. Mais c’est la magnifique voix d’Howard Hugues qui domine. Elle rappelle fortement celle de Lou Reed même si l’esprit potache et sans prise de tête de l’album lorgne plus du côté de Jonathan Richman. Ecoutez Howard murmurer ‘You never taught me the violon’ sur « Manner & Education », pour vous en convaincre…
Bien qu’habituellement quelque peu intégriste en ce qui concerne la longueur d’un album, je suis cette fois disposé à fermer les yeux sur leurs 15 morceaux, tellement Coming Soon m’a procuré de bons moments musicaux… A cause des voix doublées par Mary-Salomée, de leur air faussement nonchalant, de leurs mélodies imparables, des multiples instruments utilisés (trompette, flûte ou ukulélé) ; et de leur art à ne jamais tomber dans le piège de la redite. Les titres sont variés, à l’instar du caribéen « Weather Changes ». Tout au long de l’elpee, les 6 membres du groupe apportent chacun leur participation et cela s’entend. L’opus recèle également un des tubes les plus immédiats de 2009 : l’exceptionnel « Moonchild ».
Bravo ! L’Amérique n’a plus qu’à vous ouvrir ses bras. A défaut, la Belgique le fera avec grand plaisir quoiqu’il en soit ! Hébergé sur le jeune et prometteur label Kitchen Music, Coming Soon se produira bientôt près de chez vous. Ne les ratez pas à l’AB le 9 février, où ils ouvriront la soirée pour… Adam Green ! Le groupe risque de rapidement connaître le succès. Ils ont d’ailleurs collaboré au dernier effort de l’ex-pensionnaire de la Star Academy, Olivia Ruiz. Les Coming Soon sont juste cool et ont l’avenir devant eux. Je demande expressément à mon rédacteur en chef d’intégrer sur le champ les Français dans mon Top5 de fin d’année 2009, entre The XX, Dinosaur Jr. et Phoenix. (NDLR: c'est fait!)
Allez Renaud, une p’tite tournée ?
- Renaud a sorti un disque.
- Hein, quoi ? Renaud ? Quel Renaud ?
- Ben celui de « Marche à l’ombre », « Miss Maggie », « Morgane de toi » et tout l’ reste.
- Ah ! Il vit encore lui ? L’est pas mort du cancer du poumon ou d’une cirrhose ?
- Faut croire que non. Paraît qu’y s’est même remarié.
- Pu… avec une aveugle, sourde et sans un rond ? Ou une réfugiée ?
- Non, non, avec Romane Serda, une chanteuse.
- Connais pas !
- Il lui écrit des chansons et il s’y est remis aussi.
- Tout arrive ! Va faire comme Johnny ! Finir sur un fauteuil roulant ! Puis y portera plainte comme l’autre, contre les fabricants de cigarettes et de Ricard sans doute.
- Attends, j’ai écouté son dernier Cd et c’est pas si mal que ça.
- Ouais mais y’arrive encore à chanter ou y parle ?
- Il essaie de chanter, c’est vrai que point de vue voix, c’est plus du tout ce que c’était.
- Tu m’étonnes. Avec toutes les clopes et le pastis qu’il s’est enfilés, il a de la chance d’être encore vivant.
- Hé de quoi vous parlez vous deux ?
- Du dernier album de Renaud, p’pa. T’as entendu ?
- Evidemment. Je suis fan depuis que j’ai 14 ans ; donc, forcément, je l’ai acheté.
- Ok mais franchement c’est bon ou c’est de la merde ?
- C’est bon, même très bon. Vous savez qu’il a toujours aimé le folklore irlandais. Il le chantait déjà sur son album « Marchand de cailloux ».
- Oui t’as le disque ? Un vieux hein ! Y a plus de15 ans ! Il date de 1991.
- Oui je sais. Mais cette fois, il a repris des airs traditionnels, les a arrangés, s’est entouré de musiciens du coin et il nous sort sa « Balade irlandaise ». Avec un ‘L’ comme pour la promenade. Son disque réunit treize chansons. Toutes des adaptations du répertoire de la musique celtique irlandaise. Les textes sont magnifiques et les musiques sonnent ‘vraies’. Ca sent bon l’Irlande. La voix est enfumée. Bon oui, mais alors ? Ça donne tout le charme justement.
- Tu pousses pas un peu, non ?
- Un tout petit peu alors. Mais c’est vrai que si sa voix a du mal à suivre, ça reste du Renaud de bonne facture. Mais je n’irai plus le voir en concert. J’ai déjà donné lors de sa tournée précédente. Ecoutez-le plutôt que de vous amuser à le critiquer sans savoir.
- Ouais t’as raison, je vais te le piquer et l’écouter dans ma chambre.
- Demande à ton frère, mon Cd a déjà disparu. C’est sûrement lui qui l’a.
- Ok c’est bon, j’te l’rends p’pa.
Invariablement pieds nus, Xavier Rudd foule inlassablement les planches des festivals world internationaux les plus célèbres. Au fil du temps, le globe-trotter australien apparaît naturellement comme l’une des personnalités les plus excentriques de la scène world.
Multi-instrumentiste surdoué, ce jeune fou de 32 ans, expert en didgeridoo, manie plus de dix instruments et use de son expérience acquise lors de ses nombreux voyages pour tisser une musique intense et universelle. Il fait du monde sa maison. Un lieu peuplé de sons, de visages et de paysages où il cultive une pluri-culturalité sonore unique. Mêlant musique traditionnelle aborigène et instruments classiques (guitare, batterie, harmonica…), il tisse chaleureusement des ponts entre les continents. Son sixième et dernier opus, présenté ce soir à l’Ancienne Belgique, met d’ailleurs l’Afrique du Sud à l’honneur. Tout au long de « Koonyum Sun », « Xavier Rudd » décide de revenir aux sources de sa musique et de s’éloigner du puissant et décalé « Dark Shades Of Blue ». Un retour en grande pompe qui bénéficie des lumières de Tio Moloantoa (basse) et Andile Nqubezelo (batterie). Deux musiciens sud-africains de légende (ex-membres de Lucky Dube). Un album world exceptionnel sillonné de reggae, dub, blues et folk déjà restitué lors d’un concert inoubliable accordé sur la scène de l’Ancienne Belgique au mois de février dernier.
20h50, les étendards sont dressés. Côté jardin, le drapeau aborigène d’Australie. Côté cour, celui de l’Afrique du Sud. Le ton roots est donné. Les couleurs de « Koonyum Sun » visuellement symbolisées.
Seul, tout d’abord, Xavier Rudd expose toute l’ampleur de son talent. Un début instrumental, assis, qui distille des fluides musicaux proches de l’expérience chamanique. Une transe habillée de trois didgeridoo et d’une batterie qui affronte le temps et fige l’espace. Je répète : seul et simultanément. Impressionnant ! De morceau en morceau, le ‘one-man band’ jongle d’un instrument à l’autre (didge, drums, guitare, harmonica…) et les manie avec une aisance déroutante. Le ‘Yirdaki’ abandonne alors subitement la batterie pour la guitare Weissenborn et l’harmonica. Façon Ben Harper, il gratte et souffle le chaud. Sa dextérité déconcertante irradie la salle d’une atmosphère énigmatique et agréablement crispante. Un premier acte qui impose le respect face à tant de talent et nous laisse sans mots. L’accueil tambourinant du public en sera juge.
Changement de cap subit pour le deuxième acte. Le théâtre du monde s’enrichit des deux musiciens sud-africains d’Izintaba. L’atmosphère change. La dimension artistique prend de l’ampleur. Musiques des Caraïbes, world, rock, reggae, dub… viennent habiter les lieux. Une musique reflétant la passion de l’artiste nomade pour le mélange des cultures. Mixité merveilleusement exécutée ce soir par le trio intercontinental. Un savoureux mélange qui ravit un homme qui aime s’inspirer et défendre toute minorité ethnique. Et, plus particulièrement, la sienne, la culture aborigène.
Artiste profondément humain et généreux, Xavier Rudd a, ce soir encore, atteint son objectif : communier en musique face à un public surchauffé, dansant et visiblement heureux.
Xavier Rudd et Inzintaba, un trio qui réchauffe l’âme et le corps à l’orée d’un hiver bruxellois froid et sombre.
(Organisation Ancienne Belgique)
En général, je n’apprécie pas trop la variété franchouillarde. On y trouve trop souvent tout et n’importe quoi. Je n’aime pas trop non plus, en particulier, ce qui provient de TF1. On nage en pleine médiocrité, racolage, peoplisation (si ça se dit), exagération et vulgarité. Mais ce que j’exècre le plus, c’est le système mis en place par différentes chaînes de télévision : la fabrication en quelques semaines d’une star de la chanson ! N’importe quoi ! A part Julien Doré, rien, le néant. Mais avait-il réellement besoin de passer sur M6 pour se faire connaître, pour percer ? Bah, on s’en fout après tout.
« Rêves » est un album posthume dédié au vainqueur de la Star Academy 2004, Grégory Lemarchal. Il me semblait bien avoir entendu son nom à l’une ou l’autre occasion. La première à l’issue de sa ‘consécration’. Dans la foulée, il enregistre un album intitulé « Je deviens moi ». Il en est récompensé par un double disque d’or dans l’Hexagone. Ben tiens ! La deuxième fois que j’ai entendu parler de lui, c’était suite à son décès ; à 24 ans à peine, suite à une maladie pulmonaire incurable.
En sortant le best of ( !) d’un ‘artiste’ ne comptant qu’un seul album à son actif, on tombe dans l’exagération et la sur-commercialisation à outrance ! Décidée par ses parents et sa maison de disques, la sortie de ce Cd n’a qu’une seule fonction : ‘faire de la tune’. Il paraît que c’est pour la bonne cause : financer la recherche et le combat contre la mucoviscidose. J’ose espérer que c’est vrai.
Musicalement, rien à dire. Des petites chansonnettes sans intérêt, banales et médiocres. Rien de bien excitant. Deux inédits « Tu prends » et « Je rêve » écrits par Grégory Lemarchal lui-même, une reprise de Daniel Balavoine « SOS d’un terrien en détresse », des fonds de tiroirs et 6 titres qui figuraient déjà sur son premier recueil. Un point positif, une jolie voix. C’est tout.
Après avoir sillonné les routes du blues pendant 22 longues années et aligné pas moins de douze albums, on peut considérer Debbie Davies comme une ‘vétéran’ du style. Ses nombreux fans la suppliaient, depuis de nombreuses années, de sortir un album uniquement instrumental, afin qu'elle puisse se concentrer sur son jeu personnel, résultat de l'interaction entre ses principales influences (NDR : qui oscillent d’Albert Collins à Freddie King, en passant par Kenny Burrell)
Debbie entame les hostilités par le "Fishnet" de Duke Robillard. Une reprise bien saignante, libérant un maximum de groove. Elle démontre une fois de plus sa parfaite assimilation de l'approche technique forgée par son maître, Albert Collins. Elle embraie par l’excellent "Down at the honky shack", une compo inspirée par sa vision du "Back at the Chicken Shack" de Jimmy Smith et surtout du "Honky tonk" de Bill Dogett. Son style est très fluide et l’adaptation particulièrement personnelle. Sur l’album "All I found", "Tryin' to keep it real" proposait une version chantée. Ici, elle nous entraîne dans un univers funky, très clean, esthétique. Partagée entre la basse de Casandra Faulconer et les percus du fidèle Don Castagno, la section rythmique préserve la ligne de conduite, pendant que l'orgue Hammond de Paul Opalach filtre la solution sonore. Sur la cover du notoire "Okie Dokie stromp" de Clarence Gatemouth Brown, la Californienne se permet de swinguer. Les cordes de sa Fender vibrent subtilement, naturellement… "Percolatin'" est un morceau instrumental par excellence. Bref, concis, il fait instantanément mouche. Dans un style très proche de Freddie King. Elle retourne aux sources funky sur "So what", tout en gardant ce bon vieux Collins, à l'esprit. La vision atmosphérique, jazzyfiante d’"Atras de tus ojos" est empreinte de douceur et d'exotisme. Séduisant et intense, le titre maître est parsemé de grappes de notes vivaces et graciles. Baignant au sein d’un climat hispanique, il rend surtout un vibrant hommage à Kenny Burrell. Un véritable régal pour les oreilles ! Debbie assure une parfaite lecture du blues basique sur "I wonder why (Blues in D Natural)", une compo qui baigne dans le Chicago blues, inspiré par l'Otis Rush de la grande époque. Elle appuie sur ses pédales afin d’exhiber une autre facette de son style, sur la reprise du "If you love me like you say" de Little Johnny Taylor. Elle y adopte un profil R&B, dansant, proche de Memphis (NDR : cet orgue !) D’excellente facture, cette collection s’achève par l’allègre "Zoom-in". Et pour cause, son ami Opalach (NDR : également responsable de la coproduction) a empoigné la deuxième gratte. Pour nous entraîner au sein d’un univers à la fois surf et métallique…
La musique dispensée par certains artistes ou groupes contemporains sonne résolument passéiste. Ce goût de la nostalgie ne constitue pas un défaut en soi, lorsque les interprètes y apportent un rien de fantaisie ou de folie. The Wave Pictures se situe assurément dans la catégorie des récupérateurs. Rien de bien neuf n’émane de la solution sonore produite cette bande de jeunes Anglais. Mais ces lads se contentent-ils de marcher sur les traces de leurs aînés ou parviennent-ils à provoquer les étincelles requises afin d’éviter le pur ennui revivaliste ? Tentative de réponse…
« If You Leave It Alone » constitue déjà le 8ème essai (NDR : sans les Eps) de ce combo prolifique, fondé en 1998, quelque part dans un village perdu au fond du Leicestershire. Et cette discographie déjà impressionnante ne prend pas en compte les collaborations opérées par leur chanteur, Dave Tattersall, notamment auprès d’Herman Düne. A l’origine, le trio répondait au patronyme de Blind Summit. Mais après avoir changé de line up et déménagé à Londres, ils ont opté pour The Wave Pictures.
« Instant Coffee Baby », leur elpee précédent avait reçu un accueil favorable de la part de la presse spécialisée insulaire. « If You Leave It Alone » ne bénéficie manifestement plus d’un écho aussi avantageux, outre-Manche. Et pourtant leur nouvel opus reste agréable à écouter. The Wave Picutres pratique une forme de lo-fi flemmarde. Très précise, la basse sèche est bien mise en avant. Flemmarde, la trompette ne manque cependant pas de charme. La voix nasillarde de Dave Tattersall rappelle parfois celle de Gordon Gano (Violent Femmes). Et puis, pourtant imparfaitement maîtrisés, les chœurs collent parfaitement à l’ensemble qui semble se complaire dans le dilettantisme. Bref, The Wave Pictures nous propose tout au long de “If You Leave It Alone” des chansons taillées grossièrement dans un folk rock un peu foutraque. Fragiles, à peine mises en forme, elles sont même susceptibles de perdre à tout instant leur fil mélodique. Un peu dans l’esprit d’Hefner, Jeffrey Lewis ou encore The Mountain Goats ; sans parvenir néanmoins à se poser en concurrent potentiel.
Cette nonchalance souffle cependant le chaud et le froid. « My Kiss » passe ainsi parfaitement la rampe. « Come On Daniel » (NDR : le meilleur morceau de l’opus) véhicule une émotion à fleur de peau. Par contre, un titre comme « If You Leave It Alone » (NDR : il ouvre la plaque !) est tout bonnement soporifique. Les compos prennent d’ailleurs une autre dimension, lorsqu’ils pressent quelque peu le pas. Et je pense tout particulièrement à « Tiny Craters In The Sand », « Too Many Questions » ou encore au très réussi « Bumble Bee », dont la rythmique semble avoir été empruntée à Johnny Cash. Mais le point fort de The Wave Pictures, procède de leurs lyrics. Des textes signés Tattersall, dont l’espièglerie évoque un certain Jonathan Richman voire Jarvis Cocker…
The Wave Pictures vient de commettre un disque d’honnête facture. Trop inégal pour convaincre totalement, son crédit aurait augmenté, s’il avait réduit son tracklisting. Un Ep aurait suffit. En outre, dans le genre ‘chorale pastorale’, je leur préfère les plus doués et enthousiasmants Noah & The Whale…
En 2005, le label Severn éditait une première collection du Chicago Blues Harmonica Project, baptisée "Diamonds in the Rough". Elle présentait six harmonicistes locaux. Quatre années plus tard, l’écurie propose une suite intitulée pour la circonstance "More rare gems", impliquant pas moins de sept souffleurs, tous soutenus par les Chicago Bluesmasters. C’est-à-dire Rick Kreher et Illinois Slim aux guitares, Mark Grumbach au piano, E.G McDaniel à la basse et Twist Turner à la batterie.
La plupart des harmonicistes ne sont gère notoires. Reginald Cooper ouvre l’opus. Originaire de l'Arkansas et établi à Chicago depuis 1959, cet illustre inconnu est cependant loin d’être un néophyte. Son jeu sur l’harmo est très rythmique tout au long de "Shade tree mechanic", dans un style proche du "Wang dang doodle" de Willie Dixon. Il a une bonne voix. Et le démontre tout au long de "Give me back that wig" de Lightnin' Hopkins, un merveilleux blues lent au cours duquel il est épaulé par Brumbach au piano.
Charlie Love est un authentique kid de Chicago. Il jouit d’une solide réputation de chanteur/guitariste ; et pourtant l'homme a du souffle. Il a beaucoup écouté James Cotton et il le restitue bien, en manifestant une puissance inouïe, sur le "Ooh baby, hold me" de Howlin' Wolf. Son authenticité et sa passion son traduites sur le "The 12 year old boy" de Mel London (NDR : ce morceau figurait également au répertoire d'Elmore James). Sa voix est émouvante et son jeu envoûtant. Je vous conseille par ailleurs vivement de vous procurer "So happy I could cry", le seul elpee solo de l’artiste. De la pure dynamite!
Harmonica Hinds est né sur l'île de la Trinité. Il vit cependant à Chicago depuis 1973 où il a été pris sous l'aile protectrice de James Cotton en personne. Il se produit régulièrement dans tous les grands clubs de la Cité des Vents (NDR : notamment le Theresa's Lounge et le Buddy Guy's Legends). Il a enregistré en compagnie de Koko Taylor et compte un album personnel à son actif : "Finally". Il présente ici deux de ses compositions. Tout d’abord le saignant "Kill that mouse". Le rythme est débridé, à l’instar d’un Jimmy Reed en version accélérée. Tant les parties vocales qu’instrumentales sont excellentes. Ensuite "Sunday morning blues". Un instrumental de très belle facture.
Little Arthur Duncan est sans aucun doute le musicien le plus réputé figurant sur cette collection. Né dans le Mississippi en 1934, ce vétéran du blues était l'ami de Little Walter, dans les 50s et 60s. Son adaptation du "Can't stand it no more" est superbe. Sa voix est ravagée sur la version speedée du "Gone to Main Street" de Muddy Waters. Le souffle est furieux et très offensif. Il s’agit malheureusement de sa dernière session d'enregistrement, puisqu'il est décédé en août 2008!
Jeff Taylor est lui aussi un véritable enfant de Chicago. Tout jeune, il se produisait dans la Maxwell Street. Ce multi-instrumentiste est capable de jouer des drums, de la basse, des claviers et bien sûr de l'harmonica. C’est également un fort bon chanteur. Il interprète ainsi le "Gangster of love" de Johnny Guitar Watson, pendant que Russ Green souffle dans l'harmo. Il avait participé à la première collection, parue en 2005. Taylor double enfin au chant et à la musique à bouche lors d’une version singulière du "Honest I do" de Jimmy Reed. Du swamp blues dispensé sur une trame funky, un peu à la manière de Paul Butterfield. Etonnant, mais intéressant.
Big D enfin est le plus jeune puisqu'il n'a pas encore 30 ans. Il a régulièrement côtoyé Rockin' Johnny, Billy Flynn et Tail Dragger. Sa voix est remarquable d’intensité tout au long du "I've got to be with you tonight" de Slim Harpo. Il interprète ce morceau dans le plus pur style du swamp blues louisianais ; et son instrument communique une tristesse infinie. Il se révèle cependant beaucoup plus offensif et percutant sur "Well you know".
Cette collection d’excellente facture est dédiée au regretté et légendaire Carey Bell, un des grands souffleurs du Chicago blues.
Chanteur/compositeur/interprète suédois, Daniel Norgren est un artiste talentueux. Pour créer son propre style roots, il mêle ainsi le folk, le blues primaire et le vieux jazz ‘old school’ auquel il ajoute un soupçon de country et de musique populaire. En général, il se produit comme un homme-orchestre. Il chante ou souffle dans un harmonica ou encore un kazoo en s’accompagnant, en même temps, de sa guitare tout en se chargeant des percussions. Il est très populaire chez lui ; mais également, semble-t-il, chez nos voisins néerlandais. Son premier album solo est paru en 2007. Expérimental, "Kerosene dream" lui avait valu d’être comparé à Tom Waits. "Outskirt" est sorti dans son pays en avril 2008. Il fait aujourd’hui l’objet d’une distribution internationale via le label batave (NDR : et très blues !) Cool Buzz! Pour la circonstance, Daniel a reçu le concours d'excellents musiciens locaux. En outre, il signe les quinze pages de cette œuvre.
"Who's knocking" ouvre l’elpee. Une compo captée ‘live’ en studio. Et en une seule prise ! Norgren reconnaît pour influence majeure le blues d'avant-guerre. Celui des pionniers comme Blind Willie Johnson ou Son House. Les percussions sont rudimentaires. Les cordes véhiculent des accents métalliques. La voix de Daniel est mordante, brute. Il me fait un peu penser aux débuts de feu l'Anglais Kevin Coyne. La guitare est torturée. Il tire le maximum de son instrument. Les cordes sont lacérées et gémissent tel un animal blessé. Cette entrée en matière interpelle ; et pourtant elle ne reflète pas exactement le climat entretenu tout au long de cet elpee. D’ailleurs, "Let me go" est une plage plus paisible. Il mêle son blues à du gospel (NDR : un style qu’il apprécie), en balisant sa voix de légers chœurs. "The comedian" nous entraîne dans le monde du jazz, mais un jazz suranné et dépouillé, un tantinet manouche. Autobiographique, ce morceau est enrichi par les sonorités feutrées de la trompette de David Lindroth. Tom Waits n’est pas loin. Daniel se prend pour un matelot errant dans un vieux port (NDR : peut-être celui d’Amsterdam) pour chanter "Prettiest world". Une scie musicale talonne sa voix. Un orgue colore délicatement cette chanson folk mélancolique. Norgren ne respire pas la joie de vivre. C’est même plutôt un type au bord du désespoir. Mais ce désenchantement fait aussi sa personnalité. Un spleen qu’il épanche sur "Purse" et tout au long de "Poor heart's avenue", une ballade dont le profil country est dessiné par sa steel guitare ; ou encore lors de la complainte "Saddle my heart", caractérisée par ses violons larmoyants. Fort heureusement, le blues refait régulièrement surface. A l’instar de l’intense "Fivestringed crooked Red Clara". Si l’harmo transparaît en filigrane, le bottleneck entretient ce climat. Il s’accompagne au piano (NDR : tolérant néanmoins quelques artifices électroniques), pour interpréter "Mean old devil got on". Sa voix est très triste pour chanter cette compo traitant du monde plongé dans le désordre et le chaos. Apaisé, il nous livre une plage de toute beauté : "Before I go". Valse débridée, "No one wants you as you are" conjugue ses cordes électriques et le saxophone loquace de Mats Walson. Et finale, Daniel démontre qu’il a quand même le sens de l’humour. "I couldn’t even grow a moustache for you" est même une plage récréative. Et je dois avouer que c’est même celle qui me botte le plus.
Norgren est un artiste dont la sensibilité à fleur de peau est surprenante. Il peut se montrer paisible un instant et complètement ravagé le suivant. Respecter l’héritage d’un maître du passé ou emprunter un format résolument contemporain. A découvrir de toute urgence !
Lorsque Dean Fertita décide enfin de (re)commencer une aventure en solitaire, il mérite qu’on s’intéresse de plus près à son cas. Mais qui est Dean Fertita ? Vous n’en avez jamais entendu parler ? Vous n’êtes pas les seuls. Originaire de Detroit, il a milité fin des années 90 chez The Waxwings. Il en était même le chanteur et le leader. Après avoir commis trois elpees, le combo se dissout sans avoir connu un quelconque succès commercial. Notre homme reste donc à quai, dans un relatif anonymat sauf pour les connaisseurs. Mais son talent n’est pas perdu pour tout le monde. Il décide de mettre ses compétences au service des autres en se produisant notamment pour les Raconteurs et les Queens of the Stone Age durant leurs tournées, collaborations qu’il apporte depuis quelques années.
Plus récemment, il a été invité comme quatrième membre d’une super-formation dont le line up implique Jack White (The White Stripes), Alisson Mosshart (The Kills) et Jack Lawrence (The Raconteurs) et répondant au patronyme de The Dead Weather.
Pourtant, à partir de 2008, il se (re)décide à se la rejouer perso. Et on assiste à une révélation. Fertita se montre sous son meilleur jour lorsqu’il peut être seul maître à bord. Son album est puissant, mélodieux, résolument rock, pleins de riffs et de ‘caisses’. Un opus partagé en douze pistes, dont il en signe sept et cosigne cinq autres, en compagnie de Brendan Benson, également préposé à la basse. D’une qualité égale tout au long de l’album, Dean Fertita nous donne pleinement la mesure de son talent de songwriter et d’interprète. Actuellement, notre homme conjugue trois carrières de front. Membre à part entière des Queens of the Stone Age (NDR : ce qui explique sans doute pourquoi Troy Van Leeuwen, Joey Castillo et Michael Shuman sont venus apporter leur concours lors des sessions d’enregistrement de cet elpee solo) depuis 2007, impliqué au cœur du super-band The Dead Wather, il est donc également le chanteur/leader de son nouveau projet Hello=Fire, un projet qui mérite sans conteste une oreille attentive.
Artiste atypique, Richard Hawley nous démontre une nouvelle fois que rien ni personne ne peut influencer ses choix, ses goûts et ses envies. Il nous livre un splendide album qui hélas ne contient ‘que’ 8 petites merveilles, totalement intemporelles…
Crooner, tel est le titre qui lui convient le mieux. Non content de suivre son petit bonhomme de chemin, seul contre vents et marées, ce Britannique à la voix chaude et aux mélodies ciselées, nous propose dans son dernier ouvrage huit plages qui sonnent toutes comme des merveilleux cadeaux au pied du sapin. Il est clair que ce n’est pas ce style de musique qui va nous faire danser lors de cette période de fêtes. Ce n’est pas dans son répertoire ; et encore moins son objectif!
Néanmoins, la pureté des cordes, sa douce mélancolie, son talent et sa grâce éclaboussent cet opus qui émerveille n’importe quel auditeur à l’époque de faire le bilan de 2009. Traditionnellement, en cette période de l’année, c’est la course à la meilleure vente, au plus beau concert, au meilleur best of, etc. Tout un chacun qui veut se vendre au ‘meilleur moment’ de l’année se presse au portillon, tient le haut de à l’affiche. L’info rock en ces temps de cadeaux, de sorties d’album, d’annonces juteuses est souvent dévolue aux méga-groupes, aux cancans les plus gros les uns que les autres. Richard n’en a cure. Il se contente de nous offrir ce qu’il fait de mieux, une ambiance douce (NDR : qui ne signifie pas molle), des perles musicales, un Cd qui dégouline de classe et donne simplement envie d’aimer…
Ses références lui viennent de ses racines, les Dean Martin, Hank Williams et Faron Young qu’écoutaient son père et son grand-père avant lui ; elles le guident, le bercent et l’imprègnent de cette culture musicale hors du temps. L’homme de Sheffield se fiche comme d’une guigne de la dispute des frères Gallagher ou de la tournée de U2. Merci Richard de nous faire partager le goût du ‘beau’.
Fondé en 1995 par Dave Grohl, rescapé de Nirvana, The Foo Fighters demeure l’unique –ou presque– grande gloire de la vague post-grunge. En outre, le groupe a déjà touché deux générations d’aficionados de rock couillu !
Ecrire que ce « Greatest Hits » est une pièce de choix serait un doux euphémisme, le groupe affichant au compteur un parcours discographique de six albums studio sans faute. Le récent Dvd « Live At Wembley Stadium » nous avait filé une sacrée banane. Et pour cause ! Grohl et ses compères assurent méchamment sur les planches, dispensant un rock burné et gonflé à la testostérone. Pendant près de 120 minutes, ils alignent les hits flamboyants. On imagine donc aisément que dresser la play-list de cette compilation fraîchement sortie n’a pas été un exercice facile.
Seize morceaux dont trois inédits, « Wheels », « Word », et une version acoustique du tube « Everlong », histoire de pousser les fans qui détiennent déjà l’intégrale des Fighters à compléter leur collection. C’est la plaque de 97, « Colours and the Shape », qui est la mieux représentée, incluant trois titres incontournables, dont le buriné « Monkey Wrench ». Néanmoins, l’ensemble se veut équitable, chaque elpee bénéficiant de deux ‘ambassadeurs’, excepté « Skin and Bones » circonscrit à sa plage titulaire. On ne se lasse pas d’écouter des hymnes tels que « Skin and Bones », « This is a Call », « Big Me » ou « All My Life ». Un concentré de ce que Dave Grohl a produit de meilleur, et par conséquent l’ultime album à se procurer si on ne possède rien des Foo Fighters.
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