De son véritable nom Henry John Deutschendorf, Jr, John Denver est né le 31 décembre 1943 et est décédé le 12 octobre 1997, suite au crash de son avion expérimental –un Long-EZ construit en fibre de verre– survenu le long de la côte californienne. Compositeur, protest singer (NDR : démocrate convaincu, il a milité en faveur de la campagne de Jimmy Carter de 1976) et acteur, il a entamé sa carrière en 1969 et compte à son actif plus d’une trentaine d’albums ainsi que de nombreux hit singles, dont « Leaving on a Jet Plane » (NDR : transformé en tube planétaire par Peter, Paul & Mary, en 1969), « Take Me Home, Country Roads », « Rocky Mountain High », « Sunshine on My Shoulders », « Thank God I'm a Country Boy », « Annie's Song » ou encore « Calypso ». Il a en outre, décroché une multitude de récompenses pour les ventes de ses disques (NDR : plus ou moins 40 millions écoulés à travers le monde), mais surtout a milité et s’est investi (NDR : personnellement et financièrement) pour la lutte environnementale (NDR : c’est dans l’air temps…) et humanitaire, notamment en faveur de l’Afrique, de l’Inde et de l’Asie du Sud-est.
Ce box est consacré à quatre concerts accordés à différentes époques de sa carrière, sur différents continents (Japon, Australie, Angleterre) ainsi qu’à un double documentaire. Cinq Dvd en tout. Et un par sujet. Donc par disque. Une centaine de chansons dont quelques reprises, le tout totalisant presque 10 heures d’images (NDR : sonorisées, of course). Ah oui, j’allais oublier le principal, Denver est un chanteur folk, dont le style s’adresse surtout aux nostalgiques de Joan Baez, Emmylou Harris voire Simon & Gardfunkel. Fallait quand même le préciser !
de portables comme son nom semble l’indiquer est un ‘groep’ issu du nord de la Belgique, plus précisément de la région gantoise. Hans Gruyaert, Wio D'Hespeel, Jürgen De Blonde, Bert Lafontaine et Hendrik Dacquin ont formé leur band voici plus de dix ans puisqu’il est né en 1996. A ce jour, ils ont concocté trois albums et deux Eps. Intitulée « John Terra », leur dernière plaque en date constitue en fait une dédicace à quelqu’un qui a beaucoup compté pour leur carrière musicale et les a toujours soutenus. Mais s’appelle-t-il réellement John Terra ???
Curiosité indéniable, cet elpee propose un cocktail de musique electro/pop complètement éclectique. Ça part vraiment dans tous les sens, du titre d’ouverture (du même nom que le Cd), un instrumental aux relents ‘métal’, jusqu’au morceau final, titre rock/électro plus musclé. Entre ces deux extrémités, on a droit à six compos très variées qui passent de la pop ciselée (« The Bay of the white purifying Bed ») à l’électro en passant par des plages plus ‘aériennes’, sans oublier un penchant bien prononcé pour la pop/rock. La part belle est faite aux guitares acoustiques et aux chœurs ; ce qui confère aux compositions une authenticité et une chaleur indéniable.
de portables nous propose une œuvre plutôt bien réussie. Et si elle ne recèle que 8 titres, ils valent vraiment le détour. La version du single « The Bay of the white purifying Bed » disponible sur leur ‘MySpace’ est d’un niveau nettement plus ‘travaillé’ afin de lui donner un aspect radiophonique. A noter que leur elpee précédent, « Girls Beware », avait remporté un succès éclatant dans la partie néerlandophone du pays ; et pour l’avoir écouté, ce n’est vraiment pas volé !
En 2006, Tim Presley et Rob Barbato, respectivement guitariste et bassiste (également vocalistes au sein de leur groupe), avaient été engagés par Mark E. Smith pour jouer dans son backing band, lors de sa tournée aux States. Mais, il faut croire que le caractère acariâtre du leader de The Fall a encore fait des siennes, puisqu’au beau milieu de périple, les deux yankees ont abandonné le navire, forçant ainsi le natif de Broughton à rentrer en Angleterre. Sans quoi, avant de fonder Darker My Love, les différents musiciens avaient milité au sein de toute une série de formations, dont les moins obscures répondaient au nom de The Distillers et The Nerve Agents. Le patronyme de ce quintet californien (NDR : issu de Los Angeles, très exactement) est inspiré d’une compo de The Soundtrack of Our Lives, du même nom. Ce qui devrait vous donner une petite idée du style pratiqué par le band.
« 2 » constitue, vous vous en doutez, leur second elpee. Il fait suite à un éponyme, édité en 2006 et à un Ep, paru en 2004. A l’instar de T.S.O.O.L., Darker My Love puise ses principales influences dans le psychédélisme des Pretty Things. Celui des albums « S.F. Sorrow » et « Parachute », pour être plus précis. A cause de ces harmonies vocales éthérées, sinusoïdales, si caractéristiques. Mais pas seulement chez la bande à Phil May et Dick Taylor. Les références y sont même bien plus fouillées. Oscillant du Floyd circa « The Piper at the Gates of Dawn » (« Pale sun ») à Spacemen 3 (l’enlevé « Blue day » et le brulôt « Waves », chargés de feedback et de distorsion), en passant par les Stone Roses (le stellaire « Add one to the other one » et le ténébreux « Northern soul ») et même Love (le remarquable et épique « All the hurry & wait », enrichi d’arrangements orchestraux somptueux). Le décor planté, il ne vous reste plus qu’à ajouter un zeste de clavier ‘vintage’ (NDR : pensez à Doug Ingle d’Iron Butterfly ou à Ray Manzarek des Doors) et parfois des cordes de guitares triturées à la manière d’Eric Brann (NDR : également du papillon d’acier) voire de Jorma Kokaunen (NDR : Jefferson Airplane, Jefferson Starship). Deux titres s’écartent cependant de la norme. Tout d’abord la valse angulaire et jazzyfiante « White composition » et puis, « Two ways out », sorte de version grunge d’« Alright » de Supergrass. Et c’est Dave Cooley (Silversun Pickups, J Dilla) qui a produit l’elpee. Bref, si vous êtes accro au psychédélisme, vous ne pouvez passer à côté de cette œuvre…
L’histoire de Cornershop est émaillée, à mes yeux (et mes oreilles), d’un épisode marquant. Et pour cause, la formation britannique est responsable d’un des meilleurs singles de tous les temps : « Brimful Of Asha ». Concocté en 1997. D’autre part, son style lui a permis de se créer sa propre identité. Son mélange parfait de britpop, d’électro et de musique indienne évoque les effluves des banlieues anglaises métissées. Pensez à l’ambiance au sein de laquelle baignent les films ‘Fish ‘N’ Chips’ et ‘Just A Kiss’.
Fondé à Leicester en 1991 par Tjinder Singh, son frère Avtar, David Chambers et Ben Ayres, Cornershop compte, à ce jour, 18 ans d’existence. Pourtant, parmi ces vétérans de la scène anglaise, Avtar et Chambers ont entretemps quitté le navire. Mais pourquoi Cornershop ? Explication : on est en présence d’un stéréotype classique de l’immigré pakistanais ou indien détenant une échoppe au coin d’une rue… notre ‘Apou’ local en quelque sorte. L’influence indienne de Tjinder Singh apporte à leur très classique britpop des couleurs toutes droites venues de Bombay ou Calcutta. Le sitar est par exemple présent en filigrane tout au long de leurs compos.
« Judy Sucks A Lemon For Breakfast » constitue leur sixième album. Il succède à « Handcream For A Generation » paru, il y a 7 ans déjà. Les quelques singles sortis entre-temps avaient tout de même permis de garder un œil sur cette très talentueuse mais discrète formation.
Mais qu’en est-il de leur nouvel effort ? Une réussite au parfum ensoleillé ! Des couleurs de la pochette, au nom de l’album en passant par leur musique résolument pop et rayonnante, on se demande pourquoi les Anglais ont décidé de sortir leur nouvel effort en plein mois de décembre ; alors qu’il s’agit d’une collection parfaite de chansons pour partir en vacances. Cornershop joue une fois encore du Cornershop et le fait à merveille ! Les refrains coulent naturellement entre de petites récréations agrémentées de pointes de trompettes ou de clarinettes. Sans renier ses influences indiennes. Tout paraît si facile pour ces orfèvres d’une certaine forme de musique anglaise. « Who Fingered Rock’N’Roll », « The Roll Off Characteristics » ou « Soul School » sont tout simplement de très bonnes chansons pop et on n’en demande pas plus. Si « Judy Sucks A Lemon For Breakfast » recelait un tube de la trempe de « Brimful Of Asha », il aurait probablement fait figure d’incontournable ! Bien sûr, tout n’est pas parfait. En finale, les 16 minutes de « The Turned On Truth » trempées dans la southern soul, sont plus que dispensables. Et le très indianisant « Chamchu » est tout aussi superflu. Mais vraiment pas de quoi entamer le crédit de cet elpee attachant, éclectique, singulier, classique et envoûtant. Le tout en même temps. Les Beatles à Bollywood en quelque sorte !
En juin dernier, lors de sa sortie, nous vous avions déjà dit tout le bien que nous pensions de l’album de Chickenfoot –ce super-groupe formé par les deux ex-Van Halen : Sammy Hagar et Michael Anthony, Chad Smith, le batteur des Red Hot Chili Peppers et le virtuose incontesté de la guitare qu’est Joe Satriani. Ce disque est excellent et nous n’allons pas revenir sur notre jugement.
Par contre, nous nous insurgerons contre la pratique discutable (mais devenue rituelle) qui consiste pour les labels à pomper les fans jusqu’à la moelle, lançant sur le marché, quelques mois après la sortie officielle d’un Cd, une édition dite ‘deluxe ‘ du même produit. Une nouvelle fois, l’aficionado qui a acheté l’album lors de sa parution en est pour ses frais. C’est vrai, l’industrie du disque est en crise. Mais il n’y a pas qu’elle. Le budget familial l’est aussi. Obliger le fan à se procurer une deuxième fois le même disque tient vraiment du racket. La pratique pourrait être relativement honnête si le label laissait le choix en sortant les deux versions en même temps. Mais non. Le fan est considéré comme un pigeon et c’est très moche. Il n’est dès lors pas étonnant que les passionnés de musique ne disposant que d’un budget limité se rabattent sur le téléchargement illégal. En adoptant de telles pratiques, l’industrie du disque se tue elle-même. Elle ne peut en vouloir à personne d’autre.
Pour en revenir à cette édition limitée ‘deluxe’, elle consiste en un double digipack recelant le Cd original, enrichi d’un bonus track exclusif intitulé « Bitten By The Wolf ». Un titre sympathique, bluesy et acoustique, mais pas transcendant.
Le second disque est consacré à un Dvd. Plutôt amusant, il reflète l’humour très caractéristique des quatre compères. Et en particulier pour présenter des clips vidéos live de tous les titres de l’album, immortalisés dans des endroits aussi variés que le Festival de Montreux, le Fillmore de San Francisco, le Grove d’Anaheim, le Shepperd’s Bush Empire de Londres et même le Graspop Metal Meeting de Dessel. Le Dvd est drôle et sympathique et donne une bonne idée de la valeur d’un Chickenfoot, en concert.
Autre petit point négatif concernant cette édition ‘deluxe’ : e-a-r Music/ Edel ne s’est pas donné la peine d’imprimer le livret du cd. Il est demandé à l’acheteur de le télécharger, en version pdf sur le site du groupe. Pour une édition deluxe, je trouve personnellement cette méthode un peu ‘cheap’. Surtout que les informations fournies ne sont pas de la plus grande rigueur. Ainsi peut-on lire qu’une des vidéos à été tournée au Graspop Meeting Festival de Montreux, en Suisse. Pas bien.
Donc voilà. Si vous êtes fan et que vous n’avez pas encore l’album, le « Chickenfoot – Limited Deluxe Edition » est à ajouter d’urgence sur votre liste de cadeaux de Noël. Si vous avez déjà acheté la première version, la décision se joue entre vous, votre conscience et votre portefeuille.
Etes-vous prêts à vous retremper dans la pop des seventies ??? Les Who, Byrds, Hollies, Slade et groupes du style vous manquent ? Vous n’accrochez pas à la musique contemporaine? Les vieux machins ou les classiques de Marc Isaye vous bottent toujours autant ? Ouais ? Bon, c’est votre droit après tout. Y a pas d’mal à ça ! Ben alors précipitez-vous sur cet album des Broadfield Marchers (NDR : j’sais pas où ils ont dégoté un nom pareil !) qui vous plongera près de 40 ans en arrière. L’époque des chevelus, du peace and love et de la ‘clope aromatisée’ hante les seize compositions qui jalonnent cet elpee. Pas vraiment un elpee de mauvaise facture, mais un peu ringard quand même. Pour nostalgiques !
Né aux débuts des nineties en Angleterre, Archive connaît une carrière exponentielle, sans fléchissement aucun. Projet initié au départ par deux producteurs, le claviériste Darius Keeler et le spécialiste des effets sonores Danny Griffiths, pierres angulaires d'Archive depuis sa genèse, le groupe varie depuis, au gré des sorties d’albums et des concerts…
Pour ce dernier volet de « Controlling Crowds », ils ne sont pas moins de onze à avoir mis la main à la pâte. Inutile donc de les citer tous. Mais penchons-nous sur le long playing qui se décline intégralement en électro-pop-progressive. Le concept ici développé est assez particulier. Chaque plage semble à la fois être liée à la précédente et en même temps indépendante. Chacune peut cependant s’écouter seule sans souffrir d’être orpheline. Quelques perles jalonnent l’opus qui, contrairement à son prédécesseur ne s’apprivoise pas dès la première écoute : « Lines », « The Empty Bottle » et surtout « Come on Get High », hit en puissance (NDR : et son petit air à la Supertramp de la meilleure époque). Un petit rap à la Eminem (« Though Conditions ») nous démontre, si besoin était, l’amplitude de l’expression sonore affichée par ce combo si particulier. Archive nous avait habitué à des ambiances feutrées, une certaine confidentialité, voire une forme d’intimisme tout au long de l’opus « Lights », un disque datant de trois ans maintenant. La conjugaison des deux volumes de « Controlling Crowds » nous donne un nouvel aperçu des immenses capacités d’Archive. Aucun style ne leur fait peur. Les comparaisons ne manquent pas lors de l’écoute. Un peu de Pink Floyd (époque du « Wall ») par-ci, Prodidgy ou Massive Attack par-là, et j’en passe.
Archive renaît donc de ses cendres, tel un phœnix, pour nous servir un nouvel élixir d’un goût délicieux où chaque ingrédient apporte une saveur tout particulière. On assiste donc à un retour aux sources d’un groupe aussi doué et inventif qu’inclassable.
Le décès tragique du vocaliste d’exception Layne Staley, un obscur jour d’avril 2002, aurait pu mettre un terme définitif à l’histoire d’Alice In Chains. Abattu par ses dépendances aux drogues, l’homme au grain de voix si particulier, laissait derrière lui un vide immense et un désarroi total au sein du combo amputé de son si charismatique frontman.
Un bref retour scénique en 2006, réunissant les trois membres survivants épaulés par William DuVall lors d’un concert de charité, laissait néanmoins libre cours à l’imagination des fans. Certains n’y voyaient qu’une simple réunion anecdotique et sans lueur d’espoir, tandis que d’autres n’hésitaient pas à rêver d’un retour plus concret ; discographique celui-là.
Réalisé dans le plus grand secret, « Black Gives Way To Blue » n’est que le quatrième album studio du groupe, mais il constitue surtout un authentique chef-d’œuvre et une ode au talent de Staley. Car l’esprit d’Alice in Chains est resté bien ancré au sein du trio formé par Jerry Cantrell, Mike Inez et Sean Kinney. Les harmonies vocales, si caractéristiques du son du groupe, demeurent sa marque de fabrique, d’autant que les timbres de William DuVall et de Jerry Cantrell se marient à merveille. A tel point qu’on a presque l’impression d’être en présence d’un line up inchangé. Phénoménal ! Et si la production du talentueux Nick Raskulinecz (Foo Fighters, Rush…) n’est pas étrangère à cette alchimie retrouvée, la qualité des nouvelles compositions confère déjà à ce nouvel opus des allures de ‘classique’.
On reste bouche bée à l’écoute de l’inspiré et poignant « All Secrets Know » qui ouvre l’album avec grande classe. Mais la claque est encore plus forte dès les premières mesures de « Check My Brain », titre imparable doté d’un riff d’une lourdeur à faire pâlir d’envie Tony Iommi (Black Sabbath, pour les plus jeunes) en personne. Autre pierre angulaire de cette nouvelle livraison, « A looking in View », un brûlot sombre et heavy qui se révèle sur plus de sept minutes épiques, tandis que la pédale wah-wah n’est pas en reste sur « Last of My Kind » rappelant qu’Alice In Chains a été une source d’inspiration pour… Metallica. La facette acoustique est toujours présente, comme en témoigne le très épuré « Take Her Out » ou l’irrésistible ballade « When the Sun Rose again » sur laquelle Cantrell confirme son statut de grand guitariste. Aussi touchant qu’inattendu, le piano d’Elton John émaille une plage titulaire qui referme cet album un peu hors du temps mais d’une authenticité bouleversante Une sacrée claque !
Le titre de la nouvelle plaque des Bataves les plus en vogue du moment en dit long sur son contenu. Pas très original, mais il a l’avantage d’en donner une bonne définition. En comptabilisant la parution de « Black Symphony » fin 2008, et ce témoignage acoustique particulièrement soigné, édité aujourd’hui, le combo de Sharon Den Adel aura réservé à ses fans deux elpees ‘live’ en l’espace d’en an. Ce qui fait un peu beaucoup, persifleront les mauvaises langues. Cependant, sur ce nouvel opus, il n’est plus question de metal gothique et symphonique, style dans lequel le groupe excelle ; mais davantage à de l’heavenly voices, une expression dont les sonorités ne sont pas si éloignées d’une Loreena Mc Kennitt voire d’une Kate Bush.
Mais contrairement à d’autres formations ayant accompli cet exercice de style, Within Temptation n’a pas cherché à dénaturer ses titres, les maintenant parfaitement identifiables, malgré de subtils arrangements. En bonne logique, figurent pas moins de cinq titres extraits de « The Heart of Everything », dernière livraison studio des Hollandais, dont les incontournables ballades « All I Need » et « Frozen. Keith Caputo (ex-Life of Agony) apporte sa contribution sur une version, enrichie d’un violon, du fameux single « What Have You Done ». Magique ! Mais la surprise la plus agréable procède du duo opéré en compagnie d’Anneke Van Giesbergen (ex-The Gathering) dont l’inimitable grain de voix file la chair de poule sur un « Somewhere » aussi charmant qu’envoûtant. Etonnant, mais on ne fait pas l’impasse sur le deuxième album studio « Mother Earth », le plus heavy. On se régale à l’écoute de « Caged » qui nous replonge dans un contexte plus gothique. Beaucoup moins inattendu, le single à succès « Stand My Ground » dont la flip side, « Towards The End », ouvre les hostilités dans un climat quasi-mystique. C’est aussi de cette manière que se boucle cette bien agréable prestation. Unique titre véritablement inédit, « Utopia » est totalement anecdotique et ne présente pas de véritable intérêt si ce n’est l’apport des vocaux de Chris Jones, inconnu au bataillon.
Au final, Within Temptation s’en sort haut la main, et ses fans auraient bien tort de se priver de cette parenthèse dans une carrière relativement brève mais sans aucun moment faible. Un album de saison, à écouter de préférence, au coin du feu, en sirotant quelques bulles.
En observant l’image reproduite sur la pochette (NDR : d’un très mauvais goût, il faut le reconnaître), j’ai redouté le pire pour mes tympans. Alors, allais-je devoir me farcir un disque trempé dans de l’électro futuriste ou du revivalisme disco ? Ben, pas du tout. Pas de claviers. Pas de basse à faire trembler les murs, non plus. Simplement des chansons pop aux mélodies contagieuses, très agréables à l’oreille…
Windmill est une formation londonienne dont le leader (NDR : c’est aussi le chanteur et le compositeur principal) répond au nom de Matthew Thomas Dillon. Lors d’un voyage accompli en Floride, il a été choqué par un parc à thèmes sis à Disneyworld : l’Epcot. Ce qui explique le titre du deuxième long playing du combo (« Epcot Starfields ») et puis l’artwork futuriste au goût douteux. D’autant plus que cette attraction a inspiré la majorité des textes de l’opus signés par Matthew.
La pop dépouillée de Windmill est balisée essentiellement par le piano. Des ivoires qui soutiennent à merveille la voix nasillarde de Dillon ainsi que les chœurs. Quelques interventions au violon aussi. Sur quelques morceaux. Mais particulièrement judicieuses. Sur les 10 plages de l’elpee, quelques unes sont cependant encore trop embryonnaires. Le sens mélodique est intact, mais il y manque le petit quelque chose pour faire la différence. Aussi, on se délectera surtout de purs petits bijoux pop réminiscents de Mercury Rev voire des Flaming Lips (NDR : en moins grandiloquent) comme l’excellent « Sony Metropolis Stars », caractérisé par son magnifique crescendo vocal magnifique ou encore « Ellen Save Our Energy ».
Les apparences sont souvent trompeuses. Faites donc abstraction de la pochette de cet « Epcot Starfields » avant de vous lancer dans son audition. Un œuvre à laquelle on reprochera un manque d’homogénéité et parfois un goût d’inachevé. Mais qui témoigne du talent de mélodiste de Dillon. En se concentrant davantage sur son sujet, Windmill pourrait nous réserver, à l’avenir, d’excellentes surprises. C’est tout le mal qu’on leur souhaite !
Kurt Vile est chanteur/guitariste. Avant de se lancer dans une carrière solo, il militait au sein de War on Drugs, une formation responsable de deux Eps et d’un seul album. Mais je dois avouer que sans la biographie et les quelques articles recueillis sur internet, j’aurais bien été en peine de vous fournir ces quelques mots d’introduction. « Childish Prodigy » constitue le troisième album perso du Philadelphien. Et vu son prénom, je me demandais à quelle sauce, j’allais être dévoré. Craignant même qu’elle soit bien grasse, noyée sous la réverb’ et gavée de distorsions. Et pourtant, à premier abord peu digeste, elle se révèle progressivement savoureuse, pour finalement mériter l’une ou l’autre étoile réservée à un grand chef.
Ce grand chef n’en est donc pas à son coup d’essai. Néanmoins ce « Childish Prodigy » est sa première œuvre à bénéficier d’une distribution mondiale grâce à Matador. Ce qui n’est pas n’importe quel label ! L’elpee recèle l’un ou l’autre titre dispensable, mais en général, ils sont de bonne voire de très bonne facture. Faut dire que les compos jouissent d’un sens mélodique particulièrement aiguisé. De ce tracklisting, j’épinglerai ainsi « Freak Train », une plage de 7 minutes à la fois malsaine et géniale, au cours de laquelle on a l’impression d’être piloté par un conducteur fantôme sous l’emprise de l’alcool. Ce périple folk/rock totalement chaotique trouble autant qu’il ne fascine. « Monkey » ensuite. Une ballade mélancolique au cours de laquelle la voix de Kurt est bouleversante. A en attraper des frissons. Vile adore brouiller les pistes. Oscillant entre folk, psyché et rock, sa solution sonore est souvent filandreuse, saturée, rebelle, à première écoute aride ; mais surtout originale et séduisante. Un peu comme s’il voulait revêtir à la fois les costumes d’un M. Ward moins classique, d’un Dinosaur Jr. plus folk ou d’un Neil Young moderne…
Une chose est sûre, au sein de la galaxie des nouveaux songwriters américains, Kurt Vile mérite une place privilégiée. Sa musique est à la fois bordélique, émouvante et inventive ; et s’il s’agit de folk, il vient d’une autre planète… où il n’existe aucune règle...
Tout comme Mozart, elle est autrichienne. Et c’est également une surdouée de la musique. Son nom ? Anja Franziska Plaschg. Elle n’a que 19 ans et a adopté pour pseudonyme, Soap & Skin. Etudiante en art, cette jeune pianiste, malgré le titre de son Ep (NDR : « Marche funèbre » est une œuvre qui a figuré tant au répertoire de Mozart, de Chopin et même de Beethoven), lorgne davantage vers la musique gothique que classique.
« Marche funèbre » est également un extrait de son album « Lovetune For Vacuum », un disque paru en mars 2009. Les accords de piano sonore dispensés par Anja semblent résonner au cœur de la nef d’une cathédrale. Son timbre de voix est aussi ténébreux qu’envoûtant. La presse spécialisée la compare tantôt à Chan Marshall alias Cat Power ou encore Feist ; mais une chose est sûre, la « Marche funèbre » de Soap & Skin fait l’objet d’un véritable hype en Autriche. Personnellement, le climat glauque et monocorde entretenu tout au long de cette plage ne me botte pas trop. Il correspond davantage aux aspirations des âmes déchirées et des corps meurtris. L’Ep est enrichi de deux remixes. Le premier a été manipulé par Yrasor, un traitement aux beats électros traversé par des cris de violons stridents. Le second a été opéré par l’excellent DJ Koze ; qui lui, semble avoir tout compris de l’univers de la jeune fille. L’ambiance ‘burtonienne’ y est presque magique. Le potentiel de ce talent à l’état pur est considérable. C’est incontestable. Néanmoins, à mon humble avis, Soap & Skin aurait tout intérêt à ne pas trop s’attarder dans cet univers crépusculaire. Sinon, elle risque de ne plus cibler qu’un public marginal et à l’esprit parfois détraqué. Ce qui n’est pas toujours bon pour sa réputation.
Paddy Mc Alloon est presque sourd, quasi-aveugle et s’accroche à la force de la musique. C’est le message qu’il essaie de faire passer tout au long du nouvel opus de Prefab Sprout. Enfin, en lui conférant une signification religieuse. Il s’agit du premier long playing signé par le combo depuis 8 ans. Mais en vérité, on est en présence d’une œuvre solo. Des démos datant de 1992, qui devaient donner une suite à l’elpee « Jordan: The Comeback ». Elles ont été récupérées et remises en forme par l’ingénieur du son Calum MacColl, pas par Thomas Dolby, faut-il le préciser. Tout a été passé à la moulinette synthétique. Les arrangements (souvent somptueux, luxuriants et sophistiqués), l’instrumentation et même les chœurs. Pas la voix de Paddy heureusement. Aucune trace de Wendy Smith ni de son frère Martin. Les mélodies sont superbes, contagieuses et hyper radiophoniques, les harmonies fluides ; mais au bout de quatre ou cinq morceaux, une certaine lassitude a commencé à m’envahir. Pas que les compos soient déprimantes, mais elles sont trop prévisibles, parfois stéréotypées, et adoptent un profil beaucoup trop linéaire à mon goût. Elles ne sortent jamais des sentiers battus, si vous préférez. Et au fil de l’écoute, elles finissent par m’agacer. Un peu comme si McAloon avait le souci permanent de flatter l’oreille de l’auditeur. Conclusion, l’intégralité des chansons de ce disque est essentiellement destinée à la bande Fort Molle… Pour info, le natif de Durham continue de composer et a l’intention de sortir de nouveaux disques. Paddy que le résultat sera supérieur à ce « Let’s change the world with music », c’est ce que je crains le plus…
Vanessa Paradis sort son premier ‘best of’ après 23 années de carrière. Hé oui, « Joe le taxi » date de 1987, déjà… Enfant-star à l’âge de 14 ans, la ‘fillette’ a depuis lors vendu plus de 4 millions de disques et attiré plus de 7 millions de spectateurs dans les salles. Et dire qu’elle s’était fait connaître à l’Ecole des fans de Jacques Martin en interprétant « Emilie Jolie » de Philippe Chatel. Depuis, beaucoup d’eau a coulé sous les ponts ; et la jolie Parisienne a accumulé les rencontres et les collaborations avec des auteurs et des compositeurs de tous bords. Etienne Roda-Gill, Franck Langloff, Serge Gainsbourg, Lenny Kravitz, Alain Bashung et Matthieu Chédid se sont ainsi succédé pour assurer à la belle, qualité et notoriété.
Entretemps, l'enfant star, chanteuse, actrice (on retiendra ses débuts dans ‘Noce Blanche’ de Jean-Claude Brisseau), a épousé Johnny Depp, est devenue maman de deux enfants et a appris à protéger sa vie privée au profit de ses seuls talents artistiques.
Ce double album « Best of » réunit donc en 33 titres tous les moments forts de la carrière de la ‘petite sirène’ de la chanson française, dont des raretés, des duos et 4 inédits, parmi lesquels on épinglera le superbe tube « Il y a », signé par son dernier maître d’œuvre, le chanteur/guitariste/compositeur de Louise Attaque, Gaëtan Roussel.
Dans un premier temps, sur le premier volume du box, toute la carrière de Vanessa est revisitée en 16 compositions dans un ordre aléatoire : des prémices de « Joe le Taxi » à son dernier hit, en passant par « Maryline et John », « Tandem », et bien d’autres…
Si ce premier volet a été dicté par des impératifs commerciaux émanant de sa firme de disques, le second a été entièrement concocté par Vanessa elle-même. Elle a choisi de revisiter ses caves d’archives. Grand bien lui a pris car c’est ici que se cachent toutes les raisons de faire l’achat de ce coffret (à bijoux). Des duos surprenants (NDR : en compagnie de M, Jane Birkin, Alain Souchon), des archives secrètes (Marylin & John et Scarabée, chansons de son premier album qu’elle revisite en tenue acoustique), des morceaux jamais enregistrés à ce jour (des reprises live de Charles Aznavour ou du bouleversant « This will be our year » des Zombies) et même un titre enregistré pour une pub (« I Love Paris » de Cole Porter) ! La griffe d’une artiste, incontestablement…
C’est surtout pour ce deuxième volume que l’achat de ce coffret se justifie pleinement. Nous sommes bien en présence d’une artiste qui ‘connaît la musique’ ; plus à une jeune dinde écervelée comme on la considérait à l’époque de ses 14 printemps, il y a longtemps, tellement longtemps !
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