Martin Skalnes a grandi à Kovervik, une petite ville sise à l’ouest de la Norvège. Et plutôt que de participer aux offices religieux, célébrés dans son église, il préfère écouter de la musique. Ses premiers coups de cœur ? The Searchers, R.E.M et un peu plus tard Oasis. A l’âge de 6 ans, il commence à gratter de la guitare. Un an plus tard, il se met au piano. Il faudra cependant attendre quelques années avant que le jeune prodige se lance dans l’aventure d’un groupe. Une aventure qui débute à Bergen, en compagnie de ses trois futurs compères. Et la première chanson écrite par le quatuor s’intitule « Into The Light », un des deux singles de leur futur premier album. Ce morceau suffit à donner vie à la formation. Qui décide quelque temps plus tard, d’émigrer à Londres. Le combo s’y produit, est remarqué ; ce qui lui permet d’assurer plusieurs dates en première partie de Travis.
Dix-huit mois de travail en studio ont été nécessaires à The Alexandria Quartet (NDR : patronyme inspiré d’une tétralogie de romans écrits par l’auteur britannique Lawrence Durrel ; une lecture que les membres avouent avoir entamée, mais jamais achevée vu l’ampleur de la tâche) pour concocter ce premier disque éponyme.
Première constatation, le timbre vocal de Martin est très proche de celui de Kelly Jones (Stereophonics). Et le style évoque également le combo gallois. « The Dark Side Of The Bues », titre qui ouvre l’elpee (NDR : et deuxième single) en est sans doute la plus belle illustration. En général, le britrock ou la britpop de The Alexandria Quartet dispensé tout au long de ce cd est très conventionnelle. Hymnique même. A l’instar de « Get Lost In The City » qui pourrait facilement être repris en chœur dans les stades anglais. Mais lorsque les Norvégiens troquent leurs guitares électrifiées contre une instrumentation plus acoustique (NDR : notamment le piano et les sèches), les morceaux prennent une toute autre dimension. L’aspect mélodique y est davantage accentué. C’est à cet instant qu’on se rend compte du talent de compositeur de Martin Skalnes. Ainsi « I Need someone to Love » évoque un certain Jude alors que « Ace Upon The Sleeve » aurait pu figurer au répertoire de Rufus Wainwright.
Bref, bien dans la lignée de Travis et de Stereophonics, The Alexandria Quartet possède toutes les aptitudes pour devenir un stadium band. Un excellent songwriter. Des mélodies contagieuses, bien troussées. Il ne lui manque plus que le succès…
Zak Laughed est âgé à peine de 15 ans. C’est après avoir reçu un ukulélé de son oncle que Zak s’est intéressé à la musique. Et aujourd’hui, il est déjà considéré comme un folk singer, outre-Quiévrain ! Dès lors, une question me vient immédiatement à l’esprit : serait-il trop jeune pour pratiquer ce type de musique. Pas nécessairement. L’âge d’un interprète n’est pas un critère suffisant pour se faire une bonne idée de son potentiel. Seul le résultat semble être un paramètre essentiel pour formuler un jugement honnête! Mais avouons tout de même qu’il est difficile de faire abstraction de cette situation, avant de poser un quelconque avis sur le sujet.
‘I don’t want to be like Mick Jagger, but I wanna be a great rocker, I wanna be like Bob Dylan, yes I would like to be a famous one man’ proclame le jeune garcon sur « Each Day ». De nobles ambitions pour ce Clermontois d’adoption! Zak nous vient en effet de cette petite ville auvergnate, dont la scène folk est particulièrement florissante. The Delano Orchestra, Leopold Skin et St-Augustine s’y sont ainsi révélés. Mais Zak a aussi et surtout bénéficié du soutien des musiciens ce Cocoon et de Dyonisos. Ce qui explique aussi, sans doute, pourquoi il jouit déjà d’une telle popularité.
« The Last Memories Of My Old House » constitue donc son premier elpee. Et il me laisse sur ma faim. Le timbre adolescent (NDR : ou juvénile, au choix), les lyrics peu inspirés et l’accent franchouillard font un peu tâche d’huile dans le genre. Et marcher sur les plates-bandes d’Adam Green n’est pas vraiment un gage d’originalité. Pire encore, « December song » (NDR : c’est la plage d’ouverture !) est d’une insipidité désolante alors que le plagiat du « Travelling Cat » est plutôt dérangeant. Heureusement, l’ami Zak se montre sous un meilleur jour lorsqu’il accélère le tempo. A l’instar d’« Each Day » et de « 22 and 66 », certainement les deux meilleurs morceaux de l’opus. Ce qui prouve quand même que sa magnifique cover du « The End Has No End » des Strokes n’était pas un accident. Simplement, même si les parents de Zak Laughed peuvent être fiers de leur rejeton, il faut admettre la réalité : il n’a que 15 ans ! Peut-être auraient-ils dû laisser mûrir leur enfant, dont le potentiel est énorme, il faut l’admettre ; mais en voulant brûler les étapes ne risquent-ils pas également de lui brûler les ailes. Finalement, son répertoire terne et sans surprise s’adresse aux ados de son âge. Pas davantage. Passons outre le calembour de son patronyme ; mais avant d’atteindre le statut d’un Robert Zimmerman, il y a du pain sur la planche. Paraît qu’il compose tout lui-même. C’est la bio qui le dit. Adam Green avait douze ans lorsqu’il signait déjà les compos des Moldy Peaches. La valeur n’attend pas le nombre des années… Sceptique quand même…
Reggae, ska, rythmes latins, swing, fanfare… cette compilation mélange les styles pour nous donner un aperçu de la scène world flamande et nous présenter de jeunes groupes, au détriment d’une homogénéité dans la ligne musicale. Une vue d’ensemble révèle la trop grande ressemblance des quatre groupes de reggae présentés, fortement influencés par Bob Marley, Lee Scratch Perry et Ethiopiques. Des influences trop flagrantes qui donnent une impression de déjà entendu. Agréable en fond sonore mais pas franchement révolutionnaire. Même si le titre de Wrong’em Boyo commence bien. Il y a de l’harmonium, des percussions et du saxophone ; mais le chant le renvoie immédiatement à la case reggae dont il est issu et dans laquelle, je trouve, toutes les voix se ressemblent.
En revanche, on pourra remarquer les performances de deux groupes dans la lignée de Paris Combo, Vaya con Dios et Jim Murple Memorial, assez rafraîchissantes. Café con Leche d’abord, qui chante « Mon quartier », en français sur des rythmes ska. Ailleurs, la bande signe des chansons intitulées « Bienvenue en Belgique » et « Bruxelles », abordant la place faite aux immigrés du temps des mines et de nos jours.
Les musiciens du second groupe, Comptoir du Désir, sont une bande d’Aristochats roots, influencés, en plus de ceux précédemment cités, par la musique des années 20 (les Andrew Sisters). La solution sonore baigne dans un jazz manouche sensuel, laissant une bonne place à l’improvisation et à la voix admirable de la chanteuse, sorte de Pin’up chargée d’énergie.
On notera aussi le nom du groupe de chanson française Moustash et leur univers loufoque à la VRP, leurs textes néerlandais et français, balancés sans trop d’affects sur des chaleureux petits airs d’accordéon et de guitare.
Et on n’oubliera pas d’aller voir la production de Va Fan Fahre qui propose ici le morceau « Traditionale », un peu trop classique au vu de leur production assez originale. Fanfare de qualité, évoquant des univers de Balkan Beat Box et de Think of One, le chant de Natasha Atlas et les rythmes de la fanfare Ciocarlia, rien que ça !
Le rappeur roux redémarre la machine, deux ans après une première collaboration avec The Skyrider Band. Et Tim ‘Sole’ Holland n’est pas du genre à tourner en rond. « Children Of Privilege », la plage introductive de son « Plastique », envoie l’auditeur en plein cœur du sujet, d’une traite. L’ancien protégé de l’écurie Anticon propose neuf nouvelles odes au soulèvement de la classe moyenne. Mieux structuré que l’éponyme, ce second recueil dévoile un Sole porté par davantage de détermination et au flow moins éparpillé qu’auparavant. Une tournure tout à l’avantage du bonhomme qui dégomme des versets salutaires, comme ceux déployés sur « Nothing Pt. 2 », « Mr Insurgent » ou « Pissing In The Wind ».
Pourtant quelque chose coince. La faute au Skyrider Band, composé de Ryan Fritsch et John Wagner auxquels s’ajoute le producteur Bud Berning. Le trio se contente ici de produire des beats généralement tout en retenue, sans remous et passe à côté de belles opportunités. « Plastique » constituait pourtant l’occasion rêvée de malmener Sole, de le forcer à effectuer quelques cabrioles lyriques qui auraient pu aboutir sur des combinaisons prodigieuses. Par conséquent, même la contribution de Markus Archer (The Notwist) sur « Battlefields » ne procure pas la sensation escomptée. Tout le mérite de « Plastique » revient donc à Sole, toujours aussi efficace.
Buena Vista. Deux mots qui, rien qu’en les prononçant, nous renvoient aux images incontournables de salsa, cigares et autres déhanchés cubains. Annoncé ‘sold ou’ depuis plusieurs semaines, le concert accordé par l’ensemble latino The Havana Lounge a démontré une fois de plus que rumba, bolero et mambo séduisent toujours autant les aficionados du genre.
Sur la scène de l’Ancienne Belgique ce samedi 19 janvier, neuf musiciens et trois chanteurs solistes nous ont promenés sur quelques-uns des grands classiques cubains, riches et rythmés. Tous ensembles, ils perpétuent la tradition d’une musique issue du célèbre quartier de Buena Vista District à La Havane.
Parmi les airs connus du répertoire cubain, on reconnaîtra El Cuarto de Tula interprété en duo par la gracieuse Maria Victoria Rodriguez Sosa et Julio Alberto Fernandez Colina, « Dos Gardeñias », « Candela », « Qué Rico el Mambo « et en guise de rappel (et sans prise de risque) le célèbre « Guantanamera ».
Une musique populaire, entraînante qui, cependant, quand on entame la deuxième heure de concert, fait sentir une certaine répétitivité. Un set de plus de 2h où on se serait bien vu assis tranquillement à une table, en sirotant un Cuba Libre.
On retiendra au final, l’enthousiasme et l’énergie inépuisable de Teresa Garcia Caturla. Cette dame –septuagénaire précisons-le– a chanté aux côtés d’Omara Portuondo et Ibrahim Ferrer dans le projet Buena Vista Social Club. Elle a remarquablement animé l’assemblée par sa présence et son charisme soutenu.
Cuba recèle d’excellents musiciens. Avec l’ouverture progressive du pays, espérons que ces virtuoses des rythmes endiablés continueront de transmettre les secrets de ces percussions africaines mêlées de guitares espagnoles, et de trompettes qui rajoutent ce zeste de mélancolie à la recette originale.
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Est-ce vraiment la cause ? Mais à force de fréquenter les voleurs de poules et à traîner dans les roulottes à jouer de la guitare gypsy, Stephane Sanseverino à fini par succomber à l’appel du fric. Plutôt que de se lever à l’aube pour aller vendre ses fruits et légumes, le malotru à préféré aménager sa cave en imprimerie clandestine pour en faire sortir des liasses de faux biffetons. Ou de faux talbins selon l’argot de votre quartier.
L’ami Sanseverino nous revient donc l’esprit gonflé de swing et vêtu d’un costard ‘Hugo Boss’ pour nous présenter son quatrième album (NDR : comptez deux albums live en plus pour sa discographie). Toujours très généreux, le Napolitain d’origine nous aligne dix-sept morceaux (NDR : rien que ça !) sur cette dernière galette. Dès les premiers instants de l’opus, on reconnaît instantanément le cachet inimitable de l’auteur. Un timbre de voix ‘limite’ vient se poser sur des cordes qui semblent interminables d’accords. En se servant de son humour savoureux pour balancer des réflexions existentielles à la JCVD, l’auteur-compositeur-parolier-interprète fait tourner la boutique en chef d’orchestre avisé. Se permettant deux clins d’yeux de taille en osant réinterpréter « La Salsa du Démon » et la traduction fantoche du célèbre morceau de Johnny Cash, « A Boy Named Sue », dans la langue de Molière. Preuve s’il en est, que les références musicales de Sanseverino sont solides.
Si on était de mauvaise foi et complètement démago, on crierait au génie. On saluerait l’artiste pour ses nouveaux faits d’armes et dissimulerions les quelques imperfection sonores dont souffre l’album. Evidemment que ce dernier est à acquérir si vous êtes fan de la première heure. Mais s’il s’agit pour vous d’une découverte, posez votre choix sur un disque antérieur au risque de louper certaines saveurs. « Les Faux Talbins » laisse une impression de précipitation dans la confection ; comme si l’on blanchissait les faux billets avant qu’ils ne soient complètement secs. Pourtant tous les éléments habituels de l’auteur sont bien présents ; mais si la mayonnaise prend, elle ne laisse pas cette saveur délicate sur les papilles, comme les galettes précédentes. On pense même parfois à certaines chansons de Renaud (époque « Putain de Camion »). Peut-être que Sanseverino avait placé la barre un peu haute lors de son dernier essai. Peut-être la maison de disques a voulu battre le fer tant qu’il était un peu trop chaud, mais le résultat est implacable : ça tourne un peu ‘plat’. Ceci dit, on ne m’ôtera pas la joie de compter cet album parmi ma collection.
Dans la famille des ‘supergroupes’, difficile d’ignorer Them Crooked Vultures. Un projet qui a bourgeonné en 2005 avant d’éclore été 2009, à l’initiative de trois figures emblématique du rock : Josh Homme, Dave Grohl et John Paul Jones. A ceux-ci s’est greffé Alain Johannes, derrière les manettes. Et lorsque l’on croise Queens Of the Stone Age, Foo Fighters et Led Zeppelin, on peut se douter que le résultat sera explosif. Rock’n’roll, tel est le mot d’ordre. On balance tout le jus et on réfléchit après. A défaut d’originalité, les trois gaillards misent essentiellement sur les gros riffs ravageurs et des mélodies inexorablement addictives. Les irrésistibles « Gunman » et « Scumbag Blues », notamment, illustrent parfaitement cette perspective.
« Them Crooked Vultures » renvoie très souvent aux travaux des Queens Of the Stone Age. Ce qui fait sa force et sa faiblesse, à égale mesure. Seule une légère dose de psychédélisme répandue sur les monstrueux « Warsaw Or The First Breath You Take After You Give Up », « Caligulove » et « Bandoliers » permet de véritablement distinguer ce recueil éponyme de l’œuvre des reines de l’âge de pierre. Parfois, l’ombre de Led Zeppelin pointe son nez (« Elephants ») mais sans jamais s’éterniser. L’alchimie entre les trois musiciens y est exemplaire, conférant à l’ensemble une cohérence à l’épreuve des balles. « Them Crooked Vultures » est un disque qui sent bon la testostérone. Ces vautours peuvent continuer à planer au-dessus de nos têtes aussi longtemps qu’ils le désirent.
Franck Rothkamm est de nationalité allemande. Compositeur, philosophe et artiste conceptuel, il est le responsable de multiples projets postindustriels susceptibles de mêler indifféremment échantillonnages, collages, musique de chambre, arrangements pop et autres expérimentations même mathématiques. « Alt » aborde sa vision très personnelle du minimalisme. Et ma chronique sera tout aussi minimaliste. Car si l’art visuel de ce type peut être intéressant, acoustiquement, il devient carrément chiant. Sur cet opus, Rothkamm trace des lignes sonores trempées dans l’ambient. Mais sevré de nuances, ce périple destiné à nous conduire vers l’infini, tombe à plat et s’égare dans l’univers du soporifique…
Pendant que David Sitek se forge une solide réputation dans l’univers de la production (Yeah Yeah Yeahs, Scarlett Johansson, etc.), Tunder Adebimpe enchaîne les différents projets musicaux (NDR : notamment en compagnie de Massive Attack) lorsqu’il ne tâte pas du cinéma (NDR : il a en effet tenu un rôle dans l’excellent film de Jonatha Demme, « Rachel Getting Married »). Kyp Malone, le barbu de TV On The Radio (NDR : soit dit en passant, l’un des groupes les plus intéressant de cette décennie), a donc également décidé de se lancer dans une aventure parallèle. Et il a choisi pour patronyme Rain Machine. Eponyme, le premier elpee de son projet est donc paru chez Anti (DeVotchKa, Jason Lytle, …)
Tout au long de ce premier opus, le chanteur/guitariste assure à lui seul toute l’instrumentation et bien sûr le chant. Mais franchement, difficile de faire la distinction entre la musique du groupe de Brooklyn et celle de Rain Machine. Et pour cause, la voix très caractéristique de Malone est difficile à dissocier du contexte TV On The Radio. Elle est tellement ancrée dans notre subconscient ! Et puis les premiers morceaux de cette plaque, à l’instar du single « Give Blood », trempent dans un même univers sonore. On y retrouve, outre sa voix, cette trame soul-rock enrichie par les chœurs gospel et dynamisée par ces rythmes tribaux. Petit bémol quand même, les morceaux sont parfois un peu tirés en longueur. Il faut attendre le milieu de parcours pour entendre enfin des compos emprunter une autre direction. Sur « Desperate Bitch » et « Love Won’t Save You », par exemple. Kyp adopte alors un profil davantage blues. Uniquement flanqué d’une guitare ou d’une mandoline, il pose ses textes sur des chansons minimalistes. Et le résultat est plutôt sympa !
Vu le potentiel affiché par les musiciens de TV On The Radio, on devient naturellement très exigeant à leur égard. Oui, j’admets, je m’attendais à un résultat exceptionnel. A une œuvre grandiose. Dans l’esprit de ce que les New-Yorkais nous avaient légués, jusqu’à ce jour. Sans leur mettre la pression, bien sûr. Parce que finalement ce long playing est plus que d’honnête facture. Simplement, il aurait pu (dû) être signé par le band, pas par un seul de ses membres. M’enfin, de nombreux artistes seraient ravis de faire l’objet d’une semblable comparaison.
La scène française contemporaine est particulièrement dynamique. Elle vient de s’enrichir d’une belle plume à son chapeau : Paco Volume. Des plumes arborées par un paon juché sur l’épaule de Paco, illustrant la pochette. La trajectoire de ce drôle d’oiseau est même plutôt singulière, puisqu’avant de revenir à la musique (NDR : il a décidé de consacrer les 30 –pas moins !– prochaines années de son existence à la composition), cet ancien œnologue (NDR : couronné 5ème jeune dégustateur de France, en 2001) s’était exilé en Nouvelle-Zélande pour exercer un job de barman.
Pour enregistrer ce « Manhattan Baby », Monsieur Volume a bénéficié de la collaboration de François Chevalier (Emilie Simon, Coldplay, Arcade Fire), à la coproduction. Enfin sur plusieurs morceaux. Un album qui n’accroche pas d’emblée, mais dont la pop fraîche, subtile, légère, ensoleillée et empreinte de charme finit par susciter un certain enthousiasme. A cause des refrains particulièrement contagieux. Parfois même un peu trop. A un tel point que la force des compos se mue parfois en faiblesse. Le mélomane se focalisant alors uniquement sur ce pouvoir de séduction. Parmi les 12 plages de cet elpee, on épinglera cependant « Cookie Machine », « Stand By Me (Belfast 69) » et surtout « Wolves », des titres susceptibles de vous communiquer une bonne dose d’énergie positive. A contrario, caractérisé par ses effets ‘indianisants’, le très dispensable « Discontinued Things » devient rapidement agaçant. Particulièrement éclectique, l’opus tire parti aussi bien de claquements de mains, d’accès de guitare sèche, de pointes d’électro que d’interventions au xylophone. Une amplitude qui se justifie aisément, puisque l’artiste est multi-instrumentiste. Les arrangements sont impeccables. Sophistiqués même. Parfois un peu trop lisses pour être honnêtes. Un peu comme si Paco se posait comme élève appliqué de Jarvis Cocker voire de David Bowie. Cependant, nonobstant la banalité de son timbre vocal, le Français affiche une maîtrise certaine de la langue de Shakespeare ; et puis son style colle parfaitement à la pop typiquement britannique.
Enfant prodige des manettes, Ross Birchard alias Hudson Mohawke composait déjà à l’âge de 7 ans(!) et publiait ses premières mixtapes trois ans plus tard (!!). A 14 ans, il montait sur la première marche du podium du prestigieux DMC World DJ Championship. A 23 ans, l’Ecossais prend d’assaut la scène Dubstep armé d’un premier ouvrage solide. A la frontière de l’IDM, « Butter » ferait pâlir de jalousie Prince, avec ou sans son New Power Generation. La particularité du travail de l’Ecossais réside en un son résolument Funk et R’n’B circa fin 80s voire début 90s, comme il le souligne sur les introductifs « Shower Melody » et « Gluetooth ». L’œuvre est parcourue de pépites du genre, telles que des « Just Decided » ou « Joy Fantastic », évoquant une collaboration entre OutKast et Prince sous électrochocs.
Mais Hudson Mohawke, Hud Mo pour les intimes, a beau être un petit génie, il n’échappe pas à quelques dérapages. A égale mesure, il parvient à provoquer des frémissements de plaisir (« Rising 5 », « FUSE », « Gluetooth », « Allhot »…) ou à contrario, engendrer un profond ennui (« Velvet Peel », « Fruit Touch », « Tell Me What You Want From Me », « Star Crackout »…) En cause, une recherche qui tend parfois vers la surproduction. Un débordement d’idées qui gagnerait à être un peu plus contenu. Nul doute que s’il parvient à canaliser son énergie, Hudson Mohawke risque de nous réserver bien des surprises. En attendant, il faudra se contenter d’écouter « Butter », l’index prêt à solliciter la touche FastForward.
Le petit dragon suédois ravive le feu généré par une première œuvre éponyme qui, lors de sa publication, avait conquis la presse spécialisée. L’épreuve de la succession n’a manifestement pas fait ciller le quatuor qui a mis du cœur à l’ouvrage. « Machine Dreams », suite tout à fait naturelle de « Little Dragon », met en avant les bidouillages électroniques, parfaitement superposés à la voix de Yukimi Nagano. Des éléments auxquels se juxtaposent des sonorités Jazzy (« Never Never »), Funk 80s (« Runabout », « Looking Glass ») et Trip Hop (« A New », « Fortune »), qui ne sont pas sans rappeler les premiers travaux de Moloko. « Machine Dreams » dégage une force tranquille au cœur de laquelle on plonge les yeux fermés (ce « Thunder Love » !)
Little Dragon ne jouit pas (encore) de la notoriété qui lui est due. Et ce n’est pas ce second recueil, un chouïa trop lo-fi pour les ondes audiovisuelles, qui inversera la vapeur. Un mal pour un bien. Car « Machine Dreams » est un disque qui ne se partage qu’avec ceux qui le méritent.
Alias Lay Low (pour la facilité, on imagine), Lovisa Elisabet Sigrunardottir nous vient tout droit d’Islande, un pays caractérisée par la beauté de ses paysages ; mais également par ses vocalistes aux timbres doux, éthérés, en parfaite harmonie avec les panoramas paisibles et féériques de cette île de l’Atlantique Nord. Pensez à Sigur Rós, Emiliana Torrini (NDR : pour qui elle assure régulièrement les ‘supporting acts’) et bien sûr Björk. Pourtant, la jeune fille est née en Angleterre. D’une mère islandaise et d’un père sri-lankais. De quoi lui permettre de ne pas se figer dans la culture de son pays d’adoption et d’explorer d’autres univers.
« Farewell Good Night’s Sleep » constitue son troisième opus solo. Il fait suite à « Please Don’t Hate Me », un elpee paru en 2006, et à la bande sonore du film ‘Ökutímar’, concoctée en 2008, c’est-à-dire un an après la sortie de ce long métrage signé Leikfélag Akureyrar, pour lequel elle s’était vu confier un rôle d’actrice. Outre ses collaborations opérées dans le domaine de la B.O. cinématographique, elle a également participé à la confection de l’album éponyme du groupe local, Benny Crespo's Gang. Des disques très bien accueillis en Islande, mais passés malheureusement relativement inaperçus hors de ses frontières.
Surprise à l’écoute de cet opus, puisque la musique de cette songwriter s’aventure dans le Sud du pays de l’oncle Sam. Et pour cause, elle émarge à une forme de folk-blues teinté de country. S’il n’y avait les biographies et la douceur du timbre de sa voix, on aurait pu croire qu’elle avait passé toute son enfance à Nashville ; et qu’elle s’y était même enracinée.
Il ne faut d’ailleurs pas plus de trois morceaux pour comprendre dans quel univers sonore ce « Farewell Good Night’s Sleep » baigne. Evoluant sur un tempo allègre, « By and By » communique instantanément sa bonne humeur. Plus paisible, « Reason Why My Heart's in Misery » lorgne manifestement vers le blues. Quant à « Last Time Around », on imagine l’artiste l’interpréter une brindille au coin des lèvres, arborant ses superbes santiags, dans les rues de Reykjavik. Guitare acoustique, piano et lap steel, circonstanciellement enrichis d’une instrumentation aussi discrète qu’efficace, servent à merveille la voix délicate et légèrement voilée de l’Islandaise,
Produit par Liam Watson (White Stripes, James Hunter & Holly Golightly), « Farewell Good Night’s Sleep » est un opus dont Elisabet n’a pas à rougir. Et pour cause, il arrive sans problème aux chevilles des productions de ses contemporaines américaines. En outre, il faut reconnaître, qu’à ce jour, jamais une Anglaise à la filiation aussi cosmopolite n’était parvenue à ce jour, à concocter une musique aussi ‘américaine’.
Harrison Kennedy est canadien. Il est originaire d’Hamilton dans l'Ontario, la région des grands lacs. Fin des 60’s, début des 70’s, il s’est illustré sur la scène de Detroit, en militant chez les Chairmen of the Board. Dont il était d’ailleurs le leader. Le combo avait même décroché un hit single, à l’époque, "Give Me Just a Little More Time". Aussi bien à l’aise dans le rock, la soul, le funk, le folk, le gospel que le blues, il va ensuite entamer une carrière individuelle. Guère fructueuse, il faut l’avouer. Avant de refaire surface début des années 2000. En se consacrant au blues.
"One dog Barkin’" constitue seulement son quatrième elpee solo. Il fait suite à "Sweet taste" et "Voice story" parus en 2005 chez Black & Tan ainsi que "High country blues". Edité en 2007, il était déjà sorti sur Electro-Fi. Il dédie ce nouvel opus à la mémoire de deux bluesmen authentiques. Tout d’abord Mel Brown. Disparu en mars dernier ce guitariste texan a passé la fin de sa vie au Canada, après avoir animé pendant de nombreuses années le célèbre club Antones à Austin. Uncle Jackie Washington, ensuite. Moins notoire. Oncle du guitariste Brian Griffith, partenaire musical de Harrison, ce musicien était devenu une légende locale à Hamilton.
Kennedy est un artiste complet. Chanteur, compositeur et multi-instrumentiste (guitare, harmonica, banjo, mandoline et percussions), il ne tolère que la présence de Keith ‘Nappy’ Lindsay aux claviers et Justin Dunlop à la basse.
Le titre maître ouvre l’elpee. La voix d’Harrison est naturellement puissante et autoritaire. Il souffle dans son harmonica dès qu’il en a le loisir. Ses deux comparses épaulent impeccablement leur leader. Notre Canadien possède un talent inné dans l’univers de la roots. Sa voix est bouleversante tout au long de "Cruise control". Soutenue uniquement par les cordes de son banjo, elle ressemble à un instrument. Elle crève constamment l’écran sonore. Elle déconcerte même par son réalisme sur " Them 90's blues", un morceau au cours duquel un étrange flirt est échangé entre le bottleneck et l’orgue curieusement percussif. ‘Maître de cérémonie’, elle domine parfaitement son sujet et me fait souvent penser à celle de Taj Mahal, dans ses meilleurs moments. Et "Leading lady", concédé face à des accords discrets de mandoline, en est une parfaite illustration. Mais la quintessence de l’opus se savoure dans la simplicité du downhome blues. A l’instar de "Could be you could be me", "The healing power of the blues", "Ode to Huddie", une compo saturée d'émotion et puis du dépouillé et ténébreux "Hogtown blues", une superbe compo caractérisée par les sonorités primitives de la guitare et de harmonica confrontées à celles bien plus chaleureuses de l'orgue Hammond. Et sculptées dans le pur roots, "Hair of the dog" ainsi que "You're the difference" méritent également une mention particulière. Tout comme cette interprétation quasi a capella de "Look a like", un exercice de style dont peu de vocalistes sont capables d’accomplir avec un tel brio.
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