Caractérisé par ses accords de guitares rutilants et sa voix issue tout droit d’un pub infréquentable, Sour Jazz à de quoi faire dresser les bananes sur la tête des rockeurs. « American Seizure » exhale ce parfum de bourbon répandu dans certaines caves aux activités interlopes. Brut de décoffrage, Mr Ratboy, Mr Popular et leurs comparses balancent du lourd comme certains ramassent des champignons : pour le plaisir. Le vocal est un rien nasillard. Un héritage des B52’s ? Les envolées oniriques, mais envoûtées, y sont légion et la batterie n’en finit plus de dépoter tous les géraniums qu’elle croise sur son chemin. On l’aura vite compris, les tarlouzes ‘teknotisées’ iront pleurer dans les jupes de leurs mères à la simple écoute du début d’album. On frise le machiavélique à tout moment, tout en gardant une ligne claire et percutante. A noter l’excellent travail des cuivres invités de temps à autre à enrichir la solution sonore. Même si l’ensemble est pêchu, il émane de cet « American Seizure » un cachet romantico-gothique assez truculent. D’assez bonne facture, l’album est cependant loin d’être original. Exempt d’innovations remarquables, il arrive quand même à dégager une touche ‘new-school’ assez persuasive. On se surprendra à taper la mesure et secouer la tête, tel un conditionnement de Pavlov. Evidemment les propriétaires de longues chevelures auront l’air plus crédible que les ‘clash bol’ dans mon genre ; mais le résultat est identique : on gigote de bon cœur. Fini de rire, revoilà les Sour Jazz, et bordel, ça va sentir le souffre et la vinasse dans les chaumières.
Vu le pseudo, je m’attendais à me farcir un album de chanson française. Et bien j’en suis pour mes frais. Hormis deux ou trois titres, le reste est interprété en langue ‘étrangère’. Depuis l’anglais à l’italien, en passant par l’espagnol et j’en passe. En fait, Séverin signe 14 chansons pour 14 filles différentes (NDR : bizarrement elles ne sont que 12 sur la pochette !) Ce petit chef d’orchestre, comme il se définit lui-même, écrit et compose quasiment tout et joue de plusieurs instruments : clarinette, piano, guitares…
Ces voix féminines issues d’horizons différents (NDR : russe, française, allemande, suédoise, brésilienne,…) sont donc mises au service de la muse de cet artiste. Une espèce de Mika peint en rouge qui a grandi dans la pop acidulée/sucrée. Il nous propose 14 titres. 14 bonbons ou plutôt chewing-gums à mâchonner quelques instants, puis à jeter dès la disparition du goût (NDR : soit assez rapidement). Pas de quoi laisser un souvenir impérissable. C’est une certitude. A contrario de Mika, capable un tant soit peu d’accrocher les souvenirs des amateurs de pop (NDR : même si on n’apprécie pas trop le genre) et dont les compos sont bien plus dynamiques et plus dansantes.
Insipide et sans relief, ce disque n’est pourtant pas dérangeant. Simplement, il ne risque pas de déchaîner les passions. On a même droit à une compo puérile, à la limite du débile : « Adieu à Dieu ». En mon for intérieur, il a suscité une réaction épidermique : celle de vouloir éjecter le cd et de le jeter directement à la poubelle ! Too much ! Point positif cependant, quelques-unes valent le coup d’œil. Pas sur la pochette, sur le site… (NDR : je parle des filles, bien sûr !)
Depuis la sortie du remarquable « La Maison de mon rêve », les sœurs Cassidy se contentent de nous servir des elpees aussi médiocres que prétentieux. Et on a beau attendre un signe venant d’outre-Atlantique, il tarde à se manifester. Finalement, c’est d’Italie que vient de nous parvenir la bonne nouvelle. De Brescia, très exactement. Là où sont originaires deux filles : Luisas Pangrazio (Lu) et Marialuisa Balzi (Mu). Il leur a fallu quand même quatre longues années après leur formation pour donner naissance à ce premier opus : « Garage Bleu ». Le pop rock de ce duo féminin est expérimental, mais il est surtout de très bon goût. Et pour cause, leurs compos évoquent tour à tour Björk, Portishead, CocoRosie (NDR : of course !) et encore Au Revoir Simone.
« Garage Bleu » est découpé en neuf morceaux. Des titres relativement dépouillés. Claviers, guitare, rythmique électronique et objets insolites alimentent habilement de superbes mélodies. Rien que les deux premiers morceaux de la plaque, « Spleen » et « Melonhead », suffisent à mettre tout le monde d’accord. Les Transalpines conversent (NDR : tantôt en français, tantôt en anglais). Mais pas seulement. Leurs voix sont superbes, mais aussi sensuelles et bouleversantes. Elles se conjuguent et s’entrelacent, conférant une intensité impressionnante aux différentes chansons.
Si vous en avez marre d’attendre le prochain elpee de CocoRosie, n’hésitez plus, procurez vous celui de Mulu. Vous ne serez pas déçus.
Mondo Generator est le bébé de Nick Oliveri, l’ex-bassiste un peu taré (NDR : et pour cause, l’hurluberlu avait pris l’habitude de jouer sur scène dans son plus simple appareil) des Queens Of The Stone Age et de Kyuss. « Cocaïne Rodeo » a été enregistré en 1997, mais n’a été mis en vente, pour la première fois, qu’en 2000.
Pour les fans de QOTSA et de Kyuss, ce disque est sans aucun doute possible un album culte. En effet, pas moins de trois musiciens militant chez ces deux formations y participent. Nick Oliveri, bien sûr, à la basse et aux vocaux, Josh Homme à la guitare et Brant Bjork à la batterie. Pourtant, la musique pratiquée n’a pas grand-chose à voir avec celle des ‘Desert Rockers’ californiens. On y décèle un peu de ‘stoner’ quand même, parce que l’on ne se refait pas ; mais c’est surtout du punk mâtiné de hard rock ou même du post hardcore qui est ici consommé.
Les vocaux écorchés d’Oliveri et le son brut des guitares préservent Mondo Generator de la philosophie plus commerciale adoptée chez les groupes qui l’ont rendu célèbre. On reconnait circonstanciellement l’intensité d’un Black Flag, la folie d’un Dead Kennedys (au niveau de la basse), la fougue du Nirvana pré-« Nevermind », mais aussi, parfois, l’esprit des jam bands des seventies. L’équilibre est d’ailleurs un peu difficile à trouver entre hymnes punk d’une minute trente (« Uncle Tommy », « I want to to die ») et jams susceptibles de s’étendre jusque 13 minutes (« Another Tension Head »). Ces variations de style reflètent probablement l’esprit un peu tordu et décousu de l’ami Nick.
Pour qu’une réédition soit intéressante, il faut, bien sûr, qu’elle contienne son lot de cadeaux et celle de 2009 nous gâte, car c’est carrément un deuxième disque qui nous est proposé en bonus. Ce second opus est un live, brut de décoffrage (mais au son correct) intitulé « Alive and Wired ». Il a été enregistré au Troubadour de Los Angeles en décembre 2003. Une exception : le dernier titre. Intitulé « Autopilot », il est issu de la prestation du groupe immortalisée lors de l’édition 2004, au Reading Festival, et bénéficie de la participation de Mark Lanegan (Screaming Trees, Mad Season, QOTSA) au chant.
Une réédition plutôt agréable pour les fans, mais pas vraiment indispensable pour les autres.
Mickaël Furnon revient à ses premières amours. Il reforme son groupe mais place entre cochets l’extension 3d afin de faire comprendre que même si la formation est de nouveau d’actualité, elle a changé et il en est bel et bien toujours le ‘patron’… Mickey, c’est lui… Deux ans ont passé, deux ans pendant lesquels il a voulu se la jouer perso.
Après avoir commis l’excellent « Tu vas pas mourir de rire », lauréat des victoires de la musique en 2004, le groupe s’essouffle et « Matador » qui suit n’est pas à la hauteur des espérances. Mickaël décide alors de voler de ses propres ailes mais le soufflet retombe bien vite. C’est un peu la traversée du désert, hormis son duo avec Jane Birkin, seul morceau (bof bof) qui passera sur les ondes. On était donc un peu dans l’expectative voire le doute en ce qui concerne la sortie de ce nouvel opus. Il faut cependant admettre que le train est de nouveau sur les rails.
Un bon cru que cette « Grande évasion ». L’humour et le talent de Mickaël Furnon refont surface et il nous sert 14 titres de très bonne facture. L’album navigue entre humour noir, poésie, fables, nostalgie, émotions, rires, larmes… Il pousse même un point dans le surréalisme et c’est à mourir de rire lorsqu’il demande dans l’intro de « Personne n’est parfait », le numéro de téléphone de Dieu, au service de renseignements téléphoniques. Les textes font de cet album un petit recueil de morceaux qui racontent la vie et donnent envie de vivre. Rien d’extraordinaire mais des chansons ‘justes’ ; et jamais on ne se lasse en les écoutant ou les réécoutant.
Les musiques entrent vite dans l’oreille et sont vite assimilées. Le style peut être qualifié de ‘pop joyeuse et légère’. Ce qui ne veut pas dire médiocrité, loin de là. Mickey 3d nous présente un album plein, des mélodies bien ‘sculptées’ et entraînantes. « Playmobil », « Je m’appelle Joseph », « Personne n’est parfait » entre autres sont prêtes à envahir les ondes.
L’auteur de « J’ai demandé à la lune » nous livre ici un album ‘complètement abouti’. On retrouve le Mickey 3d des débuts. La boucle est bouclée… A écouter sans modération.
Difficile, ces dernières semaines, d’échapper au single « Clock ». « Lucy Lucy » (ex-Vagabonds) ronronne régulièrement sur nos ondes radios. A peine vainqueur du concours Pure Démo en 2007 et finaliste du Concours Circuit en 2008, la presse enthousiaste compare déjà le groupe aux grands noms de la scène pop-rock belge (Girls In Hawaii, Sharko…) Les cinq jeunes Brainois gravissent alors subitement les strates et sortent leur premier Ep judicieusement appelé « The Morning Can Wait ». Indéniablement, il est encore un peu tôt pour affoler les foules. En particulier, après l’écoute de leur six titres sorti ce 21 septembre 2009. Album pop-folk intimiste de bonne facture mais qui manque cruellement de chien. Il ne suffit pas d'être mignon, d’exhaler juste un délicat parfum mêlé de charme et d’un subtil ‘je-ne-sais-quoi’ qui attire et fascine. L’auditeur craque fréquemment, il est vrai. Encore faut-il qu’il reste vigilant et qu’il n’abdique jamais de sa belle exigence. Non ! Le groupe n’est pas d’emblée au faîte de son art. C’est d’ailleurs la tête bien accrochée sur les épaules que les jeunes artistes nous expliqueront le choix d’un six titres au lieu d’un elpee : ‘On ne se sentait pas prêts pour un album’. Le premier opus devrait cependant voir le jour dans le courant de l’année 2010.
Il est indéniable que Lucy Lucy trace l’esquisse d’une folk-rock irrésistible et rafraîchissante qui touche un certain public. Un public, souvent jeune, en manque de jolies histoires et de ballades romantiques. Mais cette galette trop linéaire ne transpire pas, ne sue pas. Elle échoue à toucher l’auditeur exigeant. Elle le promène simplement sur des pistes sonores ingénues et mielleuses. Un pop folk bluet évanescent, exempt d’aspérité, exsangue, sans caractère.
« Clock », titre phare du Ep, nous plonge dans une jolie mélodie légère et fragile. L’album privilégie globalement les mélodies et l’harmonie des voix ne laisse guère d’espace ou un simple soupçon, aux instruments. Tout au plus une basse folk timide, une guitare rock évaporée décorent de jolies chansons au format très radiophonique.
Sur les autres rives, tandis que « I can Give It » décharge une vague électrique ‘cellophanée’, les guitares de « Lizzy Lizzy » s’élèvent sans jamais décoller. Quant au final de « Deepest Coma », il se métamorphose en un simple étourdissement. La pop-folk ‘rageuse’ du quintet bruxellois se referme tendrement sur le douloureux « Bottom First ». Les influences clamées par « Lucy Lucy » effleurent la douce folie de Baby Shambles, les lettres nobles de Belle & Sebastian, le charisme de Johnny Cash. Sans jamais parvenir à marquer au fer rouge l’identité du groupe.
« The Morning Can Wait » évoquerait assez une chambre dorée merveilleusement ordonnée dans laquelle on aurait peur d’allumer le vieux transistor de crainte de faire trembler le mobilier contemporain.
Malgré de brillantes prestations scéniques et une remarquable entame de carrière, laissons le temps au temps. Ne précipitons pas trop vite ce jeune groupe vers les gouffres impatients de la célébrité. Laissons-le doucement éclore avant de le confronter aux monstres de la scène indépendante belge. Le temps demeure toujours maître de la raison.
Le fils de l’immense John nous pond ici une ‘œuvre’ inqualifiable. Néo-classique, progressiste ? Impossible à dire. Une chose est sûre, musicalement, la pilule est difficile à avaler. Après quelques minutes, on frôle l’indigestion ; et il faut une sacrée dose de courage pour aller au bout de l’épreuve. Essayez. C’est surprenant !
De temps en temps, on a l’impression d’entendre un ‘ersatz’ du grand bleu. Sinon, rien à ajouter. En un seul mot : bizarre ! Ah oui, j’oubliais, Sean Lennon signe ici la BO du film du même titre. Mais sans les images comme support, ce Cd n’a aucun intérêt…
A chaque automne, une multitude de chanteuses folk anglophones reviennent sur le devant de la scène. C’est comme la chute des feuilles. Laura Gibson figure dans le lot. Une jeune Américaine issue de Portland, dans l’Oregon. Eponyme, son premier album remonte déjà à 2004. Mais elle s’est surtout illustrée en collaborant à différents projets, dont ceux de Colin Meloy (The Decemberists) ou Laura Veirs. « Beasts Of Seasons » constitue déjà son quatrième elpee. Aussi une question me traverse l’esprit, cette œuvre est-elle susceptible de l’extraire d’un relatif anonymat, que sont parvenues à quitter Alela Diane ou Essie Jain ?
La pochette semble symboliser l’arrière saison et les soirées tranquilles au coin d’un feu de bois. C’est donc, en fin de soirée et en toute quiétude que j’ai décidé de me farcir cet opus. Après avoir écouté la première plage, « Shadow On Parade », il y a de quoi faire la moue. Les sept minutes de la compo sont parfaitement exécutées, mais suscitent un profond ennui. La suite oscille entre jolies petites chansons folk (« Sleeper », « Funeral Song ») et comptines relativement insipides (« Postures Bent, « Where Have All Your Good Words Gone ? ») Mais un titre se démarque du parcours un peu trop monotone de ce disque : « Spirited ». C’est la composition la plus rythmée du tracklisting, aussi. Imparable et abordée dans l’esprit de Feist, elle laisse deviner ce qu’aurait pu devenir la bête si son maître s’était décidé à s’éloigner des sages sentiers battus du folk. Ou si vous préférez si elle avait pris des risques au lieu de demeurer une élève bien appliquée du mouvement folk.
L’elpee est divisé en deux volets bien distincts. Mais on ne sait pas trop pourquoi, tant l’ensemble est homogène. La référence au vinyle, probablement. Ces réserves ne doivent toutefois pas passer sous silence la voix de Laura Gibson : agréable, enfantine et douce. La musique est également finement arrangée. Le piano et les cordes se taillant la part du lion. La folkeuse américaine abuse toutefois du ‘fingerpicking’.
Verdict ? Un autre album de folk. Laura Gibson part en tournée, printemps prochain, en compagnie de Damien Jurado. Mais à cette époque, le bois est déjà bien vert, plein de sève, et il n’y a plus guère de feuilles mortes à ramasser. Dommage que Laura ne se fait plus souvent violence. N’injecte pas plus souvent une dose de folie dans ses compos. A l’instar de ce remarquable morceau intitulé « Spirited ». Bien sûr, si vous êtes séduits par l’élégance des arpèges, ce « Beasts Of Seasons » devrait vous ravir. Personnellement, cette lenteur mortifère désespérante m’a plombé la soirée…
Derrière sa barbe et ses petites lunettes, William Fitzsimmons est un homme plein de bonnes idées. Et un auteur interprète aussi doué que Sam Beam (Iron & Wine). Ce qui est un gage de qualité en soi. Le don largement exploité sur ce ravissant « Goodnight », il le doit à ses deux parents aveugles, musiciens de formation. Ceux-ci auront flanqué un instrument entre ses petits doigts avant même qu’il ne prononce son premier mot. Et maman et papa peuvent être fiers du résultat. « Goodnight », troisième ouvrage de leur rejeton, est sans conteste un travail d’orfèvre. Pas étonnant donc qu’il soit également le disque de la révélation.
Relevé d’un poil d’electronica, « Goodnight » n’aurait pas fait figure d’intrus au sein de la discographie d’Iron & Wine. Le folkeux de Pittsburg accomplit un travail soigné comme pas deux. Les mélodies, coiffées de splendides vocalises, y sont d’une délicatesse hors norme. William Fitzsimmons est l’un de ces artistes qui s’adresse directement à la sensibilité de ses auditeurs et marque sa cible à tous les coups. Et un artiste qui fait la nique à Kanye West en réinterprétant de manière magistrale l’une de ses compositions les plus moyennes (« Heartless », inédit dispo sur les plateformes de téléchargement légal) ne mérite rien d’autre qu’un immense respect. « Goodnight » est l’un des incontournables de 2009.
Etre invité à produire un DJ Kicks est un gage de confiance qu’aucun artiste electro qui se respecte, n’aurait l’audace de décliner. Deux ans après avoir fait appel aux services de Hot Chip et Booka Shade, le label !K7 a eu l’excellente idée de se tourner vers Chromeo pour ressusciter sa collection. Le principe de celle-ci est simple : l’artiste invité compile et mixe une série de morceaux, récents ou poussiéreux. De préférence peu connus ou sous-estimé au moment de leur sortie. En y ajoutant un petit inédit de son cru, pour la forme. Et l’exercice sied à merveille aux Canadiens qui se sont manifestement fait plaisir en dépoussiérant les plus improbables de leurs vinyles.
En attendant la sortie de leur prochain recueil, prévu pour 2010, le duo s’amuse à engendrer des unions cocasses entre R’n’B, Disco et Pop des années ‘80, Funk ou encore Space Disco. Ainsi, Château Marmont, l’excellent Lifelike ou le duo lui-même côtoient Shazam, Val Young ou les inattendus Diane Tell et Pierre Perpall ! Comme pour la plupart des « DJ Kicks », le tracklisting interpelle à première vue, mais devient très rapidement addictif. Malgré quelques enchaînements douteux, Chromeo s’en sort haut la main, même lorsqu’il concède une reprise inopinée d’« I Can’t Tell You Why », un morceau extrait du répertoire des Eagles.
Ce nouveau DJ Kicks en bonne et due forme plaira essentiellement aux fans de la formation mais également à ceux qui s’étaient déjà trémoussés sur la compile du même nom, signée par The Glimmers. Et, pour ceux qui n’en ont jamais assez du son vintage de Chromeo, le duo prolonge le plaisir sur son site officiel en offrant en téléchargement gratuit son sympathique nouveau single, « Night By Night ». Fonkay ! http://www.chromeo.net
Les formations pop/rock issues d’Afrique du Sud ne sont pas légion. J’ai donc été envahi par une certaine forme d’enthousiasme, lorsque je me suis lancé dans la chronique de cet album de BLK JKS(à prononcer Black Jacks). Un quatuor né en 2000 ; mais qui a dû attendre neuf longues années avant d’enregistrer son premier album. Et pas pour n’importe quelle écurie ! Chez le label indépendant américain Secretly Canadian, au sein duquel on retrouve notamment Antony & the Jonhsons, Yeasayer et Bodies of Water. Et il leur aura fallu presque autant de temps pour que le continent américain s’intéresse enfin à leur existence. C’était en 2008, lorsqu’ils ont assuré le supporting act de Diplo au sein de la nation arc-en-ciel.
Pour concocter « After Robots », le groupe a reçu le concours de Brandon Curtis, le chanteur de la formation psyché-prog The Secret Machine. Faut dire que la solution sonore proposée par BLK JKSest le fruit d’un mélange de rock, prog, jazz, reggae, psychédélisme et de musique africaine. Un disque qui souffle cependant le chaud et le froid. L’originalité du groupe procède surtout de leurs lyrics, qu’ils chantent tantôt en zoulou ou en xhosa (NDR : ce sont les deux premières langues officielles d’Afrique du Sud) mais également en anglais. Et puis de leurs rythmes tribaux. Dans cet esprit, des morceaux comme « Molalatladi », « Kwa Nqingetje » ou encore l’acoustique « Tselane » constituent la quintessence de l’œuvre. Malheureusement, le combo souffle le froid, lorsqu’il marche sur les traces de Mars Volta. En moins luxuriant. Encore que parfois, leurs envolées n’ont rien à envier à celles d’un King Crimson. Quoique pour les amateurs de prog, ce soit un compliment. Mais pour les autres, on frise l’indigestion.
Après avoir remporté le NME Philip Hall Radar Award du meilleur premier album et avoir essuyé les râles dithyrambiques de la presse britannique, « The Big Pink » se présente naturellement comme la curiosité outre-Manche de cette rentrée musicale 2009.
« The Big Pink » (pseudonyme se référant à l’album « Music From The Big Pink » de The Band) est l’histoire de deux passionnés immodérés de musique noise, Robbie Furze et Milo Cordell (créateur du label Merok Records). Ce n’est d’ailleurs pas par hasard que le duo londonien signe son premier elpee sous le célèbre label indépendant 4AD. « A Brief History Of Love » évoque effectivement une sonorité shoegazing familière au label londonien à la fin des années 80. Genre shoegaze/noisy terriblement à la mode ces derniers temps. Le retour sur les planches des sublimes My Bloody Valentine n’est-il pas un indicateur du renouveau de cette scène ?
Rien n’est laissé au hasard sur ce premier opus. Soigneusement élaboré aux Electric Lady Studios de New-York, « A Brief History Of Love » a bénéficié d’une production infallible assurée par Rich Costey (Muse, Interpol, Rage Against The Machine…) et Alan Moulder (My Bloody Valentine, Yeah Yeah Yeahs…) « The Big Pink » assurera d’ailleurs la première partie de Muse sur sa tournée britannique.
L’architecture musicale de ce premier album est époustouflante. Une tracklist bâtie à l’image d’une cathédrale de glace qui navigue sur les flots glaciaux et aseptiques de l’amour. Un univers riche, dense et hautement atmosphérique qui se pose sur des textes dramatico-romantiques. Lieu où Milo Cordell dépeint le kaléidoscope de l’amour. Celui qui reflète ‘tous les aspects multiples du cœur… Le bon, le mauvais, l’ennuyeux, le passionnant, l’onirique, le cauchemardesque…’ Imagerie amoureuse violentée par des torrents de guitares aux insensibles distorsions, crissements et saturations monomaniaques. Une mixture entre drame et rêve résolument additive. Des textes qui voyagent sur des nuages bruitistes et des humeurs de My Bloody Valentine ou Cocteau Twins. Un grand rock anglais aux saveurs de Death In Vegas qui nous transporte et innove. Car le binôme londonien, expert des techniques de studio, ne se morfond pas dans une stérile nostalgie. « Velvet » et « Too Young to Love » posent des guitares noisy sur une texture électronica austère. Des strates savamment superposées qui régalent un atmosphérique romantique aux dimensions majestueuses.
Le neurasthénique morceau éponyme chanté en duo avec la délicieuse voix psalmodie de Joanne Robertson en est la substance. Un art minimal, dépouillé, écrin parfait pour définir l’humeur fragile, insane et doucement mélancolique qui traverse l’esprit de l’album. Magnifique !
Un premier opus qui se distingue par sa complexité technique maîtrisée et sa facture de qualité. Un rock anglais entier et impartial qui ravira les accros de la musique britannique des années 80-90 et plus !
The Big Pink se produira ce mardi 03 novembre 2010 à L’Ancienne Belgique. Et on avance déjà une nouvelle pour l’année prochaine en compagnie de The xx. A suivre…
Aujourd’hui, il existe probablement deux manières d’essayer de faire son trou dans le monde du rock. La première consiste à copier le style d’un artiste renommé en espérant que son succès fasse tâche d’huile. La seconde réclame le petit truc inédit qui rendra votre musique personnelle et indispensable au paysage musical actuel. Pour se différencier des autres, Partchimp a décidé de jouer très fort. Très très fort. Amplification et distorsion poussée au maximum sur un rock très noisy aux relents de stoner.
Cette originalité est elle suffisante pour rendre le groupe indispensable et le pousser vers un avenir radieux ? En tout cas, cette méthode semble fonctionner en Angleterre, où « Thriller », leur troisième galette, bénéficie de réactions dithyrambiques auprès de la presse spécialisée. C’est même à se demander si les Grand-Bretons ne sont pas un tantinet chauvins. Car, là où ils entendent la perfection sonique, des murs de guitares dévastateurs et le summum de la créativité, j’ai bien peur de n’entendre que le son de guitares grasses, désaccordées et amplifiées au maximum. Une enfilade de riffs lourds et sans grand intérêt. Le noise rock de Partchimp évoque un Melvins du pauvre ou du Monster Magnet (période « Spine Of God »), joué avec des moufles ; mais il pourrait encore s’en tirer plus ou moins honorablement, si il n’y avait pas ce chant. Alors de deux choses l’une : ou leur vocaliste n’est pas arrivé en temps et en heure lors des sessions d’enregistrement, et le groupe s’est vu forcé de recruter le premier pochetron rencontré dans les environs du studio pour le remplacer, et c’est pathétique ; ou ils on vraiment choisi un chanteur complètement naze, et c’est tout aussi pathétique. A lire nos confrères de la presse anglaise, la formule est travaillée et mûrement réfléchie. Un groupe dont les desseins sont sans doute trop subtils pour votre serviteur, probablement…
Est-ce un hasard si le jeune groupe berlinois I might be wrong a choisi pour nom le titre d’une chanson de Radiohead ? Si une anxiété similaire à celle du groupe anglais habite leur univers, c’est avec bien plus de retenue qu’elle s’exprime ici. Leur nouvel album « Circle the yes » s’écrit comme une boucle, une marche sur place, dans un espace rempli de questions et d’hésitations. ‘We circle the yes, we strike the no, we struggle for maybe – we do nothing at all’ était l’un des chœurs repris en boucle, dans un disque précédent.
Lisa von Billerbeck, songwriter et chanteuse du groupe, également illustratrice de talent, a intitulé l’un des morceaux « Salomon », en référence à cette artiste juive berlinoise qui, en pleine Grande guerre, entreprit de peindre sa vie entière par de très nombreuses petites gouaches étonnement contemporaines. De manière similaire, et pourtant sans narcissisme, I might be wrong butte sur l’impossibilité d’être. La douceur et le bruit des doigts glissant sur les cordes rappellent par moments les Kings of Convenience, l’économie d’effets exprime la tension retenue, la mélancolie tragique.
La répétition de courts thèmes musicaux et textuels (chantés ou presque parlés) évoque cet objet insolite mais néanmoins fascinant où deux boules de métal suspendues à des fils s’entrechoquent et perpétuent le mouvement inlassablement. Joli mais… On aimerait que cette linéarité décolle un peu, que les sages Berlinois osent prendre une direction un peu plus franche, car l’hésitation devient, à la longue, légèrement ennuyeuse.
Nederlands 
Français 
