‘Le chapitre suivant commence’. On ne le sait que trop bien. A moins d’avoir été projeté dans une autre dimension au cours de ces 12 derniers mois, impossible de passer à côté du phénomène « Twilight ». Robeeeeeeert Pattinson, Kristen Stewart, Taylor Lautner, Peter Facinelli et les autres protagonistes de la saga vampirique créée par Stephenie Meyer se partagent à nouveau l’affiche du succès annoncé. Motivé par le succès de la première bande son, Chris Weitz, le réalisateur, a décidé de frapper un grand coup et de viser plus haut. Si la soundtrack de « Fascination » était essentiellement destinée aux ados (Linkin Park, Paramore, Collective Soul, Robeeeeeert Pattinson himself, etc…), celle de « New Moon » change la donne. Weitz et Livia Tortella, productrice exécutive du projet, ont réussi à rassembler du beau monde. Et c’est peu dire.
Exit le fatigant « Leave Out All the Rest » de Linkin Park. Death Cab For Cutie donne le ton à l’aide d’un entêtant « Meet me On The Equinox », premier single extrait de la bande son. Le tube des Washingtoniens est suivi à la trace d’une belle série d’inédits signés Thom Yorke, Lykke Li, Black Rebel Motorcycle Club, Ok Go, Grizzly Bear accompagnés de Victoria Legrand (Beach House), Editors ou encore Sea Wolf, le nouvel espoir indie dont on entendra certainement parler en 2010. Mention spéciale à « Rosyln », l’énooooooooorme duo entre Bon Iver et St. Vincent. Les 4 minutes 50 de cette envoûtante ballade envoient, à elles seules, la compilation au rang d’incontournable. Seules ombres au tableau, les « Friends » de Band Of Skulls et « Monsters » de Hurricane Bells. Deux morceaux qui dénotent un peu dans l’ambiance particulière de la BO.
Une version destinée au marché francophone s’embarrasse d’un inédit sans intérêt des BB Brunes. Dispensable. L’édition internationale se suffit à elle-même. D’autant plus qu’elle se clôture joliment sur « New Moon (The Meadow) », un agréable thème instrumental du compositeur français spécialisé en musique de films, Alexandre Desplat.
Celle que certains critiques comparaient à Courtney Love s’émancipe. Il est loin, le temps des Distillers. Aujourd’hui, Brody Dalle et Tony Belivacqua, les derniers survivants de la courte aventure, reprennent leurs armes sous le nom de Spinnerette. A cette occasion Dalle a recruté Alain Johannes (Queens Of the Stone Age) et le batteur Jack Irons. Décidée à faire parler d’elle pour sa musique plutôt que sa vie privée, Madame Josh Homme publie une première épreuve bien plus rangée que celles de sa carrière antérieure. Les étincelles de folie des Distillers se sont éteintes.
Ne reste plus qu’une série de compositions très sages et formatées. « Spinnerette » suit tranquillement son cours, sans le moindre sursaut d’imagination. Et lorsque la formation tente d’esquiver les sentiers battus, ils pondent un morceau tout juste bon à inviter au ‘fast forward’ (le sous-Kills « Sex Bomb », « Baptized By the Fire » et son synthé sorti de nulle part). Rien ne parvient à sauver Spinnerette de la noyade, hormis les très bons « Ghetto Love » et « Impaler ». La pochette, peut-être…
A premier abord, on ne peut pas dire que Push Pull cherche à susciter l’intérêt. Tout d’abord à cause de l’artwork de la pochette. Pas de quoi fouetter un chat. Puis du label hébergeant le groupe : Joyful Noise. Une écurie qui végète dans le milieu alternatif de l’alternatif. Et puis de la première impression laissée par l’écoute leur musique : un fourre-tout au sein duquel on cherche vainement une quelconque cohérence
Et pourtant, au fil des écoutes, on se laisse apprivoiser par cette curieuse expression sonore. Si bien qu’elle finit par accrocher votre subconscient. En fait, le groupe de Bloomington (NDR : ville située dans le sud de l’Indiana) est responsable de mélodies paradoxalement complexes mais contagieuses. N’exerçant réellement leur effet qu’après plusieurs écoutes. Un peu comme si le trio américain (NDR : Mike Bridavsky, Mike Notaro et Mike Hoggatt) avait pris le pari un peu fou de réaliser un compromis entre la musique de Weezer, des Pixies et de Queens of The Stone Age. Et finalement, le tout tient la route. On finit même par se surprendre à apprécier ce qui au départ, semblait sans grand intérêt. Et notamment des plages comme le power pop « The Lake », l’excellent « Fire » ou encore « If the L Were a G », caractérisé par sa ligne de basse puissante et des vocaux appuyés (NDR : les premiers elpees de la bande à Black Francis et Kim Deal ne sont pas loin). Une basse quand même très présente tout au long de cet opus. Et si les drums se révèlent puissants et précis, la guitare se montre beaucoup plus aventureuse, fluctuant en fonction des morceaux. Mais la quintessence de leur musique procède de la conjugaison des voix, sorte de rencontre hypothétique entre Jonathan Richman et Frank Black, mais en plus énergique. Comme quoi les apparences peuvent être trompeuses.
Jacques Duvall a écrit pour une quarantaine d’artistes, dont Lio (NDR : c’est lui qui avait notamment composé « Banana split » et « Les brunes ne comptent pas pour des prunes »). Une plume qu’il consacre aux autres (NDR : sous son patronyme on ne lui connaît que quelques singles et trois albums) depuis presque trente ans. Mais en rejoignant l’équipe de Freaksville, on dirait qu’il a retrouvé une nouvelle jeunesse. L’occasion était donc belle de solliciter Lio pour participer au troisième volet de l’aventure Phantom, un projet monté par le leader de Miam Monster Miam, Benjamin Schoos. D’autant plus que Vanda n’a toujours rien perdu de son esprit punk, provocant et provocateur. Qu’elle revendique toujours d’ailleurs. Que ce soit dans ses analyses au sein du jury de la Nouvelle Star ou lorsqu’elle chante et danse, sans petite culotte, dans l’émission de Fogiel. Le premier volume de la série avait été consacré à Duvall. Un elpee sous-titré « Hantises ». Et le deuxième à Marie-France Garcia (NDR : encore une artiste dont il est le parolier).
En toute logique, ce « Phantom feat. Lio » constitue donc le troisième. Un disque enregistré en 48 heures. Hormis deux titres, Jacques signe neuf plages sur les onze de l’opus. Patrick Eudeline (NDR : c’est un journaliste de Rock & Folk !) a écrit « Lipgloss », caractérisé par sa mélodie en boucle ; et Marie Laure Dagoit le funkysant et déclamatoire « Noir violette ». Plusieurs morceaux sont chargés d’intensité électrique. Garage, si vous préférez ! Et tout d’abord le morceau d’ouverture, « Je ne veux que ton bien ». Noisy punk, chargé de feedback, il entretient un climat fiévreux, qui jamais ne parvient à éclater. « Ta cervelle est en grève, mais ta grande gueule fait des heures sup’ », ensuite. Les riffs de guitare saignants peuvent rappeler les Sex Pistols, mais la mélodie sucrée et contagieuse évoque inévitablement Blondie. Et enfin le nerveux « Mon nouveau Jules marche sur l’eau ». Déchiré entre post punk et new wave, il laisse transparaître quelques accès de claviers 80’s. Parmi les titres les plus lents, on épinglera le slowcore « L’amour ne m’a jamais manqué », une composition tapissée, en toile de fond, de cordes réverbérées. Et puis l’autobiographique « La veille de ma naissance », une ballade mid tempo. Sarcastique et tellement vrai, « Tout le monde m’aime » libère un chouette groove soul/r&b. Jacques et Lio chantent en duo sur « La fidélité, un ‘talking blues’ cocasse. Mais le sommet de l’album nous vient de « Je ne suis pas encore prête ». Un tube en puissance au refrain irrésistible. Plus rien entendu de pareil chez Lio depuis presque 3 décennies. Suffirait d’un déclic et la bande FM est contaminée… Bref, un disque rafraîchissant, qui a bénéficié de la participation de Gilles Martin (Colin Newman, dEUS, Dominique A, etc.), au mixing. Une œuvre qui prélude un nouvel elpee de Lio. Mais en solo, cette fois. Il devrait sortir automne 2010.
« A Lo Cubano », le premier album d’Orishas est sorti en 1999. Il marque, à l’époque, les esprits des aficionados. C’est l’introduction d’un genre nouveau, le mariage déroutant entre hip hop et musique latino. Dix années se sont écoulées depuis. Entretemps, quatre autres albums ont suivi (dont une compilation), et le succès est toujours au rendez-vous. La formule passe quasi partout. Pour preuve, mardi soir, l’AB affichait complet, une fois de plus !
Pour marquer le coup, les trois phénomènes du projet, Roldàn au look un peu ‘street boy’, Ruzzo le beau latino, Yotuel le gentleman charmeur, ont voulu offrir à leur public un show où tout ce premier album serait interprété dans son intégralité… Un concert crescendo et scindé en deux parties. La première reprenant fidèlement chacun des 14 morceaux de l’album. Deux bonnes heures de show, en continu ! Et ce, sans compter le warm-up de DJ Sonar, qui rappelons-le, a accompagné Orishas en tournée, pendant 4 ans.
Accompagné sur scène par un Dj et un percussionniste, Orishas attaque d’emblée par « Represent », un des morceaux les plus connus du grand-public. Les fans d’origine latine se sont pressés en masse à l’avant de la salle ainsi qu’aux balcons proches de la scène. Un drapeau cubain flotte d’ailleurs au premier rang. L’ambiance plutôt calorifère donne la mesure. Les trois voix font monter la pression et enchaînent les succès les uns après les autres. « A lo Cubano » et « 537 Cuba » NDR : leur célèbre reprise de « Chan Chan » du Buena Vista Social Club) sont chantés par les centaines de personnes présentes. Et il fait chaud ! On manque même de place pour pouvoir se dandiner…
Après avoir célébré le premier opus comme il se doit, le combo continue sur sa lancée. Déjà 1h10 de concert et c’est à peine la moitié du spectacle ! La suite du tracklisting est constituée de compos issues des albums subséquents. Dont notamment, un magistral « El Kilo », « Machete » ou encore « Hay un Son ». La fin du set est clairement plus hip hop ; néanmoins, au moment du dernier morceau, le public est invité à les rejoindre danser sur scène. Une image finale qui résume bien l’esprit enthousiaste et énergétique du groupe.
Organisation Ubu
(Voir aussi notre section photos)
Pignition est né en 2005. A Bruxelles. D’un duo, le line up est cependant passé, en trois ans, à un trio. Enregistrant différents changements de configuration, même si Quentin et Ben sont toujours au poste depuis les débuts. Julien se charge aujourd’hui de la guitare solo, et apparemment un quatrième larron (NDR : un bassiste) serait occupé de rejoindre le band. Au conditionnel, puisque ni leur MySpace, ni les articles qui leur sont consacrés ne sont suffisamment clairs à ce sujet. Une chose est sûre, le combo avait commis un Ep en 2006 et puis participé à l’édition 2009 du Tremplin Dour.
Autoproduit, « Pig Brother » constitue donc leur premier elpee. Un titre qui s’inspire de « 1984 », un livre mythique écrit par Georges Orwell et qui met en scène un personnage de fiction répondant au nom de « Big Brother ». Après avoir écouté ce cd, je dois avouer être resté sur ma faim. Et pour cause, leur musique cherche à remettre au goût du jour un certain courant qui a connu son heure de gloire au cours des nineties. Du punk californien façon Blink 182 voire NOFX boosté au grunge et éclaboussé de quelques touches de néo-métal. Génial ! Enfin, si leur disque était paru 15 ans plus tôt. Parce qu’en 2009, ça fait quand même daté. La scène musicale belge est suffisamment riche pour se complaire dans la caricature.
Oui, je sais, on va me taxer de caractère de cochon ; mais comme le précise le dossier de presse du groupe, dans le cochon tout est bon. Sauf s’il est atteint de grippe porcine, bien sûr !
Deux mois à peine après sa prestation dans une AB comble (voir http://abconcerts.be/fr/abtv/p/detail/moby), Moby investissait les planches de l’autrement plus large Forest-National. Son troisième passage en Belgique en moins de six mois. Il venait y défendre son petit dernier, « Wait For Me », ‘mais pas que’. Un concert marathon de deux heures aux allures de grande rave, un peu ternie par l’impassibilité d’un large pan du public…
L’accompagnant sur toute sa tournée, Kelli Scarr se charge à nouveau de la première partie. Un peu intimidée par la foule, l’ex-Moonraker semble se terrer derrière son micro et passe une petite vingtaine de minutes à présenter sa Dream Pop clairement influencée par Moby, son mentor. Elle avouera à la fin de son set qu’il s’agissait de la première fois qu’elle jouait devant autant de monde, avant de laisser glisser une petite auto-promo. Tant qu’à faire…
Dès 20h50, les baffles laissent échapper « Division », l’intro de « Wait For Me ». Tandis que les musiciens se mettent en place, Moby harangue déjà la foule à l’aide de sa guitare, sur le devant de la scène. Dès les vingt premières minutes du spectacle, tout en sobriété, Moby donne le ton en mêlant habilement ses compositions les plus ‘ambient’ à ses tubes de ‘dancefloor’. Ainsi, « BodyRock » et « Go » font trembler la salle tandis que « Extreme Ways », « Mistake » ou encore « Why Does My Heart Feel So Bad ? » calment les ardeurs des quelques motivés aux premiers rangs, les seuls à profiter pleinement du concert.
Sans mauvais jeu de mots, Moby sait se faire petit. Plus particulièrement lorsque l’immense Joy Malcolm interprète deux des plus gros tubes du bonhomme, « Natural Blues » et « Porcelain ». Kelli Scarr, beaucoup moins timide lorsqu’elle est entourée, revient également sur scène afin d’y interpréter de jolies versions de « Wait For Me » et de l’ultra-mélancolique « Pale Horses ». Le set est essentiellement consacré à « Play » et « Wait For Me », mais le New-Yorkais honore aussi le reste de sa discographie à travers le retentissant « Disco Lies », le faussement punk « That’s When I reach For My Revolver » ainsi que les poppy « Lift Me Up » et « Raining Again », au cours duquel lequel le chanteur s’excite sur un long solo de percussions.
En guise de rappel, Moby et Joy s’élancent dans une version d’une quinzaine de minutes de « Honey ». Epique ! Le petit chauve et ses musiciens assènent le coup de grâce sur l’essentiel et très ‘rave’ « Feeling So Real », clôturant ainsi son enchaînement de hits imparables. Petit mais costaud.
Organisation : Live Nation.
Cette solide formation californienne brandit très haut la bannière du westcoast jump ! Un combo drivé par Michael ‘Pink’ Arguello. Pink est originaire de Los Angeles. Et y vit depuis sa naissance. Pas étonnant qu’il fasse partie de la scène locale, depuis plus de trente ans. Michael s’intéresse à une multitude de styles. Depuis le blues au rockabilly, en passant par le jazz, le funk et même le punk (NDR : un zeste !) Il s’est forgé une réputation de showman extravaguant. Il a commis son premier opus en 1999. Excellent, "Living large" trempait dans le barrelhouse boogie blues ; et incluait des morceaux aussi épatants que "Wolf on the river", "Pink Champagne" et "Big Stella's Peep show". En 2001, Pink embraie par "King size", un opus qui emprunte autant à Wynonie Harris, Amos Milburn que Louis Jordan. Un long playing pour lequel il bénéficie du concours de maîtres gratteurs du jump blues, comme Junior Watson et Kirk Fletcher, mais également de Sue Palmer au piano, longtemps partenaire privilégiée de Candye Kane et de la chanteuse Janiva Magness. En 2003, il revient au jump, en concoctant "Almost the greatest show on earth", une œuvre pour laquelle il bénéficie de la participation du guitariste Kid Ramos et du pianiste Kirk Fletcher. Sans oublier, un des maîtres du boogie woogie, Carl Sonny Leyland. De son véritable nom Funkelbright, Pink Arguello s’est forgé une fameuse notoriété comme auteur/compositeur. Mais il lui a fallu six longues années pour terminer son quatrième opus. Ce qui lui a permis d’évoluer, puisque sur les 13 plages, il en signe douze ! Concocté au sein des studios Ardent de Torrance, Pink a bénéficié de la participation du pianiste Rich Wenzel (NDR : l’ex-Dave Mason Band se charge également de la production), des guitaristes Kirk Fletcher (un fidèle) et Gonzalo Bergara, des harmonicistes Eric Van Herzen (Walter Trout Band) et Johnny Mastro (Mama's Boys). Au risque de perdre certains de ses fans, Pink a voulu élargir son spectre sonore...
"Who's jivin' who" ouvre l’elpee. Il nous plonge au cœur des swamps, mais s'évade bien vite vers Memphis pour un R&B de bonne facture. La voix d’Arguello est excellente. Son registre est étendu. Elle est soutenue par l'orgue de Wenzel et des cuivres volatils. Des chœurs féminins également au sein desquels on relève la présence de la notoire Teresa James. Aux six cordes, Kirk Fletcher se montre déjà à son avantage. "Big empty house" baigne naturellement dans le west coast jump pur et dur. Les cordes de Fletcher et Bergara ainsi que les cuivres sont parfaitement en place. Remarquable ! Autre ballade, Big empty house" est balisée par un riff rock et soulignée de chœurs féminins. Une seule cover : le "I need your love so bad" de Little Willie John. Pink s’adapte sans difficulté à son style vocal. Kirk en profite pour dispenser un solo à la fois parfait et empreint d’une grande sensibilité. Flanqué de sa sèche, Mike attaque "Good heart black soul". En solo. Une compo chargée de feeling au cours de laquelle il chante à la manière des pre war bluesmen, face à l'harmonica touchant de Mastro. Blues classique, très downhome, fustigé par l'harmo largement amplifié de Van Herzen, "Gravedigger" véhicule des accents dramatiques, proche de Howlin' Wolf. Très rythmé, puissant, "Black eyed Mary" épouse un profil proche du J Geils Band de la grande époque. Dans son phrasé, Van Herzen souligne bien la voix acharnée du maître. Et ce dernier n’a pas fini de nous étonner. Il s'enfonce dans du hard bluesin' rock corpulent en s’immisçant dans "Love in the dirt". L’insatiable Van Herzen continue d’épauler ce diable noir de Fletcher qui se met à flirter avec le heavy métal! "She's right" embrasse une ballade jazz très latino. "Real bad woman " campe un slow blues classique, d’une grande simplicité. Un régal ! Le vieil ami Mastro est revenu souffler comme un possédé sur le shuffle très rythmé "Bad reputation". Mais la surprise du chef nous vient de "Belly of the beast". Une longue plage épique de plus de douze minutes. Un fragment qui nous plonge dans une forme de transe hypnotique. La compo est complètement différente du reste de l’album. La voix d’Arguello est lumineuse. Jesse MacLeod (NDR : fils de Doug) embraie en ‘rapant’ au cœur de la Nouvelle Orléans. Les cordes de Kirk s’autorisent un voyage psychédélique, sous le couvert du trombone de Walter Wagner. Remarquable, cet elpee s’achève par le titre maître. Pink chante devant le roadhouse piano de Wenzel. Nous sommes précipités dans un bar nocturne. A une autre époque. Peut-être pas loin de la Cathédrale d'Anvers, là où ont été immortalisées les photos de la pochette…
Mike Zito est un chanteur/guitariste/compositeur dont la famille est d’origine sicilienne. Il a vécu son enfance à Saint Louis, dans le Missouri. Vingt ans quand même qu’il roule sa bosse. Mais à ce jour, il ne compte que six elpees solo à son actif. "Blue room" en 1996, "America's most wanted" en 99, "Slow it down" en 2004, "Superman" en 2006, "Today » en 2008 et ce "Pearl river », cette année. Ces deux derniers opus sont parus sur le label de Randy Chortkoff, Delta Groove (NDR : sise à Los Angeles, c’est actuellement la boîte la plus active dans le domaine du blues contemporain). Et en particulier pour Electro Groove, c’est-à-dire la branche plus électrique du label. Cet artiste à la voix extraordinaire puise ses racines dans le blues, le rock et la soul ; et il vient de franchir un fameux pas en avant en ouvrant ce nouveau chapitre musical.
Mike est soutenu par ses musiciens habituels : le bassiste Lonnie Trevino Jr et le drummer Eric Bolivar ; sans oublier le claviériste notoire Reese Wynans, un Texan qui a notamment milité chez le Double Trouble de Stevie Ray Vaughan. Zito signe huit plages, en cosigne une et épingle quatre reprises. Si David Z et Randy Chortkoff se réservent la production, ils ont quand même bénéficié du précieux concours du chanteur/harmoniciste à la mise en forme.
L'album s’ouvre par "Dirty blonde", un véritable brûlot. On se croirait revenu 50 ans en arrière, lorsque BB King nous réservait des titres explosifs, empreints de classe, de caractère et de pêche. Saisissant ! Manifestement, c’est un démarrage sur les chapeaux de roue. Le titre maître constitue probablement le meilleur morceau de l’elpee. Une ballade bluesy lente, aux accents volontiers dramatiques, caractérisée par des échanges vocaux tout à fait extraordinaires entre Zito et Cyril Neville, la plus belle voix soul des Neville Brothers (NDR : là, on est du côté de la Nouvelle Orléans !) La guitare est puissante. Wynans se réserve à la fois le piano et l’orgue Hammond. Du grand art que ponctuent les éclats d'une guitare libérée. Nous ne sommes alors pas loin de l’attitude du kid d'Atlanta, Tinsley Ellis! Zito y imprime la force et l'éclat de sa voix. "Big mouth" est un funky blues. La sonorité des cordes nous rappelle le regretté Stevie Ray Vaughan. Tout au long de "Change my ways", une autre ballade lente, la voix est très expressive. Les quelques accès d’orgue Hammond en soulignent la délicatesse naturelle. Les cordes peuvent alors dessiner des arabesques pour nous séduire. Remarquable ! La cover du "Eyesight to the blind" de Sonny Boy Williamson est surprenante. Elle emprunte le style syncopé de la Nouvelle Orléans. Randy Chortkoff (NDR : c’est le patron !) souffle dans sa musique à bouche. Anders Osborne est né en Suède, mais vit aujourd’hui à la Nouvelle-Orléans. Il signe "One step at a time" ; mais partage aussi le chant en compagnie de Mike, tout en grattant ses cordes acoustiques. Du folk d’une grande pureté ! Encore une ballade blues : "39 days". Une compo qui démontre le potentiel d'écriture et d'interprétation de l'artiste. "Shoes blues" nous entraîne sur un rythme rock'n'roll. Mike chante en duo avec Susan Cowsill (NDR : toute gamine, c’est-à-dire au cours des 60’s, cette Néo-orléanaise militait au sein des Cowsills). Les notes fragiles d’un piano d’enfant introduisent "The dead of night", puis se fondent dans une roots song très louisianaise, bercée par les accents d'une valse et colorée par l’accordéon délicat de Jumpin' Johnny Sansone. Zito chante en puissance le "Sugar sweet" de Mel London, un R&B funky qui met en exergue Reese Wynans à l'orgue Hammond. "Natural born lover" est un morceau de grande classe ! Un blues mid tempo caractérisé par son intensité dramatique. Les solistes sont constamment sur le qui-vive, prêt à bondir sur la moindre opportunité afin de tirer leur épingle du jeu. Blues indolent, "All last night" est issu de la plume du légendaire Georges Harmonica Smith. La prestation vocale est époustouflante. Lynwood Slim souffle discrètement mais impeccablement dans son instrument chromatique. Mike libère un solo très inspiré sur ses cordes. D’une beauté implacable, "C'mon baby" est une ballade belle à pleurer. Et elle referme cet opus dont le label Eclecto Groove peut vraiment être fier…
La chronique de votre serviteur est probablement un peu tardive. Elle ne pourra d’ailleurs apporter que de l’eau au moulin à une presse qui s’est unaniment enflammée à l’écoute du premier opus de cette toute jeune formation anglaise. Et elle a raison de s’emballer, la presse, tant ce premier essai est une bombe sonique, un véritable coup de maître. Album de l’année à coup sûr ! Si certains compositeurs espèrent encore truster les plus hautes marches des classements de fin d’année, il leur sera en tout cas nécessaire de viser juste et bien afin de détrôner un album qui risque d’atteindre des sphères particulièrement élevées. Et pourtant, la simplicité de la musique conjuguée à l’épure de la pochette pourraient devenir suspects. A contrario, ces éléments se muent en marque de fabrique, voire en véritable slogan.
The XX est né en 2005. A Londres. Et aucun de ses membres ne dépasse l’âge de 20 ans ! Jaloux ? De toute évidence, tout amateur de musique ne peut que rester bouche bée devant tant de talent précoce. Les jeunes Britannique sortent d’une école au sein de laquelle ont milité les membres de Hot Chip, Burial ou encore Four Tet. Mais une telle fourmilière de talents serait-elle le fruit d’un enseignement dispensé par un professeur émérite ? Quelqu’un qui aurait peut-être intérêt à jouer sa carte perso, plutôt que de continuer à créer des émules. La question mérite, en tout cas, d’être posée…
Cet opus débute par un fabuleux triptyque. Tout d’abord une intro de deux minutes belle à couper le souffle. Une guitare, une beatbox, une basse, un clavier, des murmures… d’une beauté froide parfaite. Les jalons sont posés, mais l’aventure sonore ne fait que débuter. L’auditeur est à peine remis de ces premières notes, que The XX lui envoie son premier tube, « VCR », véritable sommet de l’album. L’intro est à nouveau parfaite, avant que ne se posent successivement les voix de Romy Madley puis d’Oliver Sim. Les intonations nonchalantes collent à merveille à cette musique bien trop chirurgicale pour être composée par des jeunes gens de moins de 20 ans. Ce début de parcours parfait se clôture par l’immense « Crystalised », caractérisé par son riff de guitare d’une désarmante simplicité mélodique. La suite est du même acabit. Le groupe enchaîne les morceaux superbes l’air de rien. « Islands » ou « Basic Space » doivent tout à la new wave, mais reprennent les choses à zéro en leur donnant un son résolument moderne. Pastiche du « Wicked Games » de Chris Isaak, « Infinity » émerveille par son magnifique refrain (‘I Can’t Give It Up/To Someone Elses Touch/Because I Care Too Much’). Les voix de Romy et Oliver se complètent parfaitement sur ces notes isolées venant mourir dans les silences si bien utilisés par The XX. Créer un son tellement identifiable dès son premier essai relève de l’exploit.
Rien d’autre à ajouter. Sauf peut-être prévenir nos chers lecteurs que passer à côté de XX constituerait probablement votre plus grosse erreur de 2009.
The XX se produira en concert le 17 février 2010 à l'AB. A ne manquer sous aucun prétexte ! Il reste encore des places !
C’est au fond de la cuve d’un haut fourneau, qu’il faut aller chercher la substance de X Makeena. Quand le point de liquéfaction atteint 1200 °, dégueule sa lave et que les âmes perdues y font leur baroud d’honneur. Situé entre le sombre et le diabolique, X Makeena ouvre la cage, juste pour voir si l’on cillera face à la bête. Au rythme d’un dub step effréné, les larmes et les cris n’ont plus cet aspect de détresse, mais plutôt de partage. Il faut être fort et courageux, car les éléments vont s’enfoncer, loin sous l’épiderme.
Divinement chaotique, « Derrière l’œil » constitue le troisième elpee des Bretons. Notoire pour ses prestations scéniques théâtrales, X Makeena prêche là, où les convaincus n’ont de cesse de croire. Ils démontent les beats hiphop façon puzzle, pour ne laisser que des parcelles de volupté piégées. Des morceaux de soi-même que l’on emboîte complètement hallucinés. Répandant un souffle de terreur, X Makeena déverse des textes savamment rédigés, qui font office d’homélie et enflamment les âmes daignant prêter l’oreille. « Derrière l’œil » n’est pas un album conceptuel, mais plutôt théâtral. Les acteurs ne battent jamais en retraite et osent toujours s’enfoncer à l’extrême, dans un décor sonore peuplé de bruits de scies et d’échos d’épouvante. En écoutant cet opus, vous risquez de perdre la foi ; mais également de vous réserver une évolution confortable. Il est le digne avatar d’une société grise qui court à sa perte. X Makeena, c’est un peu comme disait les Bérus à l’époque de Nada : ‘Tant qu’il y a du noir, il y a de l’espoir !’
Il est souvent surprenant de constater qu’un trait de génie pour les uns peut se révéler une atrocité pour les autres. Et en particulier dans le domaine artistique. TV Ghost réunit 4 Américains au look de geeks surdoués tels qu’on nous les présente dans les séries pour ados à deux balles. Originaires de Lafayette dans l’Indiana, les boutonneux aux lunettes épaisses tentent de réinventer l’anarchie musicale avec plus ou moins de succès. Les commentaires lus sur certains forums internet sont plutôt élogieux ; et, on imagine leurs prestations live assez déconcertantes. Leur coller une étiquette est un véritable casse-tête. Post punk ? Garage ? Rock alternatif glauque ? Si leurs concerts semblent susciter l’intérêt, l’écoute de leur album intitulé « Cold Fish » est une expérience traumatisante de laquelle on se sort sali si, comme votre serviteur, on est amateur de cette association de sons organisés que l’on appelle ‘la musique’. Le son du disque est pourri au point qu’il est évident que c’est un choix plutôt qu’une erreur de mixage. Les guitares sont aussi saturées qu’approximatives, le clavier tient plus du ‘Bontempi’ de mon enfance que de l’orgue hammond. Quant au vocaliste il ferait passer Johnny Rotten pour un chanteur d’opéra. Ce disque ne semble contenir aucune structure définie, aucune mélodie, aucun refrain mémorisable. C’est sans conteste, énergique, surprenant, sombre, glauque et sans fioriture. L’essentiel du rock’n’roll pour certains, une merde immonde pour les autres. Faites votre choix ! Quant à moi, je vais prendre une douche.
Après nous avoir un peu déçus lors de la sortie de l’album de Banner Pilot, Fat Wreck Chords se rachète une conduite en éditant le nouvel album des Américains de Strung Out. Pour la circonstance, le label punk ne s’est pas trompé, car « Agents Of The Underground » est une véritable bonne surprise. Je ne ressortirai pas mon petit laïus sur les vrais punks/faux punks, sans quoi on va me reprocher de radoter. Disons simplement que Strung Out est un groupe punk qui pousse le bouchon de la mélodie tellement loin qu’on a souvent l’impression d’être en présence d’un combo de métal mélodique. L’attitude est punk, sans aucun doute possible. La musique, quant à elle, est beaucoup plus unique. Tout en gardant l’esprit revanchard et revendicatif de nos amis à crêtes, les compositions de Strung Out rivalisent en musicalité avec certains groupes de power métal. Riffs speedés, soli de guitares inspirés ; seuls les vocaux rappellent encore les origines keuponnes du combo. Le son massif de l’opus, produit par Cameron Webb, (Motörhead, Danzig, Pennywise) ne fait que confirmer cette impression de ‘métallisation’ de la musique du combo. Si un elpee peut réconcilier les punks avec leurs frères ennemis du métal, « Agents Of The underground » est celui-là. A découvrir d’urgence.
Pauvre Heidi ! Rien ne va plus dans les montagnes suisses. Il y a des champignons hallucinogènes dans la fondue et le plant de cannabis semble avoir remplacé l’edelweiss. Phased est un trio originaire de Bâle qui pratique le doom rock spatial psychédélique. En clair, du heavy rock lourdingue et enfumé. (NDR : deux termes qui ici n’ont aucune connotation négative). Une guitare au son brut, tout droit sorti des seventies, soulignée par une basse ronflante à souhait et quelques effets de synthés venus d’une galaxie très très éloignée de la terre. C’est exactement le genre de disque qu’aurait pondu Hawkwind si Toni Iommi avait pris la place de Dave Brock. Les titres monolithiques se succèdent avec une lenteur pachydermique pour mener l’auditeur vers une profonde extase. Il faut probablement abuser de la cigarette qui fait rire pour profiter pleinement de la musique de ces petits Suisses. (NDR : pratique que nous n’encourageons évidemment pas chez Musiczine). « A Sort of Spasmic Phlegm Induced by Leaden Fumes of Pleasure » est un disque qui plaira sans aucun doute aux amateurs de Black Sabbath, d’Hawkwind, de Saint Vitus ou d’Orange Goblin. Quarante six petites minutes de pur bonheur synthétique. Attention quand même au retour à la réalité.
Nederlands 
Français 
