Enorme. Tel est le seul mot qui qualifie, avec justesse, le concert que les trois Britons sans foi ni loi, ont accordé à un Forest-National comme on l’a rarement vu. Fort d’un cinquième ouvrage qui marque un joli retour aux sources, The Prodigy a donné aux riverains de la salle forestoise une nouvelle raison de se plaindre !
En guise de mise en bouche, la petite bande de pseudo-métalleux, Enter Shikari. D’aucuns voit cette formation comme le renouveau du métal mais sur scène, le quatuor est d’une incohérence désolante. Leurs compositions sonnent comme un melting-pot irréfléchi de tous les beats électroniques et riffs de guitares qui leur a été donné d’entendre. Au micro, les quatre ados alternent entre chant et rap. Tenteraient-ils un revival du Nu-Metal ? En tout cas leur présence sur les planches semble essentiellement ravir les plus jeunes du public. Au moins, ils n’auront pas manqué leur cible.
A l’entracte, un gros son électro s’échappe des baffles. L’euphorie est immédiate. A gauche, à droite, devant, derrière, dans les gradins. Le public se trémousse tandis que la tension, palpable, grimpe de façon exponentielle. A 21h20, les lumières s’éteignent, laissant place à l’énorme light show du trio. Sous l’étendard de la fourmi, tout le monde est réuni pour la même cause. Maxim et Keith Flint s’approchent dangereusement du public tandis que les premières notes de « World’s On Fire » font vibrer le sol. En moins de vingt secondes chrono, Liam Howlett, littéralement dissimulé derrière ses machines, lance l’assaut. Le parterre s’élève comme un seul homme, des premiers aux derniers rangs. Du côté des gradins, la sécurité à du mal à contenir l’enthousiasme de la foule. D’autant plus que les gaillards enchaînent tubes sur tubes, De « Breathe » à « Voodoo People » en effectuant un passage obligé par « Firestarter », « Omen » et « Warrior’s Dance ». Aucun temps mort. Les deux interprètes provoquent le public, l’incitent à se déchaîner davantage. Et celui-ci s’exécute avec un plaisir masochiste non dissimulé.
Difficile de reprendre son souffle lors d’un concert de The Prodigy. Un répit, sous la forme de « Omen (Reprise) », permettra à l’assistance de respirer un peu. Mais l’interlude sera de très courte durée, le trio enchaînant sur le titre-maître de leur dernier recueil. Le set s’achève par l’inattendu « Diesel Power » et l’autrement plus espéré « Smack My Bitch Up ». Après une heure de déflagration sonique, le public semble être loin de rendre les armes. Liam, Keith, Maxim et leurs deux musiciens discrets, reviennent au bout de quelques secondes et attisent les flammes en s’engageant dans un « Take Me To Hospital » retentissant. « Out of Space » et l’énorme « Their Law » clôtureront le marathon electro-rock inespéré. Les lumières se rallument lentement dévoilant les séquelles de l’heure et demie écoulée. Des visages rougis et dégoulinant de sueur, affichant de très larges sourires et affublés de vêtements complètement trempés se dirigent vers la sortie, laissant derrière eux un voisinage littéralement secoué par la puissance du show.
Organisation : Live Nation
(Voir aussi notre section photos)
Chanteur/guitariste/compositeur, Mike Schermer écume les scènes de la côte Ouest des States depuis plus de vingt ans ; mais c’est avant tout un musicien très sollicité par ses pairs pour diriger leur backing band et y apporter son concours aux cordes. Il s’est ainsi notamment illustré en compagnie d’Elvin Bishop, de Charlie Musselwhite, d’Angela Strehli, de Maria Muldaur, de Sister Monica et de Bonnie Raitt. Il s’est converti au blues en 1984, après avoir assisté à un concert d'Albert Collins. Parmi ses héros, figure incontestablement T-Bone Walker. Mais il reconnaît également, comme influences majeures, Sam Cooke, Howlin' Wolf, Jimmy Smith, Ray Charles et Wilson Pickett. Il est le fondateur des mythiques Soul Drivers, un quatuor impliquant l'harmoniciste Andy Santana, le bassiste Steve Ehrmann et le batteur June Core. Ce combo aura l'opportunité et l'honneur d'accompagner les plus grands bluesmen : depuis Willie Dixon à Jimmy Rogers, en passant par Billy Boy Arnold, Snooky Pryor et un certain Tommy Castro, devenu aujourd'hui si populaire. Les Soul Drivers vont même commettre un superbe elpee. Intitulé "Tight white dress", il est publié en 1999. Mike fonde ensuite son Mighty Mike Schermer Band. Le combo concocte un premier opus en 2001, "1st set". Embraie en 2005 par "Next set", un disque sur lequel figure "Mr Big sister's radio", une chanson qui sera nominée. Mike a également composé pour sa corporation, dont Elvin Bishop, Angela Strehli, Howard Tate et le saxophoniste Terry Hanck. Et si vous connaissez mal cet artiste, je vous conseille de vous procurer "Right hand man : Vol 1", une compilation publiée sur Finedog qui lui est consacrée.
Ce "Live set" est donc paru cette année. Il immortalise deux concerts accordés sur autant de scènes californiennes, en novembre 2008. Soit au ‘Torch Club’ de Sacramento et au "Moe's Alley" de Santa Cruz. Le Schermer Band ouvre sa prestation par "See see baby", une cover de Freddie King. Le rythme est soutenu. Mike chante de sa voix musicale ; mais c'est avant tout sa guitare qui fait mouche. Elle sort de sa réserve dès qu'elle en a le loisir. Le phrasé est précis, limpide, bien plus proche d'Albert Collins que de Freddie King. Son répertoire se promène ensuite dans les rues de la vielle cité du Sud de la Louisiane : New Orleans. Et pour cause, il adapte le fameux "Those lonely, lonely nights" d'Earl King. Le piano y joue un rôle prépondérant. Ex-Doobie Brothers, Dale Ockerman se réserve ces ivoires. Mais les soli sont accordés ici par la saxophoniste californienne Nancy Wright (NDR : à ses débuts, elle a joué pour Lonnie Mack) et inévitablement Mighty Mike, particulièrement saignant dans son intervention. Le "Hey baby, que paso?" d'Augie Myers prend la direction du Texas. Le Sud, toujours. Une cover sculptée dans un tex mex pur et dur, soulignée par la trompette acérée de Pete Sembler. Schermer se met ensuite en évidence lors d’un long medley qui s’ouvre par le thème de "Hideaway" de Freddie King, puis entreprend un périple de visites chez d’autres artistes notoires comme Booker T, James Brown, Jimi Hendrix, les Stones, Beatles, Kinks, Roy Orbison, Chuck Berry, Ray Charles et la liste n’est pas exhaustive. Une belle performance ! Il n’a pas oublié une de ses références essentielles : T-Bone Walker. Dont il interprète deux compos. "T-Bone shuffle", tout d’abord. Un morceau balayé par le souffle insatiable de Nancy Wright. "T-Bone boogie", ensuite. Au cours duquel la section rythmique composée de son vieux complice Steve Ehrmann et de Paul Revelli, épaulée par June Core, libèrent un fameux groove. La reprise du "Groove me" de King Floyd trempe dans une soul music de toute bonne facture. Austin deLone (NDR : à ses débuts, cet Anglais militait au sein du pub rock band, Eggs Over Easy) se charge de l'orgue. Il est toujours au poste lors de l’adaptation du "Ain't no big deal" de Little Milton. La séduisante Lara Price Schermer rejoint Mike, sur les planches pour partager les vocaux sur "It's gonna work out fine", une plage au cours de laquelle Miss Nancy Wright se réserve une sortie impériale. Mighty Mike Schermer s’est forgé un statut d’artiste confirmé, et sa réputation a largement dépassé les frontières. Au cours des derniers mois, Mike s’est établi au Texas. A Austin, très exactement. Et il y est devenu le guitariste régulier de la pianiste louisianaise, Marcia Ball.
Dawn Landes est née en 1980. Dans le Kentucky. Après le lycée, elle part à New York, pour se consacrer à ses études. Etudes qu’elle va très rapidement abandonner, pour embrasser une carrière musicale (NDR : bien joué!) Faut dire que non content de jouer de la guitare et de chanter, elle écrit ses propres compos.
Début des années 2000, on l’assimile à la scène anti-folk. Pas vraiment son truc. Sa musique est bien trop classique et enracinée dans la folk traditionnelle pour fréquenter une scène aussi énergique et un poil trop exubérante à son goût. Elle opte alors pour la communauté Fast Folk, qui correspond davantage à son identité artistique. Qui lui donne envie d’écrire davantage. A ce jour, elle compte trois elpees à son actif. Edité chez nous en 2005 (NDR : mais en 2001 aux States), son premier opus, « Dawn's Music », nous entraîne dans un univers folk doux, cotonneux et intimiste. Paru en 2007, « Fireproof », se tourne davantage vers le pop-rock (NDR : pour le plus grand plaisir de nos oreilles)
« Sweetheart Rodeo » constitue donc le troisième long playing de Dawn. On y retrouve de la guitare acoustique (NDR : of course !), des boîtes à rythmes, de l’orgue vintage ou déglingué, des synthés ‘cheap’. Rien de bien neuf à l’horizon, puisque dans le style, des tas d’autres artistes se réclamant de l’indie folk/rock ont recours à cette méthode depuis une vingtaine d’années. Pourtant, l’expression sonore lorgne davantage vers la country branchée que celle des bidouilleurs susvisés. Dawn estime même qu’elle pratique de la ‘country urbaine’. A force de coller des étiquettes, on ne va plus s’y retrouver… Mais cette dernière définition, semble, au bout du compte, probablement la plus adéquate.
Le disque s’ouvre par « Young Girl ». Un morceau retro et vivifiant qui témoigne de l’enthousiasme de l’artiste. Et puis une plage qui donne le ton des onze titres de l’album. Agréable, tendre, son timbre vocal peut rappeler la ‘charmantissime’ Chan Marshall (Cat Power) ou encore celui de Beth Orton. Les titres sont léchés, élégants, subtilement texturés. Parfois teintés de psychédélisme ou de blues rock typiquement yankee, certains s’impriment sur un tempo susceptible de faire taper du pied un dépressif insomniaque. Les autres font la part belle aux ballades romantiques, bouleversantes. Si à premier abord les thèmes paraissent un tantinet bateau (infidélité, prostitution, société de consommation), les lyrics sont néanmoins fort bien écrits. Et le plus souvent très poétiques.
Bref, un album de toute bonne facture, mais qui ne devrait intéresser que les amateurs du genre. Et pour cause, il ne sort pas suffisamment des sentiers battus. M’enfin, si vous avez apprécié les deux premiers essais de Dawn, impossible de passer à côté de ce « Sweetheart Rodeo »…
En affichant un tel pseudonyme, on a le droit d’avoir des sueurs froides. King Cannibal n’est pourtant pas un ogre de chair, mais de sons ! Alias Dylan Richards (NDR : c’est son vrai nom), ce Londonien est issu de la scène électro. Il est d’ailleurs signé chez Ninja Tune, un label en nette perte de vitesse. Et ce n’est pas ce « Let The Night Roar » qui va lui permettre de remonter la pente. Hésitant constamment entre drum n’bass et dubstep, on se demande constamment dans quelle direction Richards cherche à nous entraîner. De quoi rendre perplexe. On ne comprend d’ailleurs pas trop les desseins de King. On identifie bien des sonorités industrielles et ténébreuses, dont le personnage semble raffoler. Mais la confusion des styles empêche le charme d’opérer. Pire encore, l’apparition de beats aussi impurs que destructeurs plombent la moindre tentative de sortir de cette impasse. Et « Colder Still » en est la plus mauvaise illustration. Richards a même eu la mauvaise idée d’inviter quelques guests, pour orchestrer quelques duos. Dont les deux emcees parisiennes Face-A-Face, qui pompent ici un peu trop clairement leurs influences chez M.I.A., TTC ou encore Dizzee Rascal, pour vraiment convaincre. Suffit alors de constater les dégâts… ou de se cogner la tête contre le mur.
Trio originaire d’Italie, Io Monade Stanca a choisi de s’aventurer dans les obscurs méandres du jazz expérimental et absurde. « The Impossible Story of Bubu » tient, soit du pur calvaire, soit du bonheur intense, selon que l’on soit réfractaire ou non aux expérimentations musicales loufoques et déjantées.
Comme tout ce qui se veut expérimental, le travail d’IMS est dérangeant. Au niveau des vocaux principalement. Ceux-ci ressemblent plus à une suite de borborygmes dénués de sens et à d’inintéressantes onomatopées qu’à de véritables chansons. Du côté de la musique, comme chez les Américains de Primus, c’est la basse qui prédomine. Celle-ci semble être à la base des structures compliquées et bizarroïdes de cet étrange opus. La guitare elle, est plus rock que jazz, même si elle est un peu fragile et se perd dans des plans dissonants et relativement compliqués à suivre. Quant à la batterie, on est en droit de se demander par quel miracle elle arrive à trouver sa place au milieu du jeu de quilles.
Pour un disque expérimental, « The Impossible Story of Bubu » trahit tout de même un petit air de déjà entendu. Car, même pour une oreille aussi peu experte en jazz/rock que la mienne, il sonne étrangement comme un disque de Frank Zappa (NDR : auquel on aurait toutefois ôté un peu de la dextérité instrumentale).
En composant une musique aussi barrée, le trio italien a probablement fait le pari de réserver son art à une certaine élite et donc de ne pas vendre son album par palettes entières. Pari tenu !
Pour mémoire, Githead est le projet monté par le chanteur/ guitariste Colin Newman (Wire) et son épouse Malka Spiegel (ex-Minimal Compact), en compagnie de l’électronicien Robin Rimbaut (Scanner), reconverti pour la circonstance à la deuxième gratte et du drummer Max Franken (également ex-Minimal Compact). « Landing » constitue leur troisième long playing. La charpente constituée par la section rythmique (drums solides, mécaniques, susceptibles d’apporter de la profondeur, de la texture et des ombres aux compos et ligne de basse propulsive, sensuelle) sert à merveille les deux six-cordistes qui s’en donnent à cœur joie pour superposer, couche après couche, leurs impulsions électriques. Parfois on pense à « Doppleganger » de Curve voire au krautrock de Neu ; mais c’est surtout en direction du Wire de « 154 » auquel on se réfère. Seule différence, le timbre vocal limpide, impassionnel de Malka qui se conjugue (NDR : voire même parfois domine) au (le) falsetto de Colin (NDR : encore que circonstanciellement, ce dernier emprunte des intonations déclamatoires, voire gutturales). Une musique qui atteint un niveau de raffinement et de sophistication particulièrement élevé. Bref, il faut admettre que leur avant-pop est ici parfaitement sous contrôle. Et tout en se servant d’une instrumentation organique, leur art à maîtriser la technologie moderne n’y est pas étranger. Ce qui n’empêche pas les mélodies contagieuses, hypnotiques, de faire lentement, mais sûrement leur effet. A un tel point, que parfois on a l’impression de subir une forme d’envoûtement.
Bien qu’édité chez Vampisoul, « The Beat Of Our Own Drum » n’est pas une réédition, mais l’album d’un groupe bien contemporain répondant au patronyme JC Brooks & The Uptown Sound. Bien sûr, ‘Sixties are back’ et ça sent bon la soul music chez cet ensemble chicagolais. Pas la soul yankee pourrie, illustrée par ses groupes ringards ou ces nénettes fabriquées le temps d’un tube, que nous passent en boucle MTV et autres chaînes à vocation purement commerciale. Mais du r&b directement hérité d’Otis Redding voire de Ray Charles ; même si l’attitude relève davantage du punk !
« The Beat Of Our Own Drum » constitue le premier elpee de JC Brooks et ses Uptown Sound. JC Brooks est un personnage furieusement charismatique. Il possède une voix prodigieuse, déroutante. Soul, bien sûr. Il est aussi à l’aise sur disque qu’en live (NDR : je vous invite à aller jeter un coup d’œil sur YouTube !) Son band est solide. Et les compos proposées accrochent instantanément. Caractérisé par sa rythmique blues/rock, « The Beat (of Our Own Drum) » déroule. Punk juste comme il faut (« Baltimore Is the New Brooklyn »), JC Brooks & The Uptown Sound se réserve quelques envolées funk (« Alright ») et d’inévitables ballades –cool baby, cool– (« Here Comes the Fall »), au cours desquelles le piano swingue avec le son magique d’un orgue Rhodes. Franchement, ça cogne, ça sonne grave et la voix irrésistible de JC remet, c’est une certitude, les pendules à l’heure. Et il était grand temps !
BMX Bandits est une formation fondée par le chanteur/compositeur Duglas T. Stewart, en 1986. A l’époque, le projet avait été monté pour se produire lors d’une seule et unique prestation ‘live’. Mais, l’éphémère est devenu durable. Si bien que le combo a commencé à jouir d’une certaine popularité sur la scène locale. Leur longue aventure venait de naître. Longue aventure, puisque si leur histoire s’est provisoirement interrompue en 1996, elle a recommencé vers 2003. Du groupe initial, il ne reste cependant plus que Duglas, une quinzaine de musiciens ayant transité au sein du line up, dont Norman Blake (Teenage Fanclub), Sean Dickson (Soup Dragons) et Eugene Kelly (Vaselines).
“The rise & fall of BMX Bandits” compile l’ensemble de la carrière de la formation. Mais réunit surtout raretés, flips sides, versions alternatives et inédits (comme cette reprise du « I don’t wanna grow up » de Tom Waits, datant de 1997 ainsi que « Disco girl », « The day before tomorrow », « Intermission » et « Love’s sweet music », composés en 2008). Sans oublier « Tugboat », une cover de Galaxie 500 qui figurait sur « Snowstorm », un tribute consacré à Galaxie 500 et pour lequel les Bandits avaient reçu le concours d’Angel Corpus Christi.
Mais venons-en à la musique, qui a été à l’origine taxée d’‘anorak’ voire de postcard. Comme celle des Pastels. Ce qui vous donne une petite idée du style pratiqué par BMX Bandits. Il ne faut pas oublier, que le band a transité par quelques labels mythiques. Depuis 53rd and 3rd Years, l’écurie de Stephen Pastel (NDR : tiens, tiens !), en passant par Creation et Vinyl Japan. Et qu’il sévit aujourd’hui chez Elefant. A l’écoute des 4 titres récents, on remarque la présence d’une chanteuse féminine, Rachel Allison. Elle partage les vocaux avec Duglas. Et puis on y décèle des références subrepticement soul (NDR : du philly sound ?). Elles sont cependant subtilement inoculées dans la mélodie. Quant à savoir si c’est la nouvelle direction que BMX Bandit prendra, on verra lors de la réception de leur futur long playing…
« From Chaos », le dernier album des Frenchies de Black Bomb A, pourrait très bien renvoyer tous les hardcoreux new-yorkais ronger le trognon de leur grosse pomme. De toute évidence, ces petits gars du nord n’ont rien à envier à leurs alter-egos américains.
La grande force de ce disque réside sans conteste dans la performance atypique des deux vocalistes bouillonnants que sont Djag et Poun. Cependant, la propension du groupe à composer des hymnes hardcore aussi immédiats que variés n’est probablement pas étrangère non plus à l’impression de bonheur ressentie en se l’envoyant dans les oreilles.
Djag et Poun réalisent ici un travail époustouflant. Passée la surprise provoquée par cet improbable duo, on ne peut qu’admirer sa prestation vocale. La violence pure du chant hardcore de Djag et les variations de ton caméléonesques de son compère frisent presque la perfection. Poun passe aisément d’un timbre hardcore nerveux et criard à une voix claire nasillarde réminiscente de Mike Patton, lorsqu’il sévissait au sein du Faith No More originel, et même parfois d’Axl Rose de chez qui vous savez.
Côté musique, le mélange hardcore old-school ultra violent/trash métal fait des merveilles. Pas un temps mort sur ce disque : une claque musicale de quarante-sept bonnes minutes. Autant dire que ça pique. Pourtant, Black Bomb A ne donne pas dans la violence pure et gratuite. Il est capable de ménager nos petites feuilles de chou en aérant sa violence de refrains hymniques presque pop qui ont une furieuse tendance à donner envie de pousser la chansonnette. Produit par Stéphane Buriez (Loudblast) qui, mine de rien, est en train de devenir une référence du genre, le son du disque est énorme.
Cerise sur le gâteau, Wattie, le chanteur du combo punk mythique Exploited, vient pousser une gueulante sur le titre « Burning road ». Culte.
Si vous ne l’avez pas encore compris, « From Chaos » est le disque à vous procurer absolument pour passer un bon moment. C’est violent, décoiffant tout en restant sympathique (à l’image du clip vidéo « Tales from The Old School » que je vous conseille de découvrir sur leur page MySpace. (http://www.myspace.com/blackbombasong). Un must !
David Barrett prend goût à l’harmonica dès l’âge de 14 ans. Et pourtant, il joue déjà de la trompette et du saxophone. Il accomplit ses premiers pas sur scène, à San Francisco. Auprès du souffleur Gary Smith. Il s'inscrit au Collège de musique et se forge rapidement une notoriété. A 20 ans, il écrit déjà son premier bouquin. Son titre ? "Building Harmonica Technique". Puis fonde ensuite un groupe répondant au patronyme d’Harmonica Masterclass Workshop. Il monte ensuite son propre atelier. Qui va attirer une multitude d’étudiants. Aussi bien issu des States (NDR : au moins 26 Etats !) que de huit autres pays. Depuis, il a publié une quarantaine de livres, cds et vidéos. Dans son fief, à San José, il a créé the School of the Blues, une école privée qui se consacre à l'étude du blues. Enfin, où on enseigne la guitare, l’orgue, l’harmonica, la basse, la batterie, le chant et l’improvisation. Il a côtoyé pratiquement tous les souffleurs notoires. John Garcia est prof de guitare au sein de cette School of the Blues. Faut dire qu’il est gratteur depuis plus de 35 ans. Il a notamment épaulé John Lee Hooker, Albert et BB King, Buddy Guy, Junior Wells, James Cotton, Hubert Sumlin, et des tas d’autres icônes du blues. Il a fondé son propre combo : le John Garcia Band. Garcia et David militent au sein du School of the Blues All-Star Band, un projet au sein duquel participent régulièrement d'autres bluesmen issus de la région. Et en particulier les bassistes Frank De Rose et Randy Bermudes, le pianiste Steve Lucky ainsi que le drummer Paul Revelli. La majorité de ce team a participé à la confection de cet elpee, paru en 2003.
L'opus s'ouvre par "Serious fun ", un titre instrumental rythmé. La densité sonore est conséquente. L'harmonica est au centre des débats. Tous les autres instruments se mettent au service du souffleur. Ce qui n’empêche pas les cordes de Garcia et l'orgue de Steve Czamecki (professeur instructeur à la Community Music School de Santa Cruz) de se réserver leur premier billet de sortie. Garcia se réserve les vocaux pour "I love you more everyday", un blues shuffle bien rythmé, au cours duquel Steve Lucky assure tant à l'orgue qu’au piano, alors que Barrett et Garcia démontrent, lors de leurs soli, que leur technique est très affûtée. Instrumental, "Lick train" est conduit par l'harmonica puissant de Barrett. Seul maître à bord, il s’inspire alors largement de Little Walter, empruntant une démarche fort proche d'un Rod Piazza des bons jours. Blues imprimé sur un tempo bien enlevé, le "Pretty girls everywhere" d'Eugene Church permet à Steve Lucky de tirer son épingle du jeu aux ivoires (NDR : Steve est également le leader d'un swing band californien, les Rhumba Bums, une formation au sein de laquelle milite la délicieuse Carmen Getit, au chant et à la guitare). Barrett accomplit un remarquable exercice de style en solitaire sur "Quiet world". A passage, il nous rappelle les meilleurs moments de Sonny Boy Williamson II. "Chicago style" est un autre instrumental au titre adéquat. Les sorties des principaux acteurs, David, Steve Czamecki et Garcia sont ici tout à fait remarquables. Garcia aborde un "Minor attitude" sur un mode mineur qui sied si bien au blues. Toujours dans le registre ‘instru’, "Don't fight it" permet à l’excellent drummer Paul Revelli de sortir de sa réserve ; et il est soutenu par Steve Lucky sur le mode boogie woogie. Revelli a longtemps milité chez les Boss Talkers de Joe Louis Walker. Quant au bassiste, Randy Bermudes, il sévit aujourd’hui chez les Fabulous Thunderbirds. Particulièrement divertissant et de bonne facture, cet elpee s’achève par le tendre "Feelin' good"…
Vu la qualité des productions proposées par l’Hexagone, au cours de cette année, nous aurions pu avoir peur que la France soit devenue le nouvel eldorado du rock et du métal européen. Heureusement, AqME vient de nous sortir un disque moyen qui ramène la qualité du rock ‘made in France’ à un niveau nettement plus acceptable.
« En l’honneur de Jupiter » constitue le cinquième album de ce groupe parisien formé en 1999. Il débute étrangement par « Tout le monde est malheureux », l’un des titres les plus faibles de l’album. Une introduction pénible de plus de deux minutes trente pour une chanson qui ne dure que trois minutes quarante six, c’est long. Fort d’un riff de guitare plombé et de vocaux accrocheurs, le titre suivant passe mieux la rampe. Intitulé « Guillotine », il aurait pu judicieusement ouvrir l’elpee. Les titis parisiens alternent les titres violents, oscillant entre hardcore grassouillet et néo métal sombre, le tout épicé de passages un peu plus rock’n’roll. Le chant est tantôt hurlé, tantôt clair, mais jamais très inspiré. La production est signée par Daniel Bergstrand mieux connu pour son travail accompli auprès de Meshuggah et In Flames. Car il ne suffit pas de bénéficier du concours d’un excellent producteur ni de soigner la qualité de son expression sonore pour créer une bonne chanson. A une certaine époque, des tas de groupes ou d’artistes parvenaient à concocter de véritables perles musicales, en disposant de moyens modestes. Et rarement d’un producteur réputé. Il est donc triste de constater qu’AqME n’est pas parvenu à profiter de sa chance en se contentant de nous délivrer un album insipide. Peut certainement mieux faire !
Zevious est un trio instrumental composé de Mike Eber à la guitare, Johnny DeBase à la basse et Jeff Eber à la batterie. Johnny et Mike se rencontrent à l’université en 1999 et se trouvent immédiatement un tas d’affinités musicales. Ils jouent ensemble dans divers projets rock, jazz et funk. Jeff, lui, tourne intensivement aux Etats-Unis en compagnie de l’excellent groupe métal progressif instrumental Dysrhythmia. Zevious naît en 2005 de leur volonté commune de jouer une musique carrément jazz. Les influences du groupe sont ancrées dans les seventies. Les pattes du Mahavishnu Orchestra, de John McLaughlin et même d’Al Di Meola laissent une forte empreinte sur le mélange de rock et de jazz fusion qui compose l’essentiel d’« After the Air Raid », leur premier opus. Cependant, le trio ricain ne se contente pas de recuisiner les recettes que ses prestigieux pairs ont concoctées avant lui. Il y rajoute une touche moderne, bien rock. Comme toujours quand il s’agit de musiciens de jazz, la technique instrumentale est irréprochable. La section basse/batterie est souvent époustouflante et laisse une grande place aux improvisations à la six-cordes de Mike Eber.
Si les noms d’Allan Holdsworth, John McLaughlin ou Al Di Meola font partie de votre culture musicale, il y a de fortes chances que vous puissiez trouver un intérêt dans la musique de Zevious.
“Papers covers stone” serait le huitième album studio de Willard Grand Conspiracy. Presqu’une compile, puisque l’elpee ne recèle que trois nouvelles compos. Presque, puisque les 10 autres plages ont été retravaillées sous un format lo-fi. Ou minimaliste, si vous préférez. Le plus intéressant procède, cependant, de la présence de musiciens qui ont accepté de revenir à leurs premières amours. Pas de Paul Austin, cependant, mais bien Sean O’Brien et David Michael Curry. Sans oublier le concours du pote de Robert Fisher, Steve Wynn. Robert a en quelque sorte voulu en revenir à une formule plus ‘de chambre’ (NDR : c’est ce qu’il déclare), à contrario de ses dernières œuvres qui tout en se révélant excellentes, embrassaient un concept de plus en plus épique (NDR : et « Pilgrim road » en est certainement la plus belle illustration). De cette nouvelle approche des compos, on relèvera bien sûr l’inévitable baryton profond de Fischer et puis surtout le violon alto de David. Qui se met à grincer lorsque Sean montre enfin des dents sur les morceaux les plus électriques. Et tout particulièrement en seconde partie de l’intense « Preparing for the fall » (NDR : c’est une des trois nouvelles compos). Le psychédélisme tempétueux, halluciné, distordu mais toujours feutré y prépare une rencontre apocalyptique avec le diable… Et le final « The ocean doesn’t want me » (NDR : une cover de Tom Waits) est calqué sur un moule aussi hanté et sinistre. Tirant à nouveau parti de cette rencontre tellement fiévreuse et perturbante entre les cordes du violon et de la six cordes…
Emily Jane White nous vient de Santa Cruz, fief des surfeurs californiens. Elle a vécu quelque temps à Bordeaux (NDR : ce qui explique sans doute sa signature chez Talitres), mais s’est depuis s’est installée à San Francisco. L’artiste cite PJ Harvey et Nick Cave comme influences majeures. Vu le climat au sein duquel baigne cet opus, c’est une évidence. Et les lyrics profonds, écrits dans l’esprit d’un roman d’Edgar Alan Poe, accentuent cette impression. Ses compos sont sculptées dans une forme de folk gothique, proche d’Alela Diane. Mais son timbre vocal peut rappeler Cat Power. La versatilité des rythmes et l’amplitude des arrangements (NDR : violoncelle, piano, pedal steel et drums feutrés y sont parcimonieusement, mais judicieusement dispensés) lui permettent cependant d’éviter l’écueil des clichés entretenus pas la musique folk. Ce qui lui permet ainsi d’intégrer dans sa solution sonore des influences qui oscillent de la country à la pop, en passant par le blues et le rock.
Cet opus recèle 12 véritables pépites de dark folk. Des compos belles et tourmentées à la fois. Elégantes et mélancoliques, également. A l’instar de « Stairs », « Liza » ou encore « Frozen Heart ». Et dès « Never Dead », on est entraîné dans un univers peuplé de spectres, lors d’une nuit sombre à l’atmosphère glaciale (NDR : peut-être quelque part au beau milieu de la Forêt Noire ?) Superbe, cette chanson est un des sommets de l’elpee. Quant à « Dark Undercoat », c’est une ode à feu Bessie Smith, la reine légendaire du blues. La presse spécialisée rivalise de références météorologiques pour saluer cette sortie ; jugez vous-mêmes : ‘Une bande sonore idéale pour l’automne’, ‘Une collection des chansons parfaites à a écouter au coin du feu’, ‘Une musique pour nous accompagner dans la tristesse des jours qui raccourcissent’… Pourtant, il n’est pas sûr que les States se montrent fort enthousiastes à l’égard de chanteuse américaine. A mon humble avis, sa musique correspond bien mieux à la sensibilité romantique européenne.
Pour rappel, « Victorian America » fait suite à son premier album « Dark Undercoat », sorti en 2007 ; un disque sur lequel figurait "Wild Tigers I Have Known", une compo destinée au film de Cam Archer du même nom. Après avoir commis un second elpee d’une telle trempe, Emily mériterait d’être reconnue au même titre qu’Alela Diane ou de Shannon Wright. Nous ne sommes pas en présence d’un autre buzz, comme une certaine presse a trop souvent tendance à nous rabâcher les oreilles, sans le moindre discernement, dès qu’elle découvre la dernière merveille automnale. Bien souvent américaine… et érigée en sauveuse du folk à papa. Bref, cet album est tout simplement superbe et si vous aimez ce style musical, je vous invite à vous le procurer de toute urgence…
Désireuse de faire découvrir sa nouvelle petite merveille en Belgique, Emily Jane White sera successivement en concert au Botanique (Bruxelles) le 2 décembre, à la Brasserie Sauvenière (Liège) le 4 décembre ainsi qu’au Trix (Anvers) le 5 décembre. Qu’on se le dise !
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