Tamikrest est une formation touareg qui pratique une forme de blues/rock/world particulièrement originale. Elle est née en 2006, au Nord-Est du Mali, à l’issue des dernières émeutes qui avaient éclaté dans la région. A l’instar de leurs aînés –et probablement maîtres– Tinariwen le collectif africain chante dans la langue des Touaregs, le Tamasheq. Des textes engagés qui relatent les guerres civiles qui ont ravagé la population, entre 1990 et 1995, lorsque ce peuple nomade s’est soulevé pour réclamer davantage d’autonomie. Un peuple victime du sous-développement, de la corruption, du chômage et de la désertification. Une situation difficile que l’observateur étranger ne comprend pas toujours très bien. Et pour cause, ce conflit se déroule dans une région de l’Afrique Occidentale, sans grand intérêt pour les grandes puissances économiques.
C’est la formation australienne Dirtmusic qui avait permis au combo de se révéler sur la scène internationale. Musicalement, Tamikrest pratique un cocktail de rock vintage et de blues chaloupé, secoué par des rythmes tribaux. La voix d’Ousmane Ag Mossa est fière et lancinante. Tour à tour gémissantes ou ‘hendrixiennes’ les guitares déchirent littéralement les mélodies sinueuses. A l’instar de « Fassous Tarahnet » (« Son Amour Prestigieux »), le dansant « Aratan N Tinariwen » (« Les Héritiers du Désert ») ou « Tidit » (« La réalité »), une compo bercée de violons qui figurait au générique de leur second album, « Toumastin ». On imagine même un Jimmy Hendrix ressuscité, se cachant dans le désert saharien, pour combattre aux côtés des jeunes africains qui se révoltent…
Tamikrest se traduit par ‘avenir’, en tamasheq. La troupe espère qu’il sera meilleur pour leur tribu. A force de le dire, de l’écrire et de le chanter, ils y parviendront peut-être un jour. C’est aussi une des missions de la musique dite ‘rock’…
Depuis la sortie de leur dernier album, « Everything Goes Wrong », en 2009, beaucoup d’eau a coulé sous les ponts pour le groupe new-yorkais. Tout d’abord, Vivian Girls a changé de label. Il a signé chez Polyvinyl, écurie qui convient probablement davantage au profil du groupe, puisqu’il héberge Deerhoof, 31 Knots et Of Montreal. Notamment. Malgré le rythme de vie frénétique que s’est imposé le groupe, la chanteuse Cassie Ramona a encore trouvé le temps pour tenter une aventure en solitaire, sous le patronyme de The Babies. Et enfin, le line up a changé, puisque la drummeuse Frankie Rose a rejoint les Dum Dum Grils, cédant ainsi le relais à Ali Koehler.
Pour le trio féminin, « Share the Joy » constitue donc un tournant dans la carrière des New-Yorkaises. Virage magnifiquement négocié, puisque le nouvel opus de Vivian Girls est superbe. Il pourrait même être considéré comme l’album de la maturité. Trempé dans le psychédélisme, il est davantage chargé de nuances, permettant aux trois jeunes femmes de poser davantage leur style. Autrefois plus punkysant, il autorise sur ce nouvel elpee, des compos atmosphériques, légères et envoûtantes. Le tempo est moins linéaire. Il tourne même parfois au ralenti. Deux morceaux dépassent les 6 minutes. Mais la force de leurs chansons procède de leurs harmonies vocales qui soutiennent à merveille des mélodies douces, sucrées et contagieuses. Et si aucun titre ne sort vraiment du lot, « Share the Joy » ne souffre d’aucune faiblesse et se boit comme du petit lait… A consommer sans modération.
Atypique, ce groupe réunit Alexis Taylor (Hot Chip), Charles Haywards (This Heat), John Coxon (Spring Heel Jack, Spiritualized) ainsi que Pat Thomas, personnage qui a notamment bossé pour Derek Bailey et Tony Oxley. Cette équipe s’est réunie en 2009 en partageant un même objectif : pratiquer un tout autre style de musique. Et la même année, la formation publiait un premier elpee, « About ».
Il a fallu attendre trois années avant de voir paraître le deuxième opus, “Start and complete” ; mais il démontre par excellence le génie d’About Group.
Cette union musicale était l’occasion rêvée pour eux de revenir aux sources, de se détacher de leur style habituel. Et mieux encore, d’improviser!
C’est d’ailleurs ce qui fait toute l’originalité de cet album. Seules les chansons ont été écrites à l’avance. Pour le reste, libre cours aux artistes le temps d’une seule et unique journée d’enregistrement. Un défi que très peu de musiciens seraient capables de relever. En écoutant l’album il est d’ailleurs difficile de s’imaginer une telle prouesse. Une chose est sûre, ils sont pétris de talent. Cependant, au fil des compos, on a l’impression que la structure des compos est souvent similaire. Ce qui explique pourquoi les plages manquent souvent de relief. Une impression accentuée par une certaine morosité ambiante.
Bien sûr, l’objectif artistique principal reposait sur l’impro ; mais on était en droit d’attendre davantage de prise de risques dans le chef d’About Group. Les jolies mélodies révélées sur “Lay me down”, “ A siking song” et “Don’t worry” démontrent qu’ils en sont capables. Mais bon, c’était pas si mal les gars !
Alors qu’on pensait que Bohren & der Club Of Gore ne pouvait pas s’aventurer plus loin dans les méandres de la mélancolie et de l’obscurité, la formation allemande délivre « Beileid », dont le titre en dit déjà long (« Condoléances »). Trois ans après avoir publié le fantastique « Dolores », qui suggérait pourtant un avenir discographique un peu plus allègre, le quintet remet le sombre couvert, au sein d’Ipecac. Les Teutons délivrent un nouvel LP qui vous plombe l’ambiance en 3 morceaux et moins de 35 minutes. Le pire, c’est qu’on en redemande.
Le Doom Metal des premiers instants est largement délaissé au profit de mélodies encore plus jazzy qu’auparavant. C’est peut-être là le seul élément mélodique que la formation a conservé de « Dolores », Petite nouveauté, la formation allemande introduit pour la première fois des vocalises au sein de l’un de ses morceaux. Et pas n’importe lesquelles puisque c’est le grand Mike Patton qui offre ses cordes vocales au sépulcral « Catch My Heart », long de 13 minutes, une plage à la fois glauque et émouvante. L’ambiance accablante de « Beileid » est cependant bizarrement jubilatoire. Bohren & der Club Of Gore se complaît à délivrer des œuvres discrètes mais qui vont toujours droit au cortex, remuant toutes les idées noires qui s’y tapissent. « Beileid » vous fichera, au choix, soit le bourdon, soit la patate. Voire les deux à la fois.
EMA ou comment créer la surprise!
EMA, c’est le pseudonyme d’Erika M. Anderson, ex-membre des Growns. A 21 ans, la jeune Californienne a donc décidé de se lancer en solo. Et son premier album, “Past life martyred Saints”, est un concept à lui seul!
Sa musique est tellement particulière et multiforme qu’il est difficile d’en faire une description, après une première écoute. A cet instant, on est même plutôt déstabilisé. Par sa voix et l’amplitude des styles. Mais très vite, on détecte ses capacités à allier parfaitement la douceur, la mélancolie et la rage. Et lorsqu’on tombe sous le charme, elle parvient alors à nous entraîner au sein de son univers à la fois sombre et psychédélique. Tantôt calmes, tantôt perturbantes, ces chansons sont aussi susceptibles de nous communiquer ses émotions par le simple timbre de sa voix.
Un mélange qui lui va ravir. Et comme elle le dit si bien dans son second titre ‘California : What does failure taste like?’… Eh bien tu ne le sauras pas encore, ça c’est certain!
Pour enregistrer son nouvel album, Marianne Faithfull a de nouveau bénéficié du concours de Hal Willner à la production. Mais aussi d’une multitude de collaborateurs, parmi lesquels on épinglera la présence de Lou Reed, à la guitare solo, sur « The old house », une chanson très cabaret (NDR : pensez à Bertold Brecht), sorte de valse signée par le dramaturge irlandais Frank McGuiness. Du bassiste des Meters, George Porter Jr., pour le titre maître. Une compo à laquelle participe également le requin de studio, Doug Pettibone, à la gratte acoustique, tout comme sur « Love song », une cover de Lesley Duncan, immortalisée par Elton John.
L’opus aligne 9 reprises et 4 chansons personnelles. Une performance, lorsqu’on sait que Sister Morphine préfère adapter le répertoire d’autrui. Il est vrai que dans cet exercice de style, elle excelle. Et je pense tout particulièrement au titre qui ouvre la plaque, « The stations », une superbe ballade spectrale, issue de la plume de Geg Dulli et de Mark Lanegan, parcourue de cordes de guitare bringuebalantes et traversée d’envolées de lap steel gémissantes. Une lap steel qu’on retrouve sur de nombreuses plages. Autre cover particulièrement réussie, le « No reason » de Jackie Lomax. Très r&b. Plus énergique aussi. Dans l’esprit d’Otis Redding, mais aussi et surtout des Stones. Et puis le « Gee baby » de Carole King. Dont le rythme syncopé et les accords de piano nous plongent dans l’univers de la Nouvelle-Orléans. Ou encore le « Past, present and future » des Shangi-La, un morceau au cours duquel elle parvient à nous plonger dans un climat mystérieux, à l’aide de sa voix déclamatoire. Paru en single, « Why did we have to part », est une autre ballade, mais signée Laurent Voulzy et le « Back in baby’s arms » d’Allen Toussaint est enrichi de chœurs gospel. Enfin, dans un registre plus personnel on épinglera « Prussian blue », coloré par un clavier vintage et « That’s how every empire falls », encore une valse lente enrichie d’arrangements luxuriants. Ce type d’arrangements est d’ailleurs une constante tout au long de l’œuvre. Ils impliquent même régulièrement instruments à cordes et cuivres, un peu comme chez Phil Spector. Un album agréable à écouter, mais un peu trop conventionnel pour vraiment s’imposer…
Parisienne pur jus, née en février 1983, Mélanie Laurent est surtout connue pour sa carrière cinématographique et quelques (très bons) rôles, dont l’excellente prestation dans ‘Je vais bien, ne t’en fais pas’, qui lui vaudra par ailleurs le César du meilleur espoir féminin en 2007.
Ça, c’est le côté pile.
Côté face, Mélanie Laurent a un petit jardin secret qu’elle cultive en cachette depuis un bon bout de temps déjà. La première récolte avait bénéficié de la précieuse collaboration du folksinger irlandais Damien Rice. Et il est discrètement présent tout au long de ce nouvel ouvrage…
Les ‘légumes’ que nous propose l’actrice/chanteuse sont de première qualité. Deux instrumentaux, issus de la plume de Mélanie encadrent 10 chansons habilement écrites, principalement seule, mais également et de façon plus épisodique, avec Damien Rice, Olivier Coursier (Aaron) ou Joël Shearer (Pedestrian).
Et cet album, c’est pas du cinéma ! Car Mélanie Laurent est une chanteuse et c’est une évidence. Cet album, emmené par l’excellent premier single « En t’attendant », elle l’a écrit, composé, produit et assumé quasi seule.
Jouant habilement sur les cordes, les partitions musicales surfent sur la sensibilité, l’angoisse et la vivacité. Lors des complicités partagées en compagnie de Damien Rice, le violoncelle inonde les mélodies de classe mais transpire également de tristesse, faisant de « Il fait gris » ou de « Pardon », par exemple, deux chansons magnifiques et bouleversantes.
Le talent est réellement présent. Mélanie nous livre son premier essai et tout en nous racontant une histoire d’amour par-ci, la perte d’un être cher par-là ou la relation avec son père, elle nous transporte dans son univers.
Damien Rice la rejoint pour deux titres interprétés en duo. Le premier, qui est aussi le dernier single paru, « Everything you’re supposed to be », est entièrement interprété en anglais et le second, « Uncomfortable », campe plutôt un dialogue où chacun des interprètes échange avec l’autre dans sa propre langue. Amusant !
Une nouvelle voie s’ouvre de façon royale pour cette jeune femme aux talents multiples.
Dire qu’elle en rêvait depuis ses 14 ans… Une réussite, assurément ! Et un César de plus, un !
Mélanie Laurent se produira aux Francofolies… de La Rochelle (hélas) le 15 juillet prochain.
Avis aux vacanciers locaux…
OXES est une formation issue de Baltimore, dans le Maryland. Elle s’est forgée une certaine popularité au sein des milieux indépendants, au début des années 2000. A cause de ses performances ‘live’ étonnantes, et puis de son sens de l’humour particulièrement aiguisé (NDR : enfin, c’est ce que raconte la presse spécialisée). Aux States, ce groupe est considéré comme un des représentants les plus éminents de la scène math-rock-noise américaine. Pas étonnant qu’il ait été signé par le label indie African Tape.
« #1 » et « #2 » sont deux disques qui devraient d’abord intéresser les aficionados du band. Surtout quand on sait que l’un des deux guitaristes s’est établi en Italie.
En fait, on est ici en présence d’une remise au goût du jour de leur maxis, mais sous la forme de deux disques distincts, le tout enrichi de remixes.
Le premier single s’intitule « Crunchy Zest ». Une version que le combo destine aux stations radiophoniques. Hypnotique, cette adaptation nous rappelle le rock célébré par Shellac en 1999. Si le remix disco du titre maître a fière allure, la plage qui clôt l’œuvre tire excessivement en longueur. Plus que dispensable !
Titre phare, « Orange Jewelryist » constitue le second single (NDR : pour que votre info soit complète, sachez que les deux plaques sont vendues séparément). Sous sa mouture ‘radio’, la compo démontre le potentiel noise du combo. Ce disque épingle également deux covers, dont une totalement stérile (« Teils and Reflected Necklace Rmx ») et une version ‘radio’ du titre maître, qui étale tout le potentiel noise du groupe, avant de s’achever par un titre électro.
Bref, il faut être inconditionnel ou collectionneur pour vouloir se procurer absolument ces deux plaques. D’autant plus qu’elles ne recèlent, en tout, que deux ou trois morceaux intéressants. C’est un peu cher pour si peu. Franchement, vous auriez plutôt intérêt –si vous ne vous les êtes pas encore procurés– à privilégier les premiers opus. Ou alors attendre la parution de leur prochain…
Au cours de ces dernières années, le blues sans concession de Steve Gene Gold recueille un franc succès. Agé de 70 balais, ce Californien a connu, dans sa jeunesse, Janis Joplin. Son épouse est norvégienne. Il s’est d’ailleurs établi en Norvège, pendant quelques années, où il a fondé sa famille. Nombreuse, il faut le préciser. Il est cependant revenu aux States, et s’est installé du côté de Seattle. Ses débuts discographiques ne datent que de 2004. Mais depuis, il faut reconnaître que l’artiste est devenu particulièrement prolifique. Lors des sessions d’enregistrement, il a reçu le concours de son fils Paul Martin Wold. En outre, l’artwork de la pochdette a été imaginé par son autre fiston, Didrik Wold.
Un intimisme chaleureux envahit "Treasures", une compo chantée par Steve, soutenue par les cordes acoustiques de sa guitare ainsi que de son banjo, et balayée par le violon de Georgina Leach. Lors de la plage éponyme, il nous plonge dans le Delta. Il se réserve les vocaux, sous une formule trio, qui implique –excusez du peu– John Paul Jones (ex-Led Zeppelin) à la basse. Une plage à la fois chiadée et intense. Malgré son titre, "Burnin' up" est une ballade lente, ténébreuse, dépouillée, un blues caressé par la voix douce et paisible de Steve. Une piste au cours de laquelle il ne dispense que les notes nécessaires, face aux percussions fragiles de Dan Magnusson. Magique ! Les accents métalliques du Delta opèrent leur retour, dans une certaine liesse, pour nous convaincre que "Don't know why she love me but she do". Steve déambule à petits pas, en maltraitant sa guitare à quatre cordes (une ‘Cigar box’) qui libère des sonorités très jouissives. Au bord de l’extase, il hurle sa joie de vivre en ces instants de bonheur. Après une trêve acoustique, il revient furieux, flanqué de sa gratte à trois cordes, et épaulé par la basse de John Paul Jones. Ce dernier doit alors certainement se souvenir des vibrations électriques produites par Led Zeppelin, lors d’un implacable et intransigeant "Back in the Doghouse", une piste attaquée dans l’esprit de son premier elpee solo "Dog House Music", sorti en 2006. Il revient sur terre, armé de son banjo pour interpréter "Underneath a blue and cloudless sky". Seasick Steve souffre peut-être du mal de mer, mais il aime profiter des plaisirs de la vie. Il est de sortie. Pour boire un coup. Et fréquenter les filles. Au port. Son sémillant "Party" nous conte ces aventures. Il entre en transe lors de l’atmosphérique "Days gone". Rondement menée, cette compo est dynamisée par des montées en puissance assez irrésistibles. Et pour clore cet elpee de bonne facture, Steve s'efface lors d’une ballade empreinte de douceur, enrobée de chœurs. Sculptées dans les cordes acoustiques, elle est même enrobée de chœurs...
Cette formation hutoise a été signée par le label Honest House en 2007, mais ses premiers pas remontent à 2004. Malgré sa participation à de nombreux concerts, la formation n’avait, jusqu’à présent, immortalisé un des ses titres que sur l’une ou l’autre compile, avant de graver un Ep, l’an dernier. Le quatuor nous propose donc son premier elpee. Et il est éponyme.
Dès les premiers accords, on voit (entend ?) exactement où le combo veut nous emmener. Le son est épais, à la limite brouillon, mais la puissance et l’urgence sont au rendez-vous. La section rythmique, c’est celle de Graffen Volders ; et elle pèse lourd dans la balance. Les influences lorgnent du côté de la noise. Celle de Chicago, tout d’abord. Empruntant à Shellac voire à Jesus Lizard (« Born in an Oyster »), même si chez Volt Voice, le tempo est plus enlevé. Celle de Sonic Youth également (« Baikonur », « Down in a Country »). Avant que l’expression sonore se tourne vers le math rock. Mais c’est en fin de parcours.
D’excellente facture, le premier opus de Volt Voice parvient à varier les tempos et les styles, tout en préservant son homogénéité. Et à ce titre, c’est une fameuse performance. Maintenant, il faut reconnaître que si la mise en forme avait été plus soignée, le résultat aurait encore été supérieur. Ce n’est peut-être que partie remise…
Après avoir publié deux albums, le premier en 2008 et le suivant en 2009, Richard Walters nous propose donc son troisième, « Pacing ». Et dans sa musique, on peut immédiatement identifier les sonorités si particulières aux Anglais. A travers ses chansons on peut reconnaître des sonorités similaires à Keane ; mais aussi parfois des traces de pop-électro à la MGMT. Malheureusement, « Pacing » n’offre pas une grande originalité dans ses mélodies, donnant parfois l’impression de déjà entendu.
Bien sûr Richard injecte beaucoup de sensibilité dans ses chansons. Raison pour laquelle, elles s’apprécient. Mais elles laissent un goût de trop peu, comme si l’artiste n’osait pas prendre le moindre risque…
Double bonne nouvelle pour les fans du plus célèbre groupe australien depuis l’invention du rock n’ roll. Contrairement à certaines rumeurs, Brian Johnson ne quittera pas ses compères qui se préparent à l’enregistrement d’un nouvel album studio pour 2012. Pour patienter, qui se plaindra de la sortie de « Live At River Plate », témoignage de la tournée marathon de « Black Ice » au cours de laquelle les boys ont accordé pas moins de 169 concerts entre novembre 2008 et juin 2010.
Filmé à Buenos Aires le Dvd incontournable est découpé en trois parties.
La première est bien entendu consacrée au show filmé par David Mallet, expert du genre. 32 caméras ont été nécessaires pour immortaliser un concert pas bien différent des autres sets de la tournée. On apprécie tout spécialement cette caméra montée sur un rail qui permet de suivre Angus sur la longue avancée de scène traversant le stade plein comme un œuf. On aime moins l’idée des plans simultanés, dignes des séries à succès des années 80, mais on adore le public argentin qui s’investit sueur au front à 100%, hurlant, sautant, reprenant chaque refrain à tue-tête. Niveau son, on se demande pourquoi les vocalises de Johnson sont mises en exergue à ce point, au détriment de la guitare rythmique de Malcom Young. Aucune surprise dans la play list. AC/DC aligne ses hits sans faire preuve de beaucoup d’imagination, il faut bien le reconnaître.
En deuxième partie, un documentaire d’une trentaine de minutes retrace leur séjour passé à Buenos Aires. Il est émaillé de nombreux témoignages, d’interviews accordées par des roadies et nous dévoile le montage de la scène, les effets pyrotechniques, etc. Plutôt sympa et très agréable à regarder.
Enfin, cadeau ultime, on savoure l’intégralité du magnifique film d’animation projeté en introduction de chaque concert de la tournée « Black Ice ».
Certainement pas le Dvd de l’année, mais sans aucun doute un superbe témoignage d’une époque de leur histoire…
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