The Virgin Dolls n’a pas perdu son temps en imposant son style dès son premier opus. Les beats sont agressifs, les mélodies puissantes et l’énergie est débordante. Le mélange entre rock et électro est bien maîtrisé, c’est la force de « Blow Your Mind ». Car on ne retiendra pas que du positif sur cet elpee. A cause de la voix ‘dark/gothic’ assez déplaisante, trop écrasante, mais aussi lassante. Bien trop gutturale et retravaillée ‘acide’, elle ne communique pas de véritable expression ni de véritables sentiments à la musique. Parfois a l’impression d’être en présence d’un groupe de rock gothique qui s’essaye à l’électro. On épinglera néanmoins deux titres « Another Game » et « Dream of You », deux plages intéressantes imprimés sur des rythmes sympathiques et caractérisés par des sonorités plus aigues qui apportent ce petit ‘+’ inexplicable à leur musique. Bien sûr, la formation n’en était qu’à son ‘premier jet’, et manifestement, en rectifiant le tir, elle pourrait, à l’avenir, nous réserver de bonnes surprises…
La salsa, on l’aime ou on ne l’aime pas. Modérément, c’est possible. Mais sans tourner autour du pot, la musique latine a très vite tendance à pousser les nerfs à bout. Néanmoins, il est tout de même nécessaire de rendre hommage à une grande institution de la salsa. Le label newyorkais Fania Records a eu droit à son heure de gloire. Car oui, l’écurie latine de la Grande Pomme est une légende qui a fait chavirer les communautés du Spanish Harlem en traversant le tout New York ; une écurie fondée en 1964 par Johnny Pacheco, suite aux nombreuses désillusions vécues auprès de son ancienne maison de disques. Johnny s’associe à son avocat et ensuite, il fonde Fania, nom issu d’une composition de Reinaldo Bolanos. Très vite la salsa de chez Fania sonne différemment des autres. Les jeunes musiciens Nu Yorican (comme on les appelle là-bas) sont davantage influencés par le twist, le doo-wop ou encore le R&B de la Motown. Les fusions latines sont d’ailleurs palpables dès la première vague d’artistes signée sur le label. Y militent alors, entre autres, Louie Ramirez, Bobby Valentin, l’excellent Joe Bataan ou encore le roi des congas, Ray Barretto.
Strut lance donc la double compilation « Fania Records 1964-1980 : The Original Sound of Latin New York ». On y retrouve un historique des artistes signés sur cette écurie, durant les 16 années où il n’y avait aucune concurrence. Les titres parlent d’eux même. Les débuts de Johnny Pacheco se mêlent aux collaborations mythiques d’artistes tels que Willie Colon, Hector Lavoe, etc. Le Fania All-Stars, orchestre réunissant les meilleurs musiciens du label tient bien sa place sur cette compilation. Tout comme Joe Bataan ou Ray Barretto.
Des tracks riches, c’est garanti. Mais un disque parfois barbant si l’on n’apprécie que moyennement la salsa. Néanmoins, ces deux plaques peuvent, les yeux fermés, toucher le cœur et les tympans des mordus de sensations latines. Chez Strut, rien n’est à jeter !
Quand Taylor Krik implore ‘All I need is some sunshine’ sur le morceau « Black Water », on le croit sur parole tant le nouvel album de Timber Timbre semble avoir été enregistré au plus profond d’une forêt canadienne bien sombre et hantée. Ce magnifique titre d’un romantisme obscur et poisseux reflète à merveille le style de ce groupe montréalais depuis son accession à la notoriété ; c’est-à-dire depuis la publication de son 3ème elpee. Un disque éponyme gravé en 2009 et sorti l’année suivante, en Europe.
La nouvelle production « Creep On Creepin’ On » devrait d’ailleurs les couronner comme nouveaux princes du dark-folk. Taylor Kirk est toujours flanqué de ses acolytes habituels Mika Posen et Simon Trottier, mais il est également soutenu par le pianiste Mathieu Charbonneau et le saxophoniste Colin Stetson (« Do I Have Power ? »). Ces musiciens apportent davantage de profondeur à des morceaux réellement damnés ! Hormis « Black Water », difficile, voire impossible, de rester de marbre, en plongeant dans l’ambiance de « Bad Ritual » ou dans le blues marécageux de « Lonesome Hunter ». La voix de crooner ténébreuse, marécageuse, de Kirk Taylor est tout simplement inoubliable. Le swamp-folk majestueux de ces Canadiens est toujours aussi surprenant et séduisant et son dernier opus est une petite merveille…
Ecran large pour rêves en cinémascope sur ce triptyque amorcé en douceur, « 16:9 » développe en long, mais surtout en large, un horizon de quiétude figée et de douceur extatique.
C’est une musique de film née de l’imagination d'un compositeur méticuleux (voire perfectionniste), où chaque sonorité recouvre l'atmosphère d'une fine pellicule aux reflets cristallins.
Minimaliste et subtile, cette bande son s'étire au long de douze plages où défilent les portraits de Philip Glass et Ennio Morricone (« Gold and Red ») ou encore de Biosphere et Arvo Pärt, mais qui garde au demeurant son identité propre et unique.
Paisible dans sa première partie, aventureuse par la suite (virage amorcé par le bien nommé « A time of change »), et classique sur le final (dans son instrumentation aussi bien que dans sa conception), cet LP s’écoute les yeux (NDLR : les oreilles ?) grand(e)s ouvert(e)s.
Résultat de seize mois de travail en studio, le résultat bien que ne manquant pas de qualités, semble néanmoins empreint d'une certaine froideur, certainement pas étrangère au laps de temps consacré à sa création.
Beau dans son ensemble, il manque peut-être à ce format « 16 :9 » un rien de profondeur qui rendrait son univers plus attachant.
Si l’on en croit la grande toile, les prestations scéniques de Tides From Nebula sont réputées pour leur grande intensité émotionnelle. Depuis leur formation en 2007, ces militants de la scène post-rock polonaise ont foulé un bon nombre de planches européennes et ce, en compagnie d’une brochette impressionnante d’artistes internationaux. Au nombre de ceux-ci, figurent This Will Destroy You (us), Oceansize (uk), Pure Reason Revolution (uk), Ulver (nor), Shrinebuilder (us), God Is An Astronaut (irl) et bien d’autres encore. « Aura », le premier album paru en 2009 a reçu les critiques les plus enthousiastes de la part de la presse polonaise et s’est même classé assez haut dans les référendums de l’année 2009.
Dans le courant de l’année suivante, le quatuor s’isole dans les montagnes pour trouver la sérénité nécessaire à l’enregistrement d’« Earthshine », son second opus. Pour l’occasion, c’est un fan qui se réserve le contrôle de la console. Oh, pas n’importe quel fan, mais Zbigniew Preisner, un célèbre compositeur polonais de musique de films (NDR : connu du public français pour avoir décroché deux ‘Césars’ dans le cadre de son travail sur les longs métrages « Elisa » et « Trois Couleurs : Rouge »). Preisner a craqué pour la musique de Tides From Nebula en entendant un extrait d’« Aura », à la radio polonaise. Il s’est donc empressé de leur proposer ses services pour la production d’« Earthshine ».
Il n’est pas vraiment étonnant qu’un professionnel de la création d’ambiances musicales se sente attiré par les compositions de Tides From Nebula. Entièrement instrumental, le post rock ambiant des polonais, chargé d’émotions éthérées et d’intenses montées en puissance, pourrait, lui aussi, servir de support musical à une œuvre cinématographique.
Laissez-vous embarquer dans ce voyage intersidéral, à la découverte de superbes paysages sonores, vous ne le regretterez pas.
Pigeon John est la nouvelle signature du label d’Hervé Slaters, General Elektriks. Pas un néophyte, ce rapper américain puisqu’il a notamment milité chez L.A. Symphony et Brainwash avant de se lancer dans une carrière solo. C’était au cours des 90’s. « Dragon Slayer » constitue son premier opus concocté à l’aide de véritables musiciens. Extrêmement doué, marginal, ce Californien me fait parfois penser à Buck 65, mais en plus accessible et plus pop. Son hip-hop ludique et sans prise de tête, il le pratique dans l’esprit de Jurassic5 en compagnie desquels, il se produisait d’ailleurs au début des nineties.
Sans trop le savoir, vous êtes probablement passés, à côté de son tube imparable « The Bomb », consacré à la dernière pub Volkswagen. Outre ces considérations mercantiles, l’artiste possède quand même d’autres cordes à son arc. Aussi bien à l’aise dans le hip-hop potache, fun et laidback à la Josh Martinez (« Buttersoft Seats », « Ben Vereen »), ironiquement West Coast (« So Gangsta ») que bouleversant et grave (l’acoustique « Before We’re Gone »), son flow est impressionnant. Et les rares titres un peu bâclés (« Dude, It’s On ») ne gâchent pas un ensemble qui tient parfaitement la route. Si Sky Rock se meurt et Kanye West se prend pour dieu, Pigeon John est la preuve vivante que le Hip-Pop n’est pas mort !
Superbe coffret incluant le deuxième et le troisième album de Pearl Jam (« vs » et « Vitalogy », tous deux produits par Brendan O’Brien) ainsi qu’un elpee immortalisé en public, à Boston, le 12 avril 1994, « Live at the Orpheum Theater ». Le tout enrichi de photos et de ses inévitables bonus tracks.
« vs » est le deuxième premier elpee de la bande à Eddie Vedder. Il fait suite à « Ten ». Trois plages supplémentaires sont incluses : une adaptation acoustique de "Hold on", "Cready stomp" et la cover du "Crazy Mary" de Victoria Williams. Première constatation, les influences ne sont plus exclusivement ‘grunge’, mais tout en conservant son intensité sauvage et métallique, elles embrassent un format davantage rock. Ce qui n’empêche pas le groupe de concéder l’un ou l’autre morceau plus paisible…
« Vitalogy » remonte à 1994. Une véritable claque. Ce qui était loin d'être prévisible. Parce que l'ensemble était encore, quelques mois plus tôt, au bord de la rupture. Entre-temps, Kurt Cobain s'était donné la mort. Un choc terrible pour Eddie Vedder, qui au fil du temps, s'était lié d'amitié avec le leader de Nirvana. Cette tragédie avait donc quelque peu remis Pearl Jam sur les rails. Pourtant, l’enregistrement de "Vitalogy" ne s’était pas déroulé dans une bonne ambiance. Parce que le spectre de Kurt continuait à planer tout au long de ces sessions. D’ailleurs on ressent très fort cette impression sur les quatorze chansons de cette œuvre, partagée entre compos percutantes et ballades émouvantes. Un opus pas toujours très abordable cependant, il est vrai. Mais chargé d'un feeling incroyable. Eddi Vedder y vomit sa colère et sa douleur avec une rage et une férocité désolée, sinistre et traumatisante. Les guitares se chargeant d'entretenir l'intensité malveillante, profanatrice, sanglante et vitale au rock de Pearl Jam !
Trois morceaux complémentaires également : une version alternative de "Better man", une autre de "Corduroy" et la démo de "Nothingman".
Venons-en à l’elpee live. Chargé d’intensité électrique, il reflète toute la fureur et le potentiel dont est capable de dispenser Pearl Jam, en live. Que ce soit les musicos ou Eddie Vedder, à travers sa performance vocale ou ses lyrics engagés. En outre, il épingle une superbe cover du "Sonic reducer" des Dead Boys, au cours de laquelle Mark Arm de Mudhoney vient les rejoindre sur les planches. Mais bien sûr, une sélection idéale puisée au sein du tracklisting des trois premiers opus.
Un nouvel album est donc bien en préparation. Et on l’attend impatiemment…
Des compiles consacrées à Roy Orbison, il doit certainement en être sortis plus d’une vingtaine. Celle qui nous concerne se focalise sur les 20 plus gros hits commis par le célèbre chanteur/compositeur/guitariste texan entre 1960 et 1964, et publiés sur le label Monument. Les versions ont été conservées sous leur forme mono, même si apparemment, elles ont été remasterisées. Vous y retrouverez les inévitables « Only the lonely », « It’s over », « Blue bayou » et surtout le célèbre « Oh, pretty woman » tube qui avait servi de bande sonore au célèbre film « Pretty Woman », mettant en scène Richard Gere and Julia Roberts.
Elvis Presley considérait cet artiste comme son unique rival vocal. Et finalement, en écoutant ce recueil, il n’avait pas tout à fait tort.
La rencontre entre le guitariste du Floyd, David Gilmour et The Orb, institution dans l’univers de l’ambient house a donc accouché de cet opus. Un disque découpé en deux volets, comme sur un 33tours. Le premier s’intitule ‘Metallic’ et le second ‘Spheres’. Quarante-huit minutes en tout. Résultat des courses ? Un opus de musique planante, tantôt imprimée sur un tempo répétitif ou abordée dans l’esprit de Tangerine Dream voire d’Ash Ra Temple, sur lequel Gilmour vient poser ses gémissements électrifiés de gratte. Les accords de sèche sont dispensés par un autre invité. Il y a même un sample d’une chanson de Graham Nash sur “Hymns To The Sun” (NDR : ah oui, j’allais oublier chaque face est quand même sous-titrée distinctement !?!?!?!) Idéal pour diffuser dans un bistrot (neo)babacool, mille pétards…
Même si les Missils Airlines s’écoutent dans la langue de Voltaire, ce n’est pas une raison suffisante pour le balancer dans la rubrique ‘Chanson Française’…
Dès l’entame des hostilités, « Je serai la reine », la brune ravageuse du combo nous assène sans discontinuer des rythmes rock ravageurs qui la propulsent in petto dans la rubrique pop/rock. On aurait même envie de biffer la mention pop pour ne garder que ‘Rock’. Car c’est vraiment dans cet univers sonore que baigne le nouvel opus du quatuor. Un combo qui s’articule autour de Flo, bombe brune à l’organe vocal envoûtant. Suffit d’écouter « Microphone boy » ou « Paris libéré » pour en être convaincus.
Autour de cette fleur sauvage bourdonnent trois abeilles, Viché de Vince, responsable de la majorité des lyrics et des parties de basse. Derrière les fûts, siège Christophe Deschamps qui propose par ailleurs ses services à d’autres, tels JJ Goldman ou Keren Ann. Enfin à la guitare et concevant lui-même ses pédales d’effets, Scal Nowak réalise des petites merveilles.
Missils Airlines constitue le second elpee du band. Il fait suite à « Miss Ils », publié en 2008, un disque qui était parvenu à se faire une petite place sous les projecteurs de la scène ‘Rock’. En 10 titres pour une bonne trentaine de minutes, Miss Flo et ses acolytes m’ont joliment convaincu que le rock français avait encore un avenir devant lui.
Côté textes, Flo nous embarque tantôt sur les traces de SG sérial killer, un personnage fantomatique errant depuis plusieurs décennies dans les rues sombres de la ville et bien connu sous le nom de Gainsbourg, tantôt sur le pont d'un yacht isolé où les plus décadents fantasmes s'exercent. Ou alors elle nous invite à partager les errances urbaines, sexuelles et métaphysiques d'une Suzy, bimbo nymphomane… Bref, pas question de s’ennuyer.
Malgré d’évidentes qualités de compos et d’écriture, on a toutefois l’impression qu’il manque quelque chose à cet album qui reste (trop) égal de la première à la dernière note.
A quand une vraie bombe, un tout gros hit ? Car si le tout passe relativement bien, aucun titre n’a le mérite de sortir le band de la scène confidentielle, voire ‘marginale’.
Chouette petit album malgré tout ; mais qui demande rapidement confirmation.
Malgré ses trois années d’absence, Jean-Pierre Kazemi est toujours aussi habile pour traiter ses influences rock, pop, disco et trip hop par l’électronique. Un concept que le Genevois qualifie lui-même de rétro. Le choix des synthétiseurs acides n’est certainement pas le fruit du hasard dû au hasard, sa voix s’y accommodant aisément. Mais à force de manipuler les distorsions, le mélomane finit par se lasser. Et ce n’est pas le recours aux voix féminines sur plusieurs morceaux qui modifient cette impression, celles-ci ne parvenant pas à communiquer ce feeling véritable, capable de faire la différence. Elles sont d’ailleurs sont bien trop chiadées et artificiellement sensuelles pour vraiment convaincre…
Fondé en 2002, ce trio originaire de Clermont-Ferrand vient donc d’enregistrer son troisième opus. Si les deux premiers du combo auvergnat étaient passés inaperçus auprès du mélomane lambda, il a quand même séduit un public averti et surtout le label indépendant Pyromane Records (Gâtechien, Tokyo Sex Destruction,…) Ce qui lui a permis d’y publier son dernier bébé, « Geografia ».
L’elpee est partagé entre onze titres. Tout en se concentrant sur l’essentiel, la formation construit patiemment et progressivement ses climats particuliers et originaux. Une forme de post-rock alimenté par une structure basique basse/batterie/guitare sur laquelle viennent se greffer des sonorités atypiques, rappelant aussi bien Tortoise que Battles. Mais la principale performance du band, c’est de parvenir à maintenir soutenue l’attention en alternant plage intenses (« Rewind part 1 », « Rewind part 2 ») et compos atmosphériques (« Crumpled Paper », « The Stream »). Une excellente découverte !
Sur son site, le label Pyromane parle d’album de la maturité, avis que je ne puis qu’acquiescer, en espérant que le combo poursuive sur sa lancée…
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