Le 14 janvier 2004, Terje Bakken, alias Valfar se dirige à pied vers la cabane isolée que possède sa famille dans le village de Fagereggi (Norvège). L’imprudent promeneur n’atteindra jamais sa destination. Coincé toute la nuit en pleine tempête de neige, il succombe aux attaques du terrible hiver norvégien. Ce fait divers tragique aurait probablement été oublié depuis longtemps s’il n’avait pas été à l’origine de l’épilogue de la saga de Windir. Car, avec Valfar disparaissait le membre fondateur, le vocaliste et l’accordéoniste de ce fabuleux groupe folk/viking métal norvégien.
Peu enclins à continuer l’aventure sans leur leader historique, les autres membres du groupe dissolvent Windir. Trois d’entre eux fondent alors Vreid (NDR : colère en norvégien). Les deux premiers opus « Kraft » (2004) et « Pitch Black Brigade » (2006) recèlent encore quelques réminiscences des atmosphères païennes caractéristiques de Windir. Elles sont toutefois associées à la brutalité du ‘true norvegian black metal’ ainsi qu’à un groove plus typiquement trash métal. Les lyrics sont chantés en norvégien ou en anglais et traitent de sujets historiques. Le troisième album « I Krieg » est publié en 2007. Les paroles sont cette fois inspirées de poèmes écris en 1946 par un membre de la résistance norvégienne appelé Gunnar Reiss-Andersen. Ce thème de la résistance norvégienne (NDR : celui de la seconde guerre mondiale) est à nouveau abordé dans l’album « Milorg » de 2009. Le style de Vreid s’éloigne peu à peu de celui de Windir. Les épopées nordiques hivernales font désormais place à un black métal guerrier et rageur. Vreid y inclut cependant des influences aussi variées que le trash, le progressif et le rock seventies. « Milorg » devient le plus gros succès commercial du groupe.
Entièrement produit par le bassiste Jarle ‘Hváll’ Kvåle, « V » s’inscrit dans la continuité de son prédécesseur. Avec une surprise de taille tout de même : alors que son line-up n’avait jamais changé depuis sa formation en 2004, Vreid introduit ici un nouveau six-cordistes. Nouveau, mais pas inconnu puisqu’il s’agit de Stian ‘Strom’ Bakketeig, un autre ex-Windir. En 2011, Vreid est donc composé à cent pour cent d’anciens membres de Windir.
En bon quatre-cordistes, Hváll ne s’est pas oublié dans le mix. Sa basse percutante, apporte une dynamique maximale aux compositions les plus violentes. Mais ce qui frappe le plus à l’écoute de ce cinquième opus des Norvégiens, c’est la diversité de styles quasi fourmillante que dégagent les guitares, les riffs trash énormes, les breaks acoustiques, les accélérations typiquement black extrêmes, le groove seventies, les cassures progressives, et surtout, les soli superbes inspirés par le métal classique des années quatre-vingt. Les vocaux de Sture, écorchés à souhait rappellent l’appartenance du groupe à la scène extrême norvégienne. Ils sont, à de rares occasions, soutenus par un chant clair tout à fait adéquat.
Plus que les genres, Vreid mélange ici les époques. Les années 70, 80 et 90 sont réconciliées sur un disque au son puissant et moderne. Un boulot superbe ! Valfar, là haut, est probablement fier de ses amis.
Créé en 1980 par le musicien et producteur Marc Hollander, le label Crammed Discs compte plus de 280 albums à son compteur. L’une de ses plus grandes découvertes nous vient du Congo et répond au patronyme de Konono N°1. Cet orchestre de Kinshasa a été fondé, à la fin des 60’s, par Mingiedi Mawangu, un virtuose du likembé (piano à pouce, composé de lamelles métalliques fixées à une caisse de résonance). Mais ces likembés, ce personnage, devenu depuis une légende vivante, il les a électrifiés en les équipant de micros fabriqués à l’aide de vieux alternateurs de voitures. La musique urbaine congolaise s’est ainsi adaptée à ce qu’on appelle désormais les Congotronics (NDR : c’est également le titre du premier elpee de Konono N°1). Mais en perpétuelle recherche, Mawangu est également devenu une influence majeure dans la sphère musicale des beats up-tempo. Ce qui explique pourquoi il a collaboré en compagnie de Bjork ou encore Herbie Hancock. La série des plaques « Congotronics », éditée par Crammed, a évidemment incité de nombreux spécialistes à comprendre l’évolution de ce style. La tentation était donc trop forte et le label a imaginé un combat entre les ‘tradi-mods’ (nom donné à ces musiciens africains) et les ‘rockers’ qui vivent sans cesse sous l’influence des Congotronics.
« Tradi-Mods VS Rockers (Alternative Takes On Congotronics) » présente donc la fine crème du monde indie rock et électro. Des noms ? Deerhoof, Animal Collective, Tussle, Andrew Bird ou encore Optimo. Tous ont établi une connexion entre leur musique et celle des ‘tradi-mods’ pour créer des versions allant parfois au-delà du remixe. Sur une double galette, l’auditeur sent un travail d’orfèvre où les instrumentations urbaines viennent se frotter à l’analogique. On reconstruit des hymnes africains, on y ajoute des subtilités électroniques et l’oreille ne peut qu’apprécier des sonorités qui continuent de hanter les neurones de nombreux musiciens. En accouchant de « Tradi-Mods VS Rockers », l’écurie bruxelloise a réussi un coup de génie. Perso, je dis 5/5 !
Après l’annonce de la fin du groupe Aereogramme en 2007, Craig B. a repris la composition sans attentes particulières, jusqu’à ce que son coéquipier d’alors, Iain Cook, le rejoigne dans l’écriture oisive de quelques titres sans prétention. Tout en douceur, donc, le duo s’est retrouvé à la tête d’une dizaine de titres et les ont partagés sur MySpace avant de se donner un nouveau nom, sans objectif commercial défini.
Enregistré chez Paul Savage, qui a ‘pris les baguettes’ au sens propre, le disque débute lui aussi graduellement par « Knut », introduction qui pourrait très bien constituer la conclusion de l'album ; basse et accord quasi continus, une montée toute en percussions. Passé ce début épique, l’elpee s’engage dans du british rock pop. Craig B. ne peut vraisemblablement pas cacher la ressemblance de sa voix avec celle d’un autre chanteur originaire de Glasgow : Francis Healy, de Travis. Les influences métal de l’ancienne formation sont perceptibles dans la production de l’album, même si celui-ci recèle cordes et piano sur la plupart des pistes. La plage suivante, « Little One » (tout comme « There are worse Things than being alone », « Solstice » et « Traces »), retombe dans le folk anglais de cette dernière décennie, une simplicité à la Tom McRae. Les rares longueurs noisy rappellent un sage My Bloody Valentine (« Peaceful Liquid Shell ») voire Archive ; les mélodies esseulées et mystérieuses Sigur Rós (« Child », « Traces »).
Les relations humaines constituent le noyau poétique du fruit de leur vécu et de leur travail, mais s’assimilent un peu trop à une potentielle BO de Grey’s Anatomy : le pouvoir nostalgique du présent. L’absence de deadline ou de pression quelconque se réverbère dans leur musique : ils ne sont en effet pas pressés. Les diverses textures et humeurs offrent un tout homogène, joliment orchestré, sensiblement et accessiblement pop.
Robert ‘Robin’ Sullivan est né en 1963. Au Texas. A Dallas, très exactement. En découvrant John Lee Hooker, il contracte le virus du blues. Il fréquente alors un vieux bluesman, Alex Moore. C’est ce dernier qui va lui coller son sobriquet de Texas Slim. En 1983, il se produit régulièrement en compagnie du chanteur de couleur noire, Little Joe Blue. Il prend alors goût à la scène et se met à tourner sans relâche, que ce soit chez le Cold Blue Steel, flanqué de Randy McAllister ou au sein de son propre blues band.
Il avait publié son premier opus en 2002, "I have arrived". Pour concocter ce nouvel elpee, il a reçu la collaboration d’Aaron Comess des Spin Doctors. A la basse, la batterie ainsi qu’aux percussions. Il assure aussi la production. Slim signe les treize plages. Il se réserve également les vocaux.
Le disque s’ouvre par "Welcome to the game", un tout bon Texas blues. Subtilement funky et proche du style d'Albert King, la guitare est constamment à l'avant-plan. Comess sort son artillerie lourde pour propulser son leader sur d’excellents rails, tout au long de "Driving blues", un shuffle percutant. Les lignes de cordes sont excellentes. Manifestement l’homme n’est pas du style à se retourner. Il fonce droit devant lui. Place ensuite à un blues lent torride, très caractéristique. Les inflexions vocales sont dramatiques. Les cordes réverbérées, très amplifiées mais jamais écrasantes. Nous sommes bien à Dallas. "You're hip" sort tout droit des bayous de la Louisiane (NDR : nous n’en sommes pas très loin). Le rythme est bien soutenu. Autoritaire, la guitare réverbère ce léger écho spécifique du style. Du Slim Harpo à la sauce contemporaine! TS maintient la pression sur "Funky love". La rythmique demeure funkysante, bien entendu et la guitare continue de briller sous son meilleur jour. C’est d’une voix plus ou moins ravagée (NDR : un lendemain de la veille ?), qu’il aborde "Deville", un autre blues enrichi par la présence d’un piano électrique et d'une trompette aux sonorités feutrées. Intimiste, créative et mélodieuse, la six cordes se teinte légèrement de jazz. "When it's cold outside" accélère à nouveau le tempo. Une compo efficace exécutée dans l’esprit de Buddy Guy. Il se montre très à l’aise dans l’exercice du blues lent. A l’instar de "High alert", une plage soutenue par le piano acoustique d'Andy Comess. Si vous aimez Stevie Ray Vaughan dans ce style, vous allez adorer ! Slim réenfile son costume de rock'n'roller. Il aligne l’ABC des riffs chers à Chuck Berry pour nous vanter les vertus de cette "Coffee shop girl". Et afin de diversifier son répertoire, Slim goûte au R&B ("Cool with the flow") au country blues acoustique ("Country home") et même à la ballade roots ("And it is"), une piste sur laquelle TS double dobro et orgue. Et on a encore droit à un bonus track, "Jacqui's house", une plage chantée presque a capella, sur fond de percussions. Quoique sans prétention, cet opus tient la route…
Suppose qu’il n’est pas nécessaire de vous présenter Avey Tare. Ce personnage, est en effet parvenu à révolutionner la musique, au cours des dernières années ! Et pour cause, derrière ce patronyme se cache en effet David Portner, membre fondateur d’Animal Collective, aux côtés de Panda Bear et Geologist, une formation dont l’influence sur la musique moderne n’est plus à démontrer
« Down There » constitue le premier elpee solo de la tête chercheuse de Baltimore. Depuis 2003, il avait quand même publié quelques singles, en solitaire.
« Laughing Hieroglyphic » est parcouru de beats bizarres. La mélodie est féroce, à l’image du masque de crocodile qu’il arbore lorsqu’il se produit seul, sur les planches. Bonne nouvelle, la voix d’Avey n’est pas noyée sous une myriade d’effets. Elle est claire et bouleversante. Mais on se demande, cependant, parfois, si les sessions ne se sont pas déroulées sous l’eau. Le voyage sous-marin d’Avey Tare est riche. Expérimental, électronique, il est truffé de samples. Fruit de ses élucubrations enfumées (psychotropes ?), mais aussi brillantes qu’intelligentes, il évoque autant les Beach Boys (pour les harmonies vocales) qu’Aphex Twin (pour les beats aliens et minimalistes). On est parfois envahi par un sentiment d’inquiétude. Un peu comme si on approchait de la fin du monde (« Heather in the Hospital » et « Cemeteries » abordent le sujet du cancer de sa sœur suivant une démarche proche de celle adoptée par The Antlers). Une musique des ténèbres pour danser seul. Moins contemplatif mais plus sombre que les œuvres individuelles de Panda Bear, « Down There » est tout aussi grandiose.
Les fans d’Animal Collectif devraient apprécier cet opus pas toujours facile d’accès, mais tout à fait audible, de quoi rassurer les non-initiés.
Rob Stone est originaire de Boston. A 18 ans, il découvre le blues de Charlie Musselwhite. Dès le lendemain, il s'achète un harmonica et se met à répéter. Il est très vite épaulé par l'un de ses concitoyens : Jerry Portnoy. Pas n’importe qui puisqu’il avait milité comme souffleur au sein du Muddy Waters Band. Il part ensuite vivre dans le Colorado où il a l'occasion de rencontrer Sam Lay, batteur et également ancien collaborateur de Muddy Waters. Il engage le drummer pour compléter son groupe au sein duquel figurent déjà Patrick Rynn et Chris James. On retrouve ensuite sa trace à Chicago, soit dans la Cité du blues. En 98, il fonde ses C-Notes. Un combo au sein duquel il a conservé Rynn à la basse et James à la guitare. Dans la foulée, la formation publie un long playing : "No worries". En 2003, le band est signé chez Earwig, un label blues notoire, pour lequel il grave "Just my luck".
Il faut attendre sept longues années avant voir sortir un nouvel opus de Rob : "Back around here". Au sein du line up, il a gardé ses fidèles amis Rynn et James. Et le reste du backing group sont tous des potes, dont son ancien leader, Sam Lay!
Rien de tel pour aborder cette galette qu’un généreux Chicago shuffle. Un excellent blues intitulé "You're no good for me", dont la puissance est alimentée par le piano de David Maxwell ainsi que les grattes de Chris James et de Jeff Stone. Place au jump pour "Back around here", une compo enrichie de cuivres qui respire le swing et au cours de laquelle James tire manifestement son épingle du jeu. Rob adapte le "Love you for myself" de John Lee Williamson (Sonny Boy I). Son style est empreint d’une grande pureté et sa voix chargée de feeling. Aaron Moore au piano et Willie ‘Big Eyes’ Smith aux drums soutiennent parfaitement l’ensemble. La voix de Stone se teinte de soul pour chanter le "Give me time" de Magic Sam, en mode Chicago westside. "I need to plant a money tree" est imprimé sur un tempo euphorique. Rob souffle à la manière de Jimmy Reed avant de prendre un billet de sortie digne de Sonny Boy Williamson II au sommet de son art. Agréable, "Chicago all night" marque un retour au jump syncopé. Willie Hayes frappe solidement sur les peaux, face au piano de Maxwell et les cuivres. Enfin libéré, il souffle en puissance, tout au long de "Love to love about you". Big Eyes imprime un tempo métronomique sur ce morceau assez proche de Little Walter. Il échange un duo en compagnie de David Maxwell sur "Sloppy drunk blues", un vieux classique de Leroy Carr, au cours duquel la pureté de l'harmonica est restituée dans sa meilleure expression. Omniprésents, les saxophones envahissent "It's hard but it's fair", un funky blues, ma foi, fort plaisant. Rob chante autoritairement "Can't turn back the clock", un boogie très rapide qui permet à David Maxwell de se déchaîner sur son instrument. "No string attached" clôt l’elpee. Le tempo est toujours soutenu et les tous les instruments sont bien en place. Mr Stone signe alors brillamment sa dernière intervention comme soliste.
Intro peut-être un peu facile mais, c’est une certitude, les problèmes de nos chers lecteurs risquent de s’alléger en quelques minutes, après avoir écouté ce « People Problems », le second album des Américains d’Oh No Oh My. Et puis, les fans des Shins ou de Yo La Tengo devraient apprécier la musique de cette formation, qui opère donc son retour cinq longues années après sa première livraison! Quelque part entre la fragilité de Minus Story (« Again Again », « I Don’t Know »), l’écriture pop-rock classique des Shins (« No Time for Talk ») et l’évidence mélodique de Death Cab for Cutie (« You Were Right »), les Texans livrent des morceaux d’une honnêteté et d’une qualité rare. Bénéficiant d’arrangements qui frisent la perfection –guitares, cuivres et cordes sont au rendez-vous– leur solution sonore est raffinée par la voix délicate de Greg Barkley. « People Problems » est découpé en 12 morceaux accrocheurs, mélancoliques, aux lyrics subtils, à l’instar de « You Are Right » ou du single imparable « Again Again ». Le point culminant de l’elpee est atteint lors de la ballade folk « Should Not Have Come to This », une compo qui s’achève par les mots déchirants ‘C’est la Vie…’, soutenu par des violons frémissants.
Originaire d’Austin, le combo réunit des multi-instrumentistes qui ont commencé à composer dès l’âge de 14 ans. Ce qui explique leur maîtrise instrumentale indéniable. Et puis lorsqu’on est invité à se produire en première partie des Flaming Lips, c’est qu’on dispose d’un potentiel certain…
Oh no… vous ne pouvez passer à côté de cette perle issue des bushes texans. Un disque que vous pouvez écouter des centaines de fois, tant les titres se révèlent d’une grande richesse. Oh My… God, le groupe est en concert le 6 mars au Café Video à Gand! A ne manquer sous aucun prétexte.
En découvrant l’album « Bite The Bullet » du groupe Bullet en 2008, votre serviteur avait été l’un de ceux qui avaient cru au retour à la vie du groupe hard rock allemand des eighties. Celui-là même qui avait bercé sa jeunesse au son de deux plaques vinyliques d’anthologie, les terribles « Execution » de 1982 et « No Mercy » de 1984. Grossière erreur, car ce Bullet-ci était beaucoup plus jeune (NDR : formé en 2001) et d’origine suédoise, issu de la ville de Växjö plus exactement. Pourtant, il était facile de tomber dans le piège : même patronyme, style musical similaire et vocaliste au timbre quasiment identique.
Passée la déception de ne pas avoir assisté à la résurrection de l’un de mes héros de jeunesse, il a bien fallu me faire une raison. Le Bullet allemand était mort et enterré (NDR : Pas tout à fait puisque certains de ses membres militent encore chez U.D.O.). Tant pis d’ailleurs, puisque le petit Suédois est carrément aussi bon, si pas meilleur que son aîné.
« Highway Pirates », le nouvel opus du quintet, est un rêve devenu réalité pour les oreilles d’un fan de hard rock/métal des eighties. Imaginez un combo qui ‘rocke’ aussi dur et fort qu’Accept, AC/DC et Krokus à l’époque de leur gloire !
Comme l’étaient les albums classiques de ces trois géants du hard rock, « Highway Pirates » est un florilège de riffs entraînants et de refrains à chanter à tue tête. Une collection de titres qui font taper du pied et donnent envie de se secouer ce qui reste de sa calvitie. « Highway Pirates », « Stay Wild », « Blood Run Hot » ; chaque titre est un hymne à la gloire du hard rock. Les vocaux écorchés de Dag Hell Hofer empruntent autant au style d’Udo Dirkschneider (UDO, ex-Accept) qu’à celui de Brian Johnson (AC/DC).
Bullet n’invente pas la poudre, mais il sait la faire parler. Si vous aimez le hard rock sans fioritures, « Highway Pirates » est une pépite du genre. L’achat indispensable de ce début d’année.
‘Do you want to Rock and roll with me, do you want to lose control with me?’ invite le premier titre (« Rock & Roll with me »). Et d'emblée, on emboîte volontiers le pas à ce débonnaire Californien au timbre de voix chaleureux et au déhanchement 'Kinksien'. Bercé par les mélodies maniaques de Brian Wilson, cet amoureux de Pop aux accents anglophones revisite le musée des ses illustres icônes, des Beatles à Syd Barrett, pour en tirer toute la quintessence afin de la régurgiter en une matière diablement corrosive. Emballant d'un bout à l'autre, cet elpee jubilatoire est une vraie réussite à plus d'un niveau. Point de vue moteur d'abord. Difficile de résister au désir de se déhancher à l'écoute de la plupart des titres et surtout du parfait « I like, I like », dont le saxophone ensorceleur met en lumière cet hymne à la bonne humeur. Ensuite d'un point de vue cérébral, tant la palette de subtilités sonores permet une attention plus affûtée à chaque nouvelle écoute. Et enfin, d'un point de vue sensible. Car non content d'être efficace, « To Dreamers » est un album qui dégage une grâce intemporelle.
Se fendant d'une reprise de Pete Miller, musicien anglais somme toute oublié, Kelley Stoltz enlumine « Baby, I got news for you » et dépoussière un titre taillé sur mesure à ses aspirations psychédéliques.
Retour dans les années soixante en y ajoutant un feeling actuel, donc, à l'instar d'un Austin Powers au charme insolent.
Le dépouillement de « Bottle up », dernier morceau enregistré 'at home' ramène au final l'auditeur sur cette plage où il fait bon s'abandonner aux derniers rayons de soleil. Ce soir, les flammes danseront en montant vers le ciel et il sera toujours temps de se réveiller.
Spokes ou la première excellente surprise de 2011. « Everyone I Ever Met », le premier album de ce quintet mancunien, est à priori assez éloigné de ce à quoi le label Ninja Tune nous avait habitués jusqu’ici. Pas de trip-hop ou de bidouillage électronique. Spokes délivre un disque indie-pop raffiné, classieux, aux mélodies et aux chœurs célestes. Bien que la formation cite Kate Bush ou Neil Young comme inspirations principales, « Everyone I Ever Met » évoque principalement Arcade Fire et, surtout, My Latest Novel. L’écriture et la manière dont les chœurs sont dispensés rappellent d’ailleurs à plusieurs reprises le magnifique « Wolves » de leurs cousins écossais. Alternant longues plages atmosphériques et petites ritournelles pastorales, Spokes propose une œuvre introductive en tous points irréprochable. Le quintet a trouvé le juste milieu entre la légèreté des mélopées et la complexité de leurs arrangements. Des arrangements quasi post-rock.
Pour sa première œuvre, Spokes n’a pas froid aux yeux et place la barre à des hauteurs que ses membres risquent bien d’avoir du mal à atteindre derechef lors de leurs prochaines pérégrinations en studio. Du moins, s’ils suivent les traces de My Latest Novel, dont on pointera discrètement du doigt l’échec cuisant de « Death & Entrances ». En attendant, l’envol de Spokes est du plus bel effet et « Everyone I Met » a de grandes chances d’être l’un des disques incontournables de 2011.
Spokes passera ce 2 mars par le Café Video de Gand dont la programmation est, décidemment, à tenir à l’œil.
Songwriter à la carrure inversement proportionnelle au registre vocal, Robert Robinson a choisi pour patronyme Sore Eros. Voix de fausset et chant fragile, grincements de dents et vraies/fausses bonnes idées se conjuguent pêle-mêle sur cet elpee. Grand fourre-tout Lo-Fi, cet hymne au ‘do it yourself’ libère une mélancolie certaine sur fond de spleen paresseux. Songwriting brumeux marié à divers traitements sonores, les douze compositions de cet album se diluent dans l'espace sonore en nuées évanescentes. Un peu mou du genou sur l'ensemble, il n'en demeure pas moins que sous ce vernis craquelé se dessine de réelles chansons qui quelque part arrivent à toucher au cœur. A l'image de « Make it louder » ou de « Yellow dress », des chansons simples mais parées d'atours désarmants. Alors, certes, au niveau justesse, l'univers de Sore Eros est bancal et tangue sur un fil au dessus du vide. La moindre brise menace de tout faire basculer. Mais de façon improbable, et à la manière d’un équilibriste Robinson arrive à garder le cap et poursuivre sa marche en avant. Il n'est pas certain qu'il en aille de même pour tous les mélomanes.
Screeching Weasel est un groupe punk rock originaire des faubourgs de Chicago. Un ensemble formé en 1986 par Ben Weasel et John Jughead, deux ados fascinés par les Ramones. Des années plus tard, les ‘Belettes Hurlantes’ fascinent à leur tour une ribambelle de keupons en herbe. Et notamment Green Day et Blink 182 qui les citent comme l’une de leurs influences principales.
Screeching Weasel connaît une carrière en dents de scie, ponctuée de multiples séparations/reformations ainsi que d’un nombre incalculable de changements de personnel. La dernière réunion date de 2009. Pour la première fois depuis ses débuts, Weasel n’est plus accompagné de Jughead. Apparemment, un désaccord a éclaté au sein du line up…
Le label Fat Wreck Chords propose ici une version remixée et remastérisée de l’album « Television City Cream », paru originellement en 1999. Cinq titres bonus ont été ajoutés aux quinze qui figuraient sur la plaque originale, portant ainsi sa durée totale à 36’40 minutes.
Dans ses meilleurs moments, Screeching Weasel évoque un remake très acceptable des excellents Ramones (« Dummy Up », « Video »). Sur les compositions les plus pop punk (« Dirty Needles », « My Own World », « Punk Rock Explained »), nous n’avons aucun mal à déceler ce que Green Day, par exemple, lui a emprunté. Quelques plages plus violentes (« We Are Generation X », « Plastic Bag », « I don’t Give A Fuck », Only A Test) pourraient probablement intéresser les amateurs de hardcore mélodique).
Sans être la révélation du siècle, « Television City Cream » est un bon elpee qui interpellera autant les amateurs de punk rock mélodique les plus anciens que les amateurs de punk pop de la nouvelle génération. A découvrir ou à redécouvrir.
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