Anna Ternheim impose, depuis ses débuts, une pop mélodique et légère à la fois. Un genre dans lequel elle s’assume et s’épanouit.
Baignant depuis son enfance dans la musique, grâce à la discothèque familiale où elle a puisé ses ressources, elle finit presque par hasard au sommet des ventes en Suède, son pays d’origine, grâce à quelques chansons enregistrées ci et là, presque instinctivement, délaissant définitivement ses études d’architecture.
Un style qui va lui permettre d’atteindre une apogée dans les années 2000, période charnière d’un renouveau où elle opère un tournant à 180 degrés pour se consacrer à des projets nettement plus intimistes.
« A space for lost time » n’échappe pas à la règle, épousant une fois de plus un registre doux et sensuel ; ce qui constitue sa meilleure carte de visite en quelque sorte.
Embrassant un univers proche de Katie Melua, cet opus se laisse objectivement bercer par ses arrangements aériens et cette voix suave qui permettent à l’enveloppe sonore de magnifier sa quintessence poétique.
Pourtant, la lassitude gagne progressivement le mélomane. L’exercice est uniforme durant plus de trente minutes ; un manque de relief qui finit par enliser l’ensemble au sein d’un excès de gnangnan magistral.
Bref, si la promesse était belle, malgré tous les efforts consentis, ni la collaboration avec Bjorn Yttling (le Bjorn de Peter Bjorn & John), ni le nouveau label ne parviennent malheureusement pas à sauver Moïse des eaux.
Après la publication de son album ”I Used to Spend so Much TIme Alone” en 2017, Chastity Belt a failli exploser ; mais il est finalement parvenu à tenir le coup. En effet, lors de la dernière tournée américaine du groupe, Julia Shapira (guitare, voix) a bien failli quitter le navire. Il lui aura fallu une période d’introspection et la sortie d’un album solo pour réaliser que l’aventure de Chastity Belt méritait d’être poursuivie.
Ce nouvel et quatrième opus résonne donc comme une renaissance, en témoigne le titre éponyme de cet elpee. Produit par Jay Som et paru sur le label Hardly Art (filière dépendant de Sub Pop), cet LP se révèle à la fois abouti et serein. On est loin de l’énergie brute manifestée par le groupe à ses débuts. Les dix titres sont imprimés sur un tempo paisible évoquant parfois Warpaint. Les harmonies vocales (et autres ‘canons’) ainsi que les arpèges alimentent des chansons mélancoliques sur lesquelles Shapiro vient poser des textes évoquant les relations amicales et amoureuses. Cependant, chaque plage nécessite plusieurs écoutes avant que les mélodies ne libèrent toute leur saveur...
Inespéré, le retour de Chastity Belt est, de toute évidence, gagnant. En espérant découvrir une suite, prochainement.
Difficile équation pour le producteur anglais Adam Bainbridge –aka Kindness– de rester à la fois indéniablement pop et pourtant si indie dans l’esprit ! Il débute d’ailleurs sa nouvelle œuvre par un bien senti : « There will be people who will say, 'You don't mix this with that,' and you will say, 'Watch me.» ! Après avoir collaboré avec Solange, Blood Orange ou Robyn, il a décidé de ne pas brider ces irrésistibles envie de danser… intelligemment ! Pas un hasard si un ex-musicien d’Arthur Russell s’invite au générique (Mustafa Ahmed de son 3ème elpee, « Something Like War »). Soutenu, entre autres, par les voix du Suédo-gambien Seinabo Sey (« Lost without »), Robyn (« Cry Everything »), le rappeur philadelphien Bahamadia (sur le très 90’s titre maître) ou Jazmine Sullivan (« Hard to believe »), il malaxe les sonorités funk, house, dub ou même afro-beat, pour enflammer le dancefloor de ses douceurs enregistrées en compagnie de Philippe Zdar, peu avant son décès. On en redemande des guéguerres pareilles !
Plein à craquer d’anti-folk millésimé, « Vessel », son précédent LP, paru 2 ans plus tôt, était quasi-parfait. Quelle suite allait-elle donner à cet opus, réalisé en état de grâce ? Qu’allait-elle donc sortir de son esprit prolifique ? Allait-elle abandonner ses sonorités ‘lo-fi’ ou élargir sa palette sonique ? Bonne ou mauvaise nouvelle : pas de réel changement à l’horizon sur les 21 (!) morceaux de « Close it Quietly », le 4ème album studio de Frankie Cosmos. L’univers de Greta Kline (la fille des acteurs Kevin Kline et Phoebe Cates) est toujours bercé par ces mêmes sonorités ‘DIY’. Dépassant rarement les 2 minutes, ses capsules autobiographiques –un peu plus noires que d’habitude– décrivent son passage à travers la vingtaine, sa vie privée ou la perte de son chien, comme la bande-son parfaite de la série ‘Girls’. Ses vignettes ne négligent jamais les mélodies et parviennent à donner leur quintessence sur des morceaux faussement naïfs tels que « I Joke ». Une certitude, la sphère indie n’a pas fini d’entendre parler de Frankie Cosmos. Pas de surprise mais une musique réconfortante pour bien passer le reste de l’hiver au coin du feu…
En 2018, Brandon Williams publiait un premier opus intitulé “Death Lust”, un disque qui agrégeait punk, grunge et hardcore. Derrière un mur de son et d’énergie, le Canadien y manifestait toute sa frustration de post-ado.
Un an plus tard, le musicien continue sa quête du bonheur sur “Home Made Satan”. Cependant, il semble beaucoup moins inspiré. L’album s’ouvre par “Flames”, une bonne mise en bouche digne d’un tube des 80’s. Malheureusement, le Canadien dérape rapidement. Et sa musique vire à la pop emocore que l’on croirait tout droit sortie du label Deep Elm. Pensez notamment à Dashboard Confessional. Et “Sun Poisoning” en est certainement le plus bel (?) exemple. Des lignes de guitares sous distorsion ou acoustiques se relaient. Brandon Williams prend un malin plaisir à se plaindre ; une attitude qui devient rapidement énervante. Il emprunte même les formules chères au neo-metal….
Sauf si vous êtes frappé par un éclair de nostalgie, le deuxième opus de Chastity ne mérite vraiment pas qu’on s’y attarde. Décevant !
On ne présente plus Justin Vernon, aka Bon Iver, artiste qui a gagné le droit de suivre ses instincts depuis le carton surprise de son premier album, le sublime « For Emma, Forever Ago », une œuvre au folk boisé. Et l’Américain n’a d’ailleurs pas hésité à approfondir ses aspirations les plus aventureuses sur « 22, a Million », un elpee sorti en 2016. Inclassable, sa nouvelle et 4ème livraison, « I,i » mixe ces derniers aux mélodies les plus cristallines, mais dans un esprit général plus optimiste ; à l’instar du single lumineux « Hey, Ma ». Entre folk, r’n’b futuriste (« Imi », « We ») et expérimentations autotunées (« Naeem » au final bouleversant), les textures sont riches (saxo, cordes et samples), mais les mélodies émergent malgré la frustration de morceaux s’évaporant avant d’avoir pu donner leur quintessence. Notons que quelques invités de marque s’invitent au générique tels que Moses Sumney, James Blake ou les frères Dessner (The National). Bon Iver, un artiste décidément unique et précieux.
Un groupe qui entame son elpee par un brûlot tel que « Waving Past Nirvana » ne peut que m’être sympathique ! Le post-punk de WIVES libère d’ailleurs quelques effluves 90’s très plaisantes. Mais les morceaux de ces jeunes musiciens sont avant tout totalement new-yorkais dans le son ! Le quatuor mené par Andrew Bailey (ex-DIIV) et James Beach semble posséder une foi inébranlable dans sa musique comme au plus beau temps du rock indie. On pense aux Ramones (« Whatevr »), au glam rock (le réjouissant « Hideaway »), à Sonic Youth (« Why is Life ») ou même au Velvet (le plombé « Workin’ »). Mais « So Removed » est avant tout un excellent album de rock réalisé avec la fougue et la morgue des premiers albums des Strokes…
Lee Evans a commencé à jouer de la batterie à l’âge de 10 ans. Et de la guitare électrique à celui de 11. Affichant aujourd’hui 24 ans printemps, il nous propose aujourd’hui son premier Ep, « Mississippi flood ». Et vu le titre, vous vous doutez que le blues constitue une influence majeure pour ce jeune Américain. Après avoir écouté ce disque, on parlera plutôt de blues/rock. Certains sont cependant davantage blues, et d’autres plus rock voire garage, à l’instar du frénétique, « Always in the hurry ». Plage qui ouvre la plaque, elle nous plonge dans un garage réminiscent des Stooges voire de MC5. Plus classique, « Foreign girl » s’inspire manifestement de John Lee Hooker ; à cause de cette trame en boucle, alors que l’instrumental « Ballad of the Mississippi flood » évoque plutôt la partie la plus atmosphérique de l’« Albatross » du Fleetwood Mac. Les trois autres pistes adoptent un ton plus contemporain. Si « Song of inspiration » aurait pu figurer au répertoire des White Stripes, « Ain’t no beggar man » et l’excellent et fiévreux « New ground » sont carrément hantés par le Gun Club ; même la voix s’y révèle aussi écorchée que celle de Jeffrey Lee Pierce. On attend un véritable album avec impatience…
Fondé par Stephan Crasneanscki, à New York, au tout début du millénaire, Soundwalk Collective est un collectif expérimental qu’a rejoint Simone Merli en 2008.
La formation puise son inspiration au sein de lieux spécifiques, naturels ou artificiels, et nécessite de longues périodes de voyage d'investigation et de travail sur le terrain.
Parmi les collaborateurs éminents figurent le musicien de jazz éthiopien Mulatu Astatke, le photographe américain Nan Goldin, le réalisateur franco-suisse Jean-Luc Godard, le père du mouvement hip hop Afrika Bambaataa et la chanteuse, auteure-compositrice et poétesse américaine Patti Smith. Le collectif a également réalisé des partitions originales pour la chorégraphe de danse contemporaine, Sasha Waltz.
Pour concocter cet opus, Le Soundwalk Collective s’est rendu au Mexique, dans la Sierra Tarahumara, sur les traces du périple d’Antonin Artaud (1896 – 1948), poète surréaliste, dramaturge, opiomane et théoricien français, afin de capturer l’esprit du peuple Rarárumi et surtout mettre en boîte des sons (chants, tambours traditionnels, etc.), avant de les retravailler en studio. Puis Patti Smith a été invitée à déclamer les visions hallucinogènes du Marseillais. Le résultat a ainsi été gravé sur ce « Farewell », une œuvre austère et difficile à assimiler pour tout mélomane lambda. Dommage que le single, « Ivry », ne figure pas sur la plaque. C’était la seule compo signée par l’icône du punk. Elle y chante et l’instrumentation organique y est bien plus en phase avec l’univers du rock et de la pop.
Marre de cette grisaille qui vous colle au train du matin au soir ? Vous en avez assez du spleen qui vous tanne dès l’aube ? Alors, Marcel et son Orchestre pourraient vous aider à retrouver un peu de joie de vivre.
Originaires de la région Hauts-de-France, Marcel et ses sbires font dans la déconne depuis 1986, en proposant des compos de rock festif qui véhiculent des accents punk et ska.
Séparée en 2010, usée par le rythme effréné des tournées, la formation renaît en 2017 pour quelques dates seulement avant de disparaître à nouveau pour mieux revenir sur le plan médiatique grâce à ce « Hits, hits, hits, hourra ! ».
Cet (ultime ?) hommage propose un condensé de bonne humeur en revisitant 26 morceaux sous un angle contemporain et 22 inédits, de quoi dresser le bilan de 33 années d’une carrière aussi riche que surprenante.
Cet ouvrage est loin d’être une blague facile. Disgracieuses à souhait, les compos puent le dixième degré sous un air faussement léger ! Mais ne manquent jamais d’originalité. En se servant d’une musicalité pétillante et de textes à l’opprobre miraculeux, ils décrivent des faits de société avec un humour pleinement assumé. C’est sérieux sans vraiment s’y prendre.
Il faut voir cet opus comme une recette où tous les ingrédients nécessaires sont réunis pour faire naître un vent libérateur, à l’instar du Carnaval de Dunkerque dont la bande revendique l’appartenance sur scène en arborant costumes et froufrous colorés.
Ce disque est à écouter pour ce qu’il est : une farce rigolote, curieuse et sérieuse dont on se plait à écouter les complaintes.
Bref, glissez ce CD dans votre lecteur et laissez-vous charmer par cette signature artistique iconoclaste. C’est résolument absorbant.
En finalité, tout est bon… dans le bouffon !
Mind The Mill est un duo néerlandais réunissant Jerney Molenaar et Pieter Enaar. D’après les infos recueillies sur le net, ils seraient cousine et cousin. Lien de famille qu’ils auraient découvert après leur rencontre. « September flower » constitue le premier elpee de la paire, une œuvre qui baigne au sein d’un climat atmosphérique, cinématique, énigmatique, fruit d’un cocktail entre trip hop, folk, jazz, valse et pop. Jerney possède une superbe voix. Diaphane, elle caresse des mélodies ouatées parfois soulignées de chœurs célestes. Parfois on pense à Massive Attack (« Seaside town »), Vaya Con Dios (« Summer is over »), Hooverphonic (« One more kiss ») et même aux Ronettes (le plus rythmé « Lovers & cruisers »). Si Pieter colore régulièrement les compos d’interventions à la guitare surf, l’opus recèle deux plages totalement différentes. Tout d’abord « All the words », un titre caractérisé par des percus orchestrales et profondes. Et puis surtout « Have we met before ? », une piste riche en arrangements, bien rythmée, parfois funk, tramée sur le piano, avec une voix en off ; une compo qui aurait pu figurer au répertoire de Serge Gainsbourg.
Le deuxième Ep de Yakhchal, « Asterism », a été enregistré au studio Noise Music Factory sous la houlette de Colin Delloye de We Stood Like Kings. La pochette de l'album a été conçue par Niccolo Masini.
Yakhchal est un trio basse/guitare/batterie qui pratique du post rock pur et dur. C’est-à-dire exclusivement instrumental. Et c’est sous cette forme que le groupe établi à Bruxelles développe ses climats sonores, tour à tour atmosphériques, mélancoliques ou frénétiques, mais soigneusement construits. Le drumming aride mais torrentueux et les interventions de gratte tantôt chatoyantes, vaporeuses ou acérées se faufilant entre les mailles de la section rythmique. Enfin, « Persian dome », qui figure sur cet Ep, nous rappelle que le patronyme de la formation est également le nom farsi d'une ancienne glacière persane à la forme bombée qui ressemble à un temple sacré. A conseiller aux inconditionnels du post/rock…
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