The Cesarians est une formation issue de Londres. Après avoir publié un premier album en 2009, elle a sillonné les routes européennes de long en large, lors d’une tournée quasi-interminable. A l’issue de ce périple, les insulaires se sont fixés quelque temps au Nord de l’Italie où ils ont déniché un studio idéal pour concocter ce nouvel Ep, « I’m with God ».
Vu leur signature chez African Tape, on aurait pu imaginer que ce band allait nous balancer une forme de math rock susceptible de provoquer le déchaînement. Un peu dans l’esprit du style pratiqué par la plupart des artistes relevant de l’écurie, comme Tormenta, Chevreuil ou encore Papaye. Surprise, le morceau d’ouverture est tramé crescendo sur des accords de piano, des interventions de cuivres et des envolées de cordes ; une voix lyrique s’épanchant sur la solution sonore. Surprenant ! Et encore davantage sur les deux morceaux suivants. Deux compos énergiques, punkysantes, mais enrichie d’orchestrations cuivrées ainsi que de claviers. Superbe ! Evidemment, on comprend mieux la situation lorsqu’on sait que derrière les manettes, Craig Leon (The Ramones, Talking Heads, Blondie, …) a mis l’ensemble en forme. Place ensuite à un morceau cabaret : « Schoolyard », une plage au cours de laquelle la voix de l’ex-Penthouse, Charlie Finke, est bien mise en avant. Elle me fait même parfois penser à celle de Will Sheff. Et l’Ep s’achève par un poème récité dans la langue de Dante…
En un quart d’heure The Cesarians nous a mis l’eau à la bouche. Bien vite leur nouvel album…
Du vieux Cake moisi, c’est ce que nous offre la bande à John McCrea sur ce « Showroom Of Compassion » tout pourri. Difficile de faire preuve de compassion envers une formation qui a fait poireauter ses fans pendant six ans et demi, pour finalement publier une daube pareille. Il est loin le bon vieux temps où Cake tenait la ‘Distance’ et contait fleurette aux demoiselles aux ‘Short Skirt/Long Jacket’… La réédition en 2009 de « Motorcade Of Generosity » (1993) avait rappelé à nos mémoires combien le quintet était, à l’époque, frais et inspiré. Oublié, tout ça... Il revient aujourd’hui pour un sixième LP équitablement partagé entre redondance et monotonie.
Publié sous la houlette de Naïve Records, « Showroom Of Compassion » est une grosse déception. Difficile de croire que le disque se soit classé directement en tête des ventes d’albums lors de sa sortie US en janvier dernier. McCrea et ses collègues doivent peut-être ce succès au single « Long Time » qui sonne comme un morceau que le casting de « Glee » reprendrait sans la moindre hésitation. Totalement indigeste.
The Phoenix Foundation, c’est l’histoire de trois gamins de Wellington qui ont passé leur adolescence à s’envoyer du Sepultura et autres Slayer dans les oreilles avant de décider de s’armer eux-mêmes de guitares et d’écrire leurs propres chansons. En 2000, ils publient un premier Ep qui fait fi de toutes leurs influences et révèle leur amour pour les mélopées psyché-pop. S’ensuit dix années durant lesquelles le trio règne sur les ondes néo-zélandaises et australiennes. Une décennie également marquée par un changement au sein du line-up de la formation qui passe sans transition de trio à sextet. Ce n’est qu’en 2007, après la sortie de la bande son de l’excellent film indépendant « Shark Vs Eagle », pour lequel The Phoenix Foundation a enregistré sept morceaux, que « Horsepower », le premier ouvrage de la formation, trouve le chemin des bacs ricains. Soit quatre ans après sa date de sortie originelle.
En 2010, The Phoenix Foundation s’acoquine avec Memphis Industries et délivrent « Buffalo », le disque qui les révèle enfin au reste du monde. Et à juste titre, car ces gars-là s’y connaissent en matière de pop multicouches. « Eventually » ouvre le bal, façon ‘Shins’, avant de laisser place à des titres Folk Pop aux mélodies pastorales et vivaces qui évoquent parfois Super Furry Animals ou les Stone Roses (l'excellent "Pot"). « Buffalo » a été publié l’hiver dernier mais c’est ce printemps qu’il prend tout son sens et toute sa saveur.
Live : dans le cadre du festival Boomtown (Gand) le 19 juillet.
Réédition du troisième opus de Primal Scream publié en 1991. Il était double. Il sera double. Simple différence, la seconde plaque est consacrée à l’Ep « Dixie Narco ». Sony Music a donc décidé de célébrer dignement la sortie en le rééditant. Et pour que le son soit irréprochable, il a été remasterisé par le leader de My Bloody Valentine, Kevin Shields.
Le double elpee (restitué sur le cd 1) incluait les quatre (excellents) singles qui avaient précédé sa sortie. Un véritable tour de force exécuté par la bande à Bobby Gillespie, au cours de laquelle elle pillait gospel, rhythm’n blues, jazz, disco, pop et rock pour sublimer la scène de danse contemporaine. Beats amphétaminés, piano bluesy, voix lapidée de Gillespie, syncopée, exquise de Denise Johnson, cuivres alanguis, chœurs gospels, etc. : chaque élément qui s’ajoute amplifie l’impression étrange, opiacée de voyage au sein même de l’émotion, un périple extravagant qui nous entraîne dans une galaxie fluctuante, où les images sonores se fracassent avant de retomber dans le champ mélodique (Strawberry Fields ?) Epoustouflant !
Partagé en quatre morceaux, le second disque est donc consacré à l’Ep « Dixie Narco » et propose une version extended de "Screamadelica" ainsi qu’une cover du "Carry Me Home" de Dennis Wilson.
Avec le recul, on se rend compte que cette œuvre consacre la fusion entre le rock traditionnel et la trance, fruit de la house. « Scremadelica » avait bénéficié de la mise en forme de deux producteurs. Tout d’abord, Jimmy Miller, plus connu pour son travail auprès des Stones (NDR : une influence basique chez Primal Scream) et Andy Weatherall, un dj londonien qui entamer, en parallèle, une carrière individuelle, début des années 90.
Et dans le cadre des Lokerse Feesten, Primal Scream jouera « Screamadelica », en live, ce vendredi 27 juillet.
La dernière compile consacrée à Sade remonte à 1994. Depuis, Helen Folasade Adu a quand même publié deux albums, dont le dernier « Soldier of love », l’an dernier. Un disque de toute bonne facture, même s’il ne recelait pas de tube en puissance. « The Ultimate Collection » épingle donc toutes les chansons qui ont marqué la carrière de la Britannico-nigériane. Dont les inévitables « Your love is king », « Smooth operator », « The sweetest taboo » ou encore « Hang on to your love ».
Le plus intéressant procède de la présence de deux chansons inédites. Soit l’électro-orientaliste « Love is Found » (Natacha Atlas ?) ainsi que le langoureux et minimaliste « I Would Never Have Guessed »). Mais aussi un remix de « Your side » opéré par The Neptunes et un autre de « The Moon And The Sky », pour laquelle elle a reçu le concours du rappeur Jay-Z. Sans oublier la cover romantique du « Still in love with you » de Thin Lizzy (NDR: qui a dit un slow crapuleux?)
Album très réussi que ce « The Memory Machine », premier essai en solo de Julia Stone. D’abord, il y a la très belle illustration reproduite sur la pochette qui rend hommage aux films d’épouvante des années 50. Puis la voix de Julia, vraiment craquante. Et enfin l’instrumentation à la fois classe, minimaliste, discrète mais terriblement efficace. Jusqu’à présent, son succès, elle l’avait surtout récolté en compagnie de son frère, Angus, au sein de leur duo. L’Australienne a donc décidé aujourd’hui de franchir le cap de l’effort en solitaire.
« The Memory Machine » regorge de petites pépites pop-folk qui devraient envahir les ondes radiophoniques, au cours des prochains mois. A l’instar de l’irrésistible ballade « Winter On the Weekend » ou du single très printanier « Catastrophe ! », caractérisé par les interventions de trompettes séduisantes presque aguicheuses. Malgré une certaine uniformité dans le ton, ses compos se révèlent particulièrement riches, des chansons au cours desquelles elle parvient à trouver un parfait équilibre entre la douceur de l’instrumentation (guitares acoustiques, ukulélé, piano), climat rétro et lyrics plus sombres (« What’s Wrong With Me ? »).
Et si cette ‘machine mémorielle’ était la traduction de souvenirs d’une enfance bercée par la musique ?
Julia Stone et sont frère Angus se produiront en concert le 2 mai au Cirque Royal de Bruxelles…
Personnellement, je n’attendais rien de cet album. Et au final, il se révèle une véritable tuerie. Comme quoi, il faut se méfier des premières impressions. Il faut dire à ma décharge qu’à première vue, Wilde Starr semble se complaire dans l’accumulation de ces ‘clichés’ que les extérieurs à notre confrérie métallique n’hésitent pas à qualifier de ringards : un patronyme ronflant signifiant ‘Etoile Sauvage’ orthographié bizarrement de manière à être original, une pochette illustrée par un glaive orné d’une tête de démon sur une toile de fond lézardée d’éclairs et un couple de musiciens qui n’ont pas vraiment l’air de perdreaux de l’année.
Après avoir jeté un coup d’œil à la bio, mon avis avait déjà changé. Mais après avoir écouté « Arrival », une conclusion s’est imposée : cette formation n’était pas aussi insipide qu’annoncé et son metal pas aussi stéréotypé que ne le laissait supposer l’artwork de son CD.
En premier lieu, ‘Wilde Starr’ ne signifie pas du tout ‘étoile sauvage’. Il s’agit simplement de l’association des noms de famille des deux instigateurs du projet : Dave Starr et London Wilde. Et, si le duo n’a pas l’air tout jeune, c’est qu’il a derrière lui un sérieux bagage métallique. Dave Starr est un vétéran de la scène heavy américaine. Il était le bassiste du combo trash métal Lääz Rockit avant de rejoindre Vicious Rumours en 1985. Il apparait sur quatre disques studio du célèbre combo mené par Geoff Thorpe et notamment sur le classique « Digital Dictator » de 1988. Le quatre-cordiste offre ensuite ses services au légendaire guitar-hero David T. Chastain en compagnie duquel il enregistre « In An Outrage », en 2003. C’est d’ailleurs à l’occasion de cet enregistrement que Dave s’acoquine avec la blonde London Wilde. Cette dernière est ingénieur du son et travaille à l’époque sur la plaque de Chastain (NDR : un job qu’elle exerce depuis 1994, outre ses activités de chanteuse et de claviériste de studio).
Wilde et Starr se découvrent une passion commune pour la musique de Judas Priest. Ils formulent rapidement l’idée de monter un projet commun. Une première démo intitulée « Generation Next » est mise en ligne en 2007. En plus des ses habituelles parties de basse, Dave s’empare la six cordes pour la première fois de sa carrière. D’anciens collègues guitaristes, comme David T. Chastain et Vinnie Moore (UFO, ex-Vicious Rumours), lui reconnaissent d’ailleurs un certain talent de gratteur. London, qui avoue considérer Rob Halford (Judas Priest), Geoff Tate (Queensrÿche) et Ronnie James Dio comme la Sainte Trinité, se charge des vocaux et des claviers. En 2008, le duo s’adjoint les services de Jim Hawthorne, un requin de studio, pour tenir les fûts et les baguettes sur son premier opus.
Bien qu’il ne nous soit parvenu qu’aujourd’hui, « Arrival » est sorti sur le marché depuis le mois d’Août 2009. Malgré toutes ses qualités, l’opus n’a manifestement pas reçu tout le soutien qu’il aurait mérité. Dave et London continuent cependant à croire en leur bébé et tentent aujourd’hui d’en relancer la promotion. Et c’est tant mieux, car, voyez-vous, « Arrival » ce n’est pas moins de 54 minutes de bonheur pour l’amateur de métal classique et de power métal à l’américaine.
Le métal de Wilde Starr, à l’instar de celui des eighties, ne s’encombre pas de démesure technique. Les riffs sont simples et accrocheurs. Les parties lead sont bien ficelées, sans être trop démonstratives. Le son de la six cordes ressemble à s’y méprendre à celui de Chastain. London Wilde utilise ses claviers d’une manière ‘cinématographique’, préférant créer des ambiances plutôt que de se lancer dans d’inutiles parties lead. Mais c’est surtout au niveau du chant que la dame force le respect. Car la belle n’hésite pas à se battre à armes égales avec les ténors du métal classique. Son timbre de voix rappelle étrangement le très regretté Midnight (Crimson Glory), mais aussi un peu Ray Adler (Fates Warning) et Geoff Tate. Sur « Rise », ses vocalises suraigües rivalisent même de puissance avec celles du dieu Halford.
Si vous aimez Chastain, Crimson Glory, Judas Priest, Queensrÿche, Vicious Rumours et le métal classieux de la seconde moitié des eighties, il n’est pas encore trop tard pour donner une seconde chance à « Arrival ».
Le légendaire guitariste funk Dennis Coffey est de retour. Figure immense des Funk Brothers, le backing band de la Motown, on lui doit des riffs endiablés sous toutes les formes. De son immortel « Scorpio » (maintes fois samplé) en passant par ses multiples collaborations musicales avec des artistes tels que Funkadelic ou encore The Temptations, l’Américain originaire de Détroit est devenu le premier blanc à participer à la mythique émission télévisée « Soul Train ». De son style de jeu, on retiendra surtout un côté brut et des sonorités heavy qu’il injectait dans des compositions soul et R&B.
Toujours au taquet, le label Strut est fier de pondre la dernière galette studio de Coffey. Et autant être franc, à 71 piges, Dennis Coffey a toujours une pêche de dingue. Album de collaborations, on retrouve après le groovy « 7th Galaxy » des vocalistes tels que Fanny Franklin pour le remuant « Don’t Knock My Love ». Sans exagérer sur ses cordes, Coffey brûle sa Gibson au fur et à mesure que les tracks progressent. C’est également le cas sur la pépite « Somebody’s Been Sleeping » où les cuivres bouillants se fondent à la voix impeccable de Lisa Kekaula de la formation de The Bellrays. Enfin, imprévisible, le guitariste partage un duo avec l’Ecossais Paolo Nutini. Un titre entre rock et blues sauvage. Un morceau finalement évocateur du jeu de guitare souvent distordu, mais excellent de Sir Coffey. Une bombe funk à ne manquer sous aucun prétexte !
Une nouvelle mode depuis peu ? Il semble de bon ton chez les spécialistes du grand ou du petit écran de pousser la chanson(nette) chez nous ou chez nos voisins francophones. Stéphanie ne déroge pas à la règle qu’ont suivie avant elle les Judith Godrèche, Sandrine Kiberlain, Marion Cotillard et enfin tout récemment Mélanie Laurent. Nouvelle mode ? Que nenni ! Rappelons tout de même qu’elle avait été (re)lancée il y a plus de trente ans par la plus française des Anglaises (ou serait-ce le contraire ?), Jane Birkin. Ne remontons pas plus loin, personne ou presque ne se souvient des Colette Renard ou Jeanne Moreau (NDLR : elle vient quand même de recommencer l’aventure en compagnie de Daho), par exemple.
Dernière en date à tenter la combinaison de ses deux passions, notre petite Bruxelloise de 24 ans, fraîche et naturelle à souhait, tente une première percée en 2009 en publiant « Juste pour voir » interprétée en duo avec Suarez. Mais c’est « La fille qui sourit de chagrin », recueillant un très joli succès sur nos ondes, qui décroche la timbale. Un coup dans le mille pour l’actrice à qui Eric Rhomer avait confié le rôle principal de sa dernière réalisation…
Depuis quelques années, entre deux tournages, Stéphanie gravite dans le milieu musical. Exilée à Paris (afin de s’y faire un nom), elle écrit même quelques chansons à l’aide d’un pote parisien et va jusqu’à fredonner ses mélodies sur scène en première partie de Saule, Suarez ou Coralie Clément.
Et c’est tout naturellement que Baptiste Lalieu, alias Saule, séduit par ce petit bout de femme se propose de lui écrire son premier album. La mise en boîte sera réalisée grâce à la collaboration de quelques amis. Amis parmi lesquels figurent Pata et Maximin, respectivement batteur et bassiste de Suarez et Jérôme Hierneux, guitariste au sein des Pleureurs, le groupe de Saule.
Le résultat de ces différentes collaborations est tout simplement génial. Saule a visiblement donné le meilleur de lui-même pour offrir à cette jolie espiègle une douzaine de chansons de la meilleure veine. Les textes correspondent parfaitement à ce que peut vivre une jeune femme en recherche ou en perte d’amour. Le couple, tous les moments de la vie d’un couple, le bonheur parfait et ses relations ensoleillées mais aussi ses difficultés lors des relations ombrageuses, voire orageuses sont le fond de commerce de notre actrice/chanteuse.
Ce qui fait la différence avec les chanteuses gnan-gnan qui squattent les ondes de nos voisins d’outre-Quiévrain ? C’est la qualité des textes proposés par Saule. Il utilise les mots justes, sans jamais tomber dans le voyeurisme, la vulgarité ou le style ‘pleurnichard’. Cerise sur le gâteau, l’humour est toujours bien présent même s’il est distillé à doses homéopathique par ci, par-là. Du grand art !
Dès la première plage, Stéphanie nous emmène du côté de chez Françoise Hardy. Pas celle d’aujourd’hui, celle d’il y a quarante ans. Tout y est, la mélodie, la voix, le rythme. « Pleure-moi, j’adore, j’adore, j’adore,… »
Moi aussi, j’adore. « Bye bye » qui lui succède redonnerait du ‘peps’, de l’envie à un suicidaire. Les cordes subliment ce morceau d’un optimisme rayonnant. La suite est du même tonneau. La bonne humeur règne et dégouline tout au long de cet album qui consacrera sans nul doute une nouvelle icône de la chanson française ‘made in Belgium’. Et elle sait tout faire cette petite ingénue. Tendez donc l’oreille vers « Grand méchant lou », « Sugar, sugar » pour être totalement convaincu de son potentiel. Ajoutons également deux splendides duos partagés en compagnie de Saule (of course) : « Rhododendron » et l’excellentissime « Depuis que t’es parti ».
Et on n’oubliera pas pour autant « Kids », splendide ballade folk à la Cocoon, interprétée en duo également mais impliquant Sacha Toorop cette fois.
Rien à ajouter. Le premier effort réalisé de concert avec Saule et quelques complices belges est un véritable petit bijou de musicalité, d’humour, de tendresse.
Vous avez bien 15€ qui traînent dans vos poches, non ? Vous ne les regretterez pas ! Allez quoi, un effort !
A ne rater sous aucun prétexte aux Nuits Botanique le 13 mai ou aux Francofolies de Spa le 23 juillet.
Vive la new wave (nouvelle mode pour les ignares) ! Et une victoire, une !!! Si elle ne l’a pas, c’est qu’on l’aura refilé à Jenifer ou une autre gagnante de la Starac (Ah ah ah) !
DeVotchKa est probablement un des joyaux les mieux cachés de l’Arizona. Et pour cause, malgré un relatif anonymat, au sein duquel le groupe était tombé après avoir acquis un succès éphémère en composant la BO du film attachant ‘Little Miss Sunshine’, réalisé par Valerie Faris et Jonathan Dayton, la formation continue de publier d’excellents albums. Un long métrage qui leur avait d’ailleurs valu un Grammy Awards.
« 100 Lovers » constitue déjà le cinquième opus des Américains. Au menu : rock lyrique influencé tant par la musique de l’Est, mexicaine (« Ruthless », « Bad Luck Heels » et « Contrabanda ») que moyenne-orientale (« The Common Good »). Pourtant, DeVotchKa ne se contente pas de piller le folklore mondial, mais simplement de lui donner une autre dimension. Pas étonnant de retrouver, dès lors, le producteur de Calexico, Craig Schumacher, aux manettes ! Le combo de Tucson est d’ailleurs également venu donner un petit coup de main, lors des sessions d’enregistrement. Mais également Mauro Refosco, un percussionniste qui bosse régulièrement pour Thom Yorke et David Byrne. Et en particulier sur l’instrumental « Sunshine » et le bouleversant « The Alley », deux plages au cours desquelles ses interventions apportent un véritable vent de fraîcheur. Pourtant, le climat de l’elpee s’avère moins world que sur les précédents long playings, mais aussi plus tourmenté. Plus riche aussi. A cause des arrangements luxuriants (violons, violoncelles, trompettes, saxo, chœurs, accordéon, synthés, guitares mariachi, …) Nous entraînant au cœur d’un paysage cinématographique de toute beauté, « The Man From San Sebastian » est balayé par une nuée de cordes, envolées empreintes de mélancolie sur lesquelles vient se poser le timbre unique et gémissant d’Urata.
Œuvre dont le tracklisting est particulièrement équilibré, « 100 Lovers » est excellent d’un bout à l’autre. Un retour gagnant, après le légèrement décevant « A Mad & Faithfull Telling ». Manquait plus qu’un single euphorisant et le tout était parfait…
Dorian Concept est passé maître dans l’art de mêler jazz et électro au cœur d’un univers sonore insolite. Compositeur et pianiste, ce musicien tripatouille, en outre, ses synthés avec une aisance impressionnante. Véritable régal, « Her Tears taste Like Pears » est particulièrement marqué par sa tendance ‘clubbing’, un titre qui devrait très facilement animer les soirées branchées consacrées à la musique électronique non-agressive. Un bémol, ce son de cloche plutôt irritant sur la durée, lors du deuxième morceau : « My Face Needs Food ».
Fondé en 2002, ce trio originaire de Clermont-Ferrand vient donc d’enregistrer son troisième opus. Si les deux premiers du combo auvergnat étaient passés inaperçus auprès du mélomane lambda, il a quand même séduit un public averti et surtout le label indépendant Pyromane Records (Gâtechien, Tokyo Sex Destruction,…) Ce qui lui a permis d’y publier son dernier bébé, « Geografia ».
L’elpee est partagé entre onze titres. Tout en se concentrant sur l’essentiel, la formation construit patiemment et progressivement ses climats particuliers et originaux. Une forme de post-rock alimenté par une structure basique basse/batterie/guitare sur laquelle viennent se greffer des sonorités atypiques, rappelant aussi bien Tortoise que Battles. Mais la principale performance du band, c’est de parvenir à maintenir soutenue l’attention en alternant plage intenses (« Rewind part 1 », « Rewind part 2 ») et compos atmosphériques (« Crumpled Paper », « The Stream »). Une excellente découverte !
Sur son site, le label Pyromane parle d’album de la maturité, avis que je ne puis qu’acquiescer, en espérant que le combo poursuive sur sa lancée…
Malgré ses trois années d’absence, Jean-Pierre Kazemi est toujours aussi habile pour traiter ses influences rock, pop, disco et trip hop par l’électronique. Un concept que le Genevois qualifie lui-même de rétro. Le choix des synthétiseurs acides n’est certainement pas le fruit du hasard dû au hasard, sa voix s’y accommodant aisément. Mais à force de manipuler les distorsions, le mélomane finit par se lasser. Et ce n’est pas le recours aux voix féminines sur plusieurs morceaux qui modifient cette impression, celles-ci ne parvenant pas à communiquer ce feeling véritable, capable de faire la différence. Elles sont d’ailleurs sont bien trop chiadées et artificiellement sensuelles pour vraiment convaincre…
Même si les Missils Airlines s’écoutent dans la langue de Voltaire, ce n’est pas une raison suffisante pour le balancer dans la rubrique ‘Chanson Française’…
Dès l’entame des hostilités, « Je serai la reine », la brune ravageuse du combo nous assène sans discontinuer des rythmes rock ravageurs qui la propulsent in petto dans la rubrique pop/rock. On aurait même envie de biffer la mention pop pour ne garder que ‘Rock’. Car c’est vraiment dans cet univers sonore que baigne le nouvel opus du quatuor. Un combo qui s’articule autour de Flo, bombe brune à l’organe vocal envoûtant. Suffit d’écouter « Microphone boy » ou « Paris libéré » pour en être convaincus.
Autour de cette fleur sauvage bourdonnent trois abeilles, Viché de Vince, responsable de la majorité des lyrics et des parties de basse. Derrière les fûts, siège Christophe Deschamps qui propose par ailleurs ses services à d’autres, tels JJ Goldman ou Keren Ann. Enfin à la guitare et concevant lui-même ses pédales d’effets, Scal Nowak réalise des petites merveilles.
Missils Airlines constitue le second elpee du band. Il fait suite à « Miss Ils », publié en 2008, un disque qui était parvenu à se faire une petite place sous les projecteurs de la scène ‘Rock’. En 10 titres pour une bonne trentaine de minutes, Miss Flo et ses acolytes m’ont joliment convaincu que le rock français avait encore un avenir devant lui.
Côté textes, Flo nous embarque tantôt sur les traces de SG sérial killer, un personnage fantomatique errant depuis plusieurs décennies dans les rues sombres de la ville et bien connu sous le nom de Gainsbourg, tantôt sur le pont d'un yacht isolé où les plus décadents fantasmes s'exercent. Ou alors elle nous invite à partager les errances urbaines, sexuelles et métaphysiques d'une Suzy, bimbo nymphomane… Bref, pas question de s’ennuyer.
Malgré d’évidentes qualités de compos et d’écriture, on a toutefois l’impression qu’il manque quelque chose à cet album qui reste (trop) égal de la première à la dernière note.
A quand une vraie bombe, un tout gros hit ? Car si le tout passe relativement bien, aucun titre n’a le mérite de sortir le band de la scène confidentielle, voire ‘marginale’.
Chouette petit album malgré tout ; mais qui demande rapidement confirmation.
La rencontre entre le guitariste du Floyd, David Gilmour et The Orb, institution dans l’univers de l’ambient house a donc accouché de cet opus. Un disque découpé en deux volets, comme sur un 33tours. Le premier s’intitule ‘Metallic’ et le second ‘Spheres’. Quarante-huit minutes en tout. Résultat des courses ? Un opus de musique planante, tantôt imprimée sur un tempo répétitif ou abordée dans l’esprit de Tangerine Dream voire d’Ash Ra Temple, sur lequel Gilmour vient poser ses gémissements électrifiés de gratte. Les accords de sèche sont dispensés par un autre invité. Il y a même un sample d’une chanson de Graham Nash sur “Hymns To The Sun” (NDR : ah oui, j’allais oublier chaque face est quand même sous-titrée distinctement !?!?!?!) Idéal pour diffuser dans un bistrot (neo)babacool, mille pétards…
Des compiles consacrées à Roy Orbison, il doit certainement en être sortis plus d’une vingtaine. Celle qui nous concerne se focalise sur les 20 plus gros hits commis par le célèbre chanteur/compositeur/guitariste texan entre 1960 et 1964, et publiés sur le label Monument. Les versions ont été conservées sous leur forme mono, même si apparemment, elles ont été remasterisées. Vous y retrouverez les inévitables « Only the lonely », « It’s over », « Blue bayou » et surtout le célèbre « Oh, pretty woman » tube qui avait servi de bande sonore au célèbre film « Pretty Woman », mettant en scène Richard Gere and Julia Roberts.
Elvis Presley considérait cet artiste comme son unique rival vocal. Et finalement, en écoutant ce recueil, il n’avait pas tout à fait tort.
Superbe coffret incluant le deuxième et le troisième album de Pearl Jam (« vs » et « Vitalogy », tous deux produits par Brendan O’Brien) ainsi qu’un elpee immortalisé en public, à Boston, le 12 avril 1994, « Live at the Orpheum Theater ». Le tout enrichi de photos et de ses inévitables bonus tracks.
« vs » est le deuxième premier elpee de la bande à Eddie Vedder. Il fait suite à « Ten ». Trois plages supplémentaires sont incluses : une adaptation acoustique de "Hold on", "Cready stomp" et la cover du "Crazy Mary" de Victoria Williams. Première constatation, les influences ne sont plus exclusivement ‘grunge’, mais tout en conservant son intensité sauvage et métallique, elles embrassent un format davantage rock. Ce qui n’empêche pas le groupe de concéder l’un ou l’autre morceau plus paisible…
« Vitalogy » remonte à 1994. Une véritable claque. Ce qui était loin d'être prévisible. Parce que l'ensemble était encore, quelques mois plus tôt, au bord de la rupture. Entre-temps, Kurt Cobain s'était donné la mort. Un choc terrible pour Eddie Vedder, qui au fil du temps, s'était lié d'amitié avec le leader de Nirvana. Cette tragédie avait donc quelque peu remis Pearl Jam sur les rails. Pourtant, l’enregistrement de "Vitalogy" ne s’était pas déroulé dans une bonne ambiance. Parce que le spectre de Kurt continuait à planer tout au long de ces sessions. D’ailleurs on ressent très fort cette impression sur les quatorze chansons de cette œuvre, partagée entre compos percutantes et ballades émouvantes. Un opus pas toujours très abordable cependant, il est vrai. Mais chargé d'un feeling incroyable. Eddi Vedder y vomit sa colère et sa douleur avec une rage et une férocité désolée, sinistre et traumatisante. Les guitares se chargeant d'entretenir l'intensité malveillante, profanatrice, sanglante et vitale au rock de Pearl Jam !
Trois morceaux complémentaires également : une version alternative de "Better man", une autre de "Corduroy" et la démo de "Nothingman".
Venons-en à l’elpee live. Chargé d’intensité électrique, il reflète toute la fureur et le potentiel dont est capable de dispenser Pearl Jam, en live. Que ce soit les musicos ou Eddie Vedder, à travers sa performance vocale ou ses lyrics engagés. En outre, il épingle une superbe cover du "Sonic reducer" des Dead Boys, au cours de laquelle Mark Arm de Mudhoney vient les rejoindre sur les planches. Mais bien sûr, une sélection idéale puisée au sein du tracklisting des trois premiers opus.
Un nouvel album est donc bien en préparation. Et on l’attend impatiemment…
Pigeon John est la nouvelle signature du label d’Hervé Slaters, General Elektriks. Pas un néophyte, ce rapper américain puisqu’il a notamment milité chez L.A. Symphony et Brainwash avant de se lancer dans une carrière solo. C’était au cours des 90’s. « Dragon Slayer » constitue son premier opus concocté à l’aide de véritables musiciens. Extrêmement doué, marginal, ce Californien me fait parfois penser à Buck 65, mais en plus accessible et plus pop. Son hip-hop ludique et sans prise de tête, il le pratique dans l’esprit de Jurassic5 en compagnie desquels, il se produisait d’ailleurs au début des nineties.
Sans trop le savoir, vous êtes probablement passés, à côté de son tube imparable « The Bomb », consacré à la dernière pub Volkswagen. Outre ces considérations mercantiles, l’artiste possède quand même d’autres cordes à son arc. Aussi bien à l’aise dans le hip-hop potache, fun et laidback à la Josh Martinez (« Buttersoft Seats », « Ben Vereen »), ironiquement West Coast (« So Gangsta ») que bouleversant et grave (l’acoustique « Before We’re Gone »), son flow est impressionnant. Et les rares titres un peu bâclés (« Dude, It’s On ») ne gâchent pas un ensemble qui tient parfaitement la route. Si Sky Rock se meurt et Kanye West se prend pour dieu, Pigeon John est la preuve vivante que le Hip-Pop n’est pas mort !
C’est après une longue absence (19 ans !) que le groupe américain The Feelies sortira son prochain album. Intitulé « Here Before », il paraîtra ce 16 mai. Pour ce cinquième opus, la formation mythique a décidé d’expérimenter différents styles. A suivre, donc…
Dans le cadre de l’évènement ‘Si loin, si proche’ organisé par le Centre Culturel de Marchin (BE), le groupe Showstar propose de réaliser un EP de 4 titres sur l’utopie. Celui-ci se réaliserait en collaboration du 15 au 21 août avec des habitants de la région (musiciens, ingénieur du son, artiste/designer/graphiste) et l’enregistrement proprement dit, prévu du 22 au 27 août.
Retrouvez plus d’infos sur l’évènement en question sur http://fr.ulule.com/utopic-side-project/
'Lady Luck' n'a pas attendu que Jamie Woon l'invoque pour se pencher sur son berceau. A 27 ans, le Londonien a publié un premier EP « Wayfaring Strangers », très positivement accueilli par les critiques de tous bords. Quelques mois plus tard, fin 2010, il balance « Night Air », premier single extrait de son futur premier LP et emballe tout le monde, d'un même mouvement. S'ensuit le buzz que l'on connaît, amplifié par la BBC qui le présente alors comme l'un de ses chouchous, au sein de ‘The Sound Of 2011’, sa fameuse liste annuelle des artistes les plus prometteurs du moment. Et ce, au même titre que James Blake ou Jessie J. « Mirrorwriting », publié en avril, confirme le talent du jeune homme qui, comme James Blake ou The Weeknd, risque de faire pas mal d'émules dans la mouvance Electronica-Soul.
Il ne fallait pas être particulièrement clairvoyant pour deviner que Jamie Woon jouerait à guichets fermés ce 4 mars à l'ABbox. C'est donc une salle ultra-comble qui accueillait le Britannique venu présenter « Mirrorwriting », un premier disque mariant subtilement les éléments électroniques à une voix Soul particulièrement bien maîtrisée. En studio, Woon bidouille seul. Sur scène, il est accompagné de trois musiciens (laptop, batterie, synthés et basse) relégués au fond de la scène, pour donner la sensation d'un 'vrai live'. A 21h précises, diffusion sur ABTV oblige, le jeune homme s'avance sur l’estrade, un large sourire sur les lèvres et salue immédiatement le parterre avant d'entamer son set par l'hypnotique « Echoes ». S'ensuivent « Shoulda », « Middle », « Street » et l'excellent « TMRW » pendant lesquels Woon alterne entre sa console et sa guitare. La présence des musicos dans le dos du bonhomme, paraît légèrement futile tant il est évident que le chanteur aurait tout aussi bien pu se débrouiller seul, à l'aide d'un laptop ou autre, comme il le prouvera plus tard, durant le rappel.
Le set parcourt « Mirrorwriting » de long en large, opérant un arrêt obligatoire sur « Night Air » qui provoque les premiers réels soubresauts de motivation au sein du public. Soubresauts qui arrivent un peu tard puisqu'il s'agit de l'un des derniers morceaux de la setlist.
Jamie Woon revient quelques instants plus tard pour interpréter en solo un « Waterfront » à la gratte et un « Wayfaring Strangers » qu'il exécute de manière très approximative à l'aide de loops qu'il a l'air d'avoir encore un peu de mal à maîtriser. Les musicos refont ensuite surface pour un ultime « Lady Luck » qui incite gentiment les premiers rangs de l’audience à bouger ; mais il manque un peu de relief. Un problème certainement dû à l'absence des chœurs, qui font tout le charme du morceau dans sa version studio. Pour son premier passage sur les planches belges, Jamie Woon n'a pas du faire grand chose pour séduire un public apparemment déjà acquis à sa cause. Reste que le chanteur a encore une petite marge à réduire avant d'être tout à fait convaincant en ‘live’.
Organisation : AB
Si l’on en croit la grande toile, les prestations scéniques de Tides From Nebula sont réputées pour leur grande intensité émotionnelle. Depuis leur formation en 2007, ces militants de la scène post-rock polonaise ont foulé un bon nombre de planches européennes et ce, en compagnie d’une brochette impressionnante d’artistes internationaux. Au nombre de ceux-ci, figurent This Will Destroy You (us), Oceansize (uk), Pure Reason Revolution (uk), Ulver (nor), Shrinebuilder (us), God Is An Astronaut (irl) et bien d’autres encore. « Aura », le premier album paru en 2009 a reçu les critiques les plus enthousiastes de la part de la presse polonaise et s’est même classé assez haut dans les référendums de l’année 2009.
Dans le courant de l’année suivante, le quatuor s’isole dans les montagnes pour trouver la sérénité nécessaire à l’enregistrement d’« Earthshine », son second opus. Pour l’occasion, c’est un fan qui se réserve le contrôle de la console. Oh, pas n’importe quel fan, mais Zbigniew Preisner, un célèbre compositeur polonais de musique de films (NDR : connu du public français pour avoir décroché deux ‘Césars’ dans le cadre de son travail sur les longs métrages « Elisa » et « Trois Couleurs : Rouge »). Preisner a craqué pour la musique de Tides From Nebula en entendant un extrait d’« Aura », à la radio polonaise. Il s’est donc empressé de leur proposer ses services pour la production d’« Earthshine ».
Il n’est pas vraiment étonnant qu’un professionnel de la création d’ambiances musicales se sente attiré par les compositions de Tides From Nebula. Entièrement instrumental, le post rock ambiant des polonais, chargé d’émotions éthérées et d’intenses montées en puissance, pourrait, lui aussi, servir de support musical à une œuvre cinématographique.
Laissez-vous embarquer dans ce voyage intersidéral, à la découverte de superbes paysages sonores, vous ne le regretterez pas.
TETBB a enregistré son nouvel album en mars dernier à New York au studio NY Hed sous la houlette de Matt Verta Ray. Il a été produit par Jon Spencer ! L’opus sera définitivement masterisé le 10 mai et sa sortie ne sera pas prévue avant l’automne. Le groupe fait actuellement une grande tournée aux USA et au Canada.
Leurs prochains concerts :
18 mai 2011 : Nuits Botanique – Bruxelles (BE)
10 juin 2011 : Club de Gym – Besançon (FR)
11 juin 2011 : Coopérative de Mai – Clermont-Feerrand (FR)
18 juin 2011 : Fêtes de la Musique – Liège (BE)
24 juin 2011 : Le Rock Dans Tous Ses États – Evreux (FR)
2 juillet 2011: Rosrock – Rossum (NL)
30 juillet 2011 : BorgTour Festival – St Hubert (BE)
26 août 2011 : Brennestorm Festival – Reugny (FR)
9 septembre 2011 : Let There Be Rock – Vielsalm (BE)
Les Tindersticks se produiront en concert lors du festival du film de Bruxelles (Brussels Film Festival) le jeudi 23 juin à 20h30 au Palais des Beaux-Arts à la Salle Henry Le Boeuf. Ils n’y seront pas par hasard, en effet, le groupe compose depuis 1996 des musiques de films pour la réalisatrice française Claire Denis. Ils ont également édité un coffret 5 CD consacré à ces B.O., ce 26 avril : « Claire Denis Film Scores 1996-2009 ».
Mini Mansions publiera son premier album le 6 juin 2011. Il sera éponyme. Puisse leur musique psychédélique être à la hauteur de l’attente des fans !
Un extrait de cet opus, « Monk », est en écoute ici.
Ce 28 juin, la légende du rock Buddy Holly, mort dans un accident d'avion en 1959 à l'âge de 22 ans à peine, sera mis à l'honneur dans une compile-hommage ne réunissant que du beau monde. Parmi les invités de "Rave On Buddy Holly", on retrouve The Black Keys, Patty Smith, Lou Reed, Fiona Apple, My Morning Jacket, Florence + The Machine, Cee-lO Green et Julian Casablancas. Une compile qui risque fort bien de faire parler d'elle et de permettre aux plus jeunes de découvrir la discographie d'un personnage culte.
Tracklist:
The Black Keys: "Dearest"
Fiona Apple & Jon Brion: "Every Day"
Paul McCartney: "It's So Easy"
Florence + the Machine: "Not Fade Away"
Cee-Lo Green: "(You're So Square) Baby, I Don't Care"
Karen Elson: "Crying, Waiting, Hoping"
Julian Casablancas: "Rave On"
Jenny O.: "I'm Gonna Love You Too"
Justin Townes Earle: "Maybe Baby"
She & Him: "Oh Boy"
Nick Lowe: "Changing All Those Changes"
Patti Smith: "Words of Love"
My Morning Jacket: "True Love Ways"
Modest Mouse: "That'll Be the Day"
Kid Rock: "Well... All Right"
Detroit Cobras: "Heartbeat"
Lou Reed: "Peggy Sue"
John Doe: "Peggy Sue Got Married"
Graham Nash: "Raining in My Heart"
Taïfun roule sa bosse depuis 2002. Son style ? De l’emo-indie rock. Une formation belge qui partage régulièrement l’affiche avec Gâtechien, Passe Montagne ou Mutiny on the Bounty. Bien que faisant partie des meubles au sein de l’écurie liégeoise Honest House, le groupe n’avait pas encore enregistré d’album, mais un Ep en 2008, « Helmets on!!! It's raining scalpels ». « Trondheim » constitue donc son tout premier long playing. Un disque enregistré sous la houlette de Wouters Kors. Des sessions d’enregistrement qui se sont déroulées à Utrecht, aux Pays-Bas, et se sont soldées par la sélection de neuf morceaux étalés sur une bonne demi-heure.
Chez Taïfun on décèle pour influences majeures Modest Mouse (« Hearsay ») et Reiziger (« Fischermen »). Curieux, mais le combo va les accompagner pour quelques dates, dès la rentrée. Mais aussi Fugazi. Evidemment, ces références sont indicatives, car Taïfun fait avant tout du Taïfun. Et si ses compos sont empreintes de mélancolie, elles peuvent également monter en puissance. En fait, l’expression sonore est construite sur l’alternance constante entre moments plus paisibles et périodes plus intenses. Maintenant, on espère que Taïfun n’attendra pas huit nouvelles années avant de publier son second opus…
Haight Ashbury, le groupe écossais très prometteur, a récemment sorti son premier LP « Here In The Golden Rays ». Pour promotionner l’album, ils seront en concert au 104 (Paris) le 28 mai 2011.
Découvrez le groupe sur : http://www.myspace.com/haightashburyuk
Le troisième album solo de Gavin Friday, « Shag Tobacco », considéré comme l’un des classiques de l’histoire de la musique rock, va être réédité le 9 mai 2011 ! Gavin a notamment fait partie du célèbre groupe ‘Punk’ des années 80 : les Virgin Prunes ! L’Irlandais est un très grand ami de Bono. Il avait été par ailleurs invité à travailler sur un album de U2 ! Autant vous dire que le rockeur de 51 ans cette année a encore des surprises à nous réserver…
« Kaputt », le nouveau disque de Destroyer, sortira le 13 juin 2011 chez Dead Oceans (distribution Konkurrent).
Le band Zita Swoon Group est à l’origine de la création de « Wait for me », projet musical avec des griots burkinabés, poètes musicaux et gardiens des traditions orales. Le leader Stef Kamil Carlens puise ses racines dans le blues européen alors que celles des Burkinabés Mamadou Diabaté (balaphone) et de Awa Démé (chant) sont ancrées dans le mandingo, musique traditionnelle d’Afrique de l’Ouest.
Les premières représentations du groupe se joueront du 12 au 15 mai au WCC Zuiderpershuis, à Anvers.
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