"To Be Felt", c’est le dernier single d'Egyptian Blue, extrait de son très attendu premier album, "A Living Commodity", qui sortira le 27 octobre. Produit par Theo Verney, collaborateur de longue date du groupe, "To Be Felt" manifeste une ambition, une faim et une dimension sonore indéniables. C'est un hymne alternatif en puissance. Ses atmosphères glitchy, post-rock-meets-shoegaze sont unies par le sentiment cohésif d'un groupe live viscéral et palpitant qui fonce, tout en gardant la rigueur et le contrôle nécessaires pour éviter de dérailler. Encore un autre indice musical qui confirme la réputation d'Egyptian Blue comme l'un des meilleurs nouveaux groupes de guitares du Royaume-Uni.
"To Be Felt" est disponible sous forme de clip là
En concert le 3 décembre 2023 à l’Aéronef de Lille.
Le nouvel album des Vaccines, « Pick-Up Full of Pink Carnations », sortira ce 12 janvier 2024. Produit par Andrew Wells (Halsey, Phoebe Bridgers), il s’agira du sixième elpee studio du groupe londonien. De la guitare pop classique inspirée des années 60 filtrée par la new wave, et autant d'euphorie que de mélancolie. Parallèlement à cette annonce, le groupe partage son nouveau single hymnique « Heartbreak Kid », un classique instantané de Vaccines qui a été dévoilé lors d'un concert secret accordé à Londres, plus tôt cette année.
Le titre de l’opus s’inspire d’une parole mal mémorisée d’« American Pie » de Don McLean, une chanson qui, pour Young, évoque à juste titre la mort de l’innocence et du rêve américain. Après avoir déménagé à Los Angeles, Young a été contraint de faire face à la désillusion qui survient lorsque les attentes, les rêves et la réalité ne se rencontrent pas vraiment.
« Heartbreak Kid », le nouveau single, est en écoute là
Moins de six mois après avoir publié l’album "Tracey Denim", bar italia nous en propose un second au cours de la même année 2023. Intitulé "The Twits", il sortira ce 3 novembre. Il a été enregistré par le trio pendant huit semaines, à partir de février 2023, dans un home studio improvisé à Majorque, et a été mixé par Marta Salogni. L'art de la chanson de bar italia, à la fois économe et évocateur, y prend des tournures rauques, mystiques, négligées, parfois sinistres et totalement engagées.
Issu de ce futur opus, « My little Tony » est disponible sous forme de clip là
En concert
Samedi 25 novembre – Trix, Anvers
Dimanche 26 novembre – Botanique, Bruxelles
Sleaford Mods publiera un nouvel Ep de six titres, « More UK Grim », le 20 octobre 2024. Enregistrées en même temps que son elpee « UK Grim », les nouvelles compos continuent de critiquer et paradoxalement de célébrer notre époque turbulente. Son premier single, « Big Pharma », affiche la même approche lyrique que le dernier opus. Le titre est accompagné d'une vidéo d'animation satirique réalisée par Sean Sears, qui a appliqué sa vision caractéristique à l'examen des conséquences d'une ‘philosophie’ de la santé qui privilégie la consommation d'urine par rapport à des traitements médicaux soigneusement étudiés. Et elle est disponible là
En concert :
15/10 - Belgique - Anvers - De Roma (SOLD OUT)
Au fil des années, Timber Timbre est parvenu à s’imposer comme une figure incontournable de la scène indé folk. Drivé par le chanteur et guitariste canadien Taylor Kirk, le groupe incarne une esthétique folk qui ne ressemble à aucune autre. Depuis son premier opus éponyme paru en 2010, Timber Timbre cultivait ce don unique de nous captiver, nous hypnotiser. Gothique sans être sombre, chaque album sonne comme une bande-originale d’une nouvelle fresque musicale que l’on se surprend à écouter avec recueillement. Six ans après la sortie de « Sincerly, Future Pollution », qui a rencontré un succès mondial, Timber Timbre sortira « Lovage », ce 6 octobre 2023. Une œuvre profondément poétique qui parvient brillamment à combiner des influences disparates, voire incompatibles.
En concert
12.11.23 – Sonic City Festival, Courtrai
Issu de cet elpee, la vidéo de « Sugar land » est disponible là
The National a sorti un album ‘surprise’ ce 18 septembre. Il s’agit du second elpee gravé en 2003. Intitulé « Laugh Track », il fait suite à « First Two Pages of Frankenstein », paru en avril dernier.
La formation a peaufiné la plupart de ces morceaux lors de concerts en tournée cette année, et a capturé ces versions revigorées lors de sessions impromptues au studio du producteur Tucker Martine, à Portland. La dernière chanson de l'opus, « Smoke Detector », d'une durée de près de huit minutes, a été enregistrée en juin lors d'un soundcheck à Vancouver, complétant ainsi une œuvre pleine de spontanéité et d'énergie rock vintage qui complète parfaitement les chansons de son prédécesseur, plus introspectif.
Lors des sessions, le groupe a reçu le concours de Phoebe Bridgers, Rosanne Cash et de Bon Iver pour « Weird Goodbyes », morceau qui avait déjà été publiée en août 2022.
Au fil des ans, Aaron admet que The National a souvent renoncé à l'idée de réaliser un album de rock. Mais pour la circonstance, le band a voulu faire quelque chose de plus vivant, afin que le jeu de Bryan soit plus déterminant. A l’écoute des trois titres disponibles sur Bandcamp, on ne peut pas dire qu’il existe une grande différence entre les deux derniers long playings…
Le titre maître, featuring Phoebe Bridgers, est en écoute ici
Whispering Sons vient de sortir un nouveau single. Intitulé « The Talker », il ne ressemble à aucun autre titre du groupe. L’atmosphère est toujours post punk et le contralto caractéristique de la chanteuse Fenne Kuppens, bien présent, mais le riff est joyeux voire frivole ; et il pétille d'humour sarcastique.
La vidéo du single (à découvrir ici) constitue le chapitre central d'un court-métrage en trois parties. Le film complet, intitulé ‘Balm (After Violence)’, sera présenté en avant-première au Film Fest Ghent lors d'une projection spéciale et d'une performance en direct.
Le groupe accordera une série de concerts exclusifs dans de petits clubs à l'automne avant d'entamer une tournée européenne complète au printemps 2024. Il se produira également au festival Iceland Airwaves cette année et assurera la première partie de The KVB à Londres.
En concert
05.10.2023 — VOLTA, BRUSSELS
06.10.2023 — STORMKOP, ANTWERP
07.10.2023 — AFF, HASSELT
12.10.2023 — FILM FEST GHENT, GHENT (19.00PM)
12.10.2023 — FILM FEST GHENT, GHENT (21.00PM) SOLD OUT
The Bony King of Nowhere, c’est le projet de Bram Vanparys. Il faut avouer que son nouvel elpee se fait attendre, en partie à cause de cette volonté d'évolution artistique. Son dernier, « Silent days », remonte déjà à septembre 2018. Le premier single, « Are You Still Alive », met en lumière certains schémas de la société, notamment l'impact des médias sociaux sur les relations interpersonnelles et le bonheur. La question va bien au-delà du simple titre de la chanson. Elle remet en question notre comportement dans la société quotidienne, de multiples façons. Inspirée par les observations de nombreux sociologues, la nôtre est la plus solitaire qui soit.
La chanson elle-même promet un nouvel album plein de punch et d'énergie, tandis que Vanparys nous montre toutes les nuances de sa voix.
« Are you still alive » est disponible sous forme de clip là
Si les légendes de la chanson, en particulier Neil Young et Bob Dylan, ont toujours tenu compagnie à Bram, ses dernières compositions s'inspirent également d'artistes contemporains. Les influences de PJ Harvey, Blur et Nick Cave sont manifeste et on décèle même des traces de Led Zeppelin à l'écoute de sa musique. Tout en restant fidèle à son style d'écriture sincère et à sa voix captivante, le Bony King of Nowhere se lance dans un voyage vers des domaines musicaux et thématiques inexplorés.
Bercé par le rock indé depuis ses débuts, scrapidoh était à l’origine le projet solo de Seb Vanneste. Né en pleine gestation post-covid, il s’est transformé en groupe pour le défendre en ‘live’ : Matt à la basse, Jean a la guitare, FJ à la batterie ainsi que Seb au chant et à la guitare. Seb reconnaît pour influences majeures Sebadoh, Sentridoh, Dinosaur Jr, The Bevis Frond et Smudge. Et les références ne sont pas saugrenues. Rien que le patronyme de la formation réverbère des accents empruntés à deux formations de Lou Barlow. scrapidoh publiera un premier Ep baptisé « Demo Tapes I/II », au cours de ce mois de septembre. Et si vous souhaitez en savoir plus, cliquez sur le nom du groupe dans le cadre ‘Informations complémentaires’, vous y retrouverez tous les liens des réseaux sociaux qui vous permettront d’écouter la musique de ce combo dont les musicos sont basés en région picarde (Mouscron, Lille, …)
Le nouvel LP de Milk TV paraîtra ce 13 octobre 2023.
« Run To Buy Vacuum », c’est le premier single radical et puissant issu de l’elpee qui sortira le 13 octobre 2023, « Neo-Geo ». Un rythme hypnotique, entrecoupé de breaks et de rythmes chaloupés, à l'instar du rythme frénétique imposé par notre société effrénée.
Sur cet opus, le trio emmène sa musique vers des terrains de jeu encore plus versatiles. Enregistrés à la suite d'une longue tournée, les neuf titres de cet album forment un étonnant kaléidoscope art-rock, peut-être plus intuitif et efficace que le précédent.
Formé à Bruxelles en 2017, Milk TV s'est abreuvé à de nombreuses sources, étanchant une énorme soif d'inspiration pour créer un univers singulier, empreint de nostalgie et de cynisme à l'égard de la pop culture anglo-saxonne. Celle des programmes télévisés bon marché, des publicités géantes pour les bouteilles de lait, mais surtout celle de l'underground, de la no-wave new-yorkaise et de la scène noise californienne.
« Run To Buy Vacuum » est disponible sous forme de clip là
Dans la droite ligne de son premier opus, mais les curseurs poussés à fond, Holy Bones poursuit sa route avec « Alma perdidA », un concept album écrit et réalisé comme la BO d'un film qui n'existe pas !
Un road movie en Cadillac aux abords de la frontière mexicaine, en quête de cette élégance mystique que l'on croise a cœur des nuits hantées du rock'n'roll, dans le désert de l'Indie folk la plus pure ou sous le soleil de l'Americana.
Un répertoire varié donc, épicé d'une touche d'espagnol et de français, qui suit les émotions d'un personnage au volant de sa Cadillac sur les traces de son âme perdue, de son Eldorado… mais des morceaux unis, balayés par le même vent chargé de poussières et de mélodies qui donnent à Holy Bones sa marque de fabrique.
Issu de cet opus, « It’s gonna be alright ? », un clip épique, hippique et psychédélique est disponible là.
Monde UFO, le duo composé de Ray Monde et Kris Chau, basé à Los Angeles, propose un coucher de soleil monochromatique qui éveille les sens. Un voyage sonore à travers le psychédélisme, le space rock et le jazz. Un espace cosmique où Spacemen 3 rencontre Vanishing Twin et Sun Ra. « 7171 » incarne parfaitement les tendances aussi bien lo-fi que hi-fi qui ont contribué à définir le groupe.
La réédition de « 7171 » comprend le très recherché Ep « 4 Songs », une réimagination complète de certains des premiers classiques de Fugazi, des chansons qui prennent une vie propre, perdues dans la brume et le psychédélisme sucré.
‘Nous reprenions « I'm So Tired » depuis un certain temps, Aquarium Drunkard nous a demandé de participer à l'une de leurs Lagniappe Sessions. Il s'agit d'une série où les groupes reprennent certaines de leurs chansons préférées. En discutant avec leur rédacteur en chef, il a suggéré que nous fassions tout un tas de chansons de Fugazi, ce que j'ai immédiatement adoré et craint en même temps. Nous avons repris « I'm So Tired » parce que c'était la plus facile à faire et que c'était amusant pour Chau de chanter dessus. Mais lorsque j'ai commencé à parcourir la discographie pour choisir des chansons, la première que j'ai mise a été « Cash Out » - j'ai tout de suite su que c'était la suivante, en raison de sa pertinence contemporaine, non seulement pour Los Angeles, mais aussi pour une grande partie du monde. « Long Division » était l'un de mes morceaux préférés de « Steady Diet of Nothing », le premier disque de Fugazi que j'ai possédé ; plus que jamais, il est vraiment poignant à l'époque où nous vivons. « Version 2 » est notre interprétation de « Version » de « Red Medicine », mon disque préféré de Fugazi.
La version augmentée de « 7171 » sortira le 17 novembre 2023.
L’album est en écoute ici
« Into The Open » a été créé en 2021 pour servir de B.O. au spectacle de danse du même nom de Lisbeth Gruwez/Voetvolk. Alors que les partitions pour la danse sont souvent créées en réponse à la chorégraphie, ces chansons ont d'abord existé sous leur forme séminale. Elko Blijweert (a.o. Dead Man Ray, mais aussi simplement une légende belge de la guitare), Frederik Heuvinck (a.o. A Brand) et Maarten Van Cauwenberghe (a.o. Babyjohn) ont développé un certain nombre de structures basse-batterie-guitare sur lesquelles Lisbeth Gruwez et les danseurs ont construit le spectacle. Ensemble, ils ont cherché une nouvelle forme. Quelque chose comme un concert de rock se transformant en danse contemporaine. Avec une musique serrée, répétitive et particulièrement bruyante qui laisse toute la place à un langage gestuel sauvage et stimulant. C'est devenu un spectacle très excitant. Littéralement : sexy. Le 24 février 2022, il a eu l'honneur de rouvrir l'Ancienne Belgique de Bruxelles après la crise de la COVID.
A l’issue d’une première tournée, Dendermonde a pensé qu'il était temps d'entrer en studio et d'enregistrer un album. C'est ce qui a toujours été prévu. Il ne s'agissait pas d'enregistrer un live, mais d'explorer davantage les compositions d'un point de vue sonore. Ce n'est autre que Dan Lacksman de (entre autres) Telex qui était derrière les commandes. « Into The Open » (le disque) constitue donc la prochaine aventure de ce projet.
Musicalement, on entend parfois fortement les influences de Can, Neu ! et autres bands de krautrock dans des compos qui se construisent lentement, jusqu'à un climax inéluctable. Et parfois, les choses explosent immédiatement, dans des morceaux qui se rapprochent davantage de l'électro des Chemical Brothers ou même du punk. Tout au long de « Into The Open », Dendermonde prépare une nouvelle infusion vitale de plusieurs décennies de musique exaltante (années 70, années 90...) d'une manière intelligente et intuitive.
Le titre maître est paru en single et est en écoute ici
Issu de Melbourne, en Australie, The Murlocs est le side project d’Ambrose Kenny-Smith, mieux connu comme chanteur/guitariste/claviériste chez King Gizzard & The Lizard Wizard (NDR : non content d’être prolifique, le collectif se distingue par des tas de side-projects). Et le bassiste de cette formation, Cook Craig, participe également à cette aventure. Le patronyme s’inspirerait d’une créature mythique qui se passionne pour l'oracle. Mais les murlocs sont également des créatures de jeux vidéo…
Au sein de ce band, Ambrose se consacre à la guitare ainsi qu’à l’harmonica et Cook se cantonne à la basse. Le line up est complété par Cal Shortal à la sixcordes, Tim Karmouche aux synthés et Matt Blach aux drums. A son actif, 7 elpees, dont le dernier, « Calm Ya Farm », est paru en mai dernier. Une œuvre abordée sous un angle davantage country.
La dernière date de la tournée passe donc par l’Ancienne Belgique, transformée en ABBox, ce vendredi 22 septembre. Qui en accueillant 600 personnes, est sold out.
Le supporting act est confié à un autre groupe aussie, The Prize. The Prize a déjà assuré les premières parties de King Gizzard & The Lizard Wizard pour toute une série de concerts et maintenant il s’y colle pour The Murlocs. A son actif, un LP éponyme, paru en 2022, et un Ep 4 titres, « Side Of Town », sorti la même année.
Outre deux guitaristes, un bassiste et un claviériste, le band implique une batteuse/chanteuse. Les musicos se présentent en ligne, mais c’est sur Nadine que tous les regards se focalisent. Elle possède une superbe voix, proche de Lzzy Hale, la chanteuse de Halestorm (qui se produira bientôt dans la même salle). Elle est parfois épaulée aux vocaux par les autres membres du band, et notamment par un des guitaristes. Son drumming est à la fois nerveux et puissant. Il semble même hérité du punk. Elle parvient à cumuler les deux fonctions, sans jamais perdre son souffle. Les mélodies sont entraînantes. Parfois on pense aux Chats ou aux Breeders. Et l’intensité électrique atteint son paroxysme, lorsque trois sixcordistes entrent en action.
Le combo n’en oublie pas son tout dernier single, « First Sight » et clôt sa prestation par un « Had It Made » particulièrement accrocheur. Une belle découverte.
Setlist : « Easy Way Out », « Don't Know You », « Don't Need 'Em », « Say You're Mine », « Down The Street », « Static Love Affair », « First Sight », « Wrong Side Of Town », « From The Night », « Had It Made »
Pendant que les musicos s’installent, les baffles crachent le « Moskow Diskow » de Telex. Une tenture plissée sert de décor en fond de scène. Elle changera de teinte en fonction du light show. Tel un gladiateur conquérant, Ambrose débarque le dernier.
Dès le départ, The Murlocs attaque pied au plancher. La musique oscille entre psyché/rock, country/rock et boogie. Un style plus homogène que celui de King Gizzard, qu’on pourrait qualifier d’hétérogène.
Mais on reconnaît immédiatement la voix particulièrement nasillarde d’Ambrose et les effets qui la triturent, vocodée ou distorsionnée. Les riffs de guitare sont acides. Le drumming est aussi redoutable que fulgurant et le clavier rogné, vintage, libère des sonorités davantage 'Booker T. esque' (Booker T. Jones) que 'Manzarekiens’ (Ray Manzarek, le légendaire claviériste des Doors). Sans oublier l’indispensable harmonica de Kenny-Smith sans qui le spectacle ne serait pas le même. Ambrose déclare d’emblée que le public bruxellois doit se montrer plus énergique que celui qui l’avait accueilli à Paris, la veille, au Trabendo. Et il n’en faut pas plus pour que le foule s’enflamme. Et comme il saute comme un kangourou, les spectateurs multiplient les pogos.
Issus de « Rapscaillon », les trois premiers morceaux sont particulièrement énergiques. Avant d’attaquer « Common Sense Civilian », le leader déclare : ‘Suis-je déjà ennuyeux ?’ et embraie par ‘Je préfère être ennuyeux que d'être aussi ennuyeux qu'Ed Sheeran’. La foule apprécie cette subtile taquinerie, puisqu’elle se remet vite à danser. Néanmoins, on ne peut pas dire que le quintet soit loquace, se consacrant essentiellement à son répertoire qui va puiser dans presque toute sa discographie, dont quatre extraits du dernier long playing, « Calm Ya Farm », et sept de « Rapsacaillon », un opus plutôt autobiographique.
Hormis la ballade « Comfort Zone », dansante, la première heure de concert libère énormément de groove. Dès qu’Ambrose signale qu'il n'a plus besoin de son mellotron, utilisé pour « Loopholes », le set passe à la vitesse supérieure. Ainsi, un premier mosh pit éclate dès « Wickr Man », dans la fosse. L’ambiance est phénoménale, alimentée par une diaspora australienne bien représentée. C’est littéralement de la folie, dans le public. Un de ces moments que l’on vient chercher en concert et que l’on n’est pas près d’oublier. « Bobbing And Weaving » vient confirmer cet instant de grâce par une puissance et une communion extatique entre public et Ambrose, par rapport au précédent titre.
Après la pépite garage/punk « Bellarine Ballerina », le set s’achève par « Rolling On » qui vient finir d’épuiser un public qui se sera autant dépensé que les artistes sur les planches. Pas de rappel, mais le dernier single des Stones, « Angry », en guise d’outro préenregistrée. Une grosse claque après une belle découverte. Quelle magnifique soirée !
Setlist : Intro : « Moskow Diskow » (Telex song)
« Subsidiary », « Virgin Criminal », « Living Under A Rock », « What If ? », « Common Sense Civilian », « Withstand », « Russian Roulette », « Comfort Zone », « Queen Pinky », « Initiative », « Bowlegged Beautiful », « Loopholes », « Wickr Man », « Bobbing And Weaving », « Skyrocket », « Francesca », « Noble Soldier », « Reassurance », « Bellarine Ballerina », « Rolling On.
Outro : « Angry » - (The Rolling Stones song)
(Organisation : Ancienne Belgique)
L’interview de SOROR se déroule un peu avant la release party de son premier elpee, « New Born », le jeudi 21 septembre 2021, dans les loges du Botanique, en présence des quatre membres de la formation bruxelloise. SOROR, qui signifie sœur en latin, est né de la rencontre entre Sophie Chiaramonte et Alice Ably. La première, passionnée de rock, se charge de la basse. La seconde, chanteuse, bercée au trip-hop et r&b des années 90, vient d’avoir un bébé. A l’instar de Julie Rens et Sasha Vonk chez Juicy, elles sont devenues inséparables, voire fusionnelles.
SOROR, c’est un groupe ou un duo ?
Un peu les deux. Le groupe réunit Sophie a la basse, Alice au chant, Thibaut à la guitare et Théo à la batterie. Et puis c’est un duo, puisqu’il est né de la rencontre entre deux filles qui ont eu un véritable coup de cœur pour faire de la musique ensemble… c’est finalement devenu une histoire d’amitié et une petite entreprise.
Quelles sont vos influences ?
On aime mêler les genres même si la base est plutôt rock. Les influences oscillent de Cat Power à Radiohead en passant par Warpaint…
Qui a produit l’album et comment se sont déroulées les sessions ?
Il est auto-produit et a été enregistré à Bruxelles, au Zinnemann, sous la houlette de Dries Van Ende. On l’a réalisé tous ensemble et réarrangé sur place.
Quel est votre processus de création : idées, musique, paroles, refrains, etc. ?
Tout commence par un riff de basse, sur lequel on pose la voix. On a toujours les paroles, à disposition. Et sur cette base, on compose et réarrange le tout collectivement.
Comment définissez-vous votre son ?
Il est organique.
Et la voix d'Alice ?
Elle est cassée, fragile, mais peut aussi avoir du coffre… comme la chanteuse… (rires)
D’après ce que je peux lire, vos concerts sont très dynamiques. Ce sera une découverte, pour votre interlocuteur. Vous avez participé, il me semble, à une résidence, Que vous a procuré une coach vocale ?
De la discipline. Elle nous ouvre les yeux sur la manière de jouer ensemble, de mieux comprendre ce qu’on interprète et de le vivre pleinement...
Pourquoi avoir intitulé votre premier elpee, « New Born » ?
C’est notre premier bébé. Il se réfère à la naissance de notre musique mais aussi de l’enfant d’Alice qui a grandi dans son ventre avant d’entrer dans la vie… Les compos ont été composées pendant sa grossesse. Il donc devenu source de création et d’inspiration.
Quels sont les derniers disques que vous avez écoutés, dernièrement ?
Ceux de Phoenician Drive et de Puma Blue…
Etes-vois engagés dans des projets parallèles ? Si oui, lesquels ?
Pour trois d’entre nous, il s’agit de notre premier projet. Pour Théo, non. Théo Lanau est batteur, improvisateur et compositeur originaire du sud-ouest de la France. Il a découvert le jazz au collège de Marciac, puis étudié à l’école de batterie Agostini Toulouse et au sein des conservatoires de Paris, Budapest et Bruxelles. Il notamment milité chez Limite, Le Bal de Marie Galante, Amaury Faye Trio, Terpsichore, Mobilhome, Pétrole et Omega Impact, pour n’en citer que quelques-uns
Y a-t-il des formations ou artistes belges que vous appréciez tout particulièrement ?
Édouard Van Praet, ViCTORIA + Jean, Warhaus, dEUS…
Et sur le plan international ?
Radiohead !
Une tournée est-elle prévue, et notamment à l’étranger ?
Oui, en France et en Allemagne
Comment qualifieriez-vous votre style musical ?
De ‘dream rock’, même s’il n’existe pas encore. C’est un rock planant, tour à tour doux ou tranchant, à fois mélancolique et groovy…
Ce jeudi 21 septembre 2023, c’est la ‘release party’ de SOROR, une formation bruxelloise née de la rencontre entre Sophie Chiaramonte et Alice Ably. La première, passionnée de rock, se charge de la basse. La seconde, chanteuse, bercée au trip-hop et r&b des années 90, vient d’avoir un bébé. Ce qui explique le titre de l’album, « New born ». Depuis 5 ans, à l’instar de Julie Rens et Sasha Vonk chez Juicy, elles sont devenues inséparables, voire fusionnelles.
SOROR signifie sœur en latin. Il ne s’agit cependant pas d’un duo, mais d’un quatuor, puisqu’il implique le batteur Théo Lanau (NDR : issu de la scène jazz, il a milité, notamment, au sein de Limite, Le Bal de Marie Galante, Amaury Faye Trio, Terpsichore, Mobilhome, Pétrole et Omega Impact) et le guitariste Thibaut Lambrechts. Mais ce sont les filles qui dirigent la manœuvre ; elles reconnaissent d’ailleurs être féministes, mais sans tomber dans le radicalisme.
Fondé en 2020, Warm Exit assure le supporting act. C’est également un quartet réunissant le bassiste/chanteur Max Poelmann, le drummer Martin Tafani, le préposé au synthé Joris Vanshoren et le guitariste/chanteur Valentino Sacchi. A son actif, un Ep éponyme (4 plages) paru en 2023, et un single deux titres, « TV/Ultra Violence », en 2021. Un nouvel Ep (8 pistes) sort dans un mois, il s’intitulera « Ultra Violence ».
La Rotonde est déjà bien remplie lorsque l’autre formation bruxelloise grimpe sur les planches. Look à la Mountain Bike, cheveux au vent, Max est vêtu d’un short. A l’écoute de la musique de Warm Exit, on pense successivement à Wire, Crass, P.I.L., Nirvana et pour les plus contemporains à Pearl Jam, mais surtout au band canadien METZ ; et pour les combos belges le spectre des défunts Cocaïne Piss et Raketkanon se met parfois à planer. Outre le punk, le grunge, la noisy et l’indus, le groupe puise également ses références dans le krautrock pour concocter une expression sonore qu’on pourrait qualifier de virile, torturée et intense.
La ligne de basse est entêtante, le drumming tribal, la sixcordes régulièrement discordante est parfois traversée de larsens. Le chant peut s’assimiler à des cris, être vocodé, devenir grave, passer au murmure, au gémissement ou se désarticuler. Excitant, le premier morceau, « Damages Become A Necessity » permet de pénétrer au sein de l’univers tourmenté de Warm Exit. La basse y est légèrement désaccordée, comme celle de Chris Slorach, du groupe torontois susvisé. A ce moment précis, on a même l’impression d’entrer dans un macrocosme industriel. « Become The Butcher » est aussi tranchant. La guitare devient littéralement incendiaire pendant « Concrete Fascination ». Les morceaux sont, en général brefs et rapides.
Un set aussi sauvage qu’accrocheur !
Setlist : « Damages Become A Necessity », « Become The Butcher », « Positive Anxiety », « Concrete Fascination », « Too Many Faces », « Extraordinary Murders », « Ultra Violence », « Auto-Destruction ».
Lorsque SOROR monte sur les planches, la Rotonde est bondée. Le set s’ouvre par « Sister », un extrait du premier Ep (NDR : un éponyme) paru en 2021. La batterie est puissante et tranchante, la ligne de basse omniprésente et la voix d’Alice, habitée, atmosphérique, incantatoire. Campant un hybride entre Beth Gibbons (Portishead), P.J. Harvey, Siouxsie et Björk, elle prend directement aux tripes. Quelquefois, Sophie vient également l’appuyer de la sienne, nous réservant alors de superbes harmonies. Huileuse, subtile, la guitare monte progressivement en puissance. Organique, le son définit la ligne de conduite du groupe. Quant à la musique, bien que fondamentalement rock, elle est pimentée de de saveurs psychédéliques contemporaines, de nuances trip hop et d’accents r&b circa 90’s.
Les compos sont profondes, sombres et mélancoliques. Dispensées par petites doses, les interventions des claviers peuvent se muer en sonorités vintage, très sixties, comme celles d’un orgue Hammond. La section rythmique est parfaitement en phase.
Poursuivie par des percus percutantes, la basse attaque de manière frontale « System Is A Lie ». Les textes sont engagés. Ainsi cette chanson accuse les gouvernements de nos sociétés d’afficher une vision démocratique alors qu’en réalité, elle est oppressive. « Shadow Of A Doubt » invite à ne pas retourner dans le passé, mais plutôt de foncer vers l’avenir. La voix d’Alice devient alors caustique pendant que son corps ondule et se trémousse sous le light show de couleur rouge, nous plongeant au sein d’une ambiance mystérieuse et un peu démoniaque…
« Bohemian Paradise » c’est l’histoire du road trip d’un gitan qui part de Bruxelles, traverse les pays de l’Est et atteint ‘Le paradis de Bohême’ une région de moyenne montagne située au nord de la Tchéquie, sur le cours moyen de la Jizera. Il est particulièrement renommé pour ses villes de rochers en grès. Le séjour y est presque idyllique, mais lors du retour, le voyageur transite par Berlin et le périple s’achève en cauchemar. Ce morceau hypnotique et langoureux baigne au cœur d’un climat plus psyché. Groovy et lancinante, la ligne de basse est rappelée à l’ordre par les guitares effilées. La voix devient envoûtante et le drumming tribal (NDR : le clip vidéo de ce titre est disponible là).
En écoutant attentivement « Humdrum Route », un extrait du premier Ep, on a parfois l’impression de se retrouver lors d’un concert de Siouxsie & The Banshees, lorsque Robert Smith y militait encore à la guitare. C’était en 1979 ! A d’autres moments, la six cordes libère des sonorités réverbérées, surf même. « Wish » est dispensé dans une version acoustique. Conquise, la foule écoute le morceau religieusement.
SOROR accordera « Copy Of You » en rappel. Un chouette concert pour un groupe qui mérite manifestement qu’on s’y intéresse. Enfin, si vous avez l’opportunité d’assister à sa prestation en ‘live’, n’hésitez pas, elle en vaut le détour !
Setlist : « Sister », « System Is A Lie », « Shadow Of A Doubt », « Bohemian Paradise », « Humdrum Route », « New Born », « Wish », « The Only Way Out », « Wash Bleeding ».
Rappel : « Copy Of You ».
(Organisation : Botanique)
25 ans de carrière déjà pour Califone, la protéiforme formation emmenée par l’ex-Red Red Meat, Tim Rutili. Son rock expérimental rayonne depuis plus de 2 décennies, de Chicago à Los Angeles, et revêt des habits particulièrement accessibles sur cette nouvelle œuvre mêlant habilement power-pop (« McMansions »), folk (« Villagers », « Skuknkish ») ou r’n’b mutant à la Lambchop (« Eyelash »). Un mix charmant et mélancolique, d’apparence simple mais d’une réelle complexité sonore, bercée par la voix chaude de Rutili. Une belle porte d’entrée dans un univers unique qui pourrait s’ouvrir à un large public…
Formé par les natifs de Los Angeles, Matt Clark (chant/guitares), Scott Freak (batterie) et Kendall Clark (basse), Dead Soul Revival a acquis une certaine notoriété après avoir participé à la B.O. de la célèbre série américaine ‘The Big Bang Theory’ pour son titre « Into A Hole ». Le band nous propose un heavy rock alternatif, mais en général accessible et adapté à la bande FM.
Premier elpee de la formation, « Ignite » déborde d’énergie et d’urgence. En 12 titres, le groupe montre clairement qu'il a une vision unique du style à travers des refrains accrocheurs et une production impeccable.
L'album démarre par une reprise puissante du « The Hand That Feeds » de Nine Inch Nails. Véritable brûlot, mais entraînant, « Black Roses » véhicule des accents pop, les guitares et les ivoires s'intègrant parfaitement dans l'ensemble.
« Let It Ride » constitue une pièce essentielle de cet opus. Un rock qui groove grave. Un solo classique de sixcordes communique de la douceur à « Nothing Left », un morceau inspiré par la pandémie et les sentiments de frustration qu’elle a suscités chez beaucoup d’entre nous.
Hymnique, « Monsters In My Head » est destiné aux grandes salles et aux stades.
Dead Soul Revival mêle volontiers les genres. Ainsi, du rap s’immisce dans les lignes vocales de « In This Moment », alors que la mélodie est bien mise en exergue par le clavier.
Dans l’esprit d’un Bring Me The Hrizon, « Still Frames » se nourrit davantage d’électronique.
« Breathe » déclenche une urgence rythmique. « In The Meantime » est une adaptation d’un classique de Spacehog, un groupe de glam/rock alternatif américano-britannique (NDR : les musicos sont originaires de New York et Leeds) qui ont sévi de 1994 à 2002 avant de se reformer en 2008.
« Down For The Last Time » s’intéresse aux excès du rock n'roll.
L'album s’achève par des versions acoustiques de « Black Roses » et de « Breathe ». Plus douces et plus cool, elles permettent de démontrer le large potentiel offert par Dead Soul Revival en termes de savoir-faire et de composition.
Originaire de Portland, dans l’Oregon, Maita c’est le projet de », Maria Maita-Keppeler. Un an après avoir publié son elpee « I Want To Be Wild For You », elle a décidé de dépouiller ses morceaux de tous leurs artifices afin de les réenregistrer sous forme acoustique. Elle ne fait d’ailleurs pas les choses à moitié puisque d’un pop-rock énergique et efficace, la songwritrice est passée à un folk minimaliste. Impossible de tricher en se cachant derrière des effets ou autres nappes d’instruments. Accompagnée simplement de sa sèche, elle pose sa voix avec subtilité et délicatesse. Le résultat est bluffant. Du premier au dernier morceau, Maita parvient à nous transporter. « Loneliness » permet ainsi de dévoiler une artiste complète que l’on suivra de près au cours des prochaines années…
Art Feynman, c’est le pseudo de l'artiste visuel et producteur Luke Temple. Son nouvel album, « Be Good The Crazy Boys », sortira ce 10 novembre 2023. Jusqu'à présent, Art Feynman était strictement un projet solo, un moyen pour Temple d'explorer des paysages sonores surprenants sans le fardeau de l'identité.
Le premier single, « All I Can Do », est enveloppé de synthétiseurs chatoyants, de percussions et de guitares qui créent un lit groovy pour les voix. ‘Il s'agit en quelque sorte de l'effet papillon que nous avons sur nos propres vies, explique Temple. ‘Ce qui semble être une erreur dans le passé ou le présent peut être à l'origine d'une sorte de succès dans le futur. Dans la vie, nous sommes influencés par bien plus que ce dont nous sommes conscients et, le plus souvent, ce n'est qu'en commettant l'erreur et en en subissant les conséquences que l'inconscient devient conscient. C'est pourquoi le recul est toujours de 20/20’.
Le clip de « All I Can Do » est disponible ici
Contrairement aux deux premiers albums d'Art Feynman, « Be Good The Crazy Boys » a été enregistré en studio avec un groupe complet. Sur le plan sonore, j'ai été inspiré par des disques enregistrés dans les défunts studios Compass Point aux Bahamas, comme « Private Life » de Grace Jones, « Mambo Nassau » de Lizzy Mercier Descloux et « Remain in Light » des Talking Heads. Malgré ces références, « Be Good The Crazy Boys » reste fermement ancré dans les préoccupations modernes, réservant des chansons sur la peur de la fin du monde et la lutte contre le FOMO (fear of missing out/la peur de rater quelque chose), des récits qui pourraient être racontés s'ils ne semblaient pas si complètement déséquilibrés.
La vidéo de « Early signs of rhythm » est à découvrir là
"Mercy Street", c’est la face A du premier single "Follower" de James Canty, un chanteur et multi-instrumentiste issu de l’est de Londres. "Mercy Street" est une réponse à un souvenir d'enfance de Canty, lorsqu'il se promenait en ville en compagnie d’un adulte. En croisant un sans-abri l'adulte lui a dit de ne jamais lui donner d'argent, en se justifiant : ‘Y a-t-il un sentiment d'impuissance quand quelqu'un vous demande de l'argent dans la rue... Y a-t-il une déconnexion pendant que nous préparons une réponse ou que nous continuons à marcher ?’
"Mercy Street" est en écoute là
Le groupe polonais Penthouse a publié l’album "Music Undersea" ce 18 mai 2023. Il sort en vinyle au cours de ce mois de septembre. La formation vient de partager le clip du single, "Entertain me !", et il est disponible ici
Penthouse ne se contente pas de chanter et de jouer. Son objectif est de susciter une intensité singulière. Grâce à une combinaison de charisme, de ténacité et d'esprit astucieux, le groupe introduit une pulsation musicale qui lui est propre.
Premier elpee de Penthouse, "Music Undersea" a permis au groupe d'explorer de nouvelles visions, chansons et textures dans un univers austère et peu peuplé où se côtoient de rares disques de soul groovy des années 70 et des valeurs de production des années 80.
Le second elpee de Dye Crap, « Life is unfair » sortira ce 20 octobre 2023. En attendant il nous propose « Homesick » sous forme de clip, et il est disponible ici
« Homesick » exprime le sentiment de malaise et de désarroi qui surgit lorsque l’on se retrouve dans les bras de la mauvaise personne. Dans ce clip réalisé par Baptiste Magontier, Dye Crap dénonce le harcèlement scolaire.
Depuis 2016 et l’album « Colours », Puggy s'était fait discret (7 ans de silence). Mais en mars 2022, Matthew Irons déclarait que le retour se rapprochait.
À la fin de la tournée en 2016 Matthew signalait que le groupe avait eu besoin de souffler et ainsi découvrir d’autres passions. Les musicos travaillent encore tous les jours ensemble (ils ont notamment produit l’album de Noé Preszow).
Puggy, après « Bigfoot Family », avait été occupé par une autre bande originale d’un film d’animation : ‘Hopper et le Hamster des ténèbres’. La production avait commandé une musique 'à la John Williams', célèbre compositeur de ‘Star Wars’, ‘Indiana Jones’, ‘E.T.’ et ‘Harry Potter’. Le travail était donc aussi passionnant et le band a dû proposer une musique plus symphonique.
Matthew Irons avait ajouté sur les ondes de la RTBF : ‘On a repoussé le disque sur lequel on travaillait pour cette opportunité. Je m’excuse auprès de tous nos fans et de tous les gens qui nous attendent, mais on attend aussi, on a besoin de remonter sur scène ». Ce band a un très grand respect de son public qui le suit depuis ses débuts (20 ans en 2025). Le futur nouvel elpee est presque prêt. Puggy est juste en train de finaliser certaines choses dans la production et la structure, mais incessamment on aura des nouvelles à vous communiquer. Il vien tout juste de sortir « The Inseparables (Original Motion Picture Soundtrack) » et même Matt se met au hip hop et rappe sur « Use Your Imagination », un extrait de cette bande sonore. Ce titre est en écoute ici
Me Against The Wolrd (MATW) délivre un concentré d’énergie au style hybride, alliant punk, heavy et hardcore dont les textes relatent les tourments de l’humanité. Le groupe originaire de Marseille réunit 4 musiciens : Yanis Kateb (chant/guitare rythmique), Florian Cedard (guitare lead/choeurs), Thomas Niziolek (batterie), Léo Capon (basse). MATW puise dans ses diverses influences (Four Year Strong, A Day To Remember, The Offspring et Avenged Sevenfold), afin de proposer un son et un style qui lui est propre.
Le nouvel Ep de MATW, « Through The Looking Glass », est paru ce 89 septembre 2023. Moins punk rock que le précédent, il recèle des passages qui penchent davantage vers le hardcore et le heavy. Son processus d’écriture et d’enregistrement s’est étalé sur plusieurs années : à partir de mars 2020 jusqu’à début 2023. Il était question au départ d’un album 15 titres mais le groupe a finalement décidé de scinder en deux en proposant deux Eps, dont le premier s’intitule « Through the Looking Glass ».
Les morceaux qui y figurent ont été globalement composés par Yanis et Florian, avant l’arrivée des deux nouveaux membres, Léo et Thomas, qui ont ensuite pu apporter également leur touche artistique. L’Ep a été complètement enregistré dans le home studio de Florian. Le groupe aborde des thèmes personnels et actuels : la manipulation des médias et de nos dirigeants, les effets néfastes des religions, parle de leur rapport à la maladie, l’egotrip et le narcissisme qui règne sur notre société actuelle notamment au sein des réseaux sociaux, mais aussi du racisme et de la peur d’autre. ‘Chaque morceau demande une remise en question de notre rapport à nous- mêmes et aux autres.’ explique le groupe.
Extrait de cet Ep, « Save The World » est disponible sous forme de clip ici
Anaïs Oluwatoyin Estelle Marinho, aka Arlo Parks, a grandi à Hammersmith, dans l'ouest de Londres. Ses origines sont pourtant nigérianes, tchadiennes et françaises. Née à Paris, sa mère lui appris à parler le français avant l’anglais. Enfant, elle écrit des nouvelles où elle imagine des mondes fantastiques, puis commence à écrire son journal intime et à s'intéresser à la poésie orale. Elle lit et aime interpréter les textes de poètes américains comme Allen Ginsberg, Chet Baker ou Jim Morrison. Elle avait l’intention d’étudier la littérature anglaise à l’université, mais c’est la musique qui l’a conquise. Son dernier elpee, « My soft machine », est paru en mai dernier. Elle se produisait ce vendredi 15 septembre à l’Ancienne Belgique, et le concert est sold out.
Le supporting act est assuré par Vagabon, une amie d’Arlo. Elles voyagent d’ailleurs dans le même bus pour cette tournée. En arrivant à 19h30, votre serviteur constate que le balcon est occupé par une majorité de quinquas et de quadras alors que la fosse réunit un public plus jeune…
D’origine camerounaise, Laetitia Tamko, aka Vagabon, est une auteure-compositrice-interprète établie à New York. Pour enregistrer son dernier opus, « Sorry I Haven’t Called », qui sort demain, elle a reçu le concours de l’ex-Vampire Weekend, Rostam Batmanglij ; ce qui lui a permis d’approfondir le processus d'écriture et d'enregistrement. C’est cet LP, au cours duquel elle est en recherche perpétuelle du bonheur, qu’elle va défendre, ce soir. Elle y tisse des chansons authentiques et vulnérables qui ne peuvent être amplifiées que par ses performances en ‘live’…
Elle est seule sur le podium et se sert d’un synthé, de samples (NDR : même les percus et la ligne de basse sont échantillonnés) et, à une seule reprise, d’une guitare. Elle est vêtue de rouge. Ses cheveux sont frisés en couettes. Derrière elle, dans la pénombre, on remarque la présence d’un miroir qui permet de la découvrir de dos.
Le set s’ouvre par « Do Your Worst », une compo au cours de laquelle elle demande des comptes à un partenaire un peu mou.
Caractérisé par sa superbe harmonie vocale, la chanson, plutôt cool, s’achève dans une forme de r&b classieux. « You Know How » invite la jeunesse sur le dancefloor. Tout comme l’entraînant et épatant « Lexicon ». Pas de trace cependant du sautillant et printanier, « Can I Talk My Shit ? » …
Setlist : « Do Your Worst, « Every Woman », « Lexicon », « Autobahn », « Water Me Down », « Made Out with Your Best Friend », « Carpenter »
A 21h00 pile, la lumière de la salle principale s'éteint une seconde fois, puis une vidéo est projetée alors que les musicos grimpent sur le podium. Soit un bassiste, une claviériste, un guitariste/claviériste et un drummer, qui s’installent chacun sur une estrade. Arlo dispose des ¾ de la scène pour se déhancher, déambuler ou bondir.
Coupés à la brosse, ses cheveux sont teintés de couleur orange. Chaussées de baskets blanches, elle a enfilé un tee-shirt mauve sur un pantacourt à pattes d’éph’ flottantes…
« Bruiseless » entame le show. La voix d’Arlo est suave, douce et chaleureuse. Paisible en version studio, le titre devient nerveux en ‘live’. Très relax, elle interagit régulièrement mais timidement et pudiquement avec le public. Lorsqu’elle susurre ses mots, on doit tendre l’oreille. Mais lorsqu’elle chante, sa voix prend une autre dimension.
Quand elle entame « Blades », des applaudissements enthousiastes se répandent dans la salle. Manifestement, elle bénéficie d’un a priori favorable de la part de l’auditoire. Certaines compos véhiculent des accents légèrement psychédéliques ou funky, ce qui s'avère être l'une de ses forces sur les planches. Les musicos affichent une parfaite cohésion. Le guitariste et le bassiste troquent régulièrement leurs instruments. Mais parfois, l’instrumentation menace de noyer le chant, même si ce déséquilibre correspond également à l’atmosphère du concert. Pendant « Caroline », on a l'impression de flotter à quelques centimètres au-dessus du sol, mais « Impurities » nous remet les pieds sur terre, avant que des sonorités électroniques, qui semblent venir d'un autre univers, émergent, mais sans perdre la douceur et la familiarité que l'on associe à la chanteuse. Elle parvient à parfaitement coordonner les titres de ses deux elpees. Pendant « Eugene », les premiers rangs chantent à pleins poumons, tandis que le reste du public paraît enchanté par la jeune artiste de vingt-trois ans. Elle se sent à l’aise au milieu de son auditoire ; enfin c’est l’impression qu’elle donne. « Pegasus » est interprété sans Phoebe Bridgers. Arlo ne cache pas que la santé mentale est un thème important pour celle-ci lors de ses concerts. Dans ses chansons, elle raconte également son quotidien d'adolescente, la solitude, ses relations et sa quête d'identité. « Black Dog » et « Hope » offrent des câlins serrés lors des jours difficiles et apportent un peu de soutien à ceux qui en ont besoin. En fin de parcours, dans la fosse, le public commence à esquisser l’un ou l’autre pas de danse. « Devotion » révèle une facette légèrement différente d’Arlo, alors que se distinguant par son outro intéressante, « Softly », qui clôt la prestation, récolte un franc succès. Mais finalement la foule semble déçue… que le concert n’ait pas eu un prolongement plus conséquent. Faut dire que pour nous entraîner dans son univers onirique insulaire, fruit d’un cocktail de pop, de soul et de r&b qui impressionne par son élégance et sa maturité, Arlo Parks a enchaîné 17 titres en seulement 75 minutes…
Setlist : « Bruiseless », « Weightless », « Blades », « Caroline », « Impurities », « I’m Sorry », « Eugene », « Dog Rose », « Pegasus », « Hurt », « Too Good », « Black Dog », « Purple Phase », « Hope », « Sophie », « Devotion ».
Rappel : « Softly »
(Organisation : Live Nation)
Dans le passé, la musique de Holy Wave baignait dans une forme de psyché/garage vaporeux et lancinant dominé par les guitares. Depuis le précédent elpee, « Interloper », quoique toujours aussi brumeuse et flemmarde (NDR : pensez à une rencontre entre Broadcast et Tame Impala), elle accorde de plus en plus en plus d’importance aux synthés ; et si les grattes ont toujours voix au chapitre, elles ne constituent plus l’élément primordial de l’instrumentation. Et c’est encore plus flagrant tout au long du 6ème opus, « Five of cups », dont le titre se réfère à une carte de tarot qui symbolise la déception ou les soucis liés au passé. Ce qui explique, sans doute pourquoi l’expression sonore baigne au sein d’un climat particulièrement mélancolique.
La superposition de synthés hallucinatoires, le drumming cool, les instruments à cordes autant caressés que joués, les guitares shoeagaze et les voix atmosphériques créent une sensation de quiétude paradoxalement susceptible de devenir angoissante.
Lors des sessions, la formation a reçu le concours du duo mexicain Lorena Quintanilla et Alberto Gonzalez (Lorelle Meets the Obsolete) sur « The Darkest Timeline », ainsi que de la chanteuse Estrella del Sol sur « Happier ». Elle y aborde le thème de la dérive des hommes vers ce qu’ils croient être le bonheur, et dans la langue de Cervantès, tout en rendant hommage à l'auteur/romancier Kurt Vonnegut.
Fondé en 2008, The Underground Youth était d’abord le projet du chanteur, guitariste et auteur-compositeur Craig Dyer. Ce n’est qu’en 2012, qu’il a fondé un groupe, notamment en engageant son épouse, également artiste et vidéaste, Olya Dyer, comme drummeuse. Originaire de Manchester, le groupe est aujourd’hui établi à Berlin. Entre-temps, le couple avait également vécu à Saint-Pétersbourg. Pas étonnant que Dyer mentionne la littérature et la poésie russes comme influences majeures de sa muse. Mais aussi le cinéma.
Baignant à l’origine dans une forme de post punk teinté de néo-psychédélisme et de shoegaze, la musique de The Underground Youth se rapproche de plus en plus de la no wave de Swans. Et c’est flagrant sur « Frame of obsession », une plage au cours de laquelle le baryton profond de Dyer rappelle celui de Michael Gira, alors qu’Olya pose furtivement la contre-voix à la manière de Jarboe. Sans quoi, ce baryton envoûtant évoque le plus souvent celui de Sivert Høyem (Madrugada).
Une no wave qui serait gothique : tempo lancinant, cordes de guitare enchevêtrées, bourdonnantes, grinçantes ou semi-acoustiques, parfois surf (« Antother country »,) ligne de basse flottante, arrangements de violons et d’harmonica, piano plink plonk (l’instrumental « Interlude » et le morceau final « Epilogue », qui a reçu le concours du joueur de luth, Josef Van Wissen) ; une expression sonore qui alimente cet excellent onzième elpee de The Underground Youth…
En 2013, elle gravait « Mockingbird », un album de reprises sur lequel figurait une version du « Shine On You Crazy Diamond » de Pink Floyd qui servira de B.O. pour le film ‘Dead Man Down’, « Space Oditty » de Bowie, « Walk on the wild side » de Lou Reed », « Karma police » de Radiohead, « Black hole sun » de Soundgarden et une adaptation lascive du « I'm Gonna Be (500 Miles) » des Proclaimers. Notamment. Elle a multiplié les collaborations et particulièrement en compagnie de Ghostface Killah, Dennis Coffey, le guitariste de la Motown, mais surtout Jeremy Page, avec lequel elle travaillait en binôme.
Pour enregistrer « I Am What I’m Waiting For », elle a décidé de faire équipe avec Torbitt Schwartz (alias Little Shalimar (Run The Jewels) afin d’explorer de nouveaux horizons sonores. Cependant, on ne peut pas dire que la mise en forme apporte des changements radicaux. D’ailleurs cet opus est tout bonnement éclectique, naviguant à la croisée des chemins du funk, de la pop sixties (pensez aux productions de Phil Spector pour groupes de filles), d’indie rock et de néo-soul. Sans oublier l’une ou l’autre plage plus minimaliste au cours desquelles Kendra Morris démontre son talent de guitariste. Enfin, si elle a une superbe voix, la comparer à Janis Joplin semble quand même excessif…
En 2022, la mort inopinée du drummer Taylor Hawkins laissait Foo Fighters dans une douloureuse incertitude quant à son avenir. En 2023, paraît un nouvel LP, une tournée mondiale est annoncée et Josh Freese remplace le batteur décédé. Comment aborder la mort de proches à travers la musique ? C’est le délicat défi que propose Foo Fighters. Mais pour enregistrer cet opus, c’est Dave qui siège derrière les fûts. Les deux derniers elpees de Foo Fighters manquaient d’inspiration. La formation semblait s’être installée dans une zone de confort qu’elle n’arrivait plus à fanchir. Sur « But Here We Are », Dave Grohl et ses complices en reviennent aux sources. C’est le onzième long playing studio en 28 ans de carrière.
« Rescued » ouvre les hostilités et se distingue par ses paroles puissantes, percutantes et significatives (« It came in a flash/It came out of nowhere » (Cela est arrivé comme un éclair/Cela venait de nulle part) ainsi que ses riffs incisifs. Alors qu’habituellement, Grohl construit des envolées lyriques et des variations d’octaves pour exprimer vocalement la progression d’une chanson, ici il emprunte un chemin différent. Sa voix manifeste une forme de résignation plaintive, mêlant parfois optimisme et douleur. C’est une manière plus nuancée de communiquer les émotions liées à son deuil. Un autre retour aux sources jaillit d’« Under You ». Ses airs enjoués et son énergie faussement naïve rappellent « The Colour And The Shape » (1997).
Ce disque prend le contrepied du précédent, « Medicine At Midnight ». Il s’inscrit à la fois dans la lignée des Foo Fighters de 1997 (« Under You » pourrait être une chute de bande qui a servi au premier album, paru en 1995) voire de 2002 époque « One By One », mais habité par toute la souffrance féroce qu’un homme a besoin d’évacuer, avec comme point d’orgue le morceau maitre qui atteint donc des sommets d’intensité. Il est dans la continuité de la plage précédente. « The Teacher » constitue la pièce maîtresse. Elle rend hommage à Virginia Grohl, sa mère écrivaine disparue. Durant les dix minutes de cette piste, le chanteur nous entraîne dans un voyage introspectif à travers une relation parent-enfant confrontée aux défis de la mort. Il se questionne sur la transmission, l’après, l’annonce de sa propre mort à venir et celle des êtres qui lui sont chers. Telle une chevauchée épique, cette compo commence de manière planante, puis se distingue par des riffs incisifs soutenus par une batterie galopante avant de laisser la place à un abandon et de s’achever par un ‘goodbye’ empreint d’émotion contenue.
La formation évite cependant de sombrer dans le pathétique et, a contrario, atteint une forme de douceur et d’apaisement. C’est une composition plutôt inattendue dans le répertoire de Foo Fighters.
« Hearing Voices » élève le tempo alors que la voix de Grohl se déploie majestueusement et reproduit son originelle vigueur d’antan. Néanmoins, cet elpee manque de quelques brûlots énervés et incendiaires dont la band a pourtant le secret. Des traces de colère, souvent ressentie après une perte aussi soudaine et inexpliquée, auraient pu pimenter la plage. Une certaine résignation envahit même le titre maître. Dave Grohl pousse sa voix sur certains mots, atteignant presque le cri pour insuffler davantage de force au message. Nonobstant la ligne de basse groovy, « Nothing At All » souffre de son refrain trop formaté. Peu convaincant, « Show Me How » manque de dynamisme.
Le long playing recèle deux ballades, « Beyond Me » et « The Glass ». La première manque singulièrement de punch. Minimaliste, la seconde se signale par une intro émouvante.
Légèrement teinté de psychédélisme, « Rest » oscille entre légèreté et lourdeur. Une belle manière de clore cet opus. Car s’il est dédié à Taylor Hawkins et Virginia Grohl, il ne faut pas oublier que Foo Fighters s’est formé à la suite de la disparition de Kurt Cobain. Son ombre plane d’ailleurs tout au long de l’œuvre…
« Crime and Soda » constitue le 5ème opus de cette formation américaine, groupe de niche spécialisé dans le post-punk teinté de math-rock depuis déjà 2006. Etabli à Chicago, le trio implique un ex-Don Caballero (le bassiste Patrick Morris) et un ancien employé de Touch&Go. Le groupe apprécie les structures complexes ainsi que la polyrythmie et ne s’en cache pas. La basse appuie une rythmique en grande forme et des guitares ciselées avec talent. Le tout sans oublier les mélodies… Vous l’aurez bien compris, il s’agit d‘un must pour les fans de Girls Against Boys et de June of 44 !
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