Depuis octobre 2013, Gabriel Rios publie un single chaque troisième lundi du mois…
Son objectif ultime est de tous les réunir ensuite, exactement un an plus tard (le lundi 15 septembre), sur un album. Il est arrivé au bout de son challenge, puisque le disque est prêt à sortir (ce sera pour le mois prochain) et s’intitule « This Marauder’s Midnight ».
Au cours de ces trois dernières années, Gabriel Rios s’est installé à New York. Mais il revient en Belgique ce 24 octobre, pour ce produire sur la scène du Cirque Royal à Bruxelles.
Non Bush n’est pas mort… ils revient ce 17 octobre pour un nouvel album, album précédé par le single « The Only Way Out ».
« Man On The Run » succède à « The Sea Of Memories » sorti en 2011. Il avait mis un terme à une pause de plus de 10 ans.
Le groupe aux 20 millions d’albums vendus n’est donc pas encore enterré…
Wallis Bird est régulièrement comparée à Janis Joplin, Fiona Apple et Ani DiFranco. Pour sa voix, mais également pour sa musique. En outre, volubile, enthousiaste et anti-conventionnelle, c’est un fameux personnage. Un brin exagéré ?
Elle vient de déménager à Berlin et cette ville a apporté des influences urbaines et plus groovy a sa musique fondamentalement rock/folk.
« Daze » constitue le deuxième single extrait du nouvel album de l'Irlandaise, « Architect », comme elle dit elle-même : un morceau qui parle ‘de désir hypnotique et d'un amour qui ne sera jamais’.
Découvrez sa nouvelle vidéo du titre ci-dessous :
https://www.youtube.com/watch?v=EnpYpz50w-Q
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Alecia Moore et Dallas Green ont présenté leur nouveau projet baptisé ‘You+Me’ (prononcez ‘You and Me’).
Leur nouvel album « Rose ave. » sort le 14 octobre mais la vidéo de « You+Me » est déjà sur la toile. Et c’est ici
Initialement bassiste de Primal Scream avant d’en devenir le guitariste dés 87 et ce jusqu'en 2006, Robert ‘Throb’ Young s’en est allé dans des conditions mystérieuses, dignes de toute star excentrique du R&R.
Son corps sans vie ayant été retrouvé dans un appartement de Hove, en Angleterre.
Âgé de quarante neuf ans, il laisse derrière lui deux veuves, deux enfants, et le son unique des accords de « Loaded ».
A cinquante-sept ans, Peter Murphy poursuit la recherche de son propre absolu et nous gratifie d’un dixième elpee solo plutôt réussi.
Si cette recherche personnelle d’émancipation n’a pas toujours donné lieu à de grands disques, il faut saluer l’abnégation d’un artiste qui refuse les compromis tout autant que de se reposer sur ses lauriers.
Ainsi, « Lion » semble un excellent résumé de sa démarche intègre et de sa vision artistique.
Certes, le sentiment de claustrophobie règne encore en maître, comme une ombre menaçante, mais quelques pans de lumière qui choient ci et là en cascades, différencient nettement le travail solo de l’œuvre de Bauhaus.
Ici, l’ex-figure de proue de la mouvance Gothique se réinvente tout en usant brillamment de ses propres codes, évitant l’enlisement.
Et comme l’équilibre n’a jamais été le point fort au sein de Bauhaus, il était donc essentiel pour son leader de se retrouver seul, afin de structurer son travail, choisissant pour y parvenir, des collaborateurs sur la même longueur d’ondes.
Ainsi, produit par Youth (Killing Joke), « Lion » fait entendre la voix d’un Peter retrouvé, certes en lutte constante avec ses démons, mais suffisamment éloigné de ses fantômes que pour avoir encore, malgré le temps, toujours quelque chose à dire.
Le choix du titre de cet album n’est en ce sens pas anodin.
Le lion représentant la personnalité de notre homme, bien mieux que la chauve-souris qu’on associe volontiers à l’image qu’on s’en fait.
Bien sûr, quelques vielles guenilles traînent encore sporadiquement ; mais comparativement à certains de ces derniers travaux, on évite le piège de l’auto parodie.
Ne cachant pas son admiration pour Bowie, Murphy adapte son chant à des arrangements plus ouvertement accessibles (comme l’illustre « The Rose »), et semble surtout retrouver le plaisir tout au long de cet elpee.
Bien sûr, on reste dans un registre goudronné qui devrait séduire son cheptel de fans croassant, mais l’audace insufflée dans ces onze titres permet d’imaginer la suite de sa carrière sans l’éternelle étiquette qui lui colle à la peau depuis 79.
Après avoir apprivoisé ce « Lion », il sera donc à présent possible d’aborder Peter Murphy sans faire référence à son illustre passé.
Et c’est sans doute la plus grande réussite de cet album.
A l’instar de son titre (« Once More 'Round The Sun ») Mastodon est reparti pour un tour. En l’occurrence un sixième opus, et dans la foulée, une tournée mondiale pour le défendre. Mastodon est né en 1999 à Atlanta, aux États-Unis. Suite à la rencontre entre deux New-yorkais et de deux Sudistes pur jus. Le line up réunit Bill Kelliher et Brent Hinds aux guitares, Troy Sanders à la basse et Brann Dailor aux drums. Ces trois derniers participent aux vocaux, et Troy aux lead. Cette formation pratique un heavy metal teinté de rock, de sludge et de prog. A ce jour, le quatuor avait publié « Remission », en 2002, « Leviathan », en 2004 : « Blood Mountain », en 2006, « Crack the Skye » en 2009, et « The Hunter », en 2011. Comme d'habitude, la pochette du nouvel LP est de toute beauté. Elle signée Paul Romano.
« Once More 'Round the Sun » est découpé en onze morceaux relativement courts. D’une durée de 54 minutes, le long playing en recèle 4 de plus de 5 minutes dont aucun ne va au-delà des 8 minutes. C'est plutôt bien pensé. Et on évite la lassitude inhérente à l’avalanche de notes distordues et conflictuelles. En choisissant Nick Raskulinecz pour la mise en forme, on pense inévitablement à Alice In Chains, Deftones, Queens of The Stone Age et surtout Neurosis. Et la participation de Scott Kelly sur la dernière compo en est la plus belle illustration.
Tout au long de « Once More 'Round the Sun », le climat est particulièrement lourd, un climat déchiré par la voix hurlante de Troy Sanders. Un disque qui s’inscrit dans la lignée du précédent opus, « The Hunter ». Donc qui s’avère plus métallique que progressif, tout en révélant quelques accents psychédéliques. Ce qui ne veut pas dire que leur musique n’a pas évolué. Simplement, le processus est plus subtil. Et nécessite plusieurs écoutes avant d’en saisir toutes les spécificités. Qui finissent même par surprendre. Mastodon ne laisse ainsi pas beaucoup d’alterantives d'appréhension quant à son apparence actuelle : la créature est superbe.
« Tread Lighly » ouvre le bal. « The Motherload » et « Feast Your Eyes » consituent les deux premières perles de l’œuvre. Caractérisés par ses riffs de grattes abrasifs et incisifs, « High Road » est paru en single. Sur le titre maître, la bête est au sommet de son art. La voix est puissante, claire et précise tout au long de « Chimes At Midnight », une piste prog qui libère des envolées tourmentées. « Asleep In The Depp » baigne au sein d’un climat psychédélique. « Aunt Lisa » est une composition accessible et plutôt mélodieuse, parcourue de cordes bien senties. Les trois voix se conjuguent et sont soutenues par une chorale d’enfants. Brent Hinds et Bill Kelliher réservent leurs solos endiablés mais parfaitement maîtrisés à « Ember City ». « Halloween » est mon titre préféré. La voix est superbe. Le son des grattes écrase tout sur son passage. Atteignant près de 8’, « Diamond In The Witch House » clôt le long playing. Une compo élaborée, climatique, prog si vous préférez, dont la fin de parcours tortueuse devrait ravir les mélomanes du style…
Si aujourd’hui, les ténors du métal, tels qu’Iron Maiden ou Metallica cherchent leur second souffle, Mastodon ne les a pas attendus pour prendre un nouvel essor. Le band ne s’est d’ailleurs jamais aussi bien porté et est très susceptible de reprendre le flambeau du genre. Il en possède, en tout cas, toute les aptitudes…
Une bonne dose d’animalité rock’n’roll m’était nécessaire, en ces premiers jours de boulot, pour agrémenter leur routine parfois insidieuse… Une dose concentrée, fournie par quelques dealers officiels : les Californiens d’Icarus Line. Sans surprise, ils se chargent du boulot de façon admirable et à intervalles réguliers. Ces Angelinos, actifs depuis 1998, nous proposent déjà un mini album, quelques mois après la sortie de « Slave Vows ». Cinq longs titres sauvages comme autant de coups de pied au cul ! Tout au long d’« Avowed Slavery », Joe Cardamone a décidé de durcir davantage le ton tout en continuant à se charger de la mise en forme. La saturation des guitares est une règle, la dissonance un art. Mais en conservant un esprit rock et non pas expérimental ; bien que vous ne détecterez pas la moindre caresse mélodique entre la tronçonneuse électrique de « Leeches and Seeds » et les 13 minutes cacophoniques –probablement dédiées à Jack l’Eventreur dont on vient de découvrir la probable identité– du pas très sain « The Father, the Priest »… Du rock. A l’état pur donc, proche du Nick Cave des débuts. De quoi nous faire oublier que les morceaux de cet Ep ne sont tout de même pas terribles…
Lorsque le romantisme exacerbé rime avec classe, en se préservant de toute lamentation, vous pénétrez, sans le savoir, dans l’univers de l’ex-Madrugada.
Aux thèmes abordés faisant écho à la noirceur de l’âme tout autant qu’aux affres invariablement liées au sentiment amoureux, l’ami Sivert choisit une interprétation sensuelle et souvent rageuse, habitée inlassablement par son timbre de voix particulier.
Pour sa nouvelle échappée belle, le Kojak des fjords ne s’éloigne pas de son registre originel. Il creuse plus profondément les sillons qui partant de l’épicentre de son cœur, s’immiscent dans les sentiers de nos sens à l’écoute.
Entre Blues agité et fiévreux (sans être maladif), et envolées Rock un rien brumeuses, l’éventail de cet « Endless Love » résonne comme une descente en rappel dans les abysses d’un myocarde maudit.
Ici, les parois sont rugueuses et s’atrophient sous le joug d’un afflux sanguin bouillonnant, là, elles s’ouvrent sur des espaces grisants qui rappellent les plus beaux déserts.
Et si l’amour est conté est sans fin, il souffre néanmoins de ramifications cruelles qui étreignent la gorge de Sivert Høyem à plus d’une reprise.
Cet album est un plan, la carte secrète qui mène dans les tréfonds des âmes tourmentées, et permet d’éviter les écueils du genre (l’apitoiement, les pleurnicheries vaines et les larmes de crocodiles entre autres).
Tour du propriétaire en dix points.
L’entrée brûlante par le biais du single éponyme (« Endless Love »), l’enivrante spirale de « Enigma Machine », le Gospel de « Handsome Savior », la tonalité désespérée de « Inner Vision », la fatalité de la ballade « Free As A Bird / Chained To The Sky », l’ivresse tangente de « Little Angel », les giclées électrifiantes de « Wat Tyler », les aspérités sinueuses de « Görlitzer Park », l’orgue solennel de « At Our evening Table », et la trace chaude laissée sur le sable par « Ride On Sisters ».
Catharsis pour son auteur et simple baume pour son auditeur, ce disque est le révélateur d’un film noir et blanc inscrit sur une pellicule abandonnée à tous les vents.
Joel Thiboteau, alias Death Vessel, est né à Berlin ; mais il a grandi sur la côte Est américaine. « Island Intervals » constitue son troisième album et son second signé sur le prestigieux label Sub Pop. On connaissait le goût de l’Américain d’adoption pour le folk ; par contre, on ignorait tout de son amour pour l’Islande.
Jamais l’île scandinave n’aura hanté à ce point un album (au titre évocateur) venu d’outre-Antlantique. Sa rencontre avec Jónsi, alors qu’il assurait la première partie de Sigur Ròs, semble avoir été déterminante. La musique de Death Vessel évoque les paysages paisibles islandais (du moins quand les volcans ne se réveillent pas). On n’est jamais très loin de la bande à Birgisson. A cause de la voix aigue de Joel Thiboteau. Ou de Mùm, lorsque l’électronique apparaît furtivement. En outre, à l’instar d’« Island Vapors », certaines plages s’enfoncent dans le lyrisme ; ce qui n’est pas sans rappeler d’autres formations islandaises. Dès lors, il n’est pas étonnant d’entendre la voix de Jónsi sur « Ilsa Drown » et de voir, derrière les manettes, le compagnon du Scandinave, Alex Somers.
Paisible et atmosphérique, « Island Intervals », constitue certainement, le plus islandais des albums germano-américains.
Le 9 août 2014, Speaking Corner se produisait dans le cadre du Parkrock Festival à Baudour, entité de Saint-Ghislain, dans le Hainaut.
Lors de son entrée en scène, le groupe présente très bien et capte naturellement l'attention des quelques personnes dispersées, ça et là, face à la grande scène.
Musicalement, le son est soigné et les arrangements très efficaces. Tantôt dispensée tantôt dans la langue de Molière, tantôt dans celle de Shakespeare, la voix est déclamatoire. L'art est parfaitement maîtrisé. L'écriture des textes en français, l'est tout autant. Une des chansons du set, « Michel Pop », est un extrait du roman « La possibilité d'une île » de Michel Houellebecq. Elle s'y intègre très bien.
Au fur et mesure que le set évolue, des spectateurs s'approchent du podium et les applaudissements se font de plus en plus nombreux.
Les musiciens quittent les planches avec la conviction du devoir accompli. Enfin, je l'espère.
« Prochaine Saison » tourne régulièrement sur ma platine depuis quelques jours. Ce premier opus réunit neuf pistes.
Cerise sur le gâteau, Claudia Chiaramonte, chanteuse du groupe Starving, pose sa voix suave sur deux d'entre-elles. Un pur régal !
Avez-vous déjà lu la moindre critique négative formulée à l’égard d’Owen Pallett ? Probablement pas… En effet, le toujours jeune prodige canadien est constamment encensé par la critique, tant pour son travail opéré auprès d’Arcade Fire, la B.O. de film ‘Her’ réalisé par Spike Jonze que pour son œuvre solo (sous son propre nom ou le projet précédent, Final Fantasy). Chaque apparition semble étaler une nouvelle facette de son génie…
Encore une fois, à l’écoute d’« In Conflict », son 4ème essai ‘all by himself’, il s’avèrera difficile de démonter l’étoile brillante du multi-instrumentiste, dont l’univers rappelle énormément un autre compositeur de grand talent : l’Américain Andrew Bird (« Infernal Fantasay »). Les deux artistes sont capables d’arrangements d’une grande délicatesse, qu’ils accomplissent à l’aide de violons ou d’accords de piano, même si le natif de l’Ontario teinte le tout de subtiles touches d’électro (« I’m Not Afraid »)… En phase introspective, (‘I’ll Never Have Any Children’ se plaint-il, sur le titre d’ouverture, « I’m Not Afraid ») Pallett se sert de son timbre de velours afin d’enrichir sa pop aussi baroque qu’extravagante (la texture étonnante de « Chorale » en est une belle illustration) qui navigue entre classicisme et modernité… Dommage cette carence en mélodies fortes… Une exception qui confirme la règle ? L’allègre « Song for Five & Six ». Ben oui, j’ai osé égratigner un artiste qui risquait de se transformer en statue ! Pour souligner le seul bémol de cet album d’une grande qualité…
On vous le répète sans cesse, le Magasin 4 fête, pour l’instant, ses 20 ans d’existence, en proposant une ‘prog’ aussi variée qu'intéressante. On se plonge cette fois-ci dans une affiche plutôt expérimentale et sans concession. Quand on joue dans ce créneau on ne s'attend naturellement pas à la grande foule ; et effectivement j'ai retrouvé l'intimé propre aux soirées à prises de risques... Bref nous n'étions sans doute guère plus d'une cinquantaine de personnes au temps fort de celle-ci. Mais c'était après le premier live dont je vais vous parler.
Un premier live assuré par Ripit devant quelques rares spectateurs motivés, projet au sein duquel on trouve Niko, infatigable activiste qui a organisé de nombreux concerts et tourné pas mal aussi bien en Europe qu'en Amérique du Nord. Accompagné sur scène par son acolyte Tzii aux visuels (en compagnie duquel il œuvre aussi dans Fujako, fabuleux duo abstract hip hop/indus/dub) il balance une mixture de beats concassés, de boucles volontairement pas trop carrées et de sons assez noise et profonds qui se déploient librement dans l'espace sonore. Pour y parvenir, il a recours à des moyens assez limités comme une boîte à rythmes antique, l'un ou l'autre synthé et une table de mix. Le résultat connaît évidemment des fortunes diverses, parfois boiteuses, parfois faussement dansantes, mais souvent ‘abîmées’ et longeant des chemins de traverse.
Place ensuite à un duo romain baptisé Germanotta Youth, un duo revendiquant l'étiquette cyber-math-grindcore. Solide programme en perspective pour cette paire ultra speedée, qui combine la frénésie et la précision dans un trip de dingo grâce à un batteur hallucinant (à peine âgé de 22 ans) et un claviériste tout aussi assez impressionnant. Toutes les boucles de batterie sont exécutées live et sonnent comme des rafales de beats qu'on imaginent samplées et accélérées. Mais non! Un résultat obtenu grâce à un usage habile mais parfois un peu systématique de la double pédale, auquel répondent les gros sons de synthés basses et autres également joués en direct. On croirait quelquefois entendre un groupe ‘prog’ sous influence et en 78 tours, gardant toujours des mélodies sous le coude, malgré le bruit et la cadence imposée, incroyable mais quasi-permanente. En effet, il faut souligner la maîtrise du groupe qui malgré l’énergie voire la violence inimaginable libérée, parvient à ne pas dépasser un niveau de volume qui ferait passer sa musique de jouissive à douloureuse. Pareil en ce qui concerne l’intensité du set. Quarante-cinq minutes sont bien suffisantes ! Et nous sommes bien chauds pour la suite du programme.
Et quelle excellente surprise d'entendre William Bennet, membre de White House (tiens on parlait de musique douloureuse...), s'adonner à la transe percussive! En effet, si le côté noise propre à la formation culte n'est pas complètement oublié, il est en tout cas bien en retrait par rapport aux sons percussifs qui dominent largement la musique de Cut Hands. On rentre assez directement dans le vif du sujet ; et petit à petit le Magasin 4 se change en dancefloor electro-indus, métamorphose que j'apprécie particulièrement et n'avais pas encore eu l'occasion de vivre là-bas. Pulsations à la fois tribales et mécaniques, rétro et futuristes qui évoquent aussi bien des rituels vaudous fantasmés (?) que l'ambiance froide et industrielle de vastes hangars abritant des free parties. Nous sommes peu nombreux mais enthousiastes et le set se prolonge au delà du couvre-feu habituel alors que le son s'étoffe et devient plus bruitiste. J'ignore jusqu'à quelle heure la fête a continué, car il a bien fallu se résoudre à aller prendre le train du retour pour un voyage aussi mécanique mais nettement moins plaisant tout de même... Mais quel final pour cette soirée qui nous a encore donné une bien belle occasion d'aller souffler les bougies de la salle de l'Avenue du Port!
(Organisation : Magasin 4)
Bonnie ‘Prince’ Billy, père spirituel de tous les folkeux modernes, se produira en concert le 20 novembre à l’AB à Bruxelles. Il y présentera « Singer’s Grave A Sea of Tongues », son nouvel album, dont la sortie est prévue pour le 22 septembre.
Pour découvrir un premier extrait, c’est ici
1. Night Noises
2. So Far and Here We Are
3. There Will Be Spring
4. Quail and Dumplings
5. We Are Unhappy
6. It's Time To Be Clear
7. Whipped
8. Old Match
9. Mindlessness
10. Mew Black Rich (Tusks)
11. Sailor's Grave A Sea of Sheep
Le nouveau single issu de « 20,000 Days on Earth » sera disponible le 10 novembre en édition vinyle limitée.
Y figureront les morceaux « Give Us a Kiss » et le magnifique « Jubilee Street ».
La vidéo est quant à elle déjà ‘on line’…
http://smarturl.it/ncandtbskissvid
Clare Louise a dévoilé le nouveau clip du titre "My Heart" tiré de son dernier album « Balloons ».
Réalisé par Romain Tardy, il emmène Clare dans un univers surréaliste, limite psyché et en tout cas, assez éloigné que ce qu'elle a l'habitude de nous proposer.
http://url.snd14.ch/url-134810531-1834186-26082014.html
En concert
05/11/2014 - Atelier 210 - Etterbeek
19/11/2014 - Rayon Vert - Jette
La fameuse Blogothèque a invité Jack White pour une performance unique au Château de Fontainebleau près de Paris !
Au programme : “The Same Boy You've Always Known” (issu de « White Blood Cells ») et "Entitlement" (issu du dernier « Lazaretto »).
http://smarturl.it/JWblogotheque
Le mythique Américain se produira, en outre, le 16 novembre à Forest National.
En 2014, le Magasin 4 fête ses 20 ans ! De 1994 à 2014, plus de 3 300 groupes différents s’y sont produits. Tout d’abord au 4, Rue du Magasin ; et ensuite au 51B, Avenue du Port. Il s'agit d'une aventure humaine et artistique de plusieurs vies. Tout aurait été impossible sans les nombreux bénévoles, artistes, groupes, organisateurs ainsi que tous ceux qui ont contribué de loin ou de près à l’aventure de ce lieu à l'atmosphère unique.
Ce soir la punk attitude est à l’ordre du jour. Les Slugs, Contingent et les toujours aussi fringants –quoique vétérans– Sham 69 vont nous la rappeler. Deux jours plus tôt, votre serviteur était au même endroit pour assister au set de Napalm Death et consorts. Et j’avais passé une mauvaise soirée à cause de la médiocrité du son. Ce mercredi, il est nickel ! Parfait de chez parfait ! Même pas besoin de bouchons dans les oreilles. Et pourtant, c’est du lourd qui va assaillir nos tympans. Dans un auditoire à nouveau sold out !
Les Slugs ouvrent les hostilités. J’avais souvent entendu parler du combo, mais c’est la première fois que j’assiste à un de leurs concerts. Leur dernier opus, « BanqueRoute », est sorti en 2011. Le quatrième doit bientôt paraître. Ce trio réunit Geoff à la basse, Ren à la guitare et de Bini aux drums. Avant de siéger derrière ses fûts, ce dernier enlève chaussures et chaussettes. Les Slugs auraient pu naître d’un croisement entre The Clash, The Damned et UK Subs. Différence, mais elle est de taille, les lyrics sont exprimés dans la langue de Voltaire ou en dialecte wallon. Leur punk est plutôt carré, mais festif, infernal quoique savoureux et surtout divertissant.
« Français-Ca tourne » et l'hilarant « Ca-Banquier » entament le set. Ils enchaînent deux titres à la fois, car les morceaux sont brefs. Pas plus de 3’, suivant un rituel du style. « Canada » rend hommage à nos amis wallons expatriés là-bas. « GPS - Derouf - Coup d'Pie Dan Et Gueule » sont interprétés en dialecte. Les Slugs ont un message à faire passer. Et ils se servent de l’humour pour y parvenir. C'est la rentrée, et je retrouve mes amis Micheleke, Jean-Pierre et bien sûr le photographe Wim de MusicZine (Wim ne semble pas vouloir me quitter). « Mr Le Prof » traite d’un sujet bien difficile à exercer aujourd’hui. « Zoo et Binoche » adresse un petit sourire à Juliette. Et « Karaté-Ninja » clôt le spectacle. Le préposé à la vente des cds ôte son tee-shirt et exhibe son ventre. Il va tenter de faire son sumo en attaquant quelques 'belles bêtes'. 45 minutes, c’était court, mais très bon. Aussi bien pour les oreilles, que pour les jambes. A revoir ! Je m'offrirai bien un petit showcase ‘at home’. En outre, les musicos sont loin d’être des manchots.
Le deuxième groupe qui se produit ce soir, c’est Contingent. Encore des vieux briscards, mais bruxellois. Honnêtement, j’ignore tout de leur parcours. Heureusement, Micheleke, la bible vivante de la musique rock, vient à mon secours. Le combo est né en 1979 ! Et il impliquait le guitariste Eric Lemaître, décédé depuis. En outre, ce concert lui rend hommage, car c’est un des membres fondateurs du band, mais également du Magasin 4.
Aujourd’hui, le line up réunit Bob Seytor au micro, John Baine à la basse, Daniel Wang aux drums et James Neligan à la gratte électrique. Le temps est compté. En trois-quarts d’heure, la set list va égrener 21 titres , dont « Bruxelles », « La Fille De Ma Concierge », « Pas Craquer », « Electric Guerilla », « Poupée Plastique » (NDR : elle est même représentée à l’avant-scène), « Police Control », « Fonctionnaire » et « Tout Seul Ce soir ». Le discours du vocaliste est interprété en français. Et il passe 5 sur 5. Les artistes débordent d'énergie et les spectateurs commencent sérieusement à pogoter.
Place enfin Sham 69, à la tête d’affiche ! Les gaillards on pris de la brioche autant que de l’âge. Je les ai vus il y a plus de 30 ans. Le line up original a changé. Tim V est au chant (depuis 2007 pour remplacer le charismatique Jimmy Pursey), Neil Harris est à la 6 cordes (un membre fondateur, revenu en 2012), Al Campbell à la basse depuis 2009 et le drummer Ian Whitewood (dans l'aventure à partir de 1986). Leur patronyme est inspiré d'un graffiti que le chanteur Jimmy Pursey avait vu sur un mur des toilettes, 'hersham 69'.
23 morceaux vont défiler. Des anciens, mais également des nouveaux. Le dynamisme de Tim est réconfortant. En outre, c’est un excellent communicateur. Les pogos et les crowdsurfings se succèdent dans la fosse. Après tout, c'est ma jeunesse qui défile devant les yeux. Je vais donc participer à la fête et mouiller mon tee-shirt des Sex Pistols avec un bonheur certain. Quel plaisir de rajeunir un papy nostalgique ! « We Got A Fight », « What Have We Got », « Hey Little Rich Boy», « Western Culture », « They Don't Understand » et « I Don't Wanna » déferlent à une allure vertigineuse. Je me mêle aux comiques qui dansent. Allez Micheleke, ne te cache pas, c'est bon ! « Ulster », « Rip Off », « Tell Us The Truth », « Loud Mouth» et « Sweeney Todd » embraient dans le même esprit. La chaleur est de plus en plus insupportable, dans l’auditoire. Ce n'est plus de mon âge…
Sur les planches, les papys du punk font plus que de la résistance. Leur show est dévastateur et puissant comme autrefois. « Family Life », « Thats Life » et « Shout » permettent au public de reprendre son souffle. Mais « Borstal Breakout », « Security Guard », Sing When You Wining » ainsi que « Hurry Up Harry » redémarrent au quart de tour. Si bien que le peuple de la fosse s'invite sur l’estrade pour participer à la fête… aussi vite remballé par les musclés de la sécurité qui rejettent tout ce beau monde d'où il était venu. Les musclés, c'est bon enfant, il ne faut pas exagérer dans la violence. Le concert tire à sa fin, et il fait de plus en plus soif. Aussi, pendant « 3Q And A », je me réfugie au bar. « Cockney Kids Are Innocent » et Angels With Dirty Faces » clôturent le spectacle. Lors du rappel, pendant « If The Kids Are United », deux jeunes gamins décident quand même de remonter sur le podium. Sympa, le service de sécurité ferme les yeux. Merci au Magasin 4 pour cette belle soirée !
(Organisation Magasin 4)
Voir aussi notre section photos ici
Dépêché en dernière minute par la grâce d’un sms sur le coup de seize heures trente (et après avoir réalisé que l’événement avait lieu le soir même !), je m’engage donc dans la bouche fiévreuse de Bruxelles, remontant son reflux gastrique par le colon Montgomery pour arriver à l’ouverture des portes.
Si l’événement de ce soir mérite quelques chamboulements de dernière minute (exit la réunion des parents et bonjour l’étiquette de père indigne !), je peux me féliciter de m’être à ce point pressé, vu mon placement en première ligne.
Conditions idéales donc, s’il en est, pour revoir le groupe de Bristol, deux mois à peine après les Ardentes.
Premier constat : l’auditoire réunit presque exclusivement des quadragénaires ; une conséquence du coût déraisonnable des places. Mais à qui doit on en imputer la faute ???
C’est en tout cas une des raisons que mon esprit avance sur l’échiquier de l’analyse en préambule à ce concert à connotation unique. Unique, car il est fort à parier que le prochain passage du groupe se déroulera dans un espace bien moins agréable.
Jouissant du privilège d’invité, je m’abstiendrai donc de relancer la polémique sur la surenchère des prix de concerts et vais donc sagement me contenter de profiter pleinement du spectacle.
Et tout semble parfaitement en place pour celui-ci.
Vingt heures, la sono commence à diffuser les premières nappes de Dub, prévisible incursion vers les abysses lumineuses d’une Massive Attack.
S’y devinent, les sources d’inspiration du groupe qui ont, à l’aube des années 90, révolutionné le monde musical.
Au fil des minutes, certains spectateurs commencent à s’impatienter.
Près d’une heure plus tard, dans l’obscurité tapissée de fumigènes, presque sur la pointe des pieds, les silhouettes investissent le podium.
Ainsi débute la messe.
Pour concevoir l’entité du groupe précurseur du Trip Hop, il faut envisager le spectacle selon deux axes.
D’une part sa musique, bien entendu, mais aussi son visuel dans lequel les membres s’investissent largement.
Indissociables, l’un et l’autre forment une alchimie parfaite lors de leurs shows, renforçant l’impact de la prestation.
Les premières basses viennent s’écraser comme des lames de fond au-devant de la scène et en arrière, un gigantesque écran digital scindé en différentes sections, diffuse invariablement messages anti-propagandes et images de masse lobotomisantes.
Cette collision, loin d’être fortuite, génère un impact direct sur l’émotionnel et le ressenti de la partie musicale.
Mis de telle sorte en lumière, les morceaux de Massive Attack révèlent ainsi d’autant plus leur magnifique noirceur, mais aussi leur éclatante inventivité.
Bien sûr, rien n’est laissé au hasard, et si celui-ci s’invite à l’improviste sous la forme d’un grain de sable venu se loger entre les cordes vocales de Martina Topley-Bird ; lorsqu’elle interprète « Paradise Circus », il n’enraye pas pour autant la machine admirablement huilée.
Pourtant, cette quasi-perfection ne coule pas la performance du groupe dans un moule d’ennui.
Et si ses membres connaissent parfaitement leur partition numérique, ils semblent unis par une osmose interne les reliant les uns aux autres et leur permettant d’ajouter cette infime touche de magie noire qui fait la force de MA.
Tour à tour, Martina Topley Bird, Horace Andy et Grant Marshall (alias Daddy G) viennent prêter leurs voix aux différentes compositions qui se tissent comme autant de toiles lumineuses.
Ce à quoi un light show somptueux vient se superposer, de sorte à donner corps à l’âme du band qu’on peut apercevoir danser entre les faisceaux de lumière.
Manifestement incommodée par un léger refroidissement, la chanteuse semble jouer sur la réserve.
Qu’importe, puisque émane de sa gorge cette mystérieuse sensualité qui habille si bien les titres, s’appropriant avec grâce et élégance les morceaux chantés par d’autres sur disque.
Quant à l’icône du Reggae, fidèle à lui-même, il investit la scène de son aura intemporelle.
Ainsi se succèdent les hits du groupe, sans surprise, mais interprétés avec force et un savoir-faire qui semble décupler au fil des dates.
En guise d’aperçu de l’album à venir (et dont la date n’est pas encore avancée), quelques nouveaux titres se glissent dans la set list.
La méthode de travail a peut-être changé (Robert Del Naja évoquait récemment dans une interview aborder l’élaboration de ses morceaux de manière différente), mais le résultat reste tout aussi convaincant.
Avant un unique rappel, la troupe disparaît comme elle est apparue, soit en catimini.
Mais au final, après trois titres (dont l’incontournable « Safe From Harm » en apothéose) elle s’éclipsera sous les hourras de la foule, baigné dans une lumière crue, les révélant enfin, tous réunis, s’échangeant généreusement congratulations et embrassades sincères.
Fondamentalement, le concert de ce soir n’était pas très différent de leur prestation en festivals, mais dans ce contexte de perfection presque totale, était-il bien convenable de faire la fine bouche ?
(Organisation : Greenhouse Talent)
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En 2014, le Magasin 4 fête ses 20 ans ! De 1994 à 2014, plus de 3 300 groupes différents s’y sont produits. Tout d’abord au 4, Rue du Magasin ; et ensuite au 51B, Avenue du Port. Il s'agit d'une aventure humaine et artistique de plusieurs vies. Tout aurait été impossible sans les nombreux bénévoles, artistes, groupes, organisateurs ainsi que tous ceux qui ont contribué de loin ou de près à l’aventure de ce lieu à l'atmosphère unique.
En débarquant à 18h15, le Magasin 4 est déjà blindé. C'est bien la première fois que je vois autant de monde dans cette salle. Peut-être l'effet ‘anniversaire’. Je me faufile parmi les spectateurs et y croise pas mal de monde issu d’outre-Quiévrain. Il fait chaud et même très chaud dans la fosse. Mr Marcaille ouvre les hostilités. Un français assez bien constitué, en slip noir. Il est armé d’un violoncelle et se sert de deux grosses caisses, à l’aide de ses pieds. Ce 'One Man band, c'est un peu le Rémy Bricka du death metal ! Il se démène, triture son instrument et frappe sur ses toms, en même temps. Mais le son est tellement exécrable, que par réflexe, j’enfonce mes bouchons dans les oreilles. Avant d’aller prendre l’air. Je tente à deux reprises de revenir sur mes pas. Mais rien à faire, je n’entends que du bruit, et je retourne à l’extérieur.
Place ensuite à Vorax Virosus, un combo belgo/français. Un trio guitare/basse/batterie, ma foi, fort classique. Le son n’est toujours pas meilleur, même filtré par mes boules-Quiès. Je décide donc de faire l'impasse. Sorry les gars, j’espère vous revoir dans de meilleures conditions. Un petit conseil quand même, prévoyez un ingé-son compétent…
C’est au tour de Visions Of War d’investir les planches. Issu du Nord du pays, il pratique du thrash/crustcore. Il est actif depuis 1996. Dès le soundcheck, les musicos réclament un meilleur son dans les retours de scène. Et réitèrent leurs sollicitations dès le début du set. Apparemment, il est aussi pourri sur l’estrade que dans la salle. Le chanteur a pourtant une très bonne voix et les autres membres du groupe se dépensent sans compter. Je tente de me réfugier derrière la table de mixage (où le son doit être bon). Mais peine perdue. La soirée est plus que mal embarquée. Vu les efforts opérés par le band, j’assiste à l’intégralité de leur prestation, mais un peu à contrecoeur…
J’espère cependant, en mon for intérieur, que les problèmes seront résolus pour la tête d’affiche. Il s’agit quand même de la formation insulaire Napalm Death. Eh bien non, rien n’a vraiment changé. La set list est généreuse et réunit 26 titres. Le public est toujours aussi conséquent, mais la déception peut se lire sur les visages. Le chanteur Mark ‘Barney’ Greenway est pourtant en forme et bouge pas mal. Il s'époumone et chante à tue-tête. Je me suis planté derrière la console, où normalement, le son est censé irréprochable. Pas du tout ! Je recule jusque la sortie. Ce n’est pas mieux ! A la moitié du set, je décide alors de jeter l’éponge et de vider les lieux. Il est très rare que je quitte un concert au beau milieu de son parcours. Mais vu les circonstances, ma décision était inévitable. Car finalement, j’ai passé une mauvaise soirée…
(Organisation : Le Magasin 4)
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Un nouvel extrait de l’album « L’Homme du Soir » de Hugo fera bientôt l’objet d’un clip vidéo. Intitulé « Vers L’Ouest », en voici le teaser…
https://www.facebook.com/lechanteurhugoofficiel
Quelque part entre blues oblique, shoegaze obstiné, psychédélisme, new wave, pop et stoner, la musique de The Engines of Love puise ses influences chez The Beatles, Queens of The Stone Age, My Bloody Valentine, Ride, The Cure, Black Rebel Motorcycle Club, Spiritualized, Six By Seven et Motorpsycho...
Leur premier elpee, « Hermetic », remonte à début 2011 ; et après deux ans de travail, le groupe vient d’enregistrer « Heartbreak », leur deuxième essai. Il sortira en octobre prochain sur Anorak Supersport (Mark Gardener, Jeronimo, Elvis Black Stars…) et servira de prétexte à une jolie tournée…
https://www.youtube.com/watch?v=-TBYe3OUqME
https://www.facebook.com/theenginesoflove
http://www.anoraksupersport.com/bands/the_engines_of_love
« Complètement Fou », c’est le titre du titre maître du nouvel album de Yelle, dont la sortie est prévue pour le 29 septembre. Il a été produit par le célèbre Dr. Luke.
Pour écouter le single, c’est ici
Yelle se produira en concert le 17 décembre à l’Orangerie du Botanique.
De son véritable nom Herman Poole Blount, Sun Ra est un compositeur et pianiste de jazz. Né à Birmingham, dans l’Alabama, le 22 mai 1914, il est décédé le 30 mai 1993. Mais il est surtout célèbre pour ses compositions, ses prestations ‘live’ phénoménales que pour son étrange philosophie cosmique qu'il prônait.
Libération lui a consacré un excellent article. Et c’est ici et là
Les Editors ont présenté le magnifique clip animé de la ballade « What is this thing called love » réalisé par Ania Leszczynska. Et c’est ici
Erza Loenig, le chanteur/guitariste de Vampire Weekend a participé à la réalisation du nouveau single de SBRTKT. Une compo intitulée « New Dorp. New York » qui fait l’objet d’un clip vidéo. Et c’est ici.
L’album, « Wonder Where We Land » paraîtra ce 22 septembre, quelques semaines avant le set que le producteur masqué accordera au Vooruit de Gand. Soit le 17 novembre.
La Maison des Jeunes de Sambreville fête cette année ses 40 ans d'existence. Quatre décennies déjà que l'institution se décarcasse pour dynamiser la région de Sambreville. Et tout particulièrement dans le domaine de la musique. Le festival se déroule sur 2 jours. Le vendredi est consacré au blues et propose Chess Reviva, Little X Monkeys et Boggie Beats. Le samedi au rock, et accueille The Weakness, Von Durden –remplaçant au pied levé Vegas–, Driving Death Girls et en tête d'affiche, le trio toujours aussi sympathique, mais déjanté, The Experimental Tropic Blues Band. La salle est plutôt exiguë et sa capacité maximum oscille entre 120 et 130 âmes. Pourtant, elle jouit d’une belle notoriété. Faut dire que le son est parfait et l'accueil chaleureux. Sans oublier la proximité entre les artistes et le public qui rend chaque prestation intimiste. Que demande le peuple ! C'est la première fois que votre serviteur se rend à Tamines. Ce n’est pas la porte à côté, mais promis, j'y reviendrai. Notamment pour Vegas, qui toujours dans le cadre de ce jubilé, accordera un concert gratuit, le 10 octobre prochain.
The Weakness ouvre le bal. Un duo féminin réunissant Naomi Mele et Jennifer Vanderelst. Elles ont décroché le prix du jeune talent sambrevillois, en 2013. En outre, ce sont les régionales de l'étape. Elles sont soutenues par Guillaume Gilson, à la guitare électro-acoustique et Gaetano Lo Cicero, à la basse. Encore que tout au long du set, les deux musicos vont s’échanger leurs instruments. La set list est essentiellement consacrée à des covers, souvent particulièrement pointues. Mais elle recèle quelques compos personnelles. La première reprise est une plage issue du répertoire des Brigitte, « Battez Vous ». Très sexy, les filles jouissent également de voix particulièrement sensuelles. Autant que les deux Brigitte. Et les deux instrumentistes accomplissent parfaitement leur job. Les deux filles nous réservent une excellente adaptation du « Nobody's Perfect » de Jessie J. Digne de la version originale ! Et après avoir assisté au concert de Jessica, dans le cadre des Lokerse Feesten, je dois avouer que la ressemblance est troublante. Celle du « Royal » de Lorde est aussi superbe. « Titanium » est une compo personnelle. Parmi les autres covers, on aura encore droit à « Scream (Like Me Up) », « Il y a » de Vanessa Paradis (NDR : et dans la langue de Molière !), une adaptation fringante du « Do I Wanna Know» d'Artic Monkeys et le « Love Don't Die » de The Fray. Un duo talentueux dont on attend cependant davantage de compos personnelles…
Les concerts vont commencer à monter en intensité. Tout d’abord grâce aux Louviérois de Von Durden qui ont pallié au forfait de Vegas. Le band est responsable de deux elpees à ce jour, « Death Discotheque », paru en 2009 et « Dandy Animals », en 2011. Le troisième, modestement baptisé « Three », sortira ce 1er octobre. Jour prévu pour la ‘Relase party’ qui se déroulera à la Rotonde du Botanique. Le line up réunit Elliott Charlier au micro, Kevin Dochain à la gratte électrique, Nicolas Scamardi aux drums, Fabrice Giacinto à la basse et la blonde Gladys aux synthétiseurs. Intéressant, ce set impromptu avant le grand jour au Bota. Une manière de répéter ses gammes. La setlist épingle 5 nouveaux morceaux issus du nouvel opus : « Don't Let Me Down », le single « Death Queen », In The Room », « Attraction » et « World On Top ». Il est de notoriété publique qu’un troisième long playing constitue un tournant dans la carrière d'un groupe ; et pour l’instant les échos sont favorables. Von Durden est avant tout un groupe de scène. Il communique de bonnes sensations et y libère énormément de punch. Nico adopte même parfois une attitude à la Jane Doe. L’estrade est étroite, mais Von Durden déborde d’énergie et ne souffre d’aucune baisse de régime. Pour ne pas trop déstabiliser les fans de la première heure, il nous réserve cependant quelques anciens morceaux, comme « Hey Beauty », Dance To The Music » et « Color Of The Shape », issus de l’elpee « Death Discotheque » ainsi que deux plages extraites de « Dandy Animals », « Devil In Me » et le titre maître. Nico martèle ses fûts comme un forgeron frappant sur l’enclume. La voix d’Elliot est puissante. Les riffs de grattes sont incisifs. Bonnet enfoncé sur le crâne, Gladys triture ses machines et bondit frénétiquement sur les planches. Mais ses nappes de synthés sont précises. Quant à l’ami Fabrice, qui s’était déjà illustré dans le cadre du festival Scène sur Sambre, au sein de Romano Nervoso, il ne ménage pas ses quatre cordes. Bref, un excellent concert de rock’n’roll. Rendez-vous au Botanique ce 1er octobre. Votre serviteur sera de la fête…
Driving Dead Girl a la réputation d’envoyer du lourd, une formation belge hébergée sur le label français At(h)ome. En 2004, elle se produisait dans le cadre du festival de Dour… Une première étape ! Dans la foulée, elle publie son premier long playing, « 50 000 Dead Girls Can't Be Wrong », chez Bang ! En 2008, le combo cherche son second souffle. Le remplacement de J.F. Hermand et d’André Diaz, par Vincenzo Capizzi et Daniel Diaz, respectivement à la basse et à la batterie, va lui donner un coup de fouet. En outre, le band est invité à assurer des premières parties de plus en plus intéressantes, et notamment pour Black Rebel Motorcycle Club ainsi que Lords Of Altamont. Ce qui lui permet d’acquérir une excellente réputation de groupe ‘live’. En janvier 2010, le quatuor grave son deuxième elpee, « Don't Give A Damn About Bad Reputation ». Et un troisième album en avril 2013, baptisé « I Think The Drums Are Good ». Un quatrième est en préparation et pourrait sortir fin 2015. Comme le quartet roule au diesel, laissons-lui le temps de composer ses nouvelles chansons. D’autant que lorsqu’il prend le temps, il n’en est que plus épatant. Le line up semble s’être enfin stabilisé. Les chanteurs/guitaristes Ronald Dondez et Dim Wild forment l’ossature du line up. Derrière ses fûts, Vincenzo Capizzi est devenu une valeur sûre. Et peut s’appuyer sur Ruggero Catania, le petit nouveau à la quatre cordes.
Si Driving Dead Girl déclare ne jouer que du rock’n’roll, il faut reconnaître que leur musique évoque les Black Keys. Très caractéristique, la voix est hantée par un feeling puisé dans les 50’s. Pensez à celle de John Spencer, voire de Jim Jones, deux vocalistes aux timbres envoûtants. Leur rock est teinté de punk et de blues. Les grattes sont grasses, huileuses, mais s’autorisent des riffs bien incisifs. La ligne de basse est constamment susceptible d’extérioriser toute son agressivité. La setlist va nous réserver 7 plages extraites du dernier opus, « I Think The Drums Are Good » : « Hanging On », « And I Know The Devil », « Wild Wild Lovers », « Voodoo Soul », « Vinnie And The Morphine », « Wherever You Love », « I Don't Care About You» et « Junkie ». Et le reste, des pistes issues des deux premiers cds : « Don't Wanna Talk About That Girl Anymore », « The Girl From The Room Sixteen », « No Home » et « On The Phone With God». Dim ne tient pas en place et ne se contente pas du micro. Il se couche au sol tout en continuant à gratter sa guitare. Il s’autorise plusieurs bains de foule. Bref, il mouille sa chemise. Et rend le set du band particulièrement sauvage. Comme je les aime. Après leur prestation, les musicos se montrent sous un angle affable. Super sympas, humbles, ils discutent avec leurs aficionados…
The Experimental Tropic Blues Band constitue donc la tête d’affiche du festival. La réputation du trio liégeois n’est plus à faire. Deux gratteurs et un drummer qui vous balancent du rock’n’roll nourri au blues, au punk et au psychobilly. En 2004, il brûlait ses premières planches à Tamines. Dix ans plus tard, il y tient la vedette. Jérémy aka Dirty Coq remercie le public et surtout les organisateurs. Leur prochain elpee paraîtra fin octobre. Intitulé « The Belgians », il s’agira de leur quatrième. Votre serviteur est blindé, car il les a déjà vus en ‘live’ une bonne vingtaine de fois. Jean-Jacques, aka Boogie Snake, est toujours aussi fringant dans sa chemise country à franges. Imperturbable, Devil d'Inferno n’a toujours pas un poil sur le caillou. Ses frappes sont métronomiques. Le show du band ne baisse jamais de régime. Faut dire qu’il s’agit de véritables bêtes de scène. Et des scènes, le combo en a foulé dans toute l’Europe, et des plus prestigieuses. ETBB est la parfaite synthèse entre Joe Strummer, Lux Interior, John Spencer et Jim Jones.
Leur concert s’ouvre par « Fantasy World », un extrait de « Liquid Love », enregistré aux USA, sous la houlette de John Spencer. L'excitation est déjà à son comble. La set list nous propose deux plages issus du même long playing, « Do It To Me » et « Keep This Love ».
Bien sûr, ce soir, le spectacle 'The Belgian Show', dispensé dans le cadre des Nuits du Botanique, n’est pas au programme. Pour votre info, sachez qu’il le sera ce 8 novembre au Belvédère à Namur. Mountain Bike et Apache participeront également à la fête. Le show va quand même épingler quelques fragments de « The Belgians », dont « Weird », mais malheureusement sans support vidéo. Le groupe nous accorde deux nouvelles compos, « Mobile Hostile » et « Disobey ». Le « Liquid Love» nous réserve encore « TETBB Eat Sushi », « Grangrene Blues » et « Wild Blues». Suivant un rituel, Jean-Jacques se mêle à la foule, en emportant micro et harmonica. Jérèmy est un boute en train. Il a enfilé un 'Marcel’ de couleur bleue, mais il semble de mieux en mieux maîtriser ses actes. Un contingent féminin scande 'A Poil'. Mais Jérémy a pris de la bouteille et ne déballe plus ses outils, pour un oui ou un non. En outre, il craint de choper un courant d'air. En 60 minutes, TETBB a une nouvelle fois mis tout le monde d’accord. Un set épileptique, au cours duquel le combo a démontré que l’univers du rock’n’roll était toujours une histoire de révolte et de transpiration…
(Organisation MJ Sambreville)
Publié en avril dernier, « Turning Rocks » constitue le troisième album de Thus Owls, un duo réunissant le canadien Simon (guitariste auprès de Patrick Watson ainsi que chez Lony Dear) et la Suédoise Erika Angell. Etabli à Montréal, le couple nous propose donc son troisième opus, un disque à la fois délicat, lumineux et entraînant. Le couple a décidé d’abandonner la face expérimentale de son folk-rock tout en conservant (fort heureusement) l’aspect lyrique. Outre l’instrumentation riche et variée, la spécificité de Thus Owls procède de la voix d’Erika, qui rappelle, parfois celle de Kate Bush. En outre, le couple a eu la bonne idée d’inviter sur « Thief », le dernier morceau, le chanteur de Timber Timbre, Kirk Taylor. Une belle manière de parachever un excellent elpee…
Tom Petty fêtera bientôt ses 64 balais ; et il a toujours bon pied bon œil. Acteur populaire de la musique rock américaine depuis plusieurs décennies, ce chanteur/guitariste floridien avait fondé ses Heartbreakers, au cœur des années 70. Le combo publie son premier elpee en 1976. Il est éponyme. Et déjà on détecte chez l’artiste de réels talents d'écriture. Le long playing recèle d’ailleurs déjà deux hits, "American girl" et "Breakdown". La route est alors tracée et elle nous mène jusqu'aujourd'hui. En 1988, il tentera toutefois une aventure en solo, au cours de laquelle il grave « Full Moon Fever » (NDR : ses deux autres LPs en solitaire, il va les enregistrer en parallèle). Et puis il ne faut pas oublier sa fameuse parenthèse vécue au sein du super groupe Traveling Wilburys, entre 1988 et 1990, en compagnie de Jeff Lynne, Bob Dylan, George Harrison et Roy Orbison, qui accouchera de deux long playings.
Le plus remarquable dans l’histoire des Heartbreakers, c’est la fidélité des musicos à leur leader. Après presque 40 années d’aventure, on retrouve pratiquement les mêmes musicos au sein du line up. Et tout particulièrement le guitariste Mike Campbell et le claviériste Benmont Tench. Leur dernier opus "Mojo", remonte quand même à 2010.
"Hypnotic Eye" constitue le 13ème elpee studio de la formation. La formule n'a pas vraiment changé, puisqu’on y retrouve ce rock mélodique si caractéristique, souvent teinté d’accents pop, et subtilement nourri aux racines américaines, comme le blues.
Très rythmique, "American dream plan B" ouvre la plaque sur un bon riff de guitare. La voix du leader est toujours aussi nasillarde. Campbell, Petty et Scott Thurston entretiennent une excellente combinaison entre cordes acoustiques et électriques. Tout est parfaitement en place pour cette superbe entrée en matière. La section rythmique (Ron Blair à la basse et Steve Ferrone aux drums) introduit "Fault lines". Le tempo est soutenu mais bien cadencé ; les guitares sont bien présentes et à l'offensive. "Red river", c’est du Petty pur jus ! Un titre captivant, sculpté dans le pop/rock. Les claviers de Tench dominent "Full grown boy", une ballade légère et pétillante. Plus classique, "All you can carry" est investi par les cordes de Campbell. Des accents blues ouvrent "Power drunk". On pense inévitablement à ZZ Top ; même la rythmique évoque le trio texan. Mais c’est la voix de Petty qui apporte la coloration personnelle à cette compo. Nerveux, "Forgotten man" ne manque pas sa cible : c’est un hit potentiel ! Excellent ! Autre ballade, "Sins of my mouth" est une chanson empreinte de douceur et de mélancolie. "U get me high" emprunte un riff de guitare stonien, mais épuré de toute âpreté. L’orgue tapisse l’ensemble avant qu’une gratte dissonante et acide ne vienne s’y immiscer. On épinglera sur ce titre, le remarquable travail de mise en forme. "Mojo", le précédent opus, était fondamentalement blues. Et le résultat était tout à fait remarquable. Structuré comme un boogie, "Burnt out town" lorgne vers les Doors. Thurston souffle dans son harmonica alors que Tench siège derrière le piano. Et bien évidemment, c’est la plage que je préfère. De toute bonne facture, ce long playing s’achève par "Shadow people", encore une solide composition qui permet à Mike Campbell de s’autoriser un dernier envol…
Considéré comme chanteur/auteur/compositeur américain, parmi les plus doués de sa génération, Conor Oberst s’est surtout forgé sa notoriété au sein de Bright Eyes. Notamment à travers « Fevers & Mirrors » et « Lifted or the story is in the soil, keep your ear to the ground », parus respectivement en 2000 et 2002 et considérés comme incontournables. Mais l’artiste est également impliqué dans des tas de projets, parmi lesquels on épinglera Desaparecidos, The Mystic Valley Band et Monsters Of Folk. Sans oublier ses multiples (NDR : et le mot est faible !) collaborations. Et bien sûr son aventure en solitaire.
« Upside down » constitue donc son nouvel elpee solo. Un disque fondamentalement country/folk, mais qu’il teinte subtilement et régulièrement de nuances pop (le plus allègre « Kick »), rock, lo-fi, americana et caribéennes (« Hundred of ways »). Suivant les compos, bien sûr. Des chansons dont les lyrics sont extrêmement soignés et profonds, traitant de l’amour, de l’addiction, de la mort, du temps qui passe, de Dieu et de la solitude. L’ombre de Bob Dylan plane parfois (« Lonely at the top », « Night at lake unknown », « You are your mother’s child »), l’électro opère l’une ou l’autre apparition furtive (« Time forgot ») et le brumeux « Double life » aurait pu naître d’une rencontre hypothétique entre Paul Simon, Art Garfunkel et Connan Mockasin. Mais les plages les plus intéressantes sont manifestement les plus dynamiques. Et en particulier le cuivré « Governor’s ball », « Zigzagging toward the light », caractérisé par ses petits éclats de gratte sèche et électrifiés, avant de s’achever au cœur d’une intensité électrique, ainsi que le mid tempo « Desert island questionnaire », à l’instrumentation plus riche (Jonathan Wilson, le producteur vient même y jouer du glockenspiel). Bref un album de bonne facture, aux arrangements particulièrement soignés, mais qui manque quand même de punch. Petite parenthèse, la voix d’Oberst est un peu chevrotante, mais quand elle est triturée, elle me fait parfois penser à celle de Steve Harley (Cockney Rebel)…
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