Manifestement, cette Californienne (NDR : elle est issue de Los Angeles) a déjà parcouru du chemin. Elle a décroché deux années consécutives le ‘Blues Award’ comme meilleure artiste féminine contemporaine. Bien qu’ayant dépassé le cap des 50 balais et quoique devenue grand-mère, c’est toujours une très belle femme. Elle est née à Detroit. Sa jeunesse n'a pas été rose. Et pour cause, encore gamine, ses parents ont mis successivement fin à leurs jours. En outre, alors qu’elle était encore adolescente et vivait dans le Midwest, du côté de Minneapolis, elle devient fille-mère. Elle n'avait que 14 ans lorsqu'elle assiste à un concert d'Otis Rush. Il deviendra son premier guide musical. Bien avant Ma Rainey et Bessie Smith. Elle commence à se produire de plus en plus souvent sur les planches. En 1980, elle se fixe à Phoenix, en Arizona. Elle y fonde les Mojomatics. Une aventure qui s’étalera sur six années, avant qu’elle n’émigre vers L.A. Son premier essai, "More than live", paraît en 1991. Ce n’est encore qu’une cassette audio. Son futur époux, Jeff Turmes, elle le rencontre sur la côte ouest. Il faudra attendre 1997, pour la voir sortir son tout premier album, "It takes one to know one". Dans la foulée, elle signe encore trois productions indépendantes avant de se lier au label canadien Northern Blues Music. Elle y consacre "Bury him at the Crossroads" en 2004 et "Do I move you?" en 2006. Pour “What love will do”, son nouvel elpee, elle a atteint le panthéon du blues. Celui de la cité des vents. C’est-à-dire l’écurie chicagolaise Alligator…
L’opus s’ouvre par "That's what love will make for you" de Little Milton. L’intro trempe dans le funk/ R&B le plus pur. Cette compo fait la part belle à la voix puissante de l’adorable Miss Magness. Zach Zunis se charge des parties de guitare. Stephen Hodges frappe ses fûts sur un tempo métronomique. Il pousse tous les acteurs vers l'avant. Teresa James opère un travail impressionnant sur "I want a love". Janiva chante au cœur d’une atmosphère volontairement dépouillée. La rythmique est sèche et saccadée, malgré les battements de main. Les sonorités de la guitare dispensées par Turmes sont complètement pourries. Dave Darling se charge des chœurs vocaux. La production est très soignée. Darling coproduit cet opus en compagnie de Janiva. Dans le passé, il a bossé pour des pointures comme les Stray Cats, Tom Waits, Dan Hicks ou encore Def Leppard. La cover du "I'm glad you're mine" d'Al Green trempe dans le R&B sanguin. L’auditoire est invité à se trémousser sur la piste de danse. Le soutien aux cuivres de Jeff Turmes et Lee Thornburg est décisif. Janiva procure une nouvelle vie au "Bitter pill" d'Ann Lennox. Sans se forcer, elle adopte un profil funk à son interprétation dévastatrice. Le son est sale. Le sax baryton de Jeff est bien présent. L’orgue Hammond d’Arlan Schierbaum vibre. Miss Magness consacre tout son cœur et injecte toute sa sensibilité pour attaquer "Fool me again". Elle y administre tellement de passion, que sa respiration entre deux phrases est très perceptible. Les interventions de Schierbaum à l’orgue sont délicieuses. Si cet opus fait la part belle à la musique dansante, il faut reconnaître que les adaptations sont magistrales. Le génial et talentueux Junior Watson illumine la cover du "Get it get it" d’Ike Turner. Blues pur, alangui, "One heartache too late" véhicule des accents dramatiques. Elle domine son sujet de la voix. Une voix tellement expressive ! Les cordes de Zach Zunis sont bien présentes. Une claque! Issu de la plume de Bill Withers,"I don't want you on my mind" affirme sa doctrine blues. Le tempo est plus marqué. Très blues aussi. La passion et l'émotion sont omniprésentes. Son mari lui a consacré deux de ses compositions. Mais ce sont de véritables joyaux. Tout d’abord "You sound pretty good". Jeff y cumule le banjo, la basse et le sax baryton. Evoluant dans l’esprit du meilleur d'Ike & Tina Turner, la puissance du son ravage tout sur son passage. "I won't be around" replonge dans un univers amène. Le timbre de Janiva est doux, caressant, sensuel. Et le trouble dans nos esprits commence à s’installer. Faut dire que le dépouillement correspond parfaitement à son profil. Cette œuvre s’achève dans la douceur contagieuse de "Sometimes you got to gamble". La voix de notre déesse libère une pureté absolue face aux accès de basse dispensés par Gary Davenport et le piano de son tendre Jeff. A travers cet opus, Janiva a voulu écire un testament consacré à la puissance de l'amour. Elle y reflète son combat pour défendre et protéger les enfants qui vivent dans les cellules familiales en crise. Une grande dame, assurément !
La Suède, terre bénie de la pop, n’en finit plus de nous sortir des nouveaux groupes. Et en parlant de fraîcheur, la transition est facile quand on connaît l’âge des protagonistes de Those Dancing Days. 18 ans à peine pour la plupart. Ce quintet féminin a donc la ferme intention de ne pas attendre les années de décantation pour nous faire boire jusqu’à la lie, le vin issu de leurs jeunes pousses. Pour un trentenaire (bien tapé) de mon acabit, c’est se prendre un coup de vieux supplémentaire, quand on entend avec quelle énergie les donzelles se lancent dans l’aventure.
Relativement bien arrangé, « In our space hero suits » possède ce petit charme innocent, ce cachet acidulé, comme le sucre au fond d’un sachet de bonbon. Par contre, dans le domaine de l’originalité, la différence de génération est très marquante. Le son est très eighties. J’avoue qu’à cette époque, j’éprouvais déjà beaucoup de mal à l’assimiler. En outre, l’elpee ne scie pas un barreau de chaise. Les compos légères et naïves répercutent cet écho répétitif comme celui qui résonnait à l’époque. Cette période ou le fluo était signe de bon goût et d’originalité ; et où le brushing masculin rendait beau Kajagoogoo. Il y a fort à parier que les cinq Suédoises ont dû réécouter de vieilles cassettes audio de leurs grands frères ; et y trouver l’univers à leur gré. La voix entraînante de Linnea Jönsson ressemble, à s’y méprendre, à celle de Kate Jackson, vocaliste chez The Long Blondes, un groupe encore influencé par les années fuseaux et jambières… Avouer que la galette est tannante serait un mensonge. Beaucoup de charme en émane ; et la volonté de vouloir faire rebondir l’auditeur est indéniable. Il plaira certainement aux plus jeunes auditeurs ; mais à des ancêtres comme nous, on ne la fait plus. Qui a dit vieux con ?
Après une longue période d’absence, ils sont de retour. Le visage encagoulé sur la pochette ne trompe pas, il y a de la révolution dans l’air pour Thievery Corporation et leur « Radio Retaliation ». Mais à quel niveau se situe-t-elle ? Rob Garza et Eric Hilton sont des habitués du texte et de l’engagement politisé. Dans ces conditions, ils n’ont plus rien à prouver. Pour les compos, là aussi, ils semblent vouloir garder la même forme. Pour son grand come-back dans les bacs ( ?!?!?), la maison Thievery (NDR : elle est née début des années 90) cherche à reconduire cette fameuse recette ‘lounge’ ; une recette qui faisait sa marque de fabrique depuis cette époque. Sur des beats langoureux et quelques remix efficaces, des basses poussées à leur paroxysme viennent conforter que les Américains n’ont rien perdu de leur savoir-faire. Leur ‘magic touch’. On repense vite à cette époque où ils étaient considérés comme des messagers du coocooning à outrance. Oui mais… ce style musical à pris aujourd’hui un sacré coup de vieux. Les souvenirs que nous en gardons ne devraient pas dépasser le niveau de la mémoire. Se remettre dans le mood ‘peace and beat for ever’ est un exercice oublié depuis belle lurette. Ainsi, l’écoute des 14 plages de cette œuvre ne peuvent que susciter une sensation d’ennui. On plonge assez rapidement dans une enveloppe de ‘déjà entendu mille fois’, dû au manque flagrant d’originalité dans les arrangements. Toute cette mixture d’aliments ultra connus développe donc le côté un peu ‘has been’ de la plaque.
Afin d’éviter la descente complète vers le désintérêt de l’album, Thievery Corporation a décidé de rameuter une volée de comparses. Ce qui explique pourquoi « Radio Retaliation » bénéficie de la collaboration de quelques featurings ; histoire de le rendre plus contemporain. Comprenez, les apparitions de Femi Kuti, Seu Jorge ou Anushka Shankar, pour ne citer qu’eux. La touche que ces invités propose parvient à sortir l’album de la noyade, mais de justesse. Nonobstant le respect réservé au groupe, on doit admettre que vu leur pedigree, difficile de crier au génie. En espérant que ce disque ne soit que le reflet d’une volonté de remise sur pied. Ainsi, après ces longues années d’absence, un futur album potentiel devrait enfin se révéler révolutionnaire. Enfin, c’est ce qu’on espère…
The New Year est une formation texane née sur les cendres de Bedhead. En 1999. Et cet opus éponyme constitue le troisième de sa discographie. Au cours de ces huit années, le gang des frères Kadane (Matt et Bubba) est parvenu à se forger un nom dans l’univers du rock contemporain. Et il le mérite. D’ailleurs, difficile de ne pas devenir fan d’un groupe aussi précieux…
La première écoute de cet elpee n’accroche pas instantanément. Plusieurs écoutes sont même nécessaires pour s’en imprégner. Pas de place pour les effets, les solos ou les refrains aguicheurs. Simplement de puissantes mélodies qui ne demandent qu’à vous apprivoiser. Une condition ? Leur ouvrir une petite porte. Innovation marquante : la présence d’un piano, instrument sur lequel toutes les chansons sont construites. Tout en apportant davantage de profondeur aux compos. Il complète magnifiquement les strates de guitares, marque de fabrique du groupe. Et « X Off Days » ou « My Neighborhhod » en sont les plus belles illustrations. Pas un morceau n’est ici superflu. Une ode parfaite à la mélancolie qui s’étale sur 35 minutes. Une formidable thérapie pour sortir d’une dépression. A moins que ce ne soit pour s’y enfoncer… Bref, ce disque est de la trempe du magnifique « The End is near » (sorti en 1994) ; et je vous le conseille vivement.
Quelquefois, les choix les plus suicidaires peuvent se révéler salvateurs. Peut-être pas pour les finances, mais en tout cas pour l’âme. Prenez l’exemple de l’Argentine Juana Molina. Vedette à la télé pendant des années, la chanteuse a décidé de tourner le dos à une carrière lucrative pour enregistrer des disques originaux, entre électronique et folk. Ce cinquième album rompt totalement avec le format ‘chanson’ exploité sur ses disques précédents. C’est-à-dire une veine folk mélancolique et légèrement expérimentale. « Un Dia » se révèle une œuvre totalement audacieuse. Elle se concentre sur la répétition pure et explose les formats classiques de la chanson. Une œuvre qui se focalise sur la trance rythmique et l’onirisme. Une œuvre au cours de laquelle Molina et son complice, Alejandro Franov, superposent des boucles vocales et instrumentales (des guitares et des claviers surtout) pour imaginer des atmosphères tantôt lumineuses, tantôt enfantines, tantôt carrément inquiétantes. Les huit titres fascinants de cet opus rappellent les délires d’Animal Collective. Une différence : l’atmosphère d’« Un Dia » est bien plus intimiste. Un disque susceptible de récompenser celles et ceux qui ont qui auront l’audace de s’y plonger !
Eugene McGuinness est à peine âgé de 22 ans. Un Londonien de LIPA, l’école des arts de la scène, fondée à Liverpool par Paul Mc Cartney. Il vient donc d’enregistrer son premier elpee. Mais il s’était déjà illustré au début de l’année en concoctant « The Early Learnings Of… », un mini elpee. Désormais soutenu par un groupe, Eugene McGuinness propose ici une œuvre très prometteuse. Traditionnelle dans la forme, mais un peu courte quand même, elle est découpée dans une pop anglaise élégante et soigne autant les paroles que la recherche mélodique. On pense à la pop des Kinks, même si la voix lorgne davantage vers Morrissey ; le tout en bien plus éclectique et détraqué.
Le disque démarre fort par deux titres de rock (« Rings Around Rosa » et « Fonz »), avant de céder la place à deux ballades romantiques à souhait, trahissant les origines irlandaises du bonhomme ; et en particulier une très belle compo intitulée « Moscow State Circus ». Désuet, « Those Old Black Movies Were True » rappelle une vieille comédie musicale. Rockabilly déglingué, « Nightshift » vient nous sortir d’une agréable torpeur en préalable à une fin de parcours plus intimiste. La pop ‘kinksienne’ d’« Atlas » cède ensuite la place à l’atmosphère hivernale de « Knock Down Ginger » avant de conclure par le joliment suranné « God In Space ». Un disque de toute grande classe que je vous conseille vivement.
Trésor Manuaku n’est pas un inconnu sur la scène world/R&B. Non seulement, il est bien présent sur les ondes radiophoniques françaises, mais il a participé à l’émission « Dancefloor » de TF1, une production présentée par Laurence Boccolini. Chanteur et danseur de hip hop, ce Congolais d’origine revendique sa nationalité française ; et la clame aussi fort que l’équipe de France ‘Black, Blanc, Beur’ ! Ce grand gaillard nous propose donc son premier opus. Rien d’excitant cependant sur ce « Destin » qui se contente de suivre des règles édictées par la scène hip hop hexagonale. Peu de lyrics vraiment construits. Etonnant quand on sait que cet artiste reconnaît comme influences majeures Passi ou encore Diam’s. Pire encore, au fil du temps, les textes finissent par susciter un profond ennui. Seule la musique, notamment lorsque les racines congolaises sont plus présentes, passe plus ou moins bien la rampe. Bref, si cet opus contient un trésor, il est vraiment bien caché. Et bonne chance pour le trouver…
Enregistré dans l’urgence entre deux tournées, « We Are Beautiful, We Are Doomed », le second bébé de Los Campesinos! éclot quelques 9 mois à peine après la naissance de « Hold On Now, Youngsters… », le premier opus des Gallois. Cette urgence, le septuor la transpose sur l’entièreté d’un disque qui s’inscrit dans la continuité de son prédécesseur. Los Campesinos! ne cherche manifestement pas à innover ou à se réinventer mais tente simplement de ne pas se faire oublier. Le résultat de « We Are Beautiful, We Are Doomed » est plutôt attendu. Très peu de morceaux se distinguent du reste de la discographie du groupe. L’étincelle se fait attendre mais bien que certains extraits s’avèrent supérieurs aux autres, il y manque un single de la trempe de « You! Me! Dancing! », ce tube immédiat qui invitait ses auditeurs à faire des bonds sur leur matelas en chantant à tue-tête son refrain. Il faut d’ailleurs craindre que le combo ne puisse jamais reproduire une semblable perle…
« We Are Beautiful, We Are Doomed » se rapproche largement plus du petit caprice d’une bande de joyeux lurons que d’une œuvre achevée. Seuls « The End Of The Asterisk » et le joli « Heart Swells/Pacific Daylight Time » permettent à l’auditeur de différencier les deux ouvrages de la bande. Les fans seront probablement ravis de l’ensemble, mais Los Campesinos! devront produire un troisième recueil sensiblement différent s’ils veulent rester dans les bonnes grâces des autres.
Ladyhawke est le projet solo de Pip Brown, jeune Néo-Zélandaise francophile. Son aventure démarre durant l’été 2007 lorsque son single « Paris Is Burning » envahit la blogosphère. Comme tous les phénomènes issus de la toile, Ladyhawke enchaîne rapidement par un second titre, « Back Of The Van », moins efficace que son prédécesseur mais qui lui permettra de décrocher un contrat juteux au sein de Modular, petit mais consistant label relevant de Universal. Quelques mois plus tard, elle publie un troisième single, « Dusk Till Dawn » accompagné d’une vidéo ‘kitschissime’, remémorant le meilleur (et le pire) des eighties. Et l’esprit des années 80, la donzelle l’exploite à fond sur son premier recueil éponyme. Peut-être même un peu trop.
Outre les trois morceaux précités, l’œuvre d’introduction de Ladyhawke regorge de petits délices auditifs immédiats, rassemblant en un seul et même lieu le gotha de la pop féminine des années ’80. On y croise ainsi Bananarama et les Bangles (« Another Runaway », « Love Don’t Live Here Anymore », « Morning Dreams »), Cindy Lauper (« Manipulating Woman ») ou encore Kim Wilde (« Crazy World », « Back Of The Van ») à laquelle miss Brown emprunte énormément de tics vocaux. Cependant, « Paris Is Burning » et « Dusk Till Dawn », ses titres les plus contemporains, sont probablement les plus belles réussites d’un disque qui manque parfois de consistance. En effet, certains extraits paraissent forcés (« Morning Dreams », « Back Of The Van », « Professional Suicide », « Crazy World ») et manquent d’atteindre leur objectif. Amputé de ces passages dispensables, « Ladyhawke » s’avère néanmoins hautement addictif. Du moins, pour l’instant…
On pensait le rap-rock enterré en même temps que les formations du genre, Limp Bizkit ou Papa Roach en tête. On croyait même, dur comme fer, que Crazy Town avait fini d’achever ce style méprisé. Et bien non. Iglu & Hartly le ravive de ses cendres et le met au goût du jour. Effectivement, finies les grosses guitares. Le quintet opte pour des grattes et autres sonorités très eighties. Un genre que la presse ricaine nomme d’ores et déjà ‘rap-synth’. Mené par un Jarvis Anderson, le quintet, et non pas duo –comme le nom de la formation le laisserait imaginer– déploie sur « & Then Boom » une artillerie de morceaux casse-couilles aux textes aussi peu inspirés que les mélodies. D’ailleurs, certains extraits, tels que « Tomorrow », « Out There » ou les terriblement affreux « Dayglo » et « Jump Out Of The Car », frisent le ridicule et la pléthore de textes rappés est prompte à une incontrôlable éruption d’urticaire.
« & Then Boom » est, certes, léger et propice à animer gaiement les meilleures boums de vos petits frangins mais l’ensemble est d’une telle imposture qu’il est impossible de prendre la formation au sérieux. Précurseurs d’un style pseudo-musical dont les jours sont comptés, les cinq gaillards de Iglu & Hartly ne sont rien d’autre qu’une bande de petits branleurs dont le projet est voué à l’échec. Du moins, espérons-le. Pour le bien de nos tympans.
Les Hot Club de Paris sont des margoulins ! Et pour plusieurs raisons. Prenez le titre de l’album par exemple : « Live at Dead Lake ». Il n’est ici, nullement question d’un quelconque enregistrement live. Toute la plaque a été réalisée en studio. C’est un leurre ! Le nom du groupe ensuite : Hot de Club de Paris. Si ces jeunes gens viennent de Paris, alors je suis originaire d’Ouagadougou. Quand on apprend qu’ils sont issus de Liverpool, on comprend mieux mon teint de peau blanchâtre, dû au soleil bruxellois. La pochette ensuite. Elle traduit tout autant l’arnaque. En affichant un cercueil. Nous n’avons pourtant reçu, aucun faire-part de décès. Ou alors, la pochette fait office d’annonce nécrologique anticipée, suite à une longue maladie déclarée ultérieurement lors de la sortie du premier elpee « Drop it Till it Pops », que le combo nous avait déjà courageusement balancé. A cette époque, nous étions en droit de penser qu’il leur suffirait d’acquérir un peu d’expérience, pour atteindre leurs objectifs. Sans oublier d’affûter les médiators. Dans ces conditions, les albums suivants allaient tout naturellement se bonifier.
Vaste blague et coup fourré à nouveau, ce deuxième elpee est une mascarade à l’état pur. Plutôt que d’avancer en expérimentant des sons nouveaux, on tombe dans une facilité sonore très ‘cheap’. On éprouve même le sentiment que l’on se fout de notre gueule. Vide de toute émotion, et financé à l’aide de trois sous, six centimes, « Live at Dead Like » n’arrive jamais à nous accrocher. Il nous laisse même en plan, évaporant les derniers espoirs que nous mettions en lui. Après écoute, c’est donc le sourire en berne, que nous rangerons cette triste galette sans saveur. Ni fleurs, ni couronnes : nous passerons d’ici peu, faire la quête pour les veuves éplorées.
De la ‘hype’ et ses limites… C’est un bon sujet d’étude soulevé par Heartbreak. Un duo saugrenu partagé entre le chanteur argentin Sebastian Muravchik et Ali Renault, petit génie des claviers. On soupçonne Heartbreak de vouloir titiller les tétons des critiques blasés en annonçant en grande pompe la naissance d’un nouveau mélange improbable : l’italo disco et le métal !! Justement intrigué, on jette une oreille sur ce qui est annoncé comme une machine à faire bouger les dancefloors. Mais hormis la franche rigolade provoquée par l’écoute de « Lies », il serait bien malhonnête de vous conseiller l’achat de ce disque pour enflammer vos surprises-parties. Sauf si vous avez envie d’amuser vos convives. Car les délires vocaux de Sebastian Muravchik valent effectivement le détour. Plutôt que d’un groupe de métal, il a plutôt l’air de s’être échappé d’un groupe de reprise des Scissor Sisters. Les paroles sont d’une débilité profonde (‘Heroes of the night, nothing to disguize, living just for fun !’) ; mais elles sont interprétées avec une telle conviction qu’on a l’impression que sa vie en dépend. Le tapis sonore est tissé dans les fibres ‘eighties’. Ali Renault emprunte (pompe ?) autant à la new wave électronique du début des années 80 (OMD) qu’aux gimmicks de l’italo disco de la même époque ; à un tel point que « Don’t Lose My Time » lorgne résolument vers le vieux tube « Tarzanboy », un morceau ayant rencontré son petit succès, il y a bien longtemps. « Robot’s Got The Feeling » touche même le fond. A cause de ce break horrifique qui rappelle (pastiche) le « Thriller » de Michaeël Jackson; mais un "Thriller" au cours duquel Vincent Price se serait chargé des parties vocales. L’imitation est certes parfaite, mais pour l’originalité et les bons morceaux, il faudra revoir la copie.
Quintet issu de Seattle, The Girls dévoile sur « Yes No Yes No Yes No », son second opus, un condensé de power-pop à tendance punk et garage curieusement familier. Normal, puisque la formation puise largement son inspiration chez une formation répondant au doux nom de The Hives. « Edit The Actor », « Anthropomorphic » ou « Not I » semblent d’ailleurs tout droit issus de la discographie de ces derniers. The Cars et autres Wire en prennent également pour leur grade, de manière flagrante. L’ensemble est peu engageant et lasse assez rapidement. Un exploit pour un disque dont la durée dépasse à peine les 25 minutes. L’originalité n’est donc pas le fort de cette formation comme en témoigne son nom, déjà usité par une demi-douzaine de groupes. Pour la peine, cette chronique sera aussi longue et innovatrice que la plaque…
« The Motherman » constitue le troisième album en sept ans de cette formation nivelloise. Le thème de cet opus nous plonge dans l’histoire d’un sombre personnage sorti tout droit de leur imagination foisonnante… The Motherman ! Il s’inspire des masques mexicains utilisés lors de la fête des morts. A travers lui, le chanteur, Fabrice Detry, peut exprimer ses idées les plus noires. The Motherman devrait les accompagner sur scène et orne, en outre, fièrement la pochette, tout en enfourchant son vaillant poisson.
Austin Lace n’a pas perdu (ou a bien assimilé) les ingrédients d’une pop-song directe et mélodique. Comment ne pas parler de single quasi-parfait à l’écoute du déjà très hertzien « Katz ». Composé aux Pays-Bas, il a bénéficié du concours des Tellers. Un morceau qui fait mouche dès sa première écoute et risque de vous trotter dans la tête toute la semaine… pour votre plus grand plaisir d’ailleurs !!! Et en fin d’elpee, figure une seconde petite bombe mélodique : « Uptight ». A ne manquer sous aucun prétexte !
Toutes les plages de « The Motherman » libèrent la fraîcheur caractéristique des opus précédents. Des chansons pop bien sages abordées dans l’esprit sixties. Un tracklisting partagé entre morceaux doux comme « The Coral » ou « Absurd » (pour lequel la formation a bénficié du concours de Lio Van Cauwenbergh, un des chanteurs de Girls In Hawaï) et petits hymnes pop plus musclés, à l’instar de « Song for the Male » ou « Checkers ». Pour un groupe formé en vacances, composer des mélodies à écouter sur la route semble naturel…
Cet elpee risque de devenir rapidement votre disque de chevet… Mais pour une période qui ne dépassera pas la quinzaine. Malheureusement ou heureusement (NDR : biffez la mention inutile), vous ne le ressortirez alors qu’une fois tous les dix ans, pour en écouter les singles… Quoique mieux produit que les précédents opus, « The Motherman » ne changera pas, non plus, l’histoire de la pop (même belge) ; mais il vous rend de bonne humeur… Et ça, c’est déjà une belle réussite…
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