Il y a quarante ans que Julien Clerc caresse des textes à subtilité variable, de son timbre caractéristique. « Où s’en vont les avions ? » était –une fois de plus– annoncé comme l’album du retour aux sources, à l’inspiration originelle. Mais si des plages comme « Apprendre à lire » ou « Sous sa grande ombrelle» font un peu décoller le disque, le douze pistes vole à basse altitude.
Loin d’être médiocre, l’album précédé sur les ondes par l’efficace « La jupe en laine » est surtout décevant. Il est frustrant parce qu’il y avait du beau monde à l’embarquement : Bénédicte Schmitt, Benjamin Biolay, Gérard Duguet-Grasset,… et parce que le dernier voyage –l’intime « Double enfance »– nous avait laissé d’agréables souvenirs…
S’il manque un peu de légèreté et d’impact dans son dernier opus, Julien Clerc joue par contre la carte de l’audace. Pas de révolution mais des surprises. Dont l’introduction, entre autres, de passages parlés (« Forcément ») et de sonorités classiques sous couvert d’une berceuse (« Dormez »). Il est également rare qu’auteur et compositeur affichent tous deux la paternité d’un titre sur leurs albums respectifs. C’est le cas ici pour « Restons amants ». Une perle ! Et le poétique « Déranger les pierres ». Deux titres enregistrés, il y a quelques mois, par Maxime Le Forestier et Carla Bruni. Le pari est risqué, la comparaison inévitable et peu flatteuse. La proximité des sorties confère aux morceaux l’allure de reprises à la réinterprétation peu convaincante que seule une écoute prolongée parvient à atténuer. Dommage !
De son véritable nom Ben Jacobs, Max Tundra est un multi-instrumentiste. En outre, il n’a de leçons à recevoir de personne lorsqu’on parle de claviers ou autres machines électroniques. C’est Warp qui l’a lancé en 1998. En gravant son single « Children At Play ». Mais cet Anglais est considéré comme un artiste un peu trop perfectionniste et visiblement pas assez rentable. Il change donc d’écurie. Et rejoint alors Domino, pour lequel il concoctera trois albums, dont ce « Parallax Error Beheads You ». Un opus qui démontre étrangement que l’ère du 8 Bits n’était pas aussi archaïque que l’auditeur lambda pensait…
Max Tundra déborde d’énergie. Mais il se révèle surtout un merveilleux conteur pop. Et il en fait la plus parfaite démonstration tout au long des 10 plages de ce troisième elpee. Mais tel un sauvage, le Briton prend un malin plaisir à déstructurer un peu trop souvent la fin de ses morceaux, même si cette déstructuration est souvent subtile. Ce qui a le don d’agacer. Adepte du ‘revival 8 Bits’, l’artiste s’en donne à cœur joie lorsqu’il s’agit de composer des hymnes ‘Pacmaniens’. « Will Get Fooled Again », titre phare de l’elpee, constitue ainsi l’exemple parfait de cette dégradation ingénieuse. Après une intro parfaitement pop, Max Tundra vient progressivement planter des beats saccadés et inoculer des claviers ‘vintage’. L’opus souffre quand même de quelques passages à vide. On a ainsi l’impression qu’après avoir fourni un énorme travail, l’artiste cherche son second souffle.
« Parallax Error Beheads You » n’est pas un disque facile d’accès. L’univers sonore de Max Tundra est peuplé de sonorités complexes mais précises. Un univers très personnel qui s’adresse d’abord aux mélomanes avertis. Pour les autres, je comprends leur réticence à accepter l’invitation au voyage, car il est long et fatiguant.
Elle en a fait du chemin la fillette aux cheveux roses qui faisait ses armes au sein de la scène R’n’B sans rien n’y apporter. Alecia Beth Moore alias Pink (ou P!nk pour les intimes) s’est depuis tournée vers le Pop-Rock, à nouveau sans rien n’y apporter de plus sinon un groove indéniable et une sacrée dose de fun. Aujourd’hui, la Rock Chick publie un cinquième ouvrage intitulé « Funhouse » s’inscrivant dans la continuité de « I’m Not Dead », son prédécesseur. Le recueil s’ouvre sur « So What », le premier des singles de la jeune femme à avoir atteint la pôle position des charts américains. Elle y clame haut et fort un « So What ? I’m Still A Rock Star… » que confirment les sympathiques morceaux « Sober », « Funhouse », « It’s All Your Fault », « Bad Influence » et d’autres plus accessoires tels que « Ave Mary A », « Mean » et « This Is How It Goes Down », un duo en compagnie de Travis McCoy (Gym Class Heroes).
Fidèle à elle-même, Pink entrecoupe ses délires à la guitare de ballades gentillettes aux textes marqués par son récent divorce. Faute d’innovation, Pink s’amuse et communique agréablement sa bonne humeur à travers ses mélodies légères et hautement radiophoniques. « Funhouse » n’est certainement pas le produit du siècle ou même le meilleur ouvrage de la donzelle mais il vaut toujours mieux qu’un déchet d’Avril Lavigne et consorts.
La grande bestiole brésilienne Cansei de ser sexy, plus connue de ses initiales CSS, montre les crocs au reste de la planète pour la seconde fois. Lors de sa première apparition, celle-ci avait injecté une bonne dose d’adrénaline dans le sang de ses proies et disséminé sur son passage une foule de corps frénétiquement remués. Depuis, l’animal fabuleux a perdu un membre, ses couleurs et quelques dents. Moins menaçant, il n’est plus aujourd’hui que l’ombre de lui-même.
Effrayée par les terres ardentes qu’elle a pourtant un jour parcourues spontanément, la bête limite ses allers et venues aux espaces les plus peuplés et les moins aventureux qui se présentent à elle. Autrefois prisée, elle provoque désormais l’indifférence générale et se fond progressivement dans le décor. Pour retomber sur ses pattes, on lui conseille donc vivement un petit tour chez le dentiste et une bonne leçon de courage.
Le 6 juin 2004, Charlotte Maison et David Baboulis publiaient un « Stop Talking » qui imposera instantanément Soldout comme la formation d’électro à la belge incontournable. Le message était simple : ‘Ta gueule et danse’. Un ordre que l’on se faisait un plaisir de suivre au son des imparables « I Don’t Want To Have Sex With You » ou « Man On The Radio ». Le duo aura ensuite délaissé le micro et les platines pendant un peu plus de quatre ans, laissant derrière lui un vide relatif. En 2008, Soldout se réinvite enfin aux réunions électroniques nocturnes.
Toujours résolument tourné vers le dancefloor, « Cuts » marque le retour d’une formation manifestement plus sûre d’elle et ancrée dans le moment présent. Ce second ouvrage est sans conteste le disque « adulte » de Soldout. A la fois riche, professionnel et réfléchi ainsi qu’un chouïa plus sombre que « Stop Talking », « Cuts » contient autant de pépites que son prédécesseur. « One Word And The Next », « Come On (Part 1) », « Mysteries », « The Call » ou le second single « Build Ip Up / Knock It Down » sont autant de tubes aux inéluctables poussées d’adrénaline propices à des nuits blanches interminables. Pas nécessairement évident à apprivoiser lors des premières écoutes, « Cuts » s’avère être, à long terme, une jolie réussite.
Double affiche ce samedi 15 novembre, puisqu’elle réunissait le chanteur/compositeur/guitariste nigérian Keziah Jones et Patrice Bart-Williams alias Patrice, un musicien de reggae né de mère allemande et de père sierra-léonais (NDR : pas n’importe qui, puisque c’est l’écrivain activiste Gaston Bart-Williams). Et c’est un concert sold out qui accueille les deux artistes à l’AB.
Place tout d’abord au phénomène Keziah Jones. La guitare claque immédiatement ; mais il faudra quelques accords avant de s’en rendre compte, tant le visuel accapare les regards féminins. Fascination incontournable face à l’éphèbe métisse, torse nu et tout sourire, nonchalant et sensuel. Le chapeau vintage et le pantalon ethnique taille (très) basse plus que suggestif, et voilà que tombent les dernières résistantes. Si la majorité est probablement venue avant tout pour Patrice, le spectacle visuel de cette première partie n’essuiera aucune déception. Les jeunes filles se déchaînent, la température grimpe, les musiciens sont en confiance et le reste suit sur des chapeaux de roues. Keziah Jones manipule sa guitare avec une dextérité qui laisse perplexe ; même portée derrière en aveugle, elle garde ce rythme franc et déterminé qui fait le charme unique du blue funk. « Blue funk is a fact » disait le premier album. Depuis, peu de choses ont changé. Malgré une discographie légèrement inégale, le style Keziah Jones est intact. Certes, les anciennes chansons trouvent plus d’écho. « Rythm is love » provoque d’ailleurs un raz-de-marée (justifié). Mais les compositions de « Nigerian Wood », si elles n’ont pas l’âme et la mélodie des débuts, sont accueillies sans réserve. Une critique plus en profondeur pourrait bien dénoncer l’allure brouillonne et bien d’autres imperfections ; mais l’heure est au bouillonnement incontrôlé. La critique tombe dans un gouffre béant et il n’y a plus qu’à se laisser envoûter.
La passion reprend de plus belle dès l’entrée en scène de Patrice. Là encore, les scepticismes ne trouvent pas à qui parler. Les sourires s’étendent jusqu’aux oreilles et chacun plonge corps et âme dans ces formes reggae chaloupées. Chaque morceau suscite l’ovation et le public est plus que réceptif. Aucune résistance sur les gestuelles lancées en modèles par les musiciens, qu’elles frôlent ou non le ridicule. Rien n’est de trop. « When I walk in my room » atteint les sommets de l’agitation ; même serrés, les corps se meuvent au possible, les mains applaudissent sans répit et le refrain chanté en chœur ne compte sans doute pas un dissident. Même dix ans plus tard, même plus orientées soul et hip hop, les compositions de « Free Patriation » ont force de conviction. Ce quatrième album serpente sans trop de problèmes parmi les tubes, forcément plus attendus. En somme, la conquête est totale ; voire indescriptible. Patrice est adulé et le rend au public. S’élève alors majestueusement un début légendaire « Everyday is gonna be alright », que Patrice reprend de sa voix tremblante d’émotion en lui substituant des paroles improvisées dans un français maîtrisé: ‘Je voulais vous dire que cette après-midi, j’avais la mélancolie, les soucis, mais là, vous me donnez toute cette énergie et je veux vous dire merci parce que je revis, merci, pour votre énergie, merci. Je suis heureux, merci’. On voudrait critiquer ces interludes fleurs bleues mais la sincérité est troublante. Plus l’emportement du public est manifeste, plus Patrice se laisse aller à des improvisations charmantes tant elles sont décomplexées. Pour terminer en feu d’artifice, le rappel s’achève par une percée dans la foule en sueur où, le micro à la main et accompagné d’un percussionniste, il achève de faire fondre les dernières neiges.
Org: Greenhouse Talent, Gand
Double affiche ce samedi 15 novembre, puisqu’elle réunissait le chanteur/compositeur/guitariste nigérian Keziah Jones et Patrice Bart-Williams alias Patrice, un musicien de reggae né de mère allemande et de père sierra-léonais (NDR : pas n’importe qui, puisque c’est l’écrivain activiste Gaston Bart-Williams). Et c’est un concert sold out qui accueille les deux artistes à l’AB.
Place tout d’abord au phénomène Keziah Jones. La guitare claque immédiatement ; mais il faudra quelques accords avant de s’en rendre compte, tant le visuel accapare les regards féminins. Fascination incontournable face à l’éphèbe métisse, torse nu et tout sourire, nonchalant et sensuel. Le chapeau vintage et le pantalon ethnique taille (très) basse plus que suggestif, et voilà que tombent les dernières résistantes. Si la majorité est probablement venue avant tout pour Patrice, le spectacle visuel de cette première partie n’essuiera aucune déception. Les jeunes filles se déchaînent, la température grimpe, les musiciens sont en confiance et le reste suit sur des chapeaux de roues. Keziah Jones manipule sa guitare avec une dextérité qui laisse perplexe ; même portée derrière en aveugle, elle garde ce rythme franc et déterminé qui fait le charme unique du blue funk. « Blue funk is a fact » disait le premier album. Depuis, peu de choses ont changé. Malgré une discographie légèrement inégale, le style Keziah Jones est intact. Certes, les anciennes chansons trouvent plus d’écho. « Rythm is love » provoque d’ailleurs un raz-de-marée (justifié). Mais les compositions de « Nigerian Wood », si elles n’ont pas l’âme et la mélodie des débuts, sont accueillies sans réserve. Une critique plus en profondeur pourrait bien dénoncer l’allure brouillonne et bien d’autres imperfections ; mais l’heure est au bouillonnement incontrôlé. La critique tombe dans un gouffre béant et il n’y a plus qu’à se laisser envoûter.
La passion reprend de plus belle dès l’entrée en scène de Patrice. Là encore, les scepticismes ne trouvent pas à qui parler. Les sourires s’étendent jusqu’aux oreilles et chacun plonge corps et âme dans ces formes reggae chaloupées. Chaque morceau suscite l’ovation et le public est plus que réceptif. Aucune résistance sur les gestuelles lancées en modèles par les musiciens, qu’elles frôlent ou non le ridicule. Rien n’est de trop. « When I walk in my room » atteint les sommets de l’agitation ; même serrés, les corps se meuvent au possible, les mains applaudissent sans répit et le refrain chanté en chœur ne compte sans doute pas un dissident. Même dix ans plus tard, même plus orientées soul et hip hop, les compositions de « Free Patriation » ont force de conviction. Ce quatrième album serpente sans trop de problèmes parmi les tubes, forcément plus attendus. En somme, la conquête est totale ; voire indescriptible. Patrice est adulé et le rend au public. S’élève alors majestueusement un début légendaire « Everyday is gonna be alright », que Patrice reprend de sa voix tremblante d’émotion en lui substituant des paroles improvisées dans un français maîtrisé: ‘Je voulais vous dire que cette après-midi, j’avais la mélancolie, les soucis, mais là, vous me donnez toute cette énergie et je veux vous dire merci parce que je revis, merci, pour votre énergie, merci. Je suis heureux, merci’. On voudrait critiquer ces interludes fleurs bleues mais la sincérité est troublante. Plus l’emportement du public est manifeste, plus Patrice se laisse aller à des improvisations charmantes tant elles sont décomplexées. Pour terminer en feu d’artifice, le rappel s’achève par une percée dans la foule en sueur où, le micro à la main et accompagné d’un percussionniste, il achève de faire fondre les dernières neiges.
Org: Greenhouse Talent, Gand
Le deuxième jour de cette édition des Inrocks 2008 se déroulait donc au Splendid. Toujours à Lille. Pas trop de monde lorsque le premier groupe monte sur le podium. Un public qui va cependant affluer au cours de la soirée, pour finalement bien remplir la salle lors de la prestation des deux derniers groupes. Faut croire que de nombreux spectateurs ne s’intéressaient qu’à Friendly Fires et à Foals. Et quelque part, ils n’avaient pas tout à fait tort.
Parmi les quatre groupes programmés lors de cette soirée, il revenait à The Wild Beasts d’ouvrir les hostilités. Une formation issue de Kendal, en Grande Bretagne. Un seul album à leur actif, « Limbo, Panto », paru en juin de cette année. Ce qui frappe surtout chez ce quatuor, c’est l’amplitude vocale du chanteur/claviériste/guitariste, Hayden Thorpe. Parfois mâle et rauque ; souvent falsetto, dans un registre fort proche de Jimmy Sommerville. En outre, les backing vocaux conjugués par le bassiste et le drummer accentuent la limpidité des harmonies vocales. Un bonnet de laine sur la tête, Hayden ressemble à un bûcheron canadien. Au début du set, il joue même de la gratte assis devant son clavier. Musicalement, leur pop, légèrement teintée de jazz, est un peu trop propre pour pouvoir communiquer une quelconque envie de remuer dans la salle. On a même l’impression que le drummer se décarcasse… pour ne pas trop heurter le sens mélodique. Bref, c’est sympa, mais un peu mou quand même.
Place ensuite aux Virgins. Un quartet new-yorkais manifestement influencé par le garage, le funk, le britrock et le r&b. Les plus jeunes penseront aux Strokes. Les vétérans aux Stones. En outre, c’est le bassiste, Nick Zarin-Ackerman (NDR : vu sa tête, il doit être d’origine amérindienne) qui balise toute la solution sonore de ses interventions très groovy et ma foi fort judicieuses. Quant au chanteur, Donald Cumming (NDR : il a aussi trempé dans le monde du cinéma), sa voix traînante et languissante a beau conter des textes terriblement urbains, elle manque quand même d’intensité pour parvenir à faire passer ses émotions.
On en arrive donc à Friendly Fires. La presse en parlait tellement, qu’on craignait devoir se farcir un hype. C’est tout le contraire que cette formation de St Albans nous a démontré. St Albans, c’est un patelin sis, dans le Hertfordshire, en Angleterre. Pas d’une quelconque banlieue de New York. Pourtant, leur punk funk est terriblement excitant. Un punk funk contaminé par le funk, la shoegaze et la pop. Une sorte d’hybride entre !!! et Radio 4. Le tout revisité par Franky Goes To Hollywood et LCD Soundsystem. Il y a de l’électro, mais c’est joué live. Du groove. Beaucoup de groove. Pour la scène, le trio de base est soutenu par deux mucicos dont un bassiste. On vibre aux rythmes des percus latino, dignes du carnaval de Rio. Les accès de guitare sont cinglants, pyrotechniques. Le public remue dans tous les sens, fait la fête. Et puis au centre de la scène s’agite Ed Marcfarlane. Il va même descendre dans le public. Le chanteur/danseur (à ses heures guitariste ou claviériste) a une bonne voix, mais elle se fond dans l’ensemble. Ses déhanchements sensuels, spasmodiques, chaloupés, communiquent un feeling voluptueux à la foule. On ne voit pas le temps passer. C’est la révélation du festival ! Et comme dirait, notre photographe préposé pour la circonstance, c’est ‘the next big thing’ !
Pas facile dès lors pour Foals de clôturer la soirée. Et pourtant, il y est parvenu sans aucune difficulté. En fait, Foals est avant tout un groupe de scène. Et au fil du temps, ses prestations deviennent de plus en plus convaincantes. Enfin, c’est ce que m’ont rapporté plusieurs spectateurs au cours d’une conversation impromptue relative à leur set. Le quintet d’Oxford pratique une forme de math rock mâtiné de post punk et de noise atmosphérique. Dans un style susceptible de rappeler The Rapture et TV on The Radio. Pas étonnant quand on sait que leur album, « Antidotes », paru en mars de cette année, a été produit par David Sitek. De petite taille, Yannis Philippakis est le guitariste/chanteur. Il virevolte d’un côté à l’autre de la scène. Monte même sur les baffles. Le second gratteur, Jimmy Smith, tient ponctuellement sa guitare très haute, comme si c’était un médaillon. Les musiciens sont hyperactifs et communiquent cette intensité à la foule, qui se met à danser. Yannis possède un timbre vocal volatil, versatile, épousant même parfois des inflexions ‘robertsmithiennes’. Mais ses interventions au chant sont parcimonieuses. Les rythmes dansants, hypnotiques. Les cordes de guitares staccato, contagieuses, rampantes. Les drums implacables. Les lignes de basse pulsantes. Il y une urgence dans leur musique qui nous fait tourner la tête. Yannis abandonne le temps d’un morceau sa râpe, pour se mettre à frapper sur une caisse claire. Puis disparaît dans la foule. On le cherche. Et puis soudain, il se retrouve juste en face de votre serviteur. Il a deux sticks dans les mains et me regarde d’un air hagard. Puis continue son chemin. Après avoir pris un bain de foule, il remonte sur le podium. Il avait sans doute envie de prendre la température de la salle. Tout le monde semble d’avoir perdu ses repères, d’autant plus que le groupe se lance dans une équation semi-psychédélique, semi-noisy. Puis tout s’arrête ; et il ne subsiste plus qu’une sensation de vide. Pas de rappel. Les lumières s’allument. La musique de fond reprend ses droits. Et on se décide, bon gré, mal gré, à quitter les lieux. Mais franchement, ce soir, le festival des Inrocks a vibré en compagnie de Friendly Fires et de Foals…
The Wild Beasts + The Virgins + Friendly Fires + Foals
(voir aussi notre rubrique Live Photos)
Organisation : A Gauche De La Lune et Aéronef (Lille)
D’abord, il était passé par l’AB. Il était venu chanter en avant-première de Tryo. Ensuite, deux jours plus tard, Bensé est revenu pour nous présenter « Album », son premier opus. Cette fois-ci, c’est à la Rotonde du Botanique que la magie s’est opérée… Précédé de Jill is Lucky ainsi que de Claire Denamur, la soirée sera bohème et 100% intimiste.
Jill is Lucky. Jill, c’est le petit frère de Bensé… Jill, il joue sa musique à lui. Une musique plutôt pop/rock. Une musique originale qu’il chante en anglais dans un style franco/british particulier. Le violoncelliste et le guitariste portent des lunettes en cœur de couleur bleue. Jill a les cheveux en pétard. Leur look est étonnant. La formation propose tour à tour six morceaux doux et plus fougueux… Ils sont bons. Dommage. C’était l’avant-première. On aurait bien aimé une prolongation !
Quel est le dénominateur commun entre Bensé et Claire Denamur ? Ils ont tous les deux joués en première partie de Renan Luce. Armée de sa guitare, Claire est seule sur scène. Un petit bout de femme qui, malgré un public venu en petit nombre, semble dans un premier temps manquer d’assurance. Timide et discrète, elle réussit pourtant à éveiller le public. Les paroles parlent d’hommes et d’amour. Des titres comme « Le Prince Charmant » ou « Mon bonhomme » sont d’ailleurs évocateurs. C’est léger et moelleux. Personnellement, j’aurais sans doute aimé l’une ou l’autre chanson un peu plus rythmée pour varier le tempo…
Accompagné par ses amis et fidèles musiciens Les Troubadours, Bensé est avant tout un artiste-compositeur-interprète qui charme de ses mots. Ses textes sont doux, intimistes et racontent des histoires. Des moments de vie, des états d’âmes et des portraits de ceux qu’il aime. Il nous les conte en musique.
Sur scène, il est à l’aise et enchaîne en douceur les titres de son album. « Sa peau », « Angela », « Buvons »… et « Mon frère » une chanson délicate qui illustre parfaitement son humilité et l’amour qu’il porte à son frère, Jill. Le concert va durer une heure. Soixante minutes à la rencontre de ce nouvel artiste issu de la scène française. C’est touchant. Le groupe dégage une certaine empathie. La prestation manque cependant peut-être un peu de fougue…
Au moment des remerciements, Julien Bensé salue le public et nous dit : ‘J’espère être de retour très vite sur ces terres, en conquérant’. On lui souhaite, en tout cas, beaucoup de plaisir pour ses prochaines dates.
Bensé + Claire Denamur + Jill is Lucky
Coprod. UBU
Tiens, c’est curieux, l’édition 2008 du festival des Inrocks à Lille se déroule un jeudi et un vendredi. Pour ce premier jour, il a élu domicile à l’Aéronef de Lille. Cinq groupes sont à l’affiche. Dont les Ting Tings. Ce qui explique sans doute pourquoi il y a foule. Même que le balcon est ouvert. On n’est même pas très loin du sold out. Mais venons-en donc au programme.
Late Of The Pier a déjà commencé son set depuis un bon quart d’heure, lorsque nous arrivons sur les lieux. Leur premier album (« Fantasy Black Channel ») est paru en août dernier ; mais apparemment ce n’est pas la priorité d’EMI, puisque le disque n’a bénéficié que d’une promo très limitée. Au fil de la prestation, on se demande même ce qu’ils foutent chez un major ; car franchement, si les idées du quatuor de Nottingham sont intéressantes, elles demeurent encore trop à l’état de brouillon. On perçoit quand même des influences qui oscillent de Queens of The Stone Age à Muse, en passant par ELO et Gary Numan ; mais on conclut rapidement que vu leur manque d’expérience, il aurait peut-être mieux valu qu’ils continuent à se produire dans des bars et des clubs, afin d’acquérir une certaine expérience, plutôt que se lancer dans une aventure qui risque peut-être de tourner court beaucoup plus vite que prévu.
Les Black Kids ont également enregistré leur premier opus cette année. « Partie traumatic ». Produit par Bernard Butler, il est paru en juillet dernier. Un quintet issu de Jacksonville, en Floride. A droite de la scène militent deux claviéristes féminines. Pas des bombes sexuelles comme chez les B52’s. Ni des modèles de dynamisme. A l’instar de Kate Pierson et Cindy Wilson, à leur âge. Pourtant, c’est bien chez la formation géorgienne que les Black Kids puisent une partie de leurs influences. Surtout le feeling new wave. Et chez Go ! Team également. Pour le mélange de funk, de disco et de techno. Vêtu d’un t-shirt affublé d’une tête de mort, le chanteur/guitariste me fait penser à un Jimi Hendrix adolescent. Sans manifester la même dextérité à la guitare, malheureusement. Bref, une prestation incolore et inodore.
Alias Stéphanie Sokolinska, SoKo est française. Elle est même née à Bordeaux. C’est aussi une actrice de cinéma. Un joli brin de fille aux yeux malicieux, à la chevelure de jais et au sourire taquin. Elle possède une voix juvénile, campant même un timbre sis quelque part entre Kymia Dawson et Carla Bruni. Et chante dans la langue de Shakespeare des lyrics qui parlent aussi bien de l’interruption de grossesse que de l’incertitude des relations amoureuses. Pour son set, elle est épaulée par un drummer et une claviériste/violoniste. Soko ne se contente cependant pas de chanter. Elle glisse allègrement de la guitare aux claviers (NDR : un casio), en passant par les percus et surtout l’ukulélé. Bref, c’est très minimaliste. Plutôt original, mais au fil du temps la prestation suscite un profond ennui. Et nous pousse à prendre un peu l’air. On reviendra ainsi en fin de parcours, pour assister à ce qui nous semble le style qui lui correspond le mieux. Dépouillé, mais velvetien. Une longue compo au cours de laquelle les accès grinçants de la violoniste conjugués aux accords plaqués et écorchés de Soko, vont littéralement déchirer l’atmosphère. Dommage que tout le set n’était pas de cette trempe.
Bref, en arrivant au quatrième groupe, je me demandais quand même si nous allions enfin pouvoir flasher sur l’une ou l’autre prestation. Ce sera enfin le cas pour Cajun Dance Party. Un quintet londonien partagé entre un drummer (NDR : un sosie de Laurent Voulzy !), un bassiste, un guitariste, un chanteur/guitariste et une claviériste. Blonde et pulpeuse, pour ne rien vous cacher. Et qui possède une superbe voix ; mais dont elle ne révèle cette aptitude qu’en fin de parcours, sur « The Hill, The View & The Lights », un titre qui s’achève dans un véritable délire psychédélique. Chez C.D.P., on est surtout impressionné par le guitariste, Robbie Stern. Non seulement, c’est loin d’être un manchot ; mais il parvient à communiquer une fameuse dose d’intensité aux mélodies. Quant au vocaliste, Daniel Blumberg, il possède un timbre versatile, rappelant parfois Robert Smith, parfois Luke Pritchard (The Kooks). Et, paradoxalement, lorsqu’il ne joue pas de la rythmique, il porte son instrument sur le dos, un peu comme Joe Strummer du Clash. En outre, il ne faut pas sous-estimer le rôle de la section rythmique. A la fois discrète mais solide, elle apporte un fameux groove post punk aux compos. Un set enfin digne d’intérêt. Il était temps ; et autant dire que nous avons poussé un fameux ‘ouf’ de soulagement ! A noter que leur premier elpee, « The Colourful Life », a également bénéficié de la mise en forme de Bernard Butler.
Les Ting Tings ne sont pas encore montés sur les planches que le public est déjà en délire. Ce type de réaction me rend souvent très sceptique. Les Ting Tings sont deux sur scène. Jules De Martino, le batteur (NDR: il est également préposé aux backing vocals) et la chanteuse/guitariste Katie White. Belle fille. Bien maquillée. Comme on colle aux affiches (NDR : il y a longtemps que je l’avais plus ressortie, celle-là !) Le drummer siège à gauche du podium. Un support en arc de cercle passe au-dessus de sa tête pour qu’il puisse donner de la voix. Dans le micro, bien sûr. Katie bondit d’un côté à l’autre de la scène. Elle change de gratte quasiment à chaque morceau. Sa voix me rappelle parfois celle Polly Harvey. Elle peut même raper comme celle de Debbie Harry. Les compos sont bourrées de punch. Le public reprend en chœur leurs singles. Mais la multiplication de gadgets électroniques et préenregistrés finit par agacer. Cette perfection devient artificielle et me rappelle quelque part l’époque du play-back. Ce qui n’enlève rien aux qualités du duo ; mais franchement, on aimerait les voir au sein d’un véritable groupe. Histoire d’écouter des versions différentes de leur album. Goûter à la magie du vrai ‘live’ ! Pas devoir se farcir une réplique fidèle d’un répertoire. Aussi au bout d’une bonne demi-heure, on décide de s’éclipser. Pour vivre, on l’espère, le lendemain, une soirée un peu plus excitante…
Late of The Pier + Black Kids + SoKo + Cajun Dance Party + The Ting Tings
Organisation : A Gauche De La Lune et Aéronef (Lille)
C'est dans le cadre de ‘Now Series’ que les Skatalites se produisaient pour la énième fois en Belgique. Sans être un fan absolu du groupe, 15 ans après les avoir découvert sur les planches, pour la première fois au VK, j'essaie néanmoins de les revoir régulièrement. Même si ce n'est pas sold out, le thème de cette édition a attiré pas mal de monde. Les fans de musique jamaïcaine et autres amateurs de world music ont fait le déplacement.
Sympa, comme concept, ce ‘Now Serie’, qui permet de programmer 4 groupes dans un ensemble musicalement cohérent. Malheureusement, les 250 places de l'AB Club se révèlent un peu ‘limite’ pour celles et ceux qui souhaitent changer de décor sans se farcir l’attente d’une longue file. Finalement, c'est pour les Skat's que je suis venu. Tant pis, je ferai l'impasse sur le club.
Au terme d'un interminable sound check, les vétérans du ska montent sur scène. Bon, les véritables vétérans commencent à se faire rares. Ainsi, plus de trace de contrebassiste qui figurait au sein du line up, 15 ans plus tôt, lors de leur passage à la même Ancienne Belgique. C’est vrai qu’il semblait déjà ne tenir debout que grâce à son instrument. Mais dommage qu’il soit disparu de la circulation : je m'étais promis de lui tirer le portrait. Les seuls vétérans encore à la barre sont le batteur et le saxo. Les deux personnages adoptent une attitude caractéristique : regard qui tue pour le premier, grand sourire et petits pas de danse pour le second. Les autres membres ne détonnent cependant pas dans l'ensemble : le second saxo se charge de présenter les morceaux, le trompettiste joue les showmen, le trombone a repris le rôle de dragueur du groupe, le bassiste –imperturbable sur son tabouret– remplace le contrebassiste. Quant au guitariste et au claviériste (NDR : seul Européen de la bande), ils semblent un peu en retrait, à l'extrême gauche de la scène.
Rituellement, les Skatalites ouvrent les hostilités par des ‘classiques’ de leur répertoire ska (dont, rappelons-le, ils sont les pionniers), avant d'inviter leur chanteuse, autre membre original de la formation, à venir les rejoindre pour un set dont l'ambiance vire maintenant au reggae. Il n'en faut pas plus au public, déjà bien remuant, pour se mettre à danser frénétiquement, jusque dans les gradins. Leur style, mêlant habilement le ska, le dub, le reggae et la musique de fanfare fait mouche comme à chaque fois. Plus d'une heure et demie de concert ne rassasient pas l’auditoire qui aimerait voir cette fête se poursuivre encore. C'est la tête encore remplie des rythmes jamaïcains que je quitte l'AB avec la certitude que je serai encore au rendez-vous lors de leur prochain passage en Belgique.
Les photos de ce concert sont bien entendus en ligne dans la rubrique ‘Live Photos’.
Organisation AB
Salle comble à l’Ancienne Belgique ce mercredi 12 novembre. Tryo, groupe français engagé et véritable phénomène auprès d’une génération entière de jeunes en quête d’une musique épurée, rythmée, et profondément militante est de retour ! Les murs de la salle ont vibré au son des six hommes de scène. Les quatre membres du groupe, accompagnés pur la tournée d’un violoncelliste (Fred Deville) et d’un percussionniste (Pablo Mendez), ont rencontré un franc succès auprès du public belge venu en masse pour écouter leur dernier album « Ce que l’On Sème ».
En première partie, Bensé. Nouveau venu sur la scène française. Un séducteur entouré de quatre musiciens. Il charme nos âmes en racontant des histoires de vie tantôt joyeuses, tantôt cyniques… L’accueil du public à son égard est plutôt encourageant. Après un bref set de trente minutes, Bensé nous salue et quitte la scène. Il reviendra nous voir, c’est certain (le 14/11 au Bota) !
Le public les acclamait ; et c’est par une chanson de leur dernier album qu’ils ouvrent le bal. Suivie de « G8 », une incontournable de l’album « Grain de Sable ». Dès les premières notes, la fureur de la foule semble étonner nos musiciens ; mais ils se délectent de l’énergie libérée par cette ferveur. Christophe Mali clamera même qu’on pourrait transformer toute cette euphorie en une ‘Tryouze’ géante.
Sans aucun doute, Tryo n’a plus à faire ses preuves ! Le groupe est adopté et chéri par ces auditeurs qui connaissent les paroles sur le bout des doigts. Tout autour de moi, on chante, on sourit, on est heureux. J’ignorais la popularité et le franc succès que rencontre Tryo. Plus de dix ans de carrière, quatre albums studio et des centaines de dates. Du reggae métissé à des musiques d’ici et ailleurs ; des sons parfois plus indiens ou carrément brésiliens pour quelques plages du dernier album. « Marcher Droit » est par contre la seule compo plus rock répertoire de cette prestation. On s’y donne à cœur joie, et les cordes vocales vibrent à l’unisson : « Pompafric », « Désolé pour Hier Soir », Jocelyne… ! Même les deux percussionnistes nous font une démonstration ‘solo’ des plus détonantes.
Ca swingue, ça fait même réfléchir. Des sonorités pourtant toujours semblables… même si les morceaux se distinguent tous, les uns des autres ; dans l’ensemble, il faut admettre que le tempo ne varie guère et est même susceptible, à la longue, de lasser. Heureusement, l’échange du groupe avec son public rythme le concert et ajoute une chaleur humaine très forte.
Sous les ovations de cet impressionnant rassemblement, nos militants tirent leur révérence sur « L’hymne de nos Campagnes », single le plus notoire du groupe. Une dédicace particulière à Greenpeace qui partage la tournée avec eux. L’engagement ne se limite pas qu’aux textes. Non ! Tryo, c’est conséquent de la plume au support CD, fabriqué à l’aide de matériaux qui respectent la terre. Si vous les avez manqués cette fois-ci, soyez rassurés, ils reviendront le 13 mai 2009 à Forest National.
Organisation : AJA concerts
Bluesman mythique, John Lee Hooker a eu un fils en 1954. Il lui a donné le même prénom. A cette époque, il vivait à Detroit. A 18 ans, Junior chante pour son paternel lors de l’enregistrement de “Live at Soledad Prison". Mais le fiston a vécu tous les excès d’un fils d'artiste : alcool, drogues, divorce, incarcérations, etc. Il faudra attendre le début de ce siècle pour le voir enfin reprendre une existence moins perturbée. En se décidant notamment d’entreprendre une tournée en compagnie de ses musiciens. Sa vie est bien loin d’être aussi dorée que celle de son père ; mais il fait ainsi son expérience. En 2004, il concocte son premier elpee. Un disque très autobiographique intitulé “Blues with a vengeance”. Il y reprend quelques canons de son vieux père. Ce qui lui permettra d’entrer dans les grâces de la presse spécialisée et de décrocher des nominations aux WC Handy et aux California Music awards. En 2006, il sort son second opus, “Cold as ice”, chez Telarc. Pour la circonstance, son blues est à la fois plus moderne et très personnel. Et pour cause, il patine son downhome blues originel de R&B, de jazz et de funk.
“All odds against me”, troisième opus de Junior, est découpé en 12 morceaux. Il ouvre cette œuvre par “Dear John”. Un blues au cours duquel, il récite un texte qui nous parle des difficultés rencontrées dans sa vie personnelle. Il a hérité de son père, une voix naturellement puissante. Les gènes ont manifestement parlé. La guitare de John Garcia J est très présente. Les affaires sérieuses commencent dès “Extramarital affair”. Une plage R&B, naturellement funky. La voix est autoritaire. Les cuivres apportent de l’épaisseur à l’ensemble. Naguère gratteur derrière John Lee Senior, Garcia se révèle décidément un expert aux cordes. Imprimé sur un tempo enlevé, mais sans excès, “One eye open” bénéficie d’une orchestration impeccable. Depuis le piano de Will Griffin à la guitare de Jeff Horan en passant par l’harmonica de David Barrett. Ravissant ! “I miss you so” emprunte un même rythme, mais est marqué par un retour des cuivres à l’avant-plan. Le relief et la coloration d’“I’ve got your back” relèvent plutôt du jazz. Le swing est délicat. L’ambiance cabaret. Les arrangements raffinés. La section de cuivres ‘Hot Sauce’ refait surface pour attaquer le solide R&B “Stressed out”. Au sommet de sa forme, Garcia se montre très inspiré. A la fin de sa vie, le vieux John Lee et Carlos Santana avaient collaboré à un projet de blues percussif d’excellent niveau. Junior réalise un travail assez similaire sur “There’s a struggle”, en compagnie de ses propres musiciens. Faut dire que Garcia est une fameuse pointure. John Lee chante “Old school”, une parenthèse downhome. Il est uniquement soutenu par la sèche de Jeff Horan. Cette voix est bien faite pour chanter le blues ; qu’il soit du XXIème siècle ou primitif. “Blues ain’t nothing but a pimp” est la plage la plus aboutie de l’album. Un R&B magistral tout en puissance et caractère. Des chœurs donnent la réplique à notre Hooker souverain tout au long du funk participatif “The people want a change”. D’excellente facture, cet opus s’achève par “That’be the blues”. Junior n’a pu s’empêcher d’opérer un dernier crochet via un des cabarets newyorkais, pour en humer l’atmosphère. Dans l’univers du blues, les fistons sont légion. A l’instar d’Elmore James Jr, Eddie Taylor Jr ou du rejeton de Muddy Maters, Big Bill Morganfield. John Lee Hooker Jr est cependant parvenu à se libérer du spectre de son paternel ; et cette initiative mérite d’être saluée.
Le disque recèle une séquence vidéo de “Blues ain’t nothing but a pimp”, un dessin animé, en noir et blanc, réalisé par le Français Laurent Mercier. Musicien la nuit, Junior y devient un super héros justicier le jour. Un excellent album !
Chris est âgé de 45 ans. Il est originaire de San Antonio, au Texas. Il joue sa musique depuis près de 30 ans. Il se fixe à Austin en 1979 et rejoint le groupe Mainstreet. En 81, les choses deviennent plus sérieuses, puisqu’il est engagé par Night Train, le groupe du chanteur/guitariste Bobby Mack. Il y sévira trois années. Enfin, en 86 il fonde sa propre formation : les Bad Boys. Il concocte ainsi son premier elpee ; même si entretemps, il cède le leadership à Junior Medlow, le chanteur du groupe mythique Cobras, un combo également issu d’Austin, au sein duquel militait Stevie Ray Vaughan. Depuis 1991, il drive son Chris Duarte Group. Sous ce patronyme, il a commis quelques solides opus dont "Texas Sugar/Strat Magik" en 94, "Tailspin headwhack" en 97, "Love is greater than me" en 2000 ainsi que le puissant "Romp" en 2003. L'an dernier, il a signé chez le label de Mike Varney, Blues Bureau International et lui a consacré "Velocity".
Pour ce nouvel album, il a choisi de continuer à faire confiance à la fée électricité. Sa section rythmique est constituée du bassiste Joseph Patrick Moore et du drummer Jeff Reilly. Varney se charge de la mise en forme. Savant dosage de funk, de blues, de jazz et de rock, épicé d’un soupçon de métal, son expression sonore est toujours aussi consistante et flamboyante. Parmi ses musiciens favoris, il cite Albert King, Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan, John McLaughlin et… John Coltrane. Pas trop difficile dès lors de situer son univers musical.
Dès l’entame de "The best I can do", Chris pousse sur le champignon. Une plage rock'n'roll très speedée au cours de laquelle la section rythmique soutient discrètement mais efficacement son leader. Blues rock shuffle à la texane, "Satisfy" emprunte une démarche nonchalante. Nous ne sommes d’ailleurs pas très loin des bayous de la Louisiane. Pour la circonstance, il s’inspire naturellement de son regretté concitoyen, Stevie Ray Vaughan. Plage instrumentale, "Slapstak" constitue un hymne à la guitare texane. L’esprit de Jimi Hendrix est ici bien présent, mais aussi et bien entendu de SRV. "More boogie" est un titre parfaitement adapté. Un boogie électrique radical qui lorgne sensiblement vers Michael Katon, l'homme de l'enfer du Michigan, artiste qui relève d’ailleurs du même label. L'empreinte de Varney est pourtant bien nette. Hanté par cette fureur infernale, ce boogie métallique emporte tout sur son passage! Nostalgiques, les fans du grand Vaughan risquent fort d’essuyer une larme en écoutant "Troubles on me", un blues lent caractérisé par ses questions rituelles échangées entre le chant et les cordes. A la limite, il aurait pu intituler cette compo, "Double troubles on me". La fête de la guitare se poursuit, mais évolue toujours à très haut niveau. Imprimé sur un tempo enlevé, "Let's have a party" est un véritable plaisir pour les oreilles. Alors que les trois musiciens reprennent le refrain, les sonorités de cordes se multiplient au cœur d’une véritable orgie du rythme. Il jouit d’une fameuse santé l'ami Chris! "The end of me and you" baigne au sein d’un climat Memphis R&B. Chris reproduit les riffs du grand Albert King. Et c’est un élève doué. Il est d’ailleurs passé au rang de maître compagnon. Et son savoir-faire est éloquent. Balisé par une rythmique entraînante, "Blow your mind" est un blues rocker à la mélodie accrocheuse. L’intro de "She don't live here anymore" rappelle inévitablement le "Voodoo Chile" du maître Hendrix, avant qu’un magistral changement de rythme survienne. Boulimique, Chris en profite pour libérer une avalanche de notes, glissant ainsi vers une forme de voyage psychédélique qu’il affectionne. Puisant et violent, "Babylon" pénètre dans la sphère rock. Chris y chante à la manière du Roger Daltrey ; et comme à la belle époque du Who! Une plage impressionnant ; mais on navigue ici bien loin du blues! L'album s’achève par "Woodpecker", un autre instrumental au cours duquel Chris s’autorise d’autres voies expérimentales. L’elpee recèle deux bonus tracks. Deux ‘extended tracks’. Tout d’abord le slow blues "Troubles on me". Soit plus de 12' de bonheur pour les adeptes du style. Et puis un "Blow your mind" dont le délire est poussé a son paroxysme.
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