En novembre 2007, la fiancée de Rogers-Berry succombe à une rupture d’anévrisme. David Rogers-Berry est le drummer de la formation new-yorkaise. Le combo accuse le coup face à cette tragédie et annule toute la tournée mondiale qui venait d’être programmée. Le groupe projette cependant de continuer son aventure ; mais lorsqu’il entre en studio pour enregistrer son troisième opus, l’ambiance est plutôt plombée. Ce qui explique sans doute la nature des lyrics. Déjà qu’ils ne respiraient pas la joie de vivre, mais vu les circonstances, ils se révèlent davantage torturés, sombres, parfois même macabres. Et inévitablement, une compo rend hommage à la jeune défunte, « A light that does not dim », une compo qui relate la chaleur et la lumière qu’elle a pu apporter dans sa vie. Les autres plages traitent du meurtre, de fantômes ou encore des religions ancestrales, des chansons gorgées de désespoir et de colère qu’interprète d’une voix gémissante, nasillarde, Greg Jamie, une voix dont le timbre oscille quelque part entre Danielson, Neil Young et Tom Waits.
O’Death pratique une forme de country folk gothique. Appalachien et bluegrass, très souvent. Gitan et circonstanciellement jazzyfiant, également. A cause du violon grinçant ou swinguant de Bob Pycior. Insolite aussi. Pas à cause de la présence d’un banjo ou d’un ukulélé, mais des percus. Une véritable quincaillerie. La plupart des titres évoluent cependant sur un tempo frénétique. Punk même. Susceptible de changer de rythme au sein d’une même composition. Dans un style qui peut rappeler Gogol Bordello. Voire même les Pogues. On a même droit à quelques chœurs gospel. A de la valse aussi. Et puis à un séjour dans l’univers du cabaret. Il y a bien une ballade (« Angeline »), et puis quelques plages dont l’intro s’ébroue tout en douceur. Avant d’embrasser progressivement et systématiquement une perspective vivace et nerveuse. Et puis une polka instrumentale (« Leininger »). Mais dans l’ensemble, c’est la frénésie qui domine le climat de ce « Broken hymns, limbs and skin », une exaltation qui mériterait certainement d’être vécue en ‘live’…
Fier poulain de l’écurie Ninja Tune, Andy Carthy alias Mr. Scruff publie… « Ninja Tuna ». Une sortie qui intervient six ans après « Trouser Jazz », son excellent quatrième opus, et quelques mois après avoir confié au micro de Gilles Peterson, sa volonté de ne rien publier dans l’immédiat ! Investissant son éternel territoire Jazz, Mr. Scruff s’amuse à lui imposer une nouvelle fois des bidouillages Hip Hop, Funk et Soul brillamment exécutés. Le buveur de thé notoire laisse cette fois une grande place aux vocalises non samplées, élément trop rarement mis en évidence dans ses ouvrages précédents. Il s’est par ailleurs entouré de grosses pointures comme Roots Manuva, Alice Russell et Quantic ou encore de relatifs inconnus tels qu’Andreya Triana (un nom à retenir). Ces derniers apportent une touche personnelle à des morceaux déjà délirants et infectieux.
Le Mancunien ne néglige pas pour autant les compos instrumentales qu’il malmène ingénieusement en nappant les envolées acid jazz d’une bonne mesure d’electronica (« Hairy Bumpercress », « Bang The Floor »), de disco (« Get On Down ») et des styles mentionnés plus haut (« Give Up To Get », « Test The Sound »). L’œuvre s’achève par un « Stockport Carnival » aux influences latines illustrant parfaitement la versatilité de Mr. Scruff. Etonnamment cohérent, « Ninja Tuna » est assurément l’une des bonnes surprises de l’année.
Avant de se lancer dans un projet électro en solitaire, Marc Bianchi a milité au sein de différentes formations. Hardcore notamment. Et en particulier chez Indian Summer et Mohinder. Nous sommes alors en 1996 et Her Space Holiday voit ainsi le jour. Bien que les premières démos ne soient pas destinées à être publiées, le groupe devient rapidement son projet principal.
« Xoxo Panda and the new kid revival » constitue déjà le sixième album de ce supposé complémentaire. Il marque un tournant dans sa discographie. C’est à une toute nouvelle face d’Her Space Holiday que Marc Bianchi nous expose cette fois. Alors que l’album précédent (l’excellent « The Young Machine », paru en 2006) tendait vers l’électro-pop, « Xoxo Panda… » réunit une collection de chanson indie pop-folk des plus classiques. La guitare a pris le dessus sur le labtop. D’une électro mélancolique, il est passé à une pop quasi ensoleillée.
La particularité et l’originalité marquante de ses précédentes sorties nous manquent un peu, pour la circonstance. La voix de Bianchi est loin de sortir de l’ordinaire mais la tristesse qui en ressortait auparavant était susceptible de toucher l’auditeur assez profondément. Ce n’est plus le cas sur ces nouvelles chansons de facture ordinaire. Le disque reste néanmoins agréable. Mais pourquoi ne pas se limiter à dix chansons ? La longueur du disque empêche de profiter des bonnes idées pourtant toujours présentes. Malgré ces quelques réserves, il serait inopportun de passer à côté du très beau « One for my soul (Good night) » clôturant l’album.
Espérons que cette escapade ne constitue qu’une parenthèse dans son œuvre, et que Bianchi nous reviendra bientôt flanqué d’un elpee digne de « The Young Machine » (NDR : un opus qui figure tout de même relativement haut dans ma discographie idéale personnelle…)
Pour enregistrer son nouvel essai, Rudi Protrudi est parvenu à convaincre ‘Mad’ Mike de revenir frapper sur les fûts. Comme entre 1986 et 1992. Forgeant pour la circonstance une section d’enfer en compagnie du bassiste Screamin’ Bo Pille. En outre, le New-yorkais a bénéficié de la participation de backing vocals féminins et reçu la collaboration d’une section de cuivres. Des cuivres qui apportent une coloration r&b particulièrement chaleureuse, fiévreuse même, à la plupart des plages de l’elpee. Ajoutez-y la conjugaison cinglante entre les guitares de Protrudi et de Lenny Silver ; et puis bien sûr les claviers Hammond C3 subrepticement rognés par Lana Loveland. Il ne reste plus qu’à la voix vitale et énergétique de Rudi à faire le reste. Et ma foi, le résultat est concluant. Enfin, si vous êtes un aficionado de garage inspiré par les sixties. Celui des Monkees, Dave Clark Five, Crying Shames ou encore des Sonics, pour être plus précis.
L’opus recèle de nouvelles versions d’anciennes compositions. Tout d’abord « Ward 81 ». Ensuite « She’s wicked ». « Cheyenne rider », également. Une adaptation très réussie d’un titre signé par Jordan Tarlow et Mike Czekaj, deux ex-membres des Fuzztones. Cette plage pourrait même figurer au répertoire des Fleshtones. Le disque épingle également toute une série de covers, dont le « Garden of my mind » de Mickey Finn, « Girl, you captivate me », un morceau signé DiFrancesco/Dischel popularisé par ? & The Mysterians, le « Be forewarned » de Pentagral » ainsi que le « 99th floor » de Billy F Gibbons. Issu de la plume d’un certain Ceynowa, « Black lightning light » baigne d’abord dans des sonorités de claviers ‘deepurpleliennes’ (NDR : pensez à « Child in time »). Et pourtant ce n’est pas Jon Lord qui siège derrière l’orgue. Avant de s’autoriser un petit trip dans la prog et de glisser finalement vers un r&b garage digne du Spencer Davis Group. Une compo de 7’43 ! Signalons encore la présence du bassiste et du chanteur des Pretty Things, Wally Waller (il partage les harmonies vocales) sur une cover des Pretties, « Alexander ». L’elpee recèle enfin un morceau absolument fantastique et irrésistible : « Third time’s the charm » (NDR : cette voix caverneuse de Protrudi ! Brrrrrr…) Et il n’est pas interdit de danser. Excellent !
Amateurs d’originalité et d’innovations, passez votre tour. Par contre, les indécrottables nostalgiques de pop parfaite trouveront ici de quoi se réchauffer pour l’hiver. Hormis le titre maître qui lorgne assez curieusement vers John Lennon, « Freedom Wind » constitue un hommage plus qu’appuyé à la musique des Beach Boys … Tous les éléments sont présents pour rappeler les mythiques garçons de la plage : les harmonies vocales complexes, l’instrumentation riche, les ‘reverbs’ à l’ancienne et cette impression que l’été ne finira jamais. Pour mettre en valeur, ce qui finalement n’est qu’une vaine imitation, ces jeunes gens issus de Caroline du Sud sont parvenus à mettre du piment dans le pastiche ; notamment en pondant des excellents morceaux. Et je pense tout particulièrement à « Forever », « Don’t Forget The Sun », « If You Go », l’instrumental “Summer Air” ou encore « Last Kiss », des compos de toute bonne facture. Il y a bien le dispensable « Honey, I don’t know Why » ; mais dans l’ensemble, le reste de “Freedom Wind” tient plus ou moins bien la route. Bref, en prenant un peu de recul, il faut reconnaître que ce disque ne manque pas d’allure. Reste à savoir si la formation va envoyer un exemplaire à Brian Wilson…
Joy Olasunmibo Ogunmakin alias Ayo reprend sa baguette magique et se remet à envoûter son petit monde deux ans après « Joyful », sa première opération de séduction. Né d’un père nigérien et d’une mère roumaine, la jeune femme de 28 ans a transité de Londres à New-York en passant par Paris pour finir par désigner Hambourg comme ultime terre d’accueil. Rien de plus naturel pour elle que d’opter pour le métissage des genres. A l’attirail Soul, Pop et Reggae qui faisait la richesse de « Joyful », viennent s’ajouter des influences Blues et Folk. « Lonely », « Love And Hate », « Get Out Of My Way », « Sometimes » et « What’s This All About » sont autant de compositions au charme irrésistible, sur lesquels Ayo pose gracieusement sa voix. Prolongement naturel de « Joyful », « Gravity At Last » tient la mesure face à son prédécesseur. On peut éventuellement regretter un son un peu trop propret et des compos tellement gentillettes qu’elles tendent vers la guimauve. Mais si l’objectif de ce second ouvrage est de faire fondre les cœurs, il est atteint. Sans faire d’efforts.
Pur compromis à la belge, A Brand déroule 12 titres aussi électriques qu’électroniques, farfouillant dans les années 70, 80 et 90. Les Anversois lâchent ce bâtard enragé sur le dancefloor et à certains moments, quelque part entre le disco et le glamrock, la formule opère. Anarchique et batailleuse ; éclectique et efficace. Rien de véritablement indélébile ; demain c’est oublié. Mais aujourd’hui ça vivote, ça se nourrit sans trop de mal de guitares affolées empruntées aux Strokes, de synthés tout droit sortis de tubes disco et d’une voix glamour au timbre qui n’est pas sans rappeler un certain Tom Barman. Sans aucun doute, la recette séduit avec bien plus d’aisance en se limitant à un son disco vintage (« Bubbles ») plutôt qu’en l’affublant de riffs teenage fiévreux (« Time »). On restera aussi perplexe devant l’inclassable « Drop the messiah », à l’hymne reggae subitement supplanté par des guitares punk. La cohérence et les transitions ne sont à l’évidence pas la priorité. Et c’est peut-être du haut de cette nonchalante iconoclaste que résonnent le mieux les morceaux. Dans cette perspective, les refrains scandés avec entêtement pourront trouver à qui parler. « Judas » saisit l’opportunité, le départ imminent. Peu importe que ça dure, peu importe que ça reste en surface. Pourvu que ça soulève. Les trois guitares misent tout sur le rythme obsédant et l’envie instantanée de sortir d’ici maintenant, nu et déterminé. N’importe quoi mais que ça saute. Une formule sans surprises, dont les qualités sont les faiblesses. A avaler sans réfléchir sur une cuillère à café.
Situé quelque peu à l’extérieur de Johannesbourg, en Afrique du Sud, le South Western Townschip est un ghetto historique de la révolte contre l’apartheid. Dans nos contrées, il est plus connu sous l’acronyme ‘Soweto’. La chorale qui en est issue, le Soweto Gospel Choir, interprète une majorité de titres traditionnels Zulu et Sotho, des chants classique de la tradition protestante (« Amazing Grace »), mais également une poignée de morceaux issus du répertoire populaire (Dylan et Bob Marley). Ce témoignage immortalise un concert accordé au Nelson Mandela Theatre de Johannesbourg. Il s’ouvre par des chorales africaines uniquement soutenues par des percussions. A mi-parcours, une formation pop traditionnelle prend le relais pour nous servir des standards du répertoire gospel, déjà entendus maintes fois. Une formule classique qui s’adresse surtout aux mordus du genre ; d’autant plus que les interprétations sont fort bien exécutées.
Le succès foudroyant du single « Chasing Cars » et de « Eyes Open », l’ouvrage dont il est issu, a propulsé Snow Patrol dans les plus hautes sphères des charts. Cinq travaux auront été nécessaires à la formation pour se forger un petit nom au sein de la scène pop rock internationale. Produit par Jacknife Lee, « A Hundred Million Suns » ne risque pas de changer la donne. A l’instar de l’opus précédent, le nouveau recueil de Gary Lightbody et de ses camarades réunit une série d’hymnes taillés pour les stades et des tubes à la structure certes classique mais assurément radiogéniques (« Crack The Shutters », « Please Just Take These Photos From My Hands », « Disaster Button » ou encore le single porte-drapeau, « Take Back The City »).
Snow Patrol délaisse toutefois l’intensité qui caractérisait les tubesques « Run », « Chasing Cars » ou « Set The Fire To The Third Bar » au profit de morceaux majoritairement uptempo. Les morceaux les plus lents (« The Planets Bend Between Us », « Set Down Your Glass ») conservent un aspect agréable mais oublient d’émouvoir à la manière des deux œuvres précédentes. Même l’épique « The Lightning Strike », long de 16 minutes, ne contient aucune des armes nécessaires pour se mesurer à la beauté de l’énorme « Make This Go On Forever » (extrait de « Eyes Open »). Les Anglais privilégient ici leur recherche de nouveauté. Celle-ci s’exprime à travers l’expérimentation de nouvelles sonorités, comme illustré sur « Lifeboats », « If There’s A Rocket Tie Me To It », « Engines » ou le ravissant « The Golden Floor ». D’un point de vue général, la recette fonctionne toujours. Mais celle-ci pourrait éventuellement lasser, à long terme.
Pour voir le clip de "Take Back the City" :
http://www.alloclips.com/video/Snow_Patrol/Take_Back_The_
http://fr.youtube.com/watch?v=lDGzB82bIZc
Un mardi soir sur la terre. Un soir d’automne. Les feuilles des arbres jonchent le sol ou dansent dans les airs à la moindre bourrasque. Ce mardi dernier, jour férié de surcroit, était d’un calme olympien. Le Botanique accueillait pourtant –en toute discrétion– Luka Bloom, un pilier en matière de chanson folk.
Calmement, le public averti s’est installé dans la salle de l’Orangerie… Pour attendrir et faire patienter ses fidèles, Luka avait choisi Ma Rain en première partie. Une Hollandaise à la voix douce et chaude qui a donné les premières tonalités folk de la soirée.
20h52. Luka Bloom nous rejoint. Sur scène, deux guitares ; et pour décor, un bouquet de marguerites (qui a fini dans les mains d’une fan irlandaise un peu plus tard). Ces premiers morceaux seront d’une extrême mélancolie. Il le dira d’ailleurs lui-même : ‘Vive la sérénité’ ! On ressent le vécu et l’expérience de l’artiste… Tranquillement et sans se presser, il pose sa voix, prend ses repères et sonde le public en l’invitant, dès la troisième chanson, à l’accompagner pour « Tribe ». Après cette mise en bouche, le plat de consistance : son dernier album « Eleven Songs ». En fermant les yeux, on aurait pu s’imaginer dans un vieux chalet en bois, enveloppé d’une couverture, au coin du feu. Ambiance calfeutrée et cosy tout au long du concert.
On n’arrive pas, ‘par hasard’, pour écouter chanter cet homme aux racines irlandaises. L’auditoire présent le suit probablement depuis plusieurs années. Comme hypnotisé, il semble boire ses paroles, sans toutefois réelle profusion d’émotion… Assez étonnant. Je me suis demandée si à chaque concert folk/blues c’était aussi calme… On aurait dit une salle remplie d’amoureux et de romantiques en mal de chansons poétiques et câlines. Après réflexion, je pense que ce n’est pas uniquement le répertoire qui attire le public, c’est aussi l’homme en tant que tel. D’une humilité et d’un humour bien à lui. Sa voix et son jeu de guitare séduisent. Hommes et femmes sont conquis. Après avoir enchaîné tour à tour anciennes et nouvelles ballades, dont quelques classiques comme « City of Chicago » et « Gone To Pablo », il termine sa prestation par deux rappels.
Pendant presque 2 heures, il nous a bercés tendrement près d’une vingtaine de morceaux. Homme de cœur, Luka Bloom va même sceller sa présence par un titre évocateur : « Thank you For Bringing Me Here ».
Organisation Botanique
C’est dans une Ancienne Belgique étonnement bondée que s’est produit l’événement hip hop de cette fin d’année, où le passé (GZA) a rencontré le futur du mouvement (Roots Manuva). Après une fouille corporelle, on est autorisé à pénétrer dans la grande salle pour assister à la fin du set de Beat Drunx. On n’en verra cependant pas assez pour se forger une bonne idée du hiphop pratiqué par les deux Gantois.
Quelques bières plus tard, débarque Roots Manuva, un des meilleurs et plus influents emcees du hip hop anglais des années 2000. L’homme vient nous présenter « Slyme and Reason », son quatrième album (sans compter les deux consacrés aux remixes), une œuvre qui renoue avec les sonorités jamaïcaines. Notre homme est soutenu par deux dj’s. L’un d’eux est d’ailleurs affublé d’un saxophone qu’il n’utilisera pas une seule fois au cours de ce concert court et agréable. Au chant, l’excellent chanteur Ricky Ranking (http://www.myspace.com/rickyranking) –vétéran de la scène reggae anglaise, il a déjà collaboré aux projets de Roots Manuva, à plusieurs reprises– donne de l’amplitude au rap enfumé de Rodney Smith.
L’équipe commence en force par « Again & Again », le premier single très reggae issu de « Slyme and Reason ». L’ambiance est bonne. Roots Manuva est visiblement défoncé. Ce qui n’entachera en rien la qualité de la prestation, malgré quelques petits trous de mémoire. Le duo épingle pas mal de morceaux du nouvel album (dont l’excellent « Buff Nuf ») mais aussi quelques classiques du passé. Avant d’entamer le beat imparable de « Witness », les deux compères tentent de nous faire croire que « The council of Brussel forbid us to play this song ». “Dreamy Days” et quelques autres classiques suivent. Ricky Ranking se fend d’ailleurs d’une formidable tranche de reggae digital ‘old school’ rappelant les grandes heures du légendaire King Jammy. Les gaillards saluent les ‘ladies of Brussels’ et les bonnes vibrations qui émanent effectivement du public. La prestation se termine, et on reste conquis par cette synthèse presque parfaite de reggae digital, de hip hop et de dubstep.
Après une longue période de préparation, GZA monte sur les planches, accompagné de Killah Priest des Sunz Of Man. ‘The Genius’ (le surnom que ces comparses du Wu-Tang lui avaient attribué) vient rejouer l’intégralité de « Liquid swords », son album mythique, sorti en 1995. Composé à l’époque où le Wu-Tang Clan était à son sommet créatif, « Liquid Swords » incarne aussi l’aspect le plus philosophique du groupe. S’il recèle les plus beaux beats que le producteur RZA ait créés, « Liquid Swords » est aussi un album bigrement original où toute l’équipe du Wu-Tang Clan (Ghostface, Method Man, ODB, Killah Priest…) lâche quelques unes de ses plus belles rimes. L’album est bien entendu dominé par la personnalité et le flow particulier de GZA, sorte de moine-guerrier urbain pour qui les rimes sont des ‘lames liquides’. Son flow évoque aussi d’autres lames : précises et aiguisées.
Le show respecte le tracklisting de l’album. Le tube « Liquid Swords » ouvre d’ailleurs le bal. Evidemment, RZA (et les autres) ne sont pas venus pour placer leurs rimes, mais GZA et Killah Priest assurent parfaitement. Les beats implacables de RZA explosent nos oreilles (ainsi que les enceintes de l’AB) et le duo passe (quelquefois un peu rapidement) en revue les bijoux de l’album : « Duels of The Iron Mic », « Leaving in the world today », le hanté « Cold World », sans oublier le « B.I.B.L.E. » de Kilah Priest. Le duo expédie « Liquid Swords », et on a l’impression que les gaillards n’affectionnent pas particulièrement l’exercice. Mais l’AB exulte et au sein du public déchaîné, un fan parvient à faire dédicacer le vinyle de « Liquid Swords » qu’il brandissait depuis un quart d’heure. Le duo enchaîne ensuite sur quelques vieilles scies du Wu tirées des deux premiers elpees du collectif. On a droit à quelques nouveaux titres issus de « Protools », le nouvel opus de GZA mais c’est « Shimmy Shimmy Ya » qui atomise l’AB. Le classique du défunt « Ol’Dirty Bastard » nous rappelle que le vieux bâtard et GZA ont commencé à rapper ensemble quand ils étaient jeunes… On arrive donc à la fin de ce concert un peu nostalgique (mais énergique), un set réminiscent de l’âge d’or du hip hop new-yorkais des années 90, définitivement révolu. En tout cas, les vieux guerriers du Wu suscitent encore le respect et l’admiration de la grande foule qui s’est déplacée ce soir pour leur faire un triomphe.
Organisation AB
C’est dans une Ancienne Belgique étonnement bondée que s’est produit l’événement hip hop de cette fin d’année, où le passé (GZA) a rencontré le futur du mouvement (Roots Manuva). Après une fouille corporelle, on est autorisé à pénétrer dans la grande salle pour assister à la fin du set de Beat Drunx. On n’en verra cependant pas assez pour se forger une bonne idée du hiphop pratiqué par les deux Gantois.
Quelques bières plus tard, débarque Roots Manuva, un des meilleurs et plus influents emcees du hip hop anglais des années 2000. L’homme vient nous présenter « Slyme and Reason », son quatrième album (sans compter les deux consacrés aux remixes), une œuvre qui renoue avec les sonorités jamaïcaines. Notre homme est soutenu par deux dj’s. L’un d’eux est d’ailleurs affublé d’un saxophone qu’il n’utilisera pas une seule fois au cours de ce concert court et agréable. Au chant, l’excellent chanteur Ricky Ranking (http://www.myspace.com/rickyranking) –vétéran de la scène reggae anglaise, il a déjà collaboré aux projets de Roots Manuva, à plusieurs reprises– donne de l’amplitude au rap enfumé de Rodney Smith.
L’équipe commence en force par « Again & Again », le premier single très reggae issu de « Slyme and Reason ». L’ambiance est bonne. Roots Manuva est visiblement défoncé. Ce qui n’entachera en rien la qualité de la prestation, malgré quelques petits trous de mémoire. Le duo épingle pas mal de morceaux du nouvel album (dont l’excellent « Buff Nuf ») mais aussi quelques classiques du passé. Avant d’entamer le beat imparable de « Witness », les deux compères tentent de nous faire croire que « The council of Brussel forbid us to play this song ». “Dreamy Days” et quelques autres classiques suivent. Ricky Ranking se fend d’ailleurs d’une formidable tranche de reggae digital ‘old school’ rappelant les grandes heures du légendaire King Jammy. Les gaillards saluent les ‘ladies of Brussels’ et les bonnes vibrations qui émanent effectivement du public. La prestation se termine, et on reste conquis par cette synthèse presque parfaite de reggae digital, de hip hop et de dubstep.
Après une longue période de préparation, GZA monte sur les planches, accompagné de Killah Priest des Sunz Of Man. ‘The Genius’ (le surnom que ces comparses du Wu-Tang lui avaient attribué) vient rejouer l’intégralité de « Liquid swords », son album mythique, sorti en 1995. Composé à l’époque où le Wu-Tang Clan était à son sommet créatif, « Liquid Swords » incarne aussi l’aspect le plus philosophique du groupe. S’il recèle les plus beaux beats que le producteur RZA ait créés, « Liquid Swords » est aussi un album bigrement original où toute l’équipe du Wu-Tang Clan (Ghostface, Method Man, ODB, Killah Priest…) lâche quelques unes de ses plus belles rimes. L’album est bien entendu dominé par la personnalité et le flow particulier de GZA, sorte de moine-guerrier urbain pour qui les rimes sont des ‘lames liquides’. Son flow évoque aussi d’autres lames : précises et aiguisées.
Le show respecte le tracklisting de l’album. Le tube « Liquid Swords » ouvre d’ailleurs le bal. Evidemment, RZA (et les autres) ne sont pas venus pour placer leurs rimes, mais GZA et Killah Priest assurent parfaitement. Les beats implacables de RZA explosent nos oreilles (ainsi que les enceintes de l’AB) et le duo passe (quelquefois un peu rapidement) en revue les bijoux de l’album : « Duels of The Iron Mic », « Leaving in the world today », le hanté « Cold World », sans oublier le « B.I.B.L.E. » de Kilah Priest. Le duo expédie « Liquid Swords », et on a l’impression que les gaillards n’affectionnent pas particulièrement l’exercice. Mais l’AB exulte et au sein du public déchaîné, un fan parvient à faire dédicacer le vinyle de « Liquid Swords » qu’il brandissait depuis un quart d’heure. Le duo enchaîne ensuite sur quelques vieilles scies du Wu tirées des deux premiers elpees du collectif. On a droit à quelques nouveaux titres issus de « Protools », le nouvel opus de GZA mais c’est « Shimmy Shimmy Ya » qui atomise l’AB. Le classique du défunt « Ol’Dirty Bastard » nous rappelle que le vieux bâtard et GZA ont commencé à rapper ensemble quand ils étaient jeunes… On arrive donc à la fin de ce concert un peu nostalgique (mais énergique), un set réminiscent de l’âge d’or du hip hop new-yorkais des années 90, définitivement révolu. En tout cas, les vieux guerriers du Wu suscitent encore le respect et l’admiration de la grande foule qui s’est déplacée ce soir pour leur faire un triomphe.
Setlist Roots Manuva :
Again & again
Kick up ya foot
Buff nuff
Dub styles
Too cold
Join the dots
Its me
Oh lord
Ninja we ninja
Movements
Witness
Seat yourself
Two pieces
Dreamy days
Bashment boogie
Let the spirit
Organisation AB
21h. La salle est en effervescence. Il faut croire que la majorité des spectateurs n’en a cure des critiques assassines, assénées sans répit par Pitchfork, aux quatre Californiens, depuis leurs débuts. Difficile de s’en départir pourtant. Elles résonnent, cinglantes et sans appel. Les Cold War Kids ne feraient donc que du ‘pastiche poli qui insulte l’intelligence des amateurs d’indie-rock’? Du son de ‘boy-scout’ ? Du ‘storytelling superficiel’ ? De quoi s’étonner d’une telle hargne alors que les rumeurs accompagnant la sortie de « Robbers and Cowards » (2007) préconisaient la révélation de l’année. En outre, le Botanique les affichait déjà ‘sold out’ et l’album trônait dans la majorité des tops de fin d’année. Autant dire que le paradoxe, comme la salle de ce soir, est à son comble.
L’entrée est explosive. Sans un mot, le micro est saisi pour plonger à tue-tête dans les meilleurs morceaux du premier album. Même crié plus que chanté, même répété inlassablement sur le même ton, « Hang me up to dry » emporte instantanément nos esprits éméchés. On n’en mène pas large. Aucune résistance non plus sur « Used to vacation », toujours aussi implacable. La familiarité des premiers morceaux introduit en douceur ceux de « Loyalty to loyalty », un deuxième album aux mélodies moins indélébiles et plus décousues, mais finalement peut-être aussi plus matures et décomplexées. « Something Is Not Right With Me » séduit par son rock endiablé. « Welcome To The Occupation » par ses exercices de style différents, condensés en un morceau. Il aura fallu une minute, un instant peut-être, pour conquérir. Un signe de tête, une confirmation instantanée pour que le public semble unanime. C’est bien là, l’accord implicite qui est conclu : une heure et demie d’énergie sans compromis. Du coup, il faut aimer cette voix poussée à l’extrême dans les aigus; s’accommoder de cette allure brouillonne et chiffonnée, de ce côté touche-à-tout de l’accent blues du terroir, de ce riff de rock crasseux. Accepter que Nathan Willett pousse le son à l’extrême sans vraiment consulter nos oreilles déjà en feu. Mais puisque c’était dans le contrat, c’est accueilli sans réserve. La folie devient incontrôlable dès les premières notes de « Hospital beds ». Qui se soucie de savoir qu’aucun des Cold War Kids n’a jamais vraiment connu les heures glauques des soins intensifs ? Tout le monde est d’accord de mettre le feu ‘Put up the fire, don’t stop don’t stop, put up the fire on us’. Peu importe qu’on finisse tous en ‘fish and chips’ ; on est en sueur. L’énergie est carrément contagieuse et les refrains se vident de leur contenu pour imposer leurs formes, bousculer les endormis, rappeler à la vie. Laquelle ? On ne sait pas très bien s’il s’agit de celle que les Cold War Kids prêchent en invoquant Dieu par-ci ou par là ; mais puisque c’est ardemment prêché, on se fond dans cette ébullition salutaire. Bénie, en rappel, par le fascinant « Saint John ».
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